Après quatre albums, Tanita avait besoin de faire le point. Faut dire que depuis la sortie de son premier opus, " Ancient heart ", elle cherche son deuxième souffle. Pire encore, après avoir enregistré " Eleven kinds of loneliness ", elle était littéralement au bord de l'asphyxie (!). Sur cette compil, vous retrouverez bien sûr tous les standards. Depuis " Twist in my sobriety " à " My love tonight " en passant par " Cathedral song ", " World outside your window ", " Good tradition ", " Lovers in the city ", " You make the whole world cry " et " Only the ones we love ". Dix-sept titres qui valent surtout pour le timbre vocal de Tanita, un timbre très particulier, intimiste, sensuel, exotique, qui serait beaucoup mieux mis en valeur, si l'accompagnement était à la hauteur. Ce qui est rarement le cas!
Neuvième album pour cette formation bostonienne qui a toujours manifesté un dédain certain pour la structure conventionnelle de la composition. Même après le départ de Tanya Donnelly. Et c'est encore et toujours le cas pour ce " Limbo " qui déploie un incroyable éventail de textures et de nuances originales, sous un format pop extrêmement mélodique. Si ce nouvel opus continue de mélanger colère, mélancolie et esthétisme dans un contexte électrique sinueux, il véhicule des lyrics à la fois torturés, obsessionnels et lascifs, lyrics épanchés par le timbre vocal souple, insidieux de Kristin Hersh...
Il y a déjà dix ans, le quatre janvier 1986 très exactement, que Phil Lynott a quitté ce monde. L'occasion était donc belle pour Mercury de rendre hommage au leader de Thin Lizzy, à travers cette compilation. C'est entre 1974 et 1978 que cette formation a connu ses heures de gloire. Lorsqu'elle pouvait s'appuyer sur la conjugaison de deux formidables solistes, Scott Gorham et Brian Roberston. Sous ce line-up, ils graveront une série de hits. Six perles incluses sur ce morceau de plastique, et en particulier l'immortel "The boys are back in town". Tout ce qui est antérieur et surtout postérieur à cet état de grâce ne vaut pas tripette. Même pas les compositions relevées par la présence de Gary Moore, artiste qui séjourna pourtant deux fois au sein du groupe. Et encore moins après 1980. C'est à dire au moment où la musique de Thin Lizzy sombra dans le heavy metal pathétique...
Pour enregistrer son nouvel album, Suzanne Vega a encore reçu le concours de Michaël Froom à la production. Une collaboration qui date de « 99.9 F° », et pour laquelle, il était parvenu à donner une toute autre dimension à la musique, en recherchant des arrangements d'une richesse à laquelle la folk music n'était guère habituée. Et il vient de récidiver sur " Nine objects of desire ". Douze titres enrichis tantôt d'orchestrations symphoniques, synthétiques ou de percussions ethniques, douze fragments hydratés de cordes de guitare légères, syncopées ou nappées de claviers fluides, bien rognés comme au cours des sixties. Douze chansons ou bossa nova, house, funk, jazz, pop et folk rivalisent de mélodicité et d'efficacité. Un must!
Drivé par un certain Andrew Parker, ce trio new-yorkais appartient à la même scène musicale que Swell, Pavement et consorts. Lo fi bien sûr. Ce morceau de plastique a d'ailleurs été enregistré dans les appartements d'Andrew, où il y a monté un studio maison. Sur un quatre pistes. Ce qui n'empêche pas les compositions de libérer une intensité phénoménale, que nous pourrions situer à la croisée des chemins du défunt Cell, de Dinosaur Jr, de Sparklehorse et même d'American Music Club. A cause de cette fusion parfaite réalisée entre sonorités acoustiques, minimalistes et électricité pudiquement, délicatement torturée qui sert de texture à des chansons aussi contagieuses que mélodiques. Un must!
Non, cette formation ne nous vient pas du pays au soleil levant, mais d'Ecosse. De Glasgow, très exactement. En fait, elle s'est inspirée d'une bande dessinée japonaise pour choisir son nom. Pourquoi pas? "We are Urusei Yatsura" constitue son premier album, un disque fondamentalement imprégné par le post punk. Celui de Fall, tout d'abord. A cause de cette véhémence dans le laconisme (!) des vocaux. Jesus & Mary Chain ensuite. Lorsque les mélodies se chargent de feedback. Sonic Youth, enfin. Dans son approche du nosy rock, mais également dans la recherche systématique d'accords de guitares expérimentaux, inusités. Ce qui explique sans doute pourquoi, le quatuor était comparé, à ses débuts, à Bis et Pavement. Album délicieux dans son impétuosité juvénile, "We are..." est ponctué d'une composition sordide, malsaine, douloureuse, rémisniscente de Joy Division, mais alimentée par un flux d'électricité aussi capricieux que chez Wire...
