Byther est né en 1933 à Monticello, dans le Mississippi. Au cours des années 50, il émigre comme tant d'autres vers Chicago. Il y apprend la guitare en compagnie de son cousin, un certain J.B Lenoir. Il en joue régulièrement au sein des groupes d'Otis Rush, de Junior Wells, de Big Mama Thornton et de George Smith.
"Grits, Tell me how you like it" constitue sa première œuvre personnelle. Elle remonte à 1993. Depuis, il a appris à se faire connaître en gravant des disques pour Bullseye, JSP et surtout Delmark. En l'invitant à enregistrer aux Pays-Bas en compagnie de musiciens locaux, placés sous la houlette du talentueux claviériste Roel Spanjers ; et en mettant l'accent sur les classiques du blues plutôt que sur ses compositions personnelles, Black & Tan a reconduit l'expérience menée pour Percy Strother. Un environnement propice pour interpréter le blues rythmé ; à l'instar de "Little voice", écrit par le sax man A.C Reed. Le jeu de guitare est inspiré par les maîtres du Westside de Chicago ; et tout d'abord par Otis Rush, dont il reprend ici les hits qu'il n'a pas écrits : "So many roads" et "She's a good 'un". Les deux versions sont indiscutables. Même s'il s'agit d'un classique éculé, j'adore sa reprise de "Five long years", du pianiste Eddie Boyd. Il la chante avec un maximum d'autorité. Dans un style proche du meilleur Jimmy Dawkins, il tire des sons écorchés de sa guitare, la sensibilité à fleur de peau. Ses interventions vocales les plus réussies me font penser à Luther Allison. Et c'est bien là la plus belle des qualités. Changement de registre lorsqu'il sort sa slide pour entamer "Your daughter don't want me no more". Il se fait Elmore James pour disserter sur le thème de "Mama talk to your daughter", écrit par son cousin J.B. Un bel hommage ! Byther est aussi capable de laisser respirer sa sensibilité, née dans le Delta. En particulier sur l'acoustique "Same thing on my mind". Il termine par l'interprétation de deux de ses chansons, dont un excellent blues, très proche de B.B King, intitulé "Don't hurt me no more". Ce disque manque peut-être d'originalité, mais dans la réalisation il est d'excellente facture. J'allais oublier d'attribuer une mention spéciale, voire d'excellence, pour les interventions au piano de Roel. C'est fait !
Le monde de Sparklehorse est hanté par l'imagination de Mark Linkous; et nous sommes les spectateurs privilégiés du microcosme de ce génie désespéré. A travers ses chansons fragiles, énigmatiques, baroques, il combine perspicacité lyrique et imagerie gothique typiquement américaine. Des chansons qu'il interprète de sa voix chuchotée, gémissante, parfois triturée mais tellement triste qu'elle ne peut trahir chez son interprète qu'un sentiment d'auto pitié. " It's a wonderful life " constitue son troisième opus. Un disque qui a reçu le concours de John Parrish et surtout de Dave Fridmann à la co-production. Et le talent de Dave, exercé habituellement chez Mercury Rev, est immédiatement perceptible. A l'instar du superbe " Gold day ", profilé sur un orgue à la respiration sifflante ou du luxuriant et électrique " King of nails ". Si Mark joue d'une panoplie d'instruments assez ahurissante ; depuis la guitare aux boîtes à rythmes, en passant par le Wurlitzer, le mellotron, le casio, l'optigan, les sampler, le chamberlin, le piano et autres objets insolites, il a quand même bénéficié de la participation de toute une armada de collaborateurs. Parmi les plus huppés, on y retrouve PJ Harvey ( " Piano fire " et " Eyepennies " ), la vocaliste des Cardigans, Nina Persson, sur le seul morceau véritablement sinistre de l'elpee, " Apple bed ", Tom Waits au chant pour un " Dog door " écorché par le psychédélisme de Kevin Ayers; et puis la fidèle équipe qui l'avait aidé pour enregistrer " Good morning spider ". En l'occurrence la violoncelliste Jane Scarpatoni, la violoniste Joan Wasser et la choriste Sophie Michelitsianos. L'elpee recèle bien évidemment quelques ballades plus intimistes, minimalistes, dont la mélancolie teintée d'amertume et de douceur évoque tantôt Lambchop, tantôt Palace Brothers. Un bien bel album !
