Karavan est issu du collectif 'Les Anges', un ensemble qui avait lancé, il y a une dizaine d'années, l'intrigant projet The Black Slavics. « Arnoquins » constitue son tout premier album. Il privilégie des covers d’Arno. A la sauce Karavan, c’est-à-dire interprétées exclusivement a capella (NDR : donc, sans le moindre instrument musical). Karavan avait apporté sa collaboration à Arno pour fêter son anniversaire, dans le cadre du projet ‘One’, qui s’est notamment déroulé aux Nuits Botanique. Puis il avait assuré le supporting act du concert de Sinéad O'Connor, à l'Ancienne Belgique. C’est là que j’avais découvert la formation.
Le line up réunit Nicole Bongo-Letuppe, Marie-Ange Tchaï Teuwen, Fredy Massamba, Myriam Gilson, Djubebe Kalume, Epolo Mabita, Mister Mo et Soul T. Nicole et Marie-Ange sont les deux voix de tête. Si chacun y va de son intervention, c'est l'ensemble qui fait la différence. « You Gotta Move » de Mississippi Fred McDowell est un titre qui figure au répertoire d'Arno. Chacun y va de son intervention, mais c’est l’ensemble qui fait la différence. Plutôt soul, la version aurait pu être interprétée par un chœur gospel. L’adaptation de « We Want More » est sublime. C'est un des titres-phares du « Future Vintage » de notre albinos blanc national. La « Karavan » s’ébroue lentement, comme en concert, et nous entraîne dans son univers si particulier. Un univers qui transite de Bruxelles à Kinshasa, en passant par Niamé.
« Je Veux Nager ». Jusqu’à Ostende. Peut-être même au-delà ! Les embruns de la mer du Nord sont balayés par les human beat box. On imagine la gestuelle des artistes qui vous invite à embarquer dans leur chalutier. « Elle Adore le Noir » se célèbre le soir…
« Bruxelles » est la deuxième compo originale du collectif. Elle aborde le thème de la multiculturalité dans la capitale européenne tout en adressant un clin d’œil à Matongé. La voix de Marie-Ange y est claire et haut perchée.
Vous aimez chanter en prenant votre bain ? « Bathroom Singer » est un titre idéal pour vos ablutions. Mais en même temps, il vous donne l’envie de vous envoler vers Kingston. Et pourtant, insidieusement, l'âme d’Arno continue de planer. « Les Yeux De Ma Mère » est littéralement transcendé par les voix de Karavan. Les voix mâles, renforcées par celle d’Arno prennent l’ascendant sur « Jive To The Beat ». Et l’opus de s’achever par « Chic Et Pas Cher ». Sans doute pour parler du packaging de l’elpee, dont la superbe illustration de la pochette a été réalisée par une talentueuse photographe, Lara Herbinia.
Vernet-les-Bains. Reçu par la poste il y a approximativement... 5 minutes ? Je retourne doucement l’enveloppe, pour le plaisir de lire un ‘Exp : F-66820 Vernet-les-Bains’, terre natale de Cali.
En général, ma première réaction est d’ouvrir le boîtier, de piocher le cd, le poser sur mon lecteur et pousser sur la touche ‘play’. Pas aujourd’hui, non. Je préfère triturer la pochette dans tous les sens, la regarder sous toutes les coutures, détailler chaque brin d’herbe. Profiter de la citation de Tom Waits, chanteur blues/rock californien : ‘Ici les rêves ne sont pas brisés, ils boitent…’
Allez, il est temps. Je saisis le cd de la main. Et je regarde l’herbe. Je glisse le disque dans le lecteur. Je fouine un peu sur le web, et j’y lis cette phrase (propos recueillis par Eric Busienne) de Cali, justifiant la phrase de Waits : ‘J'aime les losers mais les losers magnifiques. Le gars qui s'accoude au comptoir pour dire qu'il va quitter sa femme… mais qui va finalement la retrouver, tard dans la nuit. J'aime les poètes rêveurs qui se disputent un os de chien dans une impasse derrière un bar. J'aime tout ça, oui !’ Merde, je connaissais le Cali révolté, le Cali amoureux, le Cali triste, mais ce Cali-là, c’est une nouvelle facette de l’artiste, et surtout de l’homme, que je prends dans la tête.