Pour une formation qui sort de nulle part, il faut reconnaître que son premier album est un véritable coup de maître. Un opus qui exsude une richesse électrique prodigieuse. Normal lorsqu'on sait que le line up compte la bagatelle de trois guitaristes! Mais également une richesse mélodique. Capturant à la fois le psychédélisme teinté de funk propre à Love & Rockets, le sens hymnique de U2, l'agressivité passionnelle de Smashing Pumpkins, le garage de Grant Lee Buffalo, la noisy pop de House of Love et l'intimisme vibrant de Radiohead. Un intimisme accentué par la voix suppliante, langoureuse de Michaël Pritzl, dont le falsetto nous rappelle Thom Yorke, surtout dans ses moments les plus mélancoliques... juste avant que le calme ne laisse la place à la tempête... Superbe!
Quatuor batave (Zwolle), les Violet Blue Flames pratiquent une soft pop inspirée par les Nits, Lloyd Cole et Ian McNabb, en apportant un soin tout particulier au sens mélodique de leurs chansons. "Years of innocence" secrète treize compositions tendres, moelleuses, romantiques, tout en pastel, raffinées tantôt par un violoncelle, un hammond ou un piano, et pigmentées par juste ce qu'il faut d'électricité pour ne pas déranger... Côté pile, "Under my skin", en ouverture, "Release me now" puis "Highland", en épilogue, sont assurément de petites perles. Côté face, l'absence de relief dans le registre finit par engourdir l'esprit. A consommer à dose homéopathique!
Tout comme Black Crowes, Verve Pipe est contaminé par le heavy rock de la fin des sixties et du début des seventies. En particulier celui que pratiquaient à cette époque les Allman Brothers Band, le Free, les Small Faces, Humble Pie, Cream, Steppenwolf et consorts. Mais là où le groupe géorgien se contente de revivaliser dans la performance technique, Verve Pipe parvient à dépasser ses propres références en agrégeant la simplicité naturelle de la pop et l'urgence émotionnelle du rock. Certaines compositions de ce "Villains" ne sont d'ailleurs pas loin d'atteindre l'intensité passionnelle, âpre, d'un Stone Temple Pilots, d'un Pearl Jam, d'un Screaming Trees, voire tout simplement de REM...
Curieux line up pour cette formation composée de trois frères, dont le leader/compositeur/chanteur/guitariste Richard Baluyut, qui partage les vocaux avec une bassiste répondant au nom de Fontaine Toups. A première écoute, la musique laisse percevoir de nettes affinités avec la scène new-yorkaise. Et en particulier Pavement et Sonic Youth. Ce qui semble tout à fait normal, lorsqu'on sait que Versus est également issu de cette métropole. Mais au fil des écoutes, on se rend compte que l'expression est beaucoup plus riche qu'elle n'y paraît. Lorgnant tantôt vers la noisy pop insulaire de Pale Saints, celle des ses débuts pour ne rien vous cacher, la new wave du Sound, et même sur l'excellent "Jealous", la pop ‘aussie’ des Go-Betweens. Côté vocal, Richard et Fontaine se confinent dans le dialogue, plutôt que d'élaborer de véritables harmonies vocales. Un peu à la manière sauvage, intrigante de Thurston Moore et de Kim Gordon. Mais là, on en revient à Sonic Youth...
Tout comme Bel Canto, Velvet Belly nous vient de Norvège et pratique une musique atmosphérique, esthétique, inspirée par les paysages scandinaves. Ses fjords, la mer, les lacs, les rivières. La nature quoi. Une musique épurée par un timbre vocal clair, limpide, féminin. Celui d'Anneli Drecker chez Bel Canto et d'Anne-Marie Almedal pour Velvet Belly. Les deux formations courtisent, en outre, toutes les propriétés issues de la technologie moderne. Simplement, si B.C. y consacre toute sa flamme, V.B. y laisse une place pour l'instrumentation basique. Piano, drums, guitare acoustique et électrique, basse entre autres. Et puis permet à certains musiciens de studio de se mettre en évidence. Comme le trompettiste Svein Holtan, Geir Sundstol à la guitare ‘steel’ et puis surtout la violoniste Hege Rimestad. Sur le morceau maître. Un titre de près de neuf minutes où elle exprime pleinement toute la mesure de son talent, dès que les dernières notes de sampling du "Lark's tongues in aspic" de King Crimson se sont évanouies...
