Début 98, ce sextuor bien de chez nous commettait un premier album dont la qualité nous avait agréablement surpris. 18 mois plus tard, il nous revient déjà avec un nouvel et excellent CD, " Seafood ". Un opus dont les compositions de pop rafraîchissante, enthousiaste, optimiste, sont caressées par la conjugaison parfaite des harmonies vocales échangées entre Roos Van Acker et Sofi Buyck. Des inflexions vocales qui nous font penser à un autre combo belge : K’s Choice. Et si l’an dernier, nous avions conclu que l’excellent backing group avait certainement beaucoup écouté Magnapop, il faut reconnaître que pour cet opus, les arrangements et la production ont reçu un traitement plus soigné, plus pro, si vous préférez. Avec un tel potentiel, Eden devrait tenir la dragée haute aux ténors de la scène musicale noir-jaune-rouge…
En remportant le 1er prix du second European Contest, qui s’est déroulé à Copenhague en 1996, cette formation drivée par une certaine Evie Hassapidou-Watson, chanteuse et principale compositrice, est enfin parvenue à s’extirper de la scène alternative hellénique, au sein de laquelle elle végétait depuis 1989. Conséquence directe, son deuxième album a été enregistré à Bath, en Angleterre sous la houlette de Bryan New, producteur de Cure, des Sugarcubes, de Neneh Cherry, mais également ingénieur du son chez Massive Attack. Un album qui recèle, nonobstant son éclectisme un peu trop ample, de bonnes surprises. Et en particulier lorsque les compositions atmosphériques se propagent sur un tempo trip hop spasmodique, le plus souvent profilé sur une basse dub, caoutchoutée, pour célébrer une hypothétique rencontre entre Propaganda et Smoke City. Ou encore, lorsque les mélodies pop épousent un profil plus vindicatif, un peu comme si Texas avait mangé du post punk, sans pour autant oublier de soigner les arrangements. Pour le reste, on a l’impression que le groupe se cherche encore, et en particulier lorsqu’il aborde le domaine du rock. Qu’il soit progressif, cosmique, U2esque ou encore tribal…
Folk Implosion a délibérément décidé de créer son propre écosystème musical afin de mieux canaliser son approche personnelle, créatrice et émotionnelle de la lo fi. Une lo fi que le duo prône spontanée, fluide et authentique. Mais en même temps et paradoxalement esthétique et luxuriante ; le duo n’hésitant pas à inclure bruitages, samples, boîtes à rythmes et arrangements technologiques, pour enrichir son univers sonore. « One part lullaby » constitue leur troisième album. Un disque dont l’intensité dramatique serpente entre les mélodies contagieuses. Les arrangements sont astucieux. Le groove hypnotique. Les harmonies vocales échangées entre John et Lou impeccables. Tantôt onctueuses, duveteuses, placides ou synthétisées, elles se fondent dans l’ensemble un peu à la manière de Crosby, Stills & Nash du début des seventies. Mais la marque de fabrique de Folk Implosion procède toujours de cette alchimie chatoyante opérée entre cordes de guitare électriques et acoustiques. Une œuvre sans aucune faiblesse, épinglant au passage une adaptation instrumentale de « Requiem pour un con » de Gainsbourg. Intitulée « Serge », elle constitue un hommage, pour le moins percutant, à l’artiste français disparu. Un must !
En 1973, Bryan Ferry enregistrait son premier album solo, " These foolish things ", un disque sur lequel le chanteur à la voix de crooner manifestait déjà certaines affinités pour les standards des années 30. En fait, ces exercices de style, l'ex Roxy Music avait toujours rêvé de les immortaliser sur disque. Mais il lui aura fallu plus d'un quart de siècle pour pouvoir réaliser ce dessein. Une expérience pour laquelle il s'est entouré de musiciens qui n'auraient pas fait tâche d'huile à cette époque. Cuivres, cordes et piano se taillent ainsi la part du lion au sein d'une instrumentation qui swingue et jazze plus qu'elle ne rocke. Et nonobstant la fascination qu'exerce toujours le timbre vocal de Bryan, les inconditionnels de Roxy Music risquent fort de faire la grimace. A notre humble avis, cet " As time goes by " devrait surtout plaire au public de Frank Sinatra. Les coloris sépia, jaunâtres, passéistes de la pochette ne laissant d'ailleurs aucune équivoque à cet égard...