Le bonhomme sort de « La vie est une truite arc-en-ciel qui nage dans mon coeur » qui a clairement partagé les critiques, une œuvre suivie d’une tournée (fabuleuse !) piano/voix, en compagnie de Steve Nieve. Il a été le pianiste d’Elvis Costello pendant 20 ans. Excusez du peu ! Il s’offre un retour studio plus intimiste, plus proche des chansons que du chanteur (de son propre aveu d’ailleurs : ‘Ici, je voulais de l'épure totale, que le héros ne soit pas le chanteur mais les chansons’.
Introduction trop longue, probablement. Si elle n’était pas nécessaire pour le lecteur, elle l’était pour votre serviteur. Histoire de bien mettre les choses à plat, telles qu’elles sont, avant de se plonger dans l’écoute de l’album.
Ce type a tout compris. J’avais lancé le cd en me disant ‘Il va me falloir 2-3 morceaux avant de tendre l’oreille’. Erreur. Il murmure plutôt que de crier. Un appel impérieux, un hurlement silencieux. Des propos si durs, si vrais, si intimes. Obligé d’écouter, je pars me caler dans un fauteuil afin d’écouter plus attentivement le disque. Pas d’erreur, c’est d’une beauté effarante.
Beauté parce que cet opus chante ; plus qu’un chanteur, c’est véritablement l’album qui se joue, seul, une vraie pièce. Effarant parce que les paroles, comme d’habitude chez Cali, ne sont pas ‘à la joie’. Il oublie ses vieux démons et se lance dans une entreprise intime, chez lui, en terre connue. « La grotte des amoureux », en haut de Vernet-les-Bains, où les jeunes amants se murmuraient leur amour par exemple. Incorrigible amoureux lui-même, il ne s’empêchera tout de même pas « L’amour est éternel », mais rompt très largement par rapport à ses derniers disques.
« Mes vieux cinglés ». Punaise, mais comment il a fait ? D’accord, il est père. Mais combien d’artistes vont écrire une chanson pour se prémunir eux-mêmes des dommages qu’ils pourraient causer à leurs enfants? ‘Vous étiez mes parents’, ‘Ma petite chambre, ma prison’, ‘Brûlez tout, moi je l’ai déjà fait’, autant de phrases d’un enfant terrifié par ses parents qui se disputent à portée de voix. Heureusement que le Catalan précise en interview qu’il a eu une enfance heureuse, on s’en serait inquiété.
« Une femme se repose », longue traversée intime d’une vieille que l’on imagine se balançant sur sa chaise. Cali fait le tour de Vernet-les-Bains, le tour de son esprit et de celui des gens qui l’entourent.
L’œuvre est magistralement orchestrée par Frédéric Lo (Stéphane Eicher notamment), voix en avant, piano et guitare un peu en retrait. Le tout en douceur, comme pour protéger le mélomane des mots qu’il entend. « Je rêve de voir l’été ». Quand la mort se sublime. Quelle tristesse à dire mais quelle beauté cette chanson. ‘En frimant je dirais que mourir, il y a pire’.
L’album est intime, intime au chanteur, intime au village de Vernet-les-Bains, mais intime à chaque auditeur. Nul doute qu’en le réécoutant dans une vingtaine d’années, une autre vision émanera de ce bijou. Une facette par auditeur, une note par sentiment, un tempo pour chaque coeur. L’album le plus intimement universel qu’il m’ait été donné d’entendre.
« Happy end ». A mon sens, quand un artiste arrive à tourner en dérision ses propres ‘travers’ (et dieu, si les chansons tristes constituent son travers, qu’il continue sur le mauvais chemin) c’est qu’il est grand. Et il l’est.
Le disque est en bout de parcours. Sentiment ? Nostalgie, comme l’album. Impatient de découvrir comment le Perpignanais va le jouer en live. Heureux, heureux de l’avoir écouté. Cali range ses opinions politiques dans un coin de sa tête, oublie le Cali flamboyant et nous présente Bruno Caliciuri, l’homme nu, offert dans les chansons de son opus.
