Bien qu'issu du Kent dans l'Ohio, ce quintet manifeste davantage d'affinités avec la musique insulaire que celle pratiquée aux States. A premier abord, exception faite de quelques exercices minimalistes, son expression rappelle d'ailleurs les deux premiers elpees de Boo Radleys. Sorte de noisy pop lustrée d'harmonies vocales limpides, blêmes, infectée d'accès de cuivres purulents, fouettée de cordes de guitare tantôt floydiennes, tantôt mybloodyvalentinesques. Mais en grattant le vernis psychédélique, on est agréablement surpris de découvrir une construction mélodique davantage inspirée par le prog rock des senventies. Celle du Barclay James Harvest originel notamment voire des Moody Blues. Le recours au mellotron, au moog ou aux orchestrations austères, pseudo symphoniques n'y est pas étranger. Mais également les drums. Tantôt luxuriants, frénétiques, tantôt feutrés, capricieux, d'inspiration crimsonienne pour être plus précis...
Iconoclaste, inclassable, ce sujet de l'Hexagone est un peu considéré comme une référence dans le domaine de la world music. Pas seulement à cause de sa collaboration privilégiée menée en compagnie du chanteur zaïrois Bonny Bikaye. Mais aussi parce que sa notoriété lui a permis de côtoyer des artistes aussi huppés que John Hassell, Ryuichi Sakamoto, John Cale, Manu Dibango ou Richard Horrowitz. Et aujourd'hui, pour confectionner son troisième album solo, il a reçu le concours de toute une panoplie de grosses pointures? Chanteuses et chanteurs d'abord. Siouxsie, Björk, Suzane Vega, Cale, etc. Et musiciens ensuite. Le cow-boy électrique Lone Kent, Brendan Perry de Dead Can Dance, Budgie drummer des Banshees, Harold Budd, le Balanescu Quartet et quelques autres. Un disque sur lequel on remarque la présence de Gilles Martin à la coproduction. Présenté sous la forme d'un coffret élégamment illustré de photographies du Grand Nord, il nous entraîne dans un périple emprunté à la tradition ethnique de Sibérie, de l'Alaska, du Groenland, de l'Islande, de la Suède, de la Finlande et du Japon, un périple envisagé sous son aspect le plus esthétique, celui des mers froides...
Bien que capable de composer ses propres chansons, cette Georgienne préfère interpréter celles des autres. Une conception qui lui permet sans doute de truster les hits dans les charts country, aux USA. D'autant plus qu'elle possède une superbe voix, distinctivement sudiste, chargée d'émotion vulnérable. Encore que ses compositions ne correspondent plus tout à fait à l'esprit original de ce style musical traditionnel. Parce qu'enrichi légèrement de cordes de guitares électriques. Dans la plupart des cas classiquement à l’aide d’une ‘steel’ ou du ‘bottleneck’. Lorsqu'elles ne sont pas emballées d'orchestrations à cordes. Nul doute que les aficionados du country sentimentaliste vont se régaler. Et en particulier à l'écoute de "You can sleep while I drive" de Melissa Etheridge, du Bartender Blues de James Taylor ou du hit de Tammy Wynette, "Till I get right"...
Expérimentations ou élucubrations? Difficile de se prononcer sans le recours à une radiographie. Une chose est sûre, l'ex-drummer de Pavement peut enfin donner libre cours à son tempérament fantaisiste. Et il ne s'en prive pas pour l'extérioriser sur "Hospital". Amorcé par un pastiche de "Batman", rebaptisé pour la circonstance "Plant man", il opère tantôt suivant un schéma acoustique institué par Chris Knox, tantôt selon une méthode propre aux Residents, tordant aussi bien les cordes de guitare, les samples, les percussions que les bruitages, pour en extraire une substance totalement délirante. Docteur, est-ce grave? Non, mais ça se soigne!...