Surnommé le Massive Attack londonien, Faithless partage également de nombreuses affinités avec The Aloof et le sous-estimé Ramshacle. Un ensemble à géométrie variable, drivé cependant par un noyau dur de quatre personnes. Soit le maître-bidouilleur Rollo, le guitariste Jamie Catto, la claviériste-vocaliste Sister Bliss et le rapper/philosophe Maxi Jazz, par ailleurs ancien collaborateur de Jah Wobble. Une formation qui compte à son actif deux albums, mais surtout un tube qui a cartonné un peu partout dans le monde, " God is a DJ ". Une chanson qui révèle la diversité des styles et d’influences affichés par Faithless. Qui oscillent du funk au reggae, en passant par la techno, le gospel, la soul, la house et le jazz. Avec un feeling bien britannique capable de mêler poésie urbaine avec la force rédemptrice du rythme viscéral, sensuel ; le tout plongé au sein d’un climat à la fois étrange, post industriel,, trip hop quoi !…
En choisissant, pour producteur, Steven Haigler (Pixies, Quicksand, Local H) et pour ingénieur du son Tom Lord-Alge (Marilyn Mansun, Hole), Fuel garantissait le haut degré d’octane de son carburant sonore. Un carburant métallique, souvent féroce, sauvage, caustique même, mais également mélodique, qui nous rappelle le plus souvent Stone Temple Pilots, quoique la voix du chanteur a plus à voir avec celle de Ian Ashbury (Cult), dont Brett Scallions est d’ailleurs un grand admirateur, que de Scott Weiland, mais en moins lyrique. " Sunburn " constitue le premier opus de ce quatuor pennsylvanien, un disque de pop rock qui aurait certainement fait un malheur, s’il était paru cinq ans plus tôt…
Sur les cinq albums commis par Aztec Camera, seuls " High land, hard rain " et " Knife ", millésimés 1983 et 1984, sont incontournables. Si " Stray " et " Dreamland ", gravés respectivement en 1990, puis en 1993, affichent encore quelques beaux restes, " Frestonia ", commis en 1995, sonne pourtant le glas d’un des plus beaux fleurons du mouvement " postcard ". Roddy Frame, le chanteur/compositeur/guitariste n’avait donc plus qu’une solution, se remettre en question. Et pas seulement dissoudre le groupe pour entamer une carrière solo, puisque Roddy était devenu, au fil du temps, le seul maître à bord, et même le seul membre tout court. Comment allait-il donc faire pour retrouver la simplicité et l’efficacité du lyrisme de ses premiers singles ? Et on pense ici à " Just like gold ", " Oblivious, ou " All I need is everything "… Apparemment, Roddy semble avoir retrouvé la recette, puisque les dix chansons de " The north star " sont délicatement sculptées dans la pop sylvestre, semi acoustique, astucieusement stimulée par un feeling soul et trempées dans un romantisme passionné. Un must !