Placer « Horizons » dans son lecteur CD, c’est un peu prendre une allumette et risquer de la craquer au-dessus d’une nappe de pétrole. L’allumette c’est Cantat, le pétrole Trintignant, et entre les deux, les vapeurs, les songes d’un poète maudit, damné de son temps.
Impossible d’appuyer sur ‘play’ sans penser à tout ça, tout ce gâchis : Vilnius, Cantat, Trintignant, prison, mort, médias, justice, procès, plaintes, attaques… Musique. C’est probablement ce qu’il restera, et ce qui doit rester, de ces 46 minutes de retrouvailles. 46 minutes d’un rock teinté d’influences innombrables, teinté de vie, de mort, de songes, de mensonges, de rimes, d’escrime des mots comme seul Cantat peut en produire. « Ma Muse », les premiers accords effacent les doutes, la voix supprime les peurs : ‘rien’ n’a changé depuis 12 ans.
Détroit Horizons.
L’artiste, le passionné de musique et des mots, est toujours là. ‘Ça m'inspire chaque fois que je respire ton essence complice, qui goutte à goutte, s'immisce en moi’.
« Glimmer in your eyes » nous balade parmi les fantômes de l’artiste (‘Sometimes I
wonder where you are’) sur fond de voix à l a Johnny Cash et sonorités qui ne sont pas sans rappeler certains morceaux de Noir Désir. Ici tout est en nuances et en toucher. J’ai toujours eu peur que Cantat s’exprime dans la langue de Shakespeare, peur qu’il trahisse le français, ‘sa langue’, celle dont il est le maître, mais non, loin de là. Autre atmosphère, autre ambiance, autre liberté peut-être ? Il le prouvera à nouveau, tout au long de « Null and void », plus loin, que ce choix de l’anglais est réussi.
« Détroit 1 », instrumental, ouvre le coeur de l’album… « Mon ange de désolation ». Impossible de ne pas lier immédiatement le titre à Marie Trintignant. Impossible de ne pas prendre une sale claque dans la tronche. Qu’on dise ce qu’on veut de l’homme, le poète n’a rien perdu ni de sa passion (‘Dors mon ange de désolation, rien ne nous enlèvera nos frissons’), ni de sa verve (‘Dans leur panier à ordures, il y aura 510 versions pour engraisser les porcs’).
Impossible, et ce même sans lui pardonner, de ne pas frissonner lorsque tremblante, la voix de Cantat épanche ‘l’éternité nous appartient…’, magnifiquement accompagnée par son compère Pascal Humbert.
Dans « Horizons », troublé par un orage de guitares, Cantat parle sans détour de son séjour en prison ‘Cherche ton horizon, entre les cloisons’, évoquant même ses idées de mort... ‘Qui de ma tête ou de mon coeur va imploser comme une étoile / quel débris ou quel morceau de moi d’abord te rejoindra’.
C’est le presque ‘joyeux’ –comparativement aux profondeurs abyssales de la première partie de l’elpee– « Droit dans le soleil » qui permet d’apprécier pleinement la plume de Cantat et l’apport fabuleux d’Humbert. Inutile de palabrer sur ce titre. Par cette chanson, le retour de Cantat a déjà fait couler assez d’encre, celle laissée par Cantat suffit à justifier plusieurs écoutes de ce bijou.
La suite du long playing est en demi-teinte. Pas la faute des compos ni de l’artiste, simplement que pour se relever d’« Ange de Désolation », il aurait fallu… rien. Rien ne pouvait suivre un tel morceau, à tel point que j’avoue avoir du mal à m’accrocher sur la suite de l’LP.
« Au creux de ta main », pâle remake de l’époque Noir Désir était, à mon sens, parfaitement dispensable au vu de ce que Cantat a démontré sur les premières pistes et « Sa majesté » n’est pas sans rappeler « Le Roi » du combo bordelais.
Cantat s’offre finalement une reprise de Léo Férré, un de ses maîtres : « Avec le temps » que l’auteur/compositeur n’aurait probablement pas renié.