Il a donc fallu attendre trois bonnes années pour voir naître le nouvel opus studio de ce trio helvétique. Et l'attente n'aura pas été vaine, car le résultat va au-delà de nos espérances. Seulement, il se révèle beaucoup plus atmosphérique, éthéré, fiévreux, ne laissant exploser son intensité qu'en de plus rares occasions. Pas sur le remarquable single "Kissing the sun", qui semble avoir accumulé la somme des spécificités du tempétueux "TV Sky". Envolées d'orchestrations wagnériennes, tempo implacable, tribal, samplers organiques et puissants parviennent ainsi à remuer les entrailles du rock. Eléments que l'on retrouve dispensés plus parcimonieusement sur "Only heaven", laissant une plus grande place aux climats menaçants, étranges, pathétiques qu'irradie le vocal grandiose, opératique, passionnel de Franz Treichler. Et si "The Dreamhouse" peut se faire dangereusement convulsif, les seize minutes trente-quatre de "Moon revolutions" nous entraînent dans un univers cosmique, vertigineux, floydien circa "Meddle". Enregistré, comme par le passé, sous la houlette de Roli Mosiman, cet elpee constitue un nouveau pas en avant pour la musique hybride des Young Gods. Mais est-ce vraiment "Only Heaven"?
En 1993, Neil Young et Pearl Jam se payaient une jam mémorable à l'occasion de la remise des MTV Music Awards. Une collaboration retransmise par la chaîne musicale qui allait déboucher sur la promesse de recommencer l'expérience, mais pour un véritable album. Ce "Mirror Ball" constitue donc le fruit de cette rencontre. Première constatation: toutes les compositions relèvent de la plume de Young, le cinq de Seattle jouant ici le rôle de backing group dévolu dans le passé au célèbre Crazy Horse. Mais quel backing group! Et malgré le quart de siècle qui sépare le ‘loner’ du quintet de Seattle, on a davantage l'impression d'être en présence d'une équipe soudée que d'un patriarche entouré de ses fils spirituels. Coproduit par Neil et Brendan O' Brien, cet opus dispense onze fragments tout bonnement remarquables. Depuis l'hymnique "Song X" jusqu'au grésillant, distordu, élaboré en cascade "Scenery", en passant par le spectral "Act of Love", le fragile mais rigoureux "Big Green Country", le vulnérable "I'm the Ocean", le lancinant "Truth be known", le presque ‘rollingstonien’ et single "Downtown", le mensonge hippie trempé dans le regret et l'amertume "Peace and Love" et le crépitant "Throw your hatred down" circa "Everybody knows this is nowhere". Le tout épicé de deux brefs intermèdes alimentés par l'inévitable orgue à soufflets, "What happened today" et "Fallen Angel". Une constante: l'intensité électrique. Torturée, distordue, marécageuse, blanche, savoureuse, que Neil, Stone Gossart et Mc Cready extirpent littéralement de leurs guitares. La section rythmique est d'une précision et d'une efficacité sidérantes. Et puis bien sûr, il y a la voix gémissante de Neil qui inocule à chacune des mélodies cette sensibilité irrésistible. Un must, cela va de soi!
Ce groupe de ‘dance’ était parvenu à décrocher un Award en 1992 aux Iles Britanniques, pour s'être impliqué en faveur de la défense de l'environnement, par le biais du single "I had a dream I was falling through a hole in the ozone layer". Deux ans plus tard, Deee Lite semble ne plus avoir grand chose à nous dire. "Dewdrops in the garden" est ainsi truffé de références gratuites aux drogues. A moins qu'il ne vous invite à glander comme sur les chansons "Stay in bed, forget the rest" ou "Picnic in the summertime" qui a par ailleurs bénéficié d'une gravure en single. Dans ces conditions, difficile d'ingurgiter ce cocktail aseptisé de funk, de soul, de dub, de jazz, de house, de sexe et d'ecstasy...