Teenage Fan Club, Posies et Fountains of Wayne appartiennent à cette catégorie de groupes qui vouent un véritable culte à Big Star. Chez F.O.W., cette passion est cependant tempérée par celle qu’il partage pour les Cars. Et plus que probablement pour des tas de formations pop nées au cours des sixties. Notamment pour les Zombies, les Byrds et les Beach Boys. Une propension confirmée tout au long de son deuxième album, " Utopia parkway ". Et le résultat n’en est que plus convaincant. Un disque aux compositions ensoleillées par une power pop particulièrement contagieuse, croustillante et soignée par des harmonies vocales aussi impeccables que savoureuses. Par rapport à l’opus précédent, le quatuor yankee (Oklahoma) a eu davantage recours aux claviers, aux guitares acoustiques et mêmes aux arrangements de cordes, à l’instar d’E.L.O. Et ce choix nous paraît fort judicieux…
La country traditionnelle et la pop des sixties, voire de la fin des fifties semble avoir beaucoup influencé cet ensemble batave, dont la musique obéit à une seule constante, le minimalisme instrumental. Le groupe a, en outre, certainement beaucoup écouté les Everly Brothers et Simon & Gardfunkel, sans pour autant parvenir à atteindre la qualité des harmonies vocales de leurs illustres idoles, pour sortir un tel album. Et si les ombres de Neil Young circa " Harvest " et " Harvest moon ", ainsi que de Supergrass, planent sur l’un ou l’autre fragment, c’est certainement par pur hasard…
Les prestations ‘live de Foo Fighters ne nous ont jamais laissé de souvenir impérissable, lors que sur disque, la bande à Dave Grohl nous a toujours fait une excellente impression. Et c’est encore le cas pour le troisième album, « There is nothing left to loose ». Pourtant, depuis 1997, le groupe a essuyé de multiples changements de personnel. Lors de l’enregistrement de cet opus, William Goldsmith a même laissé tomber tout le monde au beau milieu des sessions ; si bien que Dave a dû reprendre les baguettes, en sus du chant et des parties de guitares, fonctions qui lui sont dévolues au sein du combo. Juste avant que Taylor Hawkins, qui revenait d’une tournée de 18 mois en compagnie d’Alanis Morisette, n’accepte de prendre le relais. Cet elpee offre en tout cas deux visages. Un premier qui renoue avec la force viscérale et tempétueuse du hardcore juvénile. Nous rappelant ainsi toute l’influence qu’avait pu avoir Hüsker Dü sur les ensembles de grunge tels que Nirvana et consorts. Et le superbe single « Stacked actors », dont le sang des cordes de guitare se fige au contact du métal, en est le plus bel exemple. La deuxième offre un profil mélodique beaucoup plus pop. Suscitant même d’étonnantes comparaisons qui vont d’XTC aux Cars, en passant par Gerry Rafferty. Dave Grohl démontre ainsi que non seulement, il est bon compositeur, même si ses lyrics sont inlassablement déchirés entre le bien et le mal, la pureté et la corruption, mais également un excellent chanteur qui ne se contente pas de hurlements cathartiques…
Howe Gelb est quand même un drôle de personnage. Après avoir défendu, pendant plus d’une décennie, la cause du garage rock urbain, déjanté et sulfureux, à la tête de Giant Sand, puis tâté avec beaucoup de bonheur, au psychédélisme atmosphérique, chez OP8, il nous balance aujourd’hui un album solo minimaliste. Au fait, c’était déjà un exercice de style qu’il avait opéré pour son Géant de Sable sur " Backyard barbecue broadcoast ", en 1996. " Hisser " se révèle cependant plus intéressant, plus expérimental aussi, un peu comme si Tom Waits et Vic Chesnutt avaient eu le bon goût d’unir leurs talents. Pour enregistrer cet opus, Howe a quand même reçu le concours de quelques amis. Entre autres Grandaddy, John Convertino, Lisa Germano et Joey Burns. Qui n’interviennent cependant que très circonstanciellement, Howe assumant la quasi totalité de l’instrumentation, réduite le plus souvent, il est vrai, à la guitare, souvent sèche, parfois légèrement électrifiée ou au piano, en plus du chant. Un exercice qu’il accomplit de sa voix chaude, fatiguée ; confidentielle, si vous préférez…
Une chose est certaine, depuis la tournée « Indo Wax », Indochine a quelque chose en plus. Après 18 ans d’histoire, de joie et de peine, la bande à Nicolas réussit encore à faire vibrer le cœur des fans de la première heure, tout en réussissant à convertir de nouveaux adeptes. Et l’émotion partagée lors du dernier concert en Belgique, en mémoire de Stéphane Sirkis, renforce ce constat. Une recette miracle ? La sincérité et l’intégrité peut-être. Alors que toute la presse les fustige au début des 90’s, Indochine a voulu continuer et même se renouveler. Sans tomber dans le piège des exigences commerciales. La proximité certainement. Ce contact simple et intense entre le public et le groupe. Ce public qui rit lorsque « Indo-Wax » renoue avec le succès des débuts. Qui pleure quand le frérot Stéphane est emporté par la maladie. Un événement qui donne bien sûr une dimension spéciale à ce « Danceteria ». Tout au long du CD, l’émotion reste intense. A travers le romantisme, la nostalgie, la poésie et les contes de fées, Nicolas nous offre de somptueuses compositions. Sensuelles, simples, tendres, parfois plus rythmées. Elles nous rappellent les 80’s et nous entraînent dans le prochain millénaire. « Danceteria » constitue l’un des meilleurs albums du groupe. En tout cas, le plus complet. Aussi complet que le concert accordé le 20 novembre 99 à Forest National. Qui a dit qu’Indochine était au bord de l’agonie ?