Secret de fabrication, le pire moment d’une chronique, c’est la fin. Comment conclure ? Et surtout, comment conclure un tel disque ? Comment dire, sans se faire haïr, que ce type, quoiqu’il ait fait, reste un artiste majeur de sa génération ? Comment dire que cet album, loin d’un pathos affligeant, est d’une beauté crue, violente, triste et émouvante ? Comment dire ‘Putain, il aimait cette fille’, en écoutant certaines plages, alors qu’il faudrait maudire Cantat ? Faut-il le vouer aux gémonies ? Peut-être. Mais il faut surtout savoir reconnaître quand un poète revient chez lui, quand pour nous bercer de paroles métaphoriques où l’idyllique guerroie avec la mort, la voix de Cantat transporte aisément là où tant d’autres échouent lamentablement sur les rives de leur phrasé. ‘Avec le temps va tout s’en va’, peut-être. Ou peut-être pas.
Initié fin 2009, en parallèle à Wooden Shijps, Moon Duo trouve de plus en plus ses marques dans le paysage sonore (et sonique) actuel, faisant figure de Pygmalion pour bon nombre de mélomanes.
Surfant sur les mêmes trames psychédéliques que Wooden Shijps, le projet monté par le talentueux Mister Ripley Johnson et de sa compagne à la ville, Sanae Yamada, s’en détache néanmoins par une approche plus directe, tout en gardant bien sûr en ligne de mire les circonvolutions en spirales propres au genre.
Gagnant à la force du poignet ses galons de ‘guitar héro’ un rien hypster, l’ami Johnson ne s’égare pas dans de futiles joutes tape-à-l’œil (NDLR : à l’oreille ?) ; ce qui somme toute, reflète parfaitement son travail discret mais impeccable.
Forts des échos enthousiastes recueillis à chacun de ses passages, la paire, renforcée depuis deux années par un vrai batteur remuant des vrais bras sur scène (en la personne de John Jeffrey), attire de plus en plus de curieux, tout en ramenant son cheptel de fans inconditionnels.
Elle a même décroché une place de choix dans une veine très à la mode actuellement (le band constituera l’une des attractions majeures du Eindhoven Psych’ Lab, en juin prochain).
Bref, absolument dans l’air du temps, le genre d’évènement quasi hype à récupérer au sommet de la vague.
Les premières notes déjà hypnotiques de « Wilding » résonnent sous la voûte étoilée de la salle circulaire alors que le public s’agglutine à la hâte.
Votre serviteur y compris, recraché juste à temps par la circulation locale.
Les soli de guitares dessinent les premières arabesques sur la ritournelle obsédante de l’orgue et déjà un constat s’impose : des deux pendants indissociables au mantras psychédéliques (l’ennui en opposition à la transe), Moon Duo milite plus que régulièrement dans la meilleure de ces deux catégories.
Si la redite est inévitable, dans ce mouvement propre à tournoyer sur lui-même, il est heureux que Moon Duo opte pour une spirale ascendante par la grâce de rythmiques robotiques impeccables qui amènent le corps à se détacher de l’esprit sans laisser celui-ci se poser trop de questions.
Ainsi, sans temps mort, les pépites de « Shadow of The Sun », principale source de la set list de ce soir, puisque petit dernier de la discographie, s’égrènent et éclosent çà et là en autant de germes porteurs de dérives psychotiques chères au public ici présent.
Territoire conquis d’avance, certes, mais qui n’autorise pas le sieur Ripley et sa gente dame à offrir autre chose que le meilleur d’eux-mêmes.
Car si l’auditoire accepte la danse du Shaman, il exige également de le retrouver lui aussi de l’autre côté, dans cet état évanescent et mystique que tissent les mandalas musicaux.
Si on pouvait craindre que la succession de dates (la rançon d’un succès qui ne cesse de croître) lasse nos trois musiciens, ils n’ont rien laissé transparaître dans leur attitude, certes, un peu engoncée, mais en corrélation avec l’esprit général (où le visage fermé, les yeux clos, on se laisse emporter en affichant un air mi-sérieux, mi habité).