Dave Allen s'est surtout illustré au cours des eighties au sein de Gang Of Four et de Shriekback comme bassiste. Depuis, il a tâté au journalisme, fondé son propre label ‘World Domination’, et puis tenté de monter l'un ou l'autre groupe, mais sans grand succès. Sa dernière aventure au sein de Low Pop Suicide est d'ailleurs toujours d'actualité. The Elastic Purejoy n'est donc pas le nouveau combo de Dave, mais un album solo, pour lequel il s'est entouré de quelques potes et de musiciens de studio. Première surprise, il a délaissé sa basse pour se consacrer au chant. Enfin presque, puisque sur trois titres, il n'a pas pu s'empêcher de s'emparer de son instrument de prédilection. Deux fois sous forme acoustique et une fois dans son style traditionnel. Question de renouer avec le funk blanc de son prestigieux passé. Produit par Ian Caple (Tindersticks), ce disque est tout à fait remarquable. Et si les deux covers ("Soul And Fire" de Lou Barlow et "Stiff" de Brian Eno), le floydien "Witness" ainsi que les lancinants, savoureusement électriques, presque ‘crazyhorsiens’ "An Element Of Doubt" et surtout "You Are My PFM", tiennent le haut du pavé, les autres compositions qui flânent dans le jardin secret de Sebadoh, Private Idaho voire de Go Betweens ou se penchent sur la littérature de Samuel Beckett et de Robert Hughes, ne manquent pas d'éloquence...
Impossible d'aborder un album de Red Hot Chili Peppers sans le poser sur son dénominateur commun : le funk blanc. "One hot minute" ne déroge pas à la bonne règle. Et il est indispensable de replacer notre analyse dans ce contexte pour vous faire une idée plus ou moins exacte du contenu de ce morceau de plastique. Treize titres. Pimentés, sulfureux, vivifiants. Depuis les classiques "Shallow be thy game", "Coffee shop" (bien que glamourisé), "Deep kick" (au parfum "Frusciante"), "Warped" (à la Verve atmosphérique mais au tempo impitoyable), "One big mob" (au débit verbal échevelé), jusqu'à l'opulence électrique du titre maître, en passant par les inévitables ballades "My friends" et "Tearjerker", réminiscentes d' "Under the bridge", un "Walkabout" plus MC 900 Ft Jesus que nature, le minimaliste, circonscrit à la basse et au chant, "Plea", "Transcending" au mid tempo spectral, sans oublier le single "Aeroplane". Futur hit en puissance, enrichi de chœurs d'enfants, à la manière du mémorable "Circus game", commis par les Skids en 1980... Un must!
Quand j'écris une chanson, il y a effectivement une conscience du temps. Chaque seconde, chaque battement de cœur, c'est un peu de temps passé. Je perçois de plus en plus cette dimension. Et si j'en tiens compte, ce n'est pas à la suite d'une décision consciente. C'est plutôt dans la nature même de la musique. Je suppose qu’une telle réflexion en 1995, c'est vraiment quelque chose de spécial, parce que la plupart des autres groupes n'y prêtent guère attention. Dans le blues, c'est très important, dans la country également. On vient d'enregistrer une reprise de « Funny How Time Slips A way » de Willie Nelson pour un 45trs (NDR: un vrai vinyle).
La longueur des chansons, c'est souvent un problème pour les radios?
Oui, aux Etats-Unis, les radios ne passent pas une chanson si elle excède les 3 minutes 30. Nous avons donc malheureusement dû prévoir des versions brèves, des ‘radio edits’, pour « Dreaming of Love » et « I Lied ». J’essaie de ne pas y penser parce que ce système n'a plus rien à voir avec ma démarche, à l'origine. C'est vraiment débile. Je ne vois vraiment pas pourquoi un auditeur changerait de station à cause d’une chanson plus longue que les autres. Pour ne pas déprimer, j’essaie d’y penser comme une autre manière de l’arranger, une autre façon de formuler les choses. Live, on peut jouer une compo pendant 15 ou 20 minutes. En tout cas, il me serait très difficile d'en écrire une courte.