A l'instar de Red House Painters et du défunt American Music Club, Spain nous plonge dans un univers mélancolique, crépusculaire, peuplé d'histoires de déceptions, de solitude et de ruptures. Pourtant, le ton adopté tout au long d'" I believe " paraît, à première écoute, beaucoup moins sinistre. Une impression causée tout d'abord par le tempo légèrement plus rythmé. Légèrement ! Faut pas croire que le quatuor de LA se soit subitement mis à carburer au rock n’ roll. Simplement, il a abandonné ce profil indolent, lymphatique, qui lui avait valu, à ses débuts, d'être comparé à Low, Codéine, Cowboy Junkies et consorts. Ce qui ne l'empêche pas de libérer une dose considérable d'intensité émotionnelle. Une sensation accentuée par la mise en avant des accords de guitare dispensés par Merlo Podlewski. Des accords limpides, rafraîchissants, qui rencontrent ceux poignants, souples, de la basse de Josh Hayden, pour tisser des mélodies empreintes de charme et de séduction. Claviers satinés, fruités, drums duveteux, chuchotés et arrangements soignés complètent cette toile sonore lustrée par le timbre vocal sensuel et hypnotique de Josh. Un chouette album !
Une chose est sûre, cette formation a été contaminée par le virus du baggy. C'est à dire le mouvement historique, né à Manchester au milieu des 80's, qui s'est traduit chez des groupes comme Stone Roses ou Happy Mondays à travers des sons répétitifs et hypnotiques de la house. Et qui a enfanté les Charlatans et Oasis (NDR : les temps ont changé depuis…). A l'instar d'UNKLE, South veut faire revivre cette scène. Sous une forme plus contemporaine, moins rigide. En lui donnant une nouvelle dimension, si vous préférez. Les deux groupes ont d'ailleurs travaillé ensemble, tout récemment, pour concocter la bande sonore du premier film de Jonathan Glazer, " Sexy beasts ".
Produit par le boss du label Mo Wax en personne, James Lavelle, " From here on in " constitue le premier opus du trio. Un disque particulièrement long, découpé en 16 morceaux, dont deux versions d'" All in for nothing ", trois de " Broken head ", quelques instrumentaux, et puis l'une ou l'autre ballade plus tendre, plus mélancolique. Dont un " Southern climbs " courtisé par un violoncelle et caractérisé par des sonorités de guitare acoustiques cristallines. Ou encore " Keep close ", hanté par le fantôme de John Lennon. Mais la musique de South baigne avant tout dans la house. Une house subtile, riche, insidieuse, climatique canalisée par la section rythmique contagieuse, sur laquelle papillonne le timbre vocal laconique, ‘ianbrownesque’ de Joel Cadburry. Une bonne surprise, nonobstant certains fragments qui ont tendance à tirer en longueur…
Du rauque'n roll! Du vrai, du pur, du tatoué ! Dispensé par un quatuor qui nous vient de New York. Et croyez-moi, ce groupe a la pêche ! Un groupe, drivé par un certain Mr Ratcat, dont l'itinéraire de globe-trotter est plutôt impressionnant. De son véritable nom Gilbert Avondet (NDR : pas très yankee comme patronyme !), ce Suisse roule sa bosse dans le monde du rock depuis 79. Après avoir milité chez quelques groupes locaux, il a séjourné en Angleterre de 83 à 84, pour y apprendre la langue de Shakespeare ; puis a émigré à Los Angeles en 88. Il y transitera quelque temps chez Motorcycle Boy, avant de mettre le cap sur New York. Pour y fréquenter une multitude de formations, parmi lesquelles Pillbox, Jeff Dahl et Marky Ramone & The Intruders sont probablement les moins méconnues. A force de rencontrer du monde, il finit par monter son propre groupe. En compagnie de vétérans du cru : Sour