Les projections se chargeant d’apporter leurs couleurs à ce rêve halluciné, la soirée s’écoule sans surprise, sans anicroche non plus.
La machine est parfaitement en place, et les rouages sont bien huilés.
Néanmoins, l’évolution est palpable chez ceux qui suivent leur parcours depuis le début et ont déjà eu l’occasion de les voir auparavant ; ce qui est le cas de votre dévoué serviteur.
Sans oser parler d’accessibilité, la musique de Moon Duo a semble-t-il trouvé ses propres marques et se sent de plus en plus à l’aise dans son registre, à présent pompé plus que de raison par de nombreux groupes aux résonances cosmiques, preuve s’il en est de son influence majeure.
Mais loin de s’autoproclamer pape ou modèle en la matière, Ripley se contente d’explorer plus avant son univers personnel, que ce soit sous l’identité de son band ou de son projet conjugal, égal à lui-même, soit sans esbroufe.
Le résultat, déjà plus que convaincant sur disque, s’affiche ici superbement et ravit les heureux détenteurs d’un sésame.
Évitant d’inutiles distractions, Moon Duo va directement à l’essentiel, objectif : lune.
Le périple est forcément étudié en fonction de l’efficacité.
Les titres propices au rêve sont écartés ; ne reste que la ligne droite et directe tracée vers ces paradis artificiels qui se dessine au fil des minutes introspectives.
Processus générant son lot de trips au sein d’un public acceptant la mise en orbite.
Six titres plus tard (ce qui peut paraître court mais pas dans le registre à rallonge de ces transes hypnotiques), les trois comparses reviennent accorder un rappel où « Goners » rappelle le chemin parcouru et l’évidente filiation avec Suicide, le Velvet et d’autres références toutes aussi évidentes mais tellement passées à la moulinette, qu’il n’en ressort qu’un agglomérat compact d’originalité et de génial savoir-faire.
Si Moon Duo n’a pas inventé le fil à couper le beurre, il peut au moins se targuer d’avoir réinventé un état d’esprit intègre et loin des clichés du genre.
L’enthousiasme au sortir de la salle est palpable.
Le public a en eu pour son argent (et le prix du ticket était très bon marché).
Il est fort à parier que lorsque Moon Duo se produira à nouveau en salle, elle aura pris une autre envergure…
(Organisation : Botanique).
Le PacRock festival fête ses 10 ans d'existence et c'est donc, si je compte bien, la sixième édition puisqu'il est programmé tous les 2 ans. Les organisateurs ont toujours eu le nez creux pour dénicher la perle rare ou en devenir. Le prix d'entrée est plus que démocratique. Et l’affiche, rock mais éclectique. Depuis la noise au math, en passant par l'électro et l'indie rock. Pour cette édition, elle réunit 19 groupes ou artistes.
Didier débarque sous les rayons de soleil, vers 16h50, lors de la fin du set de La Jungle. La Jungle est un duo montois batterie/guitare particulièrement efficace. Eponyme, son premier elpee a été gravé sur vinyle à 500 exemplaires. Consistant et puissant, son math rock est légèrement teinté de hardcore. Le drumming est à la fois tribal et énergique. Les riffs sont incisifs, intuitifs et instinctifs, comme chez White Stripes ou Black Box. La voix est envoûtante et chamanique.
Peter Kernel se produit sur la grande scène. Helvète, ce duo réunit Aris Bassetti et Barbara Lenhoff. Ils se partagent le chant. Le premier se charge de la guitare, la seconde de la basse. En ‘live’, ils sont soutenus par un batteur. La formation pratique un cocktail de pop/rock indé brut de décoffrage, mais ouvert à l’expérimentation. Le drumming est métronomique. La voix de Barbara me fait penser à celle de Kate Pierson des B52’s. Et sur les planches, leur capital sympathie est boosté à du 200%. Un excellent concert pour un combo à revoir !