Tu parles de blues, tu ne crois que les musiques les plus intéressantes aujourd'hui sont celles qui empruntent aux vieux genres américains en les actualisant, comme chez Mazzy Star ou les Palace Brothers?
Oui, on pourrait ajouter Beck et Spiritualized. En 1988 ou 1989, un ami m'a fait découvrir Spacemen 3 et ce fut une révélation pour moi. Ils attachaient tellement d'importance à des formes classiques de musique tout en restant très contemporains. Ils étaient de notre génération. Je n'avais jamais vu aucun groupe jouer aussi intensément et en même temps intégrer des genres musicaux plus anciens comme le blues ou la country. C'était mon groupe préféré. Aujourd'hui, j'aime bien Spiritualized mais ce n'est plus pareil. La dynamique entre Jason Pierce et Sonic Boom apportait vraiment quelque chose de très fort. C'est dommage qu'ils n'arrivent plus à travailler ensemble. Je pleurerais de joie si leur collaboration pouvait recommencer.
Alors que penser de tes sœurs qui composent des chansons très courtes pour That Dog?
J’adore. La première fois que j'ai assemblé des chansons pour Spain, je craignais que personne ne veuille les écouter. Elles ne présentaient aucun passage bruyant, qui t’explose à la figure. Or, ce sont bien ces chansons ‘en colère’ qui plaisent surtout aujourd’hui. Au début de That Dog, Anna (la 3ème That Dog) venait à la maison de ma mère, chez qui j’habitais à l’époque. Elle montait dans la chambre de mes sœurs, et toutes ces filles assises par terre en cercle, jouaient des trucs très lents à la guitare acoustique, comme sur leur premier album. Je les écoutais dans un coin et c’est ce qui m’a incité à m’y mettre aussi. J’ai donc un grand respect pour That Dog et pour le talent de songwriter d’Anna. Elle a vraiment son style propre et n’accepte pas facilement un compromis. Aucun groupe ne leur ressemble.
La pochette de « Totally Crushed Out » est formidable aussi, non?
Oui. C'est un concept imaginé par Anna et Tony (le 4ème et dernier That Dog). Ils aiment tout ce qui tourne autour de la littérature romantique, un peu à l'eau de rose.
L'ordre des titres est important sur ton album?
Je ne savais pas très bien quel ordre choisir, mais j'étais sûr de deux choses: « It’s so True » devait ouvrir l'album et « Spiritual » le refermer. Je ne voulais pas en faire une histoire de chute et de rédemption. Trop cliché ! Même si « Spiritual » (qui s'ouvre par les mots ‘Jesus, oh Jesus, l don't wanna die alone...’) peut donner ce sentiment de rédemption, en permettant à l'album de se refermer sur une note positive. Mais la chanson peut aussi être interprétée tout autrement. Finalement ce qui m’intéresse, c'est de savoir si Dieu existe et je ne pense pas que ce soit la conclusion qu’on puisse en tirer. Je laisse ouvertes mes chansons à l'interprétation puisque tout y est d'ailleurs sujet dans la vie.
Soigner la fin d'un album, c'est un peu comme prendre soin de raccompagner à la porte son invité, l'auditeur en l'occurrence?
Je n'y avais jamais pensé sous cet angle, mais ce raisonnement se tient. Il faut soigner son invité. En même temps, la porte reste ouverte, pour qu'il puisse revenir. Si on ne peut pas sortir quand on veut de la maison, on ne voudra jamais y entrer. L'intérieur et l'extérieur sont indissociables. Dans ce sens, « Spiritual » est effectivement la bonne chanson pour clore le disque.
Il parle beaucoup de confiance et de trahison?
De foi aussi. Ces thèmes sont récurrents. Et aussi la manière dont une trahison nous affecte. A se demander d'ailleurs comment on peut avoir foi en Dieu. Regarde l'état du monde. Il y a tant de souffrance. Il me serait vraiment difficile de croire en une puissance supérieure. Si Dieu existe, il a trahi la foi de ses fidèles. Si c'est un Dieu chrétien, en tout cas. Finalement, presque tout l'album ne traite que de ce sujet.
