"Lookbook" constitue déjà le troisième album de Slut. Un quintette allemand dont la musique évoque, à premier abord, New Order, Talk Talk et Naked Eyes. A cause des arrangements particulièrement soignés, parfois même sculptés dans les instruments à cordes ; du sens mélodique mélancolique, à la sensibilité new wave. Du timbre vocal tendre, clair, chargé d'émotion de Christian Neuburger. Et puis du rôle majeur joué par le claviériste/pianiste. En finale, " Hope " est même découpé dans une mélodie cold wave digne du Cure. Et pourtant, au fil des écoutes, on se rend compte que Slut est capable d'embrasser différents horizons sonores. Tantôt progressif, technologique ou même complexe. A l'instar du curieux " No say ", plus qu'inspiré par Brian Eno. Mais les compositions les plus intéressantes sont aussi et cependant les plus électriques. Abordées avec un esprit britpop. Et je pense plus particulièrement au convulsif et blurien " No time ", à " Global cut ", qui s'inscrit dans la lignée de Radiohead, Muse, Coldplay et consorts ; et puis d' " On fire ", dont la longue construction de plus de sept minutes épouse un profil fort proche de Kent. Un ensemble à suivre de très près, c'est une certitude !
Le retour. Baromètre du néo-métal (vous savez, le genre), Slipknot enfonce le clou dans la surenchère. C'est que nous avons à faire aux spécialistes en la matière, s'il est nécessaire de le rappeler. Et avouons qu'un nouveau palier vient d'être franchi : celui du foutage de gueule, intégral cette fois. Autant le premier album passait à moitié, autant celui-ci lasse très vite. De par sa monotonie très certainement. Mais surtout par sa complaisance envers les codes en vigueur. Plus spécialement au chant ! C'est du beuglement pour du beuglement et les passages plus aériens (vous savez, encore le genre) sont d'une niaiserie affligeante. Même le batteur, principal intérêt selon moi du groupe, ne tient plus la cadence. Slipknot se singe déjà, se mord la queue, mais vendra comme des petits pains sa cargaison de " Iowa ". C'est tout le mal qu'on leur souhaite. Les masques tombent déjà…
D'après la biographie, le premier album de cette formation suédoise transpirait à plein pores le métal urbain des Stooges. Une caractéristique beaucoup moins évidente sur " Citizen Bird ", leur nouvel opus, même si le guitariste a souvent tendance à torturer sa guitare comme Ron Asheton. Nonobstant le clavier rogné, poussiéreux, leur nouvelle ligne de conduite se rapproche davantage de celle de Loop. A cause du tempo hypnotique qui balise le climat franchement psychédélique. D'ailleurs, sous sa forme la plus space rock, la solution sonore épouse un profil aussi obsessionnel que chez Hawkwind, alors que lorsqu'elle s'évapore dans l'éther atmosphérique, elle flirte avec l'univers de Spacemen 3. Au fil de l'album, les compositions se révèlent beaucoup plus éclectiques. Acoustiques, également. A l'instar de l'excellent " Axe moon ". Lorsqu'elles n'épousent pas un profil new wave. Surtout lorsque le synthé se substitue à l'orgue. Seul le final " I love you " nous rappelle que la musique de Siverbullet est profondément marquée par Iggy Pop et ses Stooges…
Après avoir publié " Low Budget ", " Walk " et " Plenty of time ", ce roots singer helvétique nous propose son 4ème album chez Crosscut. Si Hank chante et assume toutes les parties de guitares, il serait indécent de passer sous silence le rôle de Thomas Erb. Il a composé 13 des 14 plages de l'album dont il est le producteur et l'ingénieur du son. Excusez du peu ! Baptisé tout simplement " Hank Shizzoe ", cet opus est bien plus personnel. Solitaire même. Et ne cherchez pas le nom d'un autre musicien, Hank joue de tous les instruments sur cette œuvre intimiste au ton très folk.