Aujourd'hui émigré à New York, cet artiste belge a connu ses heures de gloire au sein d'un groupe qui répondait au nom de Blue Blot. Il avait d'ailleurs décroché deux tubes en compagnie de cette formation. Deux covers. Une de Toto, "Hold the line" ; et l'autre de Bill Withers, "Who is he". De graves problèmes de santé l'ont cependant décidé à se retirer du groupe. Bien que toujours engagé dans son combat contre la maladie, Luke (de son vrai nom Luc Renneboog) a cependant décidé d'entreprendre une carrière solo.
"Back to normal" constitue sa première expérience en solitaire. Et pour un coup d'essai, il a réussi un coup de maître. Bénéficiant tout d'abord du concours de la célèbre section de cuivres Muscle Shoals. Donc de leur studio en Alabama. Et puis de la participation d'une flopée de musiciens huppés. Parmi lesquels on retrouve l'ex-Traffic, David Hood et l'ex-Steppenwolf, Larry Byrom. Tony Joe White également, responsable, en outre, de trois chansons pour ce "Back to normal". Et enfin Roger Hawkins pour la production, un illustre personnage qui avait fait ses preuves aux côtés d'Aretha Franklin et de Percy Sledge. Musicalement, cet album s'écarte du ‘blunk’ (mélange de funk et de blues) auquel il semblait pourtant viscéralement enchaîné, pour aborder un style plus rythm'n blues, plus soul. Quoique pour le profane, ce "Back to normal" demeure fondamentalement un album de blues...
Le popcore de Buffalo Tom continue de faire des émules. Même aux Pays-Bas. Wishing Tree n'a pourtant pas adopté la formule d'un trio, mais bien d'un quatuor, histoire sans doute d'apporter davantage de nuance et de finition dans sa construction mélodique. Ce qui explique sans doute pourquoi les douze chansons de ce "Spring" adoptent un profil aussi soigné que celui manifesté par "Big red letter day", quatrième opus du groupe de Boston. Et au fil de l'écoute la liste des caractéristiques semblables s'allonge. La simplicité, la candeur, le charme des compositions et même une sophistication excessive des arrangements. En outre, les incursions dans le garage ont été subtilement raffinées par la production. Et pour ne rien vous cacher, sachez que Bert Volmer affiche un timbre vocal aussi écorché et douloureux que celui de Bill Janovitz...
U2 aurait enfin un héritier légitime. C'est en tout cas ce que colporte la presse insulaire. D'abord parce que le quartet est Irlandais. De Dublin! Et puis, à cause de la qualité de son premier album: "Heartworm". Pour tout vous dire, nous affichons le même enthousiasme que celui manifesté lors de la sortie de "Surfer Rosa" des Pixies, de "Levelling the land" des Levellers ou de "Time for the rest of your life" de Strangelove. Excusez du peu! Un opus qui sonde le désespoir existentiel de la cold wave. Celui de Joy Division bien sûr. Mais également de Jesus and Mary Chain, d'Echo & the Bunnymen, de Psychedelic Furs et sous une forme plus contemporaine de Nick Cave & the Bad Seeds. Avec une élégance romantique comparable à Sad Lovers & Giants, Chameleons, Modern English et autres House of Love. Une élégance sculptée dans l'électricité vivifiante, mélodique, épisodiquement raffinée d'une section à cordes, mais susceptible de manifester une furie spasmodique, noisy, réminiscente de My Bloody Valentine. Tout un programme! Côté lyrics, ce n'est pas mal non plus. Puisque les onze fragments de cet "Heartworm" abordent tantôt le sadomasochisme, le mysticisme, la mort, la maladie, le blasphème, la violence, la toxicomanie ou la fatalité féminine à la manière d'un Kafka, d'un Blake ou d'un Milton. Des chansons que Fergal McKee interprète d'une voix déclamatoire, aux confins de l'extase et de la douleur. Le premier must de l'année!
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