La confiance, donnée ou reçue, c'est fondamental aussi non ?
Un dicton dit que le meilleur moyen de connaître quelqu'un est de faire l'amour avec cette personne. Rien n'est caché. Mais je ne suis pas sûr du bien fondé de ces paroles. Il y a tellement de gens qui savent si bien mentir rien que pour pouvoir se mettre au lit avec quelqu'un.
Peut-il y avoir un moment où on ne cache rien?
Non, il y a simplement des moments où on cache moins.
(Article paru dans le n° 38 du magazine Mofo de novembre 95)
La scène se passe durant une belle après-midi de la fin de l'été bruxellois. Les lunettes noires sur le nez, Dorian (NDR : la femme de Julian) porte une robe de lin très classe. Elle promène les gosses du couple : la petite Avalon qui n'a que 15 mois et l'aînée, Albany, qui va vers ses 4 ans. La place Rogier est sous le soleil, les passants sont nombreux devant l'immeuble que certains continuent à appeler le ‘Martiny’ : Julian Cope, lui, se fait photographier... Et il ne passe guère inaperçu! Pensez, l'homme arbore son chapeau pointu d'un jaune fluo parfaitement assorti à l'orange pétant de son fuseau. En plus, il prend des poses pas possible : accroupi ou les bras en croix ! C'est tout ce qu'il y a de plus discret. On a vu plus d'une tête se retourner en lui adressant un regard en forme de point d'interrogation : ‘Il est fou, ce mec?’ Si Julian est très très gentil –et visiblement très papa-gâteau aussi– il a l'air quand même un peu fêlé. Confirmation à 1’écoute de son discours, disons un peu décalé... Et on vous épargne les déclarations tonitruantes sur les alignements de pierres d'Avebury (NDR : le sujet favori de Julian date de 6.000 ans!) Pas de round d’observation, on entre immédiatement dans le vif du sujet…
J'ai eu un moment de lucidité, ma première ‘vision’. C'était un 22 décembre. Lisa St John est une amie et une sorcière blanche. Elle nous a conviés à une séance de transe, dans son appartement. Une heure d'enfer ! Après coup, je lui ai dit que tout ça, c'était de la foutaise. Comme j’avais faim, j'ai quitté 1’appartement. Tout à coup, en haut des escaliers, j'ai eu un flash. Une lumière blanche a dégringolé les marches ; et, là-bas à l'autre bout de l'escalier, je me suis vu à 15 ans. J'ai regardé ce petit garçon qui n'était autre que moi... En fait, j'étais occupé de réinterpréter un rêve que j'avais vécu à 15 ans. Trois mois après sa mort, j'avais vu mon grand-père en haut d'un escalier, sur le point de descendre. A l'époque, je pensais qu'il avait été chassé du paradis et venait chercher de l'aide. Ou alors, il descendait les marches du purgatoire. Et 17 ans plus tard, je me vois dans un rêve futur ! J'étais habillé de la même façon que mon grand-père, avec des lunettes à la Andy Warhol et un chapeau d'ouvrier anglais. Curieusement, cette vision ne m'a pas fait peur, au contraire, je me sentais joyeux! Et depuis ce jour-là, je suis une autre personne. Certains sont capables d'ignorer ce genre d'expérience. Moi pas. Je veux comprendre. Et plus, plus je suis confronté à des événements étranges, plus je fais d'efforts pour comprendre ; un peu comme si, depuis 5 ans, j'étais poursuivi par une malédiction ou par une révélation venant du ciel, de la terre, de tout ce que tu veux... Je ne suis pas devenu dogmatique ou mystique pour autant ; ce n'est de toute façon pas une vision du Christ que j'ai eue. Mais ce que j'ai vu me poursuit encore. En 1991, pendant 6 mois, cette image m'est apparue sans arrêt, partout. Le chemin de la vérité n'est pas celui qu'on t'impose, mais celui qui se présente spontanément à toi.