Jazz. Le combo compte déjà deux albums à son actif : " No values ", paru en 1999 et " Lost for life " en 2001. Deux disques pratiquement introuvables, aujourd'hui. " Dressed to the left " compile des extraits de ces deux opus. Quatorze fragments enrichis de deux inédits. Une seule cover : " Messin' the kid " des Saints. Ce qui frappe tout d'abord chez Sour Jazz, c'est la voix du chanteur. Son nom ? Lou Paris ! Un vocaliste qui campe un timbre déchiré entre celui d'Iggy Pop et de Fred Schneider (B52's) et dont la tronche, hybride de l'Iguane, de Lux Interior et de Lou Reed, pourrait inspirer les réalisateurs de films d'épouvante, à la recherche d'un nouveau sosie de Frankenstein… Une voix qui colle parfaitement à la musique glauque, viscérale, pulsante, tribale, dégoulinante d'électricité, stoogienne (pensez à leur elpee éponyme paru en 69 !), reedienne (là ce serait plutôt d'inspiration " Rock'n roll animal "), punkysante (bonjour les New York Dolls !), ponctuellement infectée de cuivres sulfureux ou de claviers (voire de synthés) en émulsion. Une voix responsable de lyrics bien évidemment sordides, où règnent la déglingue, le trottoir et autres turpitudes. Et si cet opus n'était pas une compilation, il mériterait le qualificatif d'indispensable.
Cet album ‘live’ réunit des chansons enregistrées le 12 janvier 2001 au Paradisio d'Amsterdam et le lendemain au ‘Singel’ d'Anvers. Huit titres dont une reprise assez personnelle et surtout très réussie du " Jealous guy " de John Lennon. Lors de ces deux sets, Robin Proper-Sheppard était bien entouré de son groupe, mais également d'une section de cordes. Ce qui donne un aspect somptueux à l'interprétation des chansons de cet opus ; et en particulier celle du superbe final " The river song ". Un seul bémol, le ‘happy birthday’ adressé à sa fille de 4 ans. Un moment sans doute privilégié, que l'artiste a sans doute voulu partager avec son public ; mais dont la reproduction sur CD fait un peu tarte…
Dès les premiers accords de ce nouvel album des Canadiens, le ton est donné : plus lourd que ça tu meurs. Selon le leader du trio, Ken Baluke, ce " Songs Of Worship " " contient les morceaux les plus heavy connus de l'humanité "… Sans doute qu'Ozzy et ses acolytes approuveront, tout comme Chris Goss (Masters of Reality) et Joshua Homme (Queens Of The Stone Age). Mais à la différence de ces derniers, qui font le stoner aujourd'hui, Ken et ses amis se posent davantage comme les ambassadeurs d'un rock psychédélique qui serait inscrit au Guiness Book, dans la catégorie ‘très, très gros son’. En accordant leurs guitares au plus bas, les Sons Of Otis dégagent une puissance dantesque, renvoyant tous les Kyuss du monde au rang de groupes pour midinettes. La quatrième dimension, diront certains à l'écoute de ces riffs, tant leur effet sur l'oreille renvoie aux hallucinations que pourraient nous procurer un voyage dans le vortex, entre spirales bourdonnantes et fractales hypnotiques. Ce n'est plus de la musique, c'est une expérience ‘synesthésique’, un voyage dans l'infini, déroulant ses volutes heavy comme un cordon de Moebius, d'où l'on ne sort pas indemne… Dix batteurs se sont déjà succédés derrière les fûts de ce gang intersidéral : sans doute n'ont-ils pas survécus aux décharges à neutron des guitares les plus heavy du monde, que dis-je de l'univers. Si vous n'avez pas peur de vous perdre dans les univers parallèles du heavy rock (au sens large), plongez dans ce disque sans vous retourner, vous en reviendrez transformé (NDR : l'écoute de Sons Of Otis n'est pas remboursée par la mutuelle).