Les jeunes Bruxellois de Robbing Millions sont probablement parmi les artistes pop/rock les plus prometteurs de la scène belge. Ce n’est pas un hasard si des formations plus huppées comme Odezenne, Balthazar ou Metronomy les ont choisis pour assurer leur supporting act. La première fois que votre serviteur a assisté à un de leurs sets, c’était à Mons. Leur expression sonore m’avait semblé so british. Mais leur look totalement démodé me rappelait plutôt les nineties, et tout particulièrement la série ‘Hélène et les Garçons’. Pourtant, leur set est à la fois de bonne facture et énergique dans le bon sens du terme. Il est sublimé par l’excellent morceau « Dinosaur ». Un conseil quand même à adresser aux musicos : une nouvelle garde-robe et un coiffeur un peu plus dans l’air du temps ne leur feraient pas de tort… (A.M.)
La première grosse claque nous viendra de Grieved, un ensemble suédois. De Stockholm, très exactement. Très jeunes mais aussi très pros, les musicos vont mettre le souk sur l’estrade du Marquee. Les riffs des deux sixcordistes sont précis, mais ravageurs. Le tempo est infernal. En 25 minutes, le combo va mettre tout le monde d’accord, mais aussi nous laisser sur notre faim.
Les cyclistes de Moutain Bike en ont sous la pédale et sur le porte-bagages. Quatre gais lurons qui prennent leur pied sur le podium. Ils ont une bonne bouille –et tout particulièrement le gros nounours qui siège derrière ses fûts– et semblent avoir définitivement adopté un look pas cher : calbutte et tee-shirt de basketteur. Ils participent à la plupart des festivals et font actuellement le buzz. Minutieux mais percutant, leur garage/rock se teinte parfois de tonalités hawaïennes. Ou vire aussi quelquefois à la pop. La set list épingle une majorité de titres issus de leur premier elpee, paru il y a un peu plus d’un an. Et 4 nouvelles compos. Toutes excellentes. D’ailleurs si leur futur opus est de la même veine, Mountain Bike pourrait bien prendre la tête du peloton, en Wallifornie…
Cap sur la grande scène pour assister à la prestation de Wolf People. Un quatuor gallois signé chez Jagjaguwar (Bon Iver, Viet Cong). La voix est puissante et vitamine leur rock psychédélique empreint de délicatesse, mais très susceptible de montées graduelles en crescendo. Un peu comme bon nombre de groupes de la fin des sixties ou du début des seventies. La seconde claque de la soirée.
Maybeshewill se produit également sur la Main Stage. Ils sont nombreux sur les planches. Et ils se servent majoritairement de claviers. Ce qui apporte une touche électro à leur math rock expérimental. Les musicos déménagent littéralement sur le podium. Mais dehors, il tombe des hallebardes. Je résiste 10 bonnes minutes ; puis complètement trempé, je pars me mettre à sec. Dommage, car le set des Insulaires tenait parfaitement la route…
J’arrive un peu avant l’heure pour le show de Raketkanon sous le Marquee. Il y a deux ans, le groupe gantois avait fait un tabac ici même, en dispensant une expression sonore qui oscille entre électro, black métal, sludge, noisy, psyché et hardcore. La voix du chanteur est technologiquement modifiée. ‘Downtuned’, la guitare libère des riffs huileux, graisseux, lourds et chargés de décibels. Ce gratteur plaisante en signalant qu'il vient des USA et débarque en Belgique pour la première fois. Le drummer et le préposé aux machines se font face. Sur l’estrade, la configuration du groupe est dessinée en cercle comme chez Caribou ou BRNS. Ce qui renforce l’impression de cohésion du band. Le chanteur est un phénomène à lui seul. Il a l’habitude de descendre dans la fosse. Et ne va pas s’en priver pour le bonheur des métalleux. D’inévitables pogos se déclenchent. Les morceaux s’enchaînent sans le moindre temps mort. Le spectacle terminé, je quitte malheureusement ce beau festival. La fatigue commence à gagner votre serviteur. Il part néanmoins heureux de sa journée. De quoi lui rendre la banane pour les prochains jours. A dans deux ans ! Et c’est Adrien qui achèvera la soirée…