- Bien, bien, Julian. Ce n'est pas trop difficile d'affronter ceux qui ne croient pas un mot de ce que tu racontes?
Mais ce que j'ai vécu est bien réel ! C'était un trip (NDR : mot favori de Julian) concret, tangible. La preuve ? Mon dernier single « Try Try Try » est entré dans le top 30 britannique. C'est un signe, je dois continuer à chercher dans cette voie ! Je dois tirer avantage de cette situation : avoir un pied dans l'underground et l'autre dans une position commerciale intéressante. Je dois sortir de l'ombre, libérer progressivement mon trip et le révéler au monde. Mais je ne dois surtout pas me dépêcher, ça foutrait le trip en l'air. Avant 1989, je ne suivais aucune direction précise, je tournais en rond...
-Ah oui ?
Avant, c'était de la pure intuition, ce qui est bien d'ailleurs, quand on ne recherche qu'un trip intéressant. Mais lorsque tu es à la recherche d'un trip vraiment excitant, tu as besoin d'une éducation. Quand j'ai commencé à partir à la rencontre de la vraie connaissance, je me suis rendu compte, à ma grande surprise, qu'elle était terriblement vaste. J'ai pris conscience de mon ignorance. J'ai éprouvé le besoin de réfléchir sur les objets de ma croyance. Aujourd'hui, à condition de ne pas avoir bu de bières, je suis capable d'écrire exactement ce que je ressens, et qu'importe si on rit de moi. Ca fait partie de mon rôle social d'être montré du doigt. J'essaie de faire mon boulot du mieux que je peux. Moi, tout ce que je dois faire, c'est écouter ce que mes intuitions me disent. Ce n'est pas vraiment à moi de décider, ça doit venir de l'intérieur.
Une chanson sur Kurt et Courtney
- Venons-en à ton album (1). Dans le titre « Queen Mother », il y a une ligne qui dit ‘I hate myself and I want to die’. C'est vraiment une allusion à Nirvana?
Ben ouais, je sais que ça ne me ressemble pas, mais c'était mon intuition. Je ne pourrais vraiment pas te dire pourquoi j'ai écrit ce morceau. C'est une vision que j'ai eue, cette chanson sur Kurt et Courtney. J'avais l'impression d’être dans leur chambre quand je l'ai composée. Mais je ne peux pas prouver qu'il s'agit d'un vrai trip, parce que Courtney et moi sommes de vieux amis. On s'est retrouvés plus d'une fois ensemble dans la même pièce.
- Ce qui frappe à l'écoute de "20 Mothers", ce sont toutes ces sonorités démodées, ces bruitages d'une autre époque...
Tu veux parler de l'emploi du mellotron, par exemple? Je voulais que les gens écoutent d'abord l'album d'un point de vue strictement musical, qu'ils soient immédiatement accrochés par les sonorités. J'ai volontairement exagéré la balance entre les instruments : si le mellotron est très présent, il faut que le synthé s'entende encore plus fort. Le studio était rempli d'instruments. J'ai acheté deux superbes mellotrons jaunes fluorescents... Enfin, je suis conscient que mon trip est assez bizarroïde et qu'il peut étonner.
- Sur le dernier album il y a des éléments psychédéliques et punks. Recherches-tu un certain équilibre?
Non, pas du tout. Cet album est complètement déséquilibré. C'est un disque cosmique, de science-fiction. Tous les morceaux sont d'une longueur raisonnable, sans remplissage instrumental mais malgré tout, il s'y produit des tas de choses. Pour utiliser une image, disons que j'ai déplacé le piquet de but ; je l'ai éloigné, ce qui m'a laissé davantage de possibilités. Le son est balayé, les chœurs sont euphoriques, il y a du mellotron...
- La presse anglaise te décrit comme un barde. Ca te convient?