Hank ouvre le disque par " Don't bore me, man ". Le climat est confidentiel, la voix chaude, proche de Tony Joe White, et la guitare sonne comme celle de Mark Knopfler lorsqu'il aborde son répertoire le plus folk. La ballade " Small time " s'inscrit dans le même registre. Elle est aussi la composition que je préfère. Les cordes sonnent parfois métalliques, proches des sonorités produites par la steel guitar. A l'instar de " Forget about taste ", pourtant plongé dans une ambiance hawaïenne. Hormis "No ghosts around here", il faut reconnaître que le blues est assez boudé. A contrario, le disque regorge de chansons sombres, minimalistes, à travers lesquelles transparaît l'ombre de Léonard Cohen. Et je pense tout particulièrement au doux et bien joli " You make it sway ", à " Sally goes home ", et puis à " Serious shopping ", plongé dans un climat carrément noir et blafard. Rare plage électrique, " Rock around the moon " est assez étonnante. A cause surtout de l'utilisation de vocaux, ma foi, extraterrestres et puis de l'explosion d'un étrange harmonica. Une idée à creuser ! Enfin, enrichie de dessins réalisés par Philip Brand, la pochette est fort soignée. Cet album reste de bonne facture, mais je lui préfère les précédents, exécutés au sein d'un véritable groupe…
Les Shins nous viennent du Nouveau Mexique. D'Albuquerque, très exactement. Une formation qui puise allègement dans la pop des sixties pour composer ses chansons. Et tout particulièrement chez les Kinks, les Beach Boys, Syd Barrett, Simon & Gardfunkel, les Byrds et les Beatles circa " Rubber soul ". Ce qui doit vous donner une petite idée du style qu'elle pratique. Qui n'a pourtant rien de revivaliste. Car elle possède la capacité de transcender ses influences, de manière à les fondre dans un contexte très contemporain. Ou alors tout simplement dans la mélancolie post punk. Ce qui explique pourquoi l'électronique n'est pas exclue. Elle est même parfaitement intégrée. Les Shins recèlent également des affinités avec les Lilys, Neutral Milk Hotel ou encore Kings Of Convenience, mais à des degrés divers. A cause du chanteur/compositeur, tout d'abord. En l'occurrence James Mercer. De son timbre éthéré, presque falsetto, régulièrement délayé dans de superbes harmonies vocales cristallines, il épanche ses lyrics douloureux, introspectifs, ésotériques, communiquant une certaine beauté fragile à des mélodies facilement mémorisables, le plus souvent semi acoustiques et légèrement teintées de psychédélisme. Et pour ne pas tomber dans la morosité, les Shins ont eu le bon goût d'intercaler, sur cet " Oh, inverted world ", l'une ou l'autre composition ensoleillée ou alors tout simplement plus enlevée. A l'instar du complexe, presque prog, " Caring is creepy ", réminiscent de Sunny Day Real Estate, du ferroviaire " One by one all day ", du power pop, presque new wave, " Girl on the wing " ou encore de l'allègre " Pressed in a book ". Un chouette album !
Lorsque Sheller s'entoure d'un groupe traditionnel en plus d'un ensemble à cordes, je crains toujours le pire. En général, ça casse plus souvent que ça ne passe. Impression confirmée par cet enregistrement live de la tournée qui a suivi la sortie des "Machines Savantes", dernier album studio en date. Dès la deuxième plage, la batterie enlève toute la finesse de "Moondown". Au troisième, le solo de guitare saccage "Les millions de singes"… Sans le groupe, les choses s'arrangent sur les quatre fragments qui suivent : "Les orgueilleuses", "To you", Centre ville" et "Un endroit pour vivre" ; pour finalement repartir sur du rock (ou du métal) de bas étage. Fin du premier cd. Le second est différent. Sur les 11 titres seuls 3, regroupés en fin de concert, sont taillés dans le rock (dont "Rock n' roll dollars"). Sheller ne s'y trompe d'ailleurs pas et plaisante à ce sujet lors de la clôture. Parce qu'il doit reprendre l'exécution de sa "Chanson lente", tant l'écart entre les deux mondes, qu'il tente de faire cohabiter, est grand. Bon, voilà pour l'aspect "technique". L'interprétation générale est évidemment de qualité, la présence d'une clarinette ou d'une trompette ça et là donne une nouvelle dimension à certaines chansons. Le track list judicieux recèle quelques classiques ("Genève","Une chanson qui te ressemblerait",…) et de nouveaux titres. Mais si tout se marie plutôt bien, ce mélange rock/classique ne soude pas spécialement l'ensemble. Alors soit vous créez une programmation, soit comme moi vous réécoutez Sheller. "En solitaire" !