These New Puritans est considéré, depuis le début de ce millénaire, comme le détonateur du nouvel élan de la scène pop/rock insulaire. Il est même souvent cité, par les jeunes artistes ou formations britanniques, comme une source d’inspiration. Perso, j’estime même que leur deuxième elpee, « Hidden », est un des meilleurs de ce nouveau siècle. C’est donc une grosse surprise de retrouver le band à Pont-à-Celles ; et en même temps un moment d’excitation à l’idée de le revoir en ‘live’. La déception n’en sera que plus grande… Rien n’est épargné aux Puritains, ce samedi soir. Le temps est exécrable et la pluie chasse une bonne partie des festivaliers. En outre, leur musique n’est vraiment pas adaptée à ce type de festival. Paisible, mais sombre, elle est truffée de sonorités insolites. Par exemple, sur « Attack Music », on y entend de bruits d’épées qui se mesurent au combat. Mais comme le peuple se les gèle, il n’en a rien à cirer de ces détails. D’autant plus que, hormis l’épique « We Want War », le show est mollasson. Insuffisant pour renverser la vapeur. En outre, la set list n’a intégré aucune plage du premier opus, c’est-à-dire les plus adaptées au ‘live’. Parce que plus rock. Pourquoi avoir négligé le hit « Elvis » ? Incompréhensible ! Et pourtant, parmi la vingtaine de personnes présentes, j’ai entendu plusieurs fois cette chanson être réclamée. Enorme désillusion donc pour ce concert au cours duquel on a quand même eu l’impression que les musicos n’étaient pas motivés. Dommage !
J’avais déjà eu l’opportunité d’assister au set d’AKDK, il y a un mois, à Louvain-La-Neuve. Mais je ne parviens pas à digérer mon désappointement causé par la prestation désastreuse de These New Puritans. Pourtant, le light show est judicieusement tamisé et colle parfaitement au climat mystique entretenu par le combo anglais ; mais rien à faire, je ne parviens plus à accrocher… (A.M.)
(Organisation : PacRock Festival)
These New Puritans (UK) // Maybeshewill (UK) // Wolf People (UK) // Robbing Millions // Raketkanon // Grieved (SE) // Alamo Race Track (NL) // Mountain bike // Bed Rugs // AKDK (UK) // Peter Kernel (CH) // Thibet // Quadrupède (FR) // Mont-Doré // Alaska Alaska // Angakok // La Jungle // Ice Spliff // Bronco aka Papyharder.
Le concert de Skip&Die est sold out. La formation a cependant refusé de se produire dans la grande salle qu’elle aurait pu remplir aisément. La raison est simple : elle souhaite rester le plus proche possible de son public et bien sûr de ses aficionados. Le line up de S&D est partagé entre Sud-africains et Bataves. Le combo est venu défendre son troisième opus, « Cosmic Serpents », paru fin mars dernier. Un disque publié sur le label bruxellois, Crammed Discs. Pas étonnant, puisque les musicos fréquentent régulièrement la capitale de l’Europe. Côté inspiration, le band puise d’abord ses sources dans la musique d’Amérique du Sud, du Moyen-Orient et de l’Inde. Une chose est sûre, la soirée s’annonce festive…
La première partie est assurée par d’excellent entertainers, nés pour la danse et la fête : Throes and The Shine. Issu de Lisbonne, le groupe implique deux Angolais, aux vocaux. Son expression sonore est le fruit d’un mélange d’électro, d’afro-house, de ku duro, de benga, et de rock, mijoté à la sauce contemporaine. Le tout est agrémenté de break dance et de semba (danse angolaise). Le ku duro, (littéralement 'cul dur' dans la langue de Gil Vincente) est une musique traditionnelle de cette ancienne colonie portugaise. C'est un autre combo lisboète, Buraka Som Sistema, qui l'a popularisée à travers le monde. Un pur bonheur pour les jambes, le popotin et les oreilles.