Si vous n’êtes pas très réceptif au punk pur et dur, et que vous avez la mauvaise habitude, avant de vous procurer un elpee, de n’écouter que le premier morceau, vous risquez fort de vous tromper sur la marchandise. De ce premier opus d’Idlewild, c’est une certitude. Car, si punk il y a, il s’exprime en termes beaucoup plus pop qu’au cours de cette entrée en matière, avouons-le frénétique. L’intensité tempétueuse, la véhémence adolescente et le rush d’adrénaline sont ainsi tempérés par un sens mélodique intuitif, mais raffiné. Les influences qui oscillent des Pixies à Fall, en passant par Black Flag et Hüsker Dü n’accumulent jamais les tensions, mais s’équilibrent harmonieusement, un peu comme sur le premier album de Manic Street Preachers, " Generation terrorists ". Et puis la voix légèrement nasillarde de Roddy Woomble, dont le timbre semble déchiré quelque part entre celui de Damon Albarn (Blur) et de Shane Mc Gowan (Pogues), apporte une sensibilité toute particulière aux compositions de cet " Hope is important ". C’est encore plus flagrant sur les chansons les plus mélancoliques, telles que la jolie ballade, " I’m happy to be here tonight ", le single attachant, " I’m a message " ou encore le très élaboré, enrichi pour la circonstance d’un violon grinçant mais terriblement efficace, " Safe and sound "…
Hurricane #1 clamait, deux ans plus tôt, emprunter une route sise entre les Stone Roses et Oasis. Sans en préciser la direction, cependant. Les choses sont aujourd’hui un peu plus claires. A cause de ce deuxième opus : " Only the strongest will survive ". Pourquoi ? Tout d’abord parce que la grande gueule du groupe, Alex Lowe, chanteur et guitariste, partage aujourd’hui le leadership avec Andy Bell, ancien leader et ex guitariste de Ride. Un équilibre qui ne va pas sans nous rappeler le tandem des terribles frangins Gallagher. Ensuite le style musical s’est métamorphosé. Les lignes de guitares claires et glacées du fabuleux " Step into my world " ont fait place à de plus amples murs de son. Enfin, le groupe a de plus en plus souvent recours à un quatuor à cordes. Une démarche adoptée, en son temps par Oasis. A l’époque de " Definitely Maybe ", lorsque le quintette mancunien s’efforçait d’imprimer un tempo indie sur des mélodies pop. " N.Y.C. " en est d’ailleurs le plus bel exemple. A l’écoute du second titre de l’opus, on pourrait presque faire gober à un néophyte la sortie d’un tout nouveau single du célèbre combo mancunien. Quant à " Remote control ", sorti en single, il reste à nos yeux la composition la plus percutante. Criblée de riffs de guitares chatoyants, elle atteint une intensité électrique proche d’un Gene voire d’un House of Love…
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