Ca ne me dérange pas. Je suis originaire de l'Ouest de l'Angleterre. Je suis préceltique, en quelque sorte, dans mon attitude. Je dirais que chez moi, il y a 50% de tradition et 50% d'innovation. Ma conception de la nouveauté est harmonieuse, ce qui est un état d'esprit typiquement ‘barde’. J'ai la chance de pouvoir enregistrer des chansons depuis l'âge de 19 ans. A partir de là, c'est mon devoir d'y mettre une signification, de les remplir de sens. Je veux que ma musique provoque une sensation d'harmonie dans la tête des gens qui l'écoutent.
(merci à Christophe Godfroid)
Article paru dans le n° 37 du magazine MOFO d’octobre 1995
Vétéran de la scène pop australienne, Mick Harvey a joué chez Birthday Party, Crime and the City Solution avant de rejoindre derechef Nick Cave au sein des Bad Seeds. Producteur, requin de studio, multi-instrumentiste, compositeur de musique de film et chanteur à ses heures perdues, il vient de réaliser un album de reprises. Et pas de n'importe qui, puisqu'il a choisi d'interpréter Serge Gainsbourg. Un choix ambitieux et original qui nécessitait cependant quelques explications...
Pourquoi un album de covers consacré à Serge Gainsbourg?
En fait, il y a déjà quelques années que je caresse ce dessein, mais faute de temps, j'ai dû le repousser aux calendes grecques, à plusieurs reprises...
N'as-tu pas rencontré de grosses difficultés, en matière de droits d'auteur, pour enregistrer ces chansons?
Non, pas du tout. J'ai même été agréablement surpris de la vitesse à laquelle l'accord a été conclu. Tout s'est passé sans la moindre difficulté. Comme sur du papier à musique. Comme quoi, tout n'est pas toujours aussi difficile que l'on croit dans le monde du business. Mais il est vrai que si j'avais opté pour quelqu'un d'autre, j'aurais peut-être eu moins de chance.
Toutes les chansons travaillées en studio n'ont pas été retenues pour l'album, on suppose. Quels ont été les titres écartés, et pourquoi?
En fait, lorsque j'ai estimé disposer de suffisamment de matière première pour boucler le disque, j'ai cessé de m'intéresser aux morceaux inachevés. Ils sont d'ailleurs toujours à l'état de chantier, et je doute les achever un jour. J'ai atteint mon objectif. Et je ne suis pas du style à jouer les prolongations. Dans mon esprit, lorsqu'une expérience est réalisée, il faut pouvoir goûter le moment présent et déjà commencer à préparer l'avenir. C'est dans ma nature.
N'est-il pas paradoxal de s'intéresser à un artiste français, dont les textes sont aussi importants que la musique, lorsqu'on est australien?
En fait, au départ, ce ne sont pas les lyrics de Gainsbourg qui m'ont accroché, mais sa musique. Ou plus exactement le climat qui se dégage de sa musique. Pour les paroles, j'ai engagé une équipe de traducteurs qui a essayé de transposer le plus fidèlement possible les chansons de l'auteur. Tout en respectant l'esprit de ces chansons. Maintenant, il ne faut pas croire que je sois un admirateur du personnage. C'est son oeuvre qui m'a fasciné, pas sa conduite ni son comportement.
Pourquoi le single "I love you, nor I do " est interprété par Nick Cave et Anita Lane, alors que l'album "Intoxicated Man" est signé Mick Harvey? Est-ce que Nick et Anita ont également un petit faible pour les chansons de Gainsbourg?
Non, on ne peut pas dire que Nick et Anita soient de grands admirateurs de l'oeuvre de Gainsbourg. Simplement, ils avaient toujours rêvé d'interpréter le célèbre "Je t'aime, moi non plus" dans une version humoristique. Et je les ai aidé pour atteindre cet objectif. C'est la raison pour laquelle elle figure sur le single "The world's a girl" et pas sur l'album.