Diron Shine et Mob assurent le chant. Le premier est musclé et a enfilé un marcel coloré. Ils sont soutenus par Igor Domingues aux drums et percus, Marco Castro à la guitare, aux synthés et machines ainsi que Rafael Silva à la basse. Throes and The Shine (chapeau sur la tête) va mettre le feu à l'AB Club et la transformer en boîte de nuit. Les musicos montent d’abord sur l’estrade. Ils sont suivis par les deux vocalistes. Dès l’intro, l’invitation est claire : ‘Everybody's, clap your hands !’ L’auditoire s’exécute. Il va zouker, jumper et danser sec sur le dancefloor. La température va graduellement monter de plusieurs degrés et atteindre son pic sur « Batida ». Deux fans audacieux montent sur l’estrade pour se défouler en compagnie de la formation. Il est temps de faire régime ? Suffit d’assister au set de T&TS et vous perdrez quelques litres, voire quelques kilos superflus. Une belle mise en jambes…
Place ensuite à Skip&Die. Catarina Aimée Dahms, aka Cata Pirata, est la chanteuse. De nationalité sud-africaine, sa tenue est particulièrement excentrique : elle porte une longue cape bleue, un short blanc à froufrous assorti au chemisier et est chaussée de bottes guêtres fantaisistes de couleur noire. Sa chevelure est constituée de longues tresses en mode dreadlocks. Et malgré cet aspect extérieur un peu farfelu, elle est plutôt jolie. Soirée fitness, puisque dès qu’elle monte sur les planches, elle entame son jogging. Le sourire aux lèvres. Tout en rappant ou chantant. Et d’une manière impeccable, s'il vous plait ! Le line up est complété par le drummer/percussionniste Gino Boombanbu, aka Bombrini, le claviériste et bidouilleur Jori Collignon ainsi que Daniel Rose au sitar et à la gratte.
L'intro nous plonge dans le monde oriental. Avant que « Jungle Riot » n’entame le set. Cata mêle onomatopées et chant. Tribales voire explosives, les percus nous entraînent dans les ghettos de Soweto. « Killing Aid » permet à la température de prendre encore quelques degrés. Moment choisi pour se prendre dans la tronche, « Burning Bridges », un brûlot issu du nouvel elpee. On est dans une fournaise. Pulls, manteaux, tee et sweet-shirts s'accumulent sur le bord de l’estrade et les baffles. Cocktail d'électro, de balkan music, de drum&bass et de hip hop, « La Cumbia Dictatura » permet à Cata de démontrer son aptitude à canaliser la foule. Elle la mène même à la baguette. Et pour la circonstance, évidemment, l’incite à danser. Les lyrics sont interprétés dans six langues différentes : anglais, afrikaans, zoulou, xhosa, espagnol ou portugais.
« Mami Wata » est dynamisé par les percus. Ragga et reggae contaminent « Perpetual War ». Bienvenue à Kingston ! Les artistes en profitent pour faire un break, se désaltérer et arroser le public, avant d’embrayer par un « Get Your Braai On », au cours duquel le hip hop mène la danse. Plus paisible, « Nine Dimensions » trempe dans une pop classique. Ce sera le seul moment cool du set. Nerveux, « Multi Murder » reprend sa vitesse de croisière. Cata en profite pour prendre un bain de foule. « Space Girls » achève la prestation, une autre compo pop, mais dansante, balayée par un solo de gratte psyché.
L’auditoire en veut encore, hurle, bat des pieds ou/et des mains. Soirée fitness, je l’avais déjà dit. Le combo revient alors et nous réserve une version ‘unplugged’ d’« Anti Capitalista », à la demande du public. Magique ! Et la soirée de se conclure par un « Senorita » vitaminé par les beats drum&bass, alors que le sitar emporte nos rêves, jusqu’au Taj Mahal…
(Organisation : Ancienne Belgique)
Deux ans après voir publié son cinquième album, « Memorial », Russian Circles se produisait à nouveau dans l’Hexagone, et plus précisément à Tourcoing, au Grand Mix, devant une salle remplie aux deux tiers. 24h après la prestation de Red Fang, la salle française allait une nouvelle fois vibrer sous les riffs métalliques d’un combo issu du pays de l’Oncle Sam.
Fondé en 20014, Russian Circles pratique une forme de post-rock/post-metal, caractérisée par le recours à des pédales de sampling et de loop. Son patronyme est inspiré d’un exercice pratiqué dans l