Comme rien ne s'approche de près ou de loin de Shelby Bryant dans ma discothèque (NDR : peut-être certaines productions de Thinking Fellers Union Local 282), cette critique va être coton. Tout d'abord, ce disque est paru chez Smells like records, c'est à dire le label de Steve Shelley (Sonic Youth), sur lequel on retrouve notamment Blonde Redhead. Dans ces conditions, ce " Cloud-woud music " devait forcément être intéressant. Il ne m'a effectivement pas déçu. Et c'est déjà un bon point. Car cette plaque est curieuse voire anachronique. Pensez-donc, ouvrir ce disque en chantant "It's a lovely day", et ne pas en démordre jusqu'à son terme, mérite que je leur tire mon chapeau. D'un optimisme béat, presque écœurant, nonobstant la présence en filigrane de mélodies à 2 balles et d'instruments bontempi, les compos frôlent à tout moment la pire des indigestions. Mais comme le sieur Bryant est un personnage attachant et que sa bonne humeur est communicative, c'est tout le contraire qui se produit. Reprendre une chanson de Daniel Johnston est d'ailleurs preuve de bon goût. Johnston qui doit partager sa chambrée avec Bryant, soit dit en passant. Même imagerie infantile, même naïveté dans les propos, même humour décalé nourri de dessins animés et de comics. En conclusion, "Cloud-wow music" constitue le truc le plus original et le plus surprenant que j'ai pu écouter, et donc apprécier, depuis belle lurette… Vous voulez une preuve ? J'en consomme plusieurs morceaux, au minimum une fois par jour !
Bien qu'issu de Boston, Sheila Divine puise essentiellement ses influences dans la musique insulaire. Et en particulier chez U2, Radiohead, les Smiths, Kitchens Of Distinction et la cold wave des eighties. Une musique qui libère beaucoup d'intensité électrique. Normal depuis que le line up du combo a engagé pour deuxième guitariste, l'ex-Lincolnville, Colin Decker. Une intensité électrique luxuriante, chatoyante, brumeuse, bringuebalante, soutenue par une section rythmique solide, hypnotique et modelée par un sens mélodique particulièrement contagieux. Une intensité électrique balayée par le timbre vocal languissant, déchiré entre passion et émotion d'Aaron Perrino, responsable de chansons tantôt tendres, tantôt frénétiques, tantôt houleuses, tantôt hymniques. Et là, vous allez me dire, encore un groupe qui use et abuse des clichés britpop ! Et vous n'avez pas tout à fait tort. Car, si cet album est plutôt bien ficelé et même très agréable à écouter, il ne fera certainement pas avancer le schmilblick…
Le deuxième opus de Michael J Sheehy nous plonge au sein d'un univers atmosphérique, né s'un savant mélange de mélancolie, d'intimisme et d'indolence. Sis à la croisée des chemins de Nick Cave, de Tindersticks, de Cowboy Junkies et du Dream City Film Club sous son aspect le plus moelleux, cet univers est hanté par le vocal androgyne de Michael, dont les inflexions reverb, empruntées à Chris Isaak, sont régulièrement enrobées de chœurs gospel. Parfois, le ton peut néanmoins épouser une forme plus aride, plus agressive. A l'instar du tribal " Michael Jnr " ou de l'hypnotique " Wa'cha gonna do ? ". Deux titres que PJ Harvey pourrait facilement adapter au féminin. Coulé (?!?!) dans le delta, " Black holes is waiting (baby let's go) " est absolument superbe. Mais le meilleur fragment de l'opus est incontestablement la cover de " Mystery train ". Une chanson écrite par le tandem H Parker/S Philipps et immortalisée par Elvis Presley. Excitante, envoûtante, la nouvelle version vous remue véritablement les tripes. Un must !
Avant d'entamer une carrière individuelle, Virgil Shaw sévissait chez Dieselhed. Un groupe californien, de San Francisco très exactement, en compagnie duquel il a bourlingué une bonne dizaine d'années ; et puis surtout commis cinq elpees. " Quad cities " constitue donc son premier album solo. Un disque pour lequel il a quand même reçu le concours de quelques potes. Mais uniquement pour apporter quelques touches de sonorités insolites à sa solution basiquement acoustique, lo fi. Des sonorités clairsemées mais tellement lumineuses produites par des instruments aussi inattendus que la scie, les cloches, la trompette chinoise ou le vibraphone. Pour écrire ses chansons délicates, douloureuses, Virgil regarde le monde qui gravite autour de lui à travers des lunettes déformantes. Il y épanche alors ses émotions, ses angoisses, d'une voix savoureusement versatile, en s'accompagnant d'une simple guitare sèche, qu'il joue le plus souvent en ‘picking’. Néo country folk !
Ce jeune chanteur/guitariste anglais avait enregistré son 1er album en 1994. Intitulé "Touch of your love", il était paru sur Red Lightnin. Pour enregistrer ce nouvel opus, Todd s'est entouré de toute une série d'invités notoires.