Derrière Solex se cache Elisabeth Esselinck, un petit bout de femme dont l'imagination débordante lui permet de développer de nouvelles idées musicales. Une Néerlandaise responsable de trois opus solo à ce jour ; " Low kick and hard bop " constituant son troisième. Et il faut le reconnaître, elle est encore parvenue à étonner. En faisant cohabiter au sein de sa trip hop très personnelle, lo fi, jazz, garage, pop, blues, rockabilly, funk, électronique et une multitude d'autres styles musicaux. Une trip hop que nous pourrions situer à la croisée des chemins de Tricky, Ween et Cibo Matto. Mais une trip hop contaminée par un humour kitsch qui tient autant du surréalisme que de la bouffonnerie. Rien ne l'arrête au sein de son alchimie sonore. Même pas la rencontre de rythmes négligés et de vocaux maladroits, de boucles et de cuivres, de percussions tribales et de piano spectral. Et la liste des fusions périlleuses ou contre nature est loin d'être exhaustive. Sur " Good comrades go to heaven ", elle est même parvenue à marier percussions mariachi et kazoo! Un goût de l'expérimentation qu'elle cultive sans jamais négliger l'aspect mélodique de ses compositions. Et la mayonnaise prend à tous les coups. Déconcertant !
Starfalm, anagramme de ‘malfrats’, est issu des cendres du groupe Malfrats Linguistiques. Après avoir commis un premier album en 1998, disque qui les avait propulsés à la tête de la scène hip hop belge, ils nous reviennent avec un deuxième album, " Survivant ". Dès la première écoute, deux impressions se dégagent. D'abord, le hip hop pratiqué est de bonne qualité. Ensuite, les 17 titres d'une durée moyenne de 4 minutes me permettent de déduire que cette plaque affiche un timing respectable. Les deux DJ's qui sévissent au sein du groupe sont soutenus par une instrumentation variée. L'homogénéité n'exclut pas les influences un peu salsa (" De Frente ", " La Sonora "). Les titres old-school ou hardcore sont marqués de l'empreinte Starflam. Côté lyrics, les thèmes sont hétéroclites. En général engagés, ils se penchent sur les problèmes de la mondialisation, reflètent leur attitude face aux maisons de disques, ou encore relatent leur vision de la vie ou de leur quotidien. A l'instar des compos " Le vice ", " Mentalité de resquilleur " ou " Soir de dèche ". Et lorsqu'on sait que l'opus a bénéficié de quelques featurings respectables, parmi lesquels figurent Zap Mama, Arno et Shyrock, il n'est pas étonnant que " Survivant " constitue un des disques les plus frais et sincères qu'a pu enregistrer un artiste de rap francophone, ces derniers temps…
Bien que formé en 1997, Stache n'a adopté son line up définitif qu'en 1999. Et c'est sous cette forme que la formation d'Opwijk, un patelin perdu quelque part entre Bruxelles et Dendermonde, vient d'enregistrer son premier album. Un disque qui réunit compositions studio et quelques prises ‘live’ ; douze titres découpés dans des mélodies torturées, sombres, écorchées par la voix déclamatoire de Gunther Verspecht, dont le timbre est aussi éraillé que celui de Tom Waits, voire du chanteur de Gomez, Ben Ottewell. Pas étonnant dès lors que la musique de Stache navigue dans des eaux aussi troubles. Mais sous une forme plus lo fi que jazz ou r&b. Ce qui n'empêche pas la section rythmique d'avoir son mot à dire ou Gunther d'injecter, de temps à autre, une bonne dose d'électricité. Et dans le style, il faut reconnaître que ce " Grow up to be just like you " ne manque pas d'allure. Un groupe à suivre, c'est une certitude !