Qui a participé aux sessions d'enregistrement? Anita Lane ? Nick Cave? Les Bad Seeds? Qui d'autre?
Ni Cave, ni les Bad Seeds n'ont collaboré à l'enregistrement de l'opus. Anita chante sur quelques titres. Mais j'ai surtout reçu le concours d'une formation australienne qui répond au nom de The Cruel Sea. Elle vient d'ailleurs de sortir un album, "Three legged dog". Enfin j'ai pu compter sur le concours d'un orchestre symphonique que tu as sans doute déjà eu l'occasion d'entendre à la radio pour la chanson "Initials BB".
A propos de cette chanson sélectionnée pour un clip vidéo, j'ai lu que tu avais dû engager des tas de filles lors du tournage. Comment les avez-vous payées? (rires)
Un excellent moment, c'est vrai. Le tournage s'est déroulé à Bologne en deux jours. Mais il a fallu faire un casting pour sélectionner les filles. Si elles ont été payées? Je n'en sais rien! Elles devaient sans doute déjà être très contentes de participer... (rires).
N'as-tu jamais pensé solliciter Jane Birkin pour participer à l'une ou l'autre chanson de cet album?
Non, non. Cela aurait pu donner un excellent résultat, mais j'avais déjà demandé à Anita d'assurer les parties vocales féminines. Je n'avais donc pas besoin d'une seconde vocaliste. Il s'agit de mon album, j'estime donc qu'il était naturel que je me réserve la plus grosse partie du chant.
De nombreuses chansons de Gainsbourg ont été interprétées par des femmes. Brigitte Bardot, Jane Birkin, France Gall, Juliette Greco, Isabelle Adjani, sa propre fille, etc. On peut d'ailleurs affirmer que Gainsbourg possédait une perspective féminine de l'écriture. Or, tant le Birthday Party, Crime & the City Solution que les Bad Seeds ont toujours eu une perspective fondamentalement masculine. L'obstacle n'était-il pas trop difficile à surmonter?
Difficile, oui je l'avoue. J'ai dû personnellement prendre un certain recul par rapport à l'écriture. L'adapter en me mettant dans la peau d'un crooner. Nick rencontre aussi ce problème, même s'il parvient de mieux en mieux à maîtriser le sujet...
Il y a quelques années, tu partageais ton temps entre les Bad Seeds et Crime & the City Solution. N'était-ce pas trop pénible de jouer en même temps au sein de deux formations?
A la fin, cela devenait même impossible. Aujourd'hui, ma vie est beaucoup plus cool. Il y a les Bad Seeds et mon travail de studio. Cela me permet d'avoir encore un peu de temps libre et puis surtout de mener à terme des projets solo qui me tiennent à coeur...
As-tu encore des contacts avec Simon Bonney? Que devient-il? Et les autres musiciens de C & TCS?
Il y a plus d'un an que j'ai revu Simon. Il vit aujourd'hui à Los Angeles. Alexander est toujours impliqué chez Einsturzende Neubauten. Quand aux autres ils préparent leur retour sous la forme d'un nouveau groupe. Vous en entendrez bientôt parler...
Où vis-tu aujourd'hui? Et Nick? Est-il vraiment devenu un intouchable?
Je vis à Sydney. Nick à Londres. Je crois qu'il ne faut pas exagérer. Nick a toujours détesté accorder des interviews. Mais c'est un type formidable sur qui tu peux compter et qui accorde une grande importance à la cellule familiale et aux amis. Ce cercle est très restreint, c'est vrai. Mais il repose sur des liens très solides. Hors de ce contexte, il peut paraître arrogant ou détestable. Mais ce n'est pas sa vraie nature. C'est un gars très profond, ouvert au dialogue. Simplement il se protège du monde extérieur...
A quand le nouvel album des Bad Seeds?
En janvier prochain. Il est terminé. Il n'y manque plus qu'un dernier lifting...
(Version originale de l'interview parue dans le n° 37 - octobre 1995 - de Mofo)
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