L'adaptation du "I can't stop it" de Joe Liggins est un pur boogie woogie. Une ouverture caractérisée par une brillante intervention du pianiste Paddy Milner. Keith Dunn chante sur 7 titres. Un Américain, de Rhode Island très exactement, qui joua naguère chez Roomful of Blues. "Losin' this woman" bénéficie du concours d'une des meilleurs voix du blues anglais. Celle d'Earl Green, pour ne rien vous cacher. Un vocaliste qui sévit aujourd'hui au sein des Kingsnakes de Paul Lamb. "Ordinary fool" est un blues savoureux, inspiré par Guitar Slim. Brillant aux cordes, Todd libère un solo tout en sensibilité face à Eugene "Hideaway" Bridges, préposé au chant. Shuffle très entraînant, "Bird on a wire" est nourri par la présence de deux harmonicistes. On y reconnaît distinctement Paul Lamb. Il ponctue chaque phrase de petites notes qui font mouche à chaque fois. Quant au solo, il est l'œuvre du chanteur, Keith Dunn. Leo Sayer chante le R&B largement cuivré, "I think I'm blind". "Heart and soul" est un long blues lent traversé par le solo dramatique attendu. "Willow" est une plage instrumentale hantée par l'ombre de Carlos Santana. L'ambiance feutrée, latino américaine est omniprésente. Chanté par Earl Green sur un rythme soutenu, "Doghouse" atteint un autre sommet au cours duquel Todd engage un duel de cordes avec Snowy White et la slide de Mick Taylor. Hormis l'ouverture et "Look watcha done" de Magic Sam (NDR : une de ses références), Todd a composé l'intégralité de l'album. Paul Lamb démontre à nouveau toute l'étendue naturelle de son talent, lorsqu'il imprime avec force le rythme sur son harmonica. Il le démontre sur "Ball". L'album s'achève par une ballade douce et mélodique que Sharpville chante en personne. J'ai été agréablement surpris par cet opus. Un disque habillé ( !?!?) d'une superbe pochette. Faut dite que Jane, Amber et Charlotte ne manquent ni de charme, ni de sensualité…
La bonne blague de la semaine ! L'Italie ne s’abreuve pas seulement d'Eros Ramazzotti. Personnellement je n'en doutais pas. Mais bon... Tout d'abord, passez outre les quelques paroles en italien qui ne nuisent finalement pas trop; ensuite oubliez que Green Day (les titres punky), Fishbone (les cuivrés) et Skatalites (les skas donc) sont des noms qui reviennent en tête toutes les 3 mesures, et vous tenez là une bonne petite plaque de ska punk. Tout se tient finalement. A noter une reprise à la sauce ska de " Seek and destroy " des 4 de Metallica.
Quatrième album pour ce groupe américain qui voudrait être Dream Theater à la place de Dream Theater. Authentique groupe de prog-metal, Shadow Gallery perpétue la tradition des breaks scientifiques, en développant des solos d'une grande technicité au sein de plages à tiroirs interminables. Les 34'18" du titre "First Light" livrent une somme de riffs et de breaks à faire pâlir de jalousie Yes ou le grand Rush. Certes la technique est irréprochable. Certes les membres de Shadow Gallery ont tous fréquenté un conservatoire. Certes l'organe du chanteur Mike Baker possède bien des atouts. Mais je déplore l'absence d'émotion manifestée par ce "Legacy". Un tantinet trop pompeuse, cette plaque comblera néanmoins de bonheur ceux qui ont craqué sur les derniers Ark, Fates Warning ou Ivory Tower.
Sodastream nous vient d'Australie. De Perth très exactement. Réduite à un duo depuis qu'elle a déménagé à Melbourne, la formation vient d'enregistrer son deuxième opus. Karl Smith et à Pete Cohen ont quand même reçu la collaboration de quelques musiciens de studio. Altiste, trompettiste, tromboniste et même drummer sont ainsi venus épauler un tandem responsable d'une musique lo fi. Mais lo fi dans l'esprit de Will Oldham ou de Palace Music (NDR : ce qui revient au même puisque Will Oldham est l'unique musicien de Palace…). Bref, si cet album concède peu de place à l'électricité, il met quand même en exergue les accès ténébreux, frémissants de la contrebasse de Pete. Et puis la voix de Karl. Douloureuse, affectée, amère, elle s'appuie sur une six cordes acoustique, le plus souvent jouée en picking. Parfois aussi sur un piano hantant. Tout un univers sonore minimaliste, mélancolique, capable de briser votre cœur, mais de réchauffer votre âme…
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