Si le sens mélodique des compositions de Spoon est aussi coriace, aride, intense et effilé que celui des Pixies circa " Surfer Rosa ", il est loin de manifester la même férocité (NDR : même pas au niveau de la voix) ; en outre, il évite soigneusement les brisures de rythmes caractéristiques chez le défunt groupe de Frank Black. Sur son dernier EP, la formation texane (d'Austin très exactement) s'est même autorisé quelques écarts de conduite. A l'instar de " Chips and dip ". Une composition ‘lennonesque’ alimentée d'accords de piano profonds et voilée d'arrangements psychédéliques. De " Figures of art ", dont les riffs de guitare funkysants, sont abordés dans l'esprit de Keith Richards. Du boogie " I did'nt come to here. Ou encore de "Jealousy", aussi sucré et contagieux qu'une chanson des Buzzcoks. Reste " Change my life ", titre lo fi qui correspond davantage au style pratiqué par le trio texan…
Seul maître à bord depuis qu'il a viré Mike Money, Damon Reece et Sean Cook (NDR : ils ont fondé depuis Lupine Howl), Jason Pierce a entièrement écrit et co-produit le nouvel opus de Spiritualized. Un disque pour lequel il a reçu le concours d'une bonne centaine de musiciens, dont des choristes gospel et un orchestre symphonique. Excusez du peu ! Sans oublier les arrangements panoramiques (NDR : ça rime !). Ce qui donne une envergure particulièrement vertigineuse, majestueuse, aux onze fragments de ce " Let it come down ". Et s'il subsiste l'une ou l'autre envolée torturée, hallucinatoire, pour ne pas dire psychédélique, elles se fondent totalement dans l'expression sonore. Encore que le frénétique " The twelve steps " constitue l'exception qui confirme la règle. Peu ou pas d'artifices électroniques sur cette plaque, mais un perfectionnisme ambient qui, parfois, prend une forme filmique, voire cartoonesque. Pourtant, les mélodies manifestent un feeling fondamentalement pop. Des mélodies puissantes, limpides, contagieuses, qui valent leur pesant de rêve et de fascination. Un bien bel album !
Présent au Pukkelpop, Spineshank a démontré ses indéniables qualités scéniques. Proche de System of a Down ou de Static X, cette nouvelle bombe néo-métal est le fruit d'une production particulièrement brutale signée Gart Richardson et Scott Humphrey, connus pour leurs méfaits commis sur les plaques de Rob Zombie et de Rage Against The Machine. Enregistré au Mushroom studio de Vancouver, ces onze nouveaux titres possèdent la rage d'un Fear Factory, mais manquent cruellement de véritables innovations et de cette petite touche qui ont fait de "Follow the Leader" ou de "Evil Empire" des classiques du genre. Des titres tels que "Asthmatic" ou "Full Circle" possèdent bien des atouts, mais la plaque dans son ensemble fini par lasser, tout en laissant un sérieux arrière-goût de déjà entendu.
Le trio hollandais Speedboat FC nous donne envie d'haïr le sampler : sur la dernière plage de leur nouveau CD, on est surpris de croiser cette vieille canaille de Bukowski au détour de quelques bleeps pourris, salissant l'aura du grand Buk et sa voix rocailleuse d'outre-tombe. En réactualisant des artistes oubliés par ses méthodes d'emprunt et de citation, le sampling a toujours été un fabuleux travail de mémoire… Sauf qu'ici, le résultat (sans doute parti d'une bonne intention) est pitoyable, non pas en raison de l'utilisation d'un poème de Bukowski, mais en raison de son intégration dans une trame musicale plus que faiblarde. Du début à la fin, cet album pue le renfermé. Les membres du groupe aiment dire qu'ils font de la " sample-pop ". On y voit seulement du bric et du broc. Les titres s'enchaînent et se ressemblent, collent tous à la même étiquette de produit périmé, bon pour la poubelle. Sans doute pourrait-on y voir un symbole de la culture lo-fi ou " DIY ", prônant la création à la maison, avec les moyens du bord. Mais peut-être que les Speedboat FC auraient dû sortir de leur cuisine pour nous épargner cette déconfiture. " Leur donneriez-vous de la viande faisandée qu'ils (les jeunes) se jetteraient dessus ! " nous dit Bukowski dans son journal intime, à propos de la musique de ‘djeunes’. S'il parle de Speedboat FC, il a foutrement raison. Sauf en ce qui concerne la deuxième partie de la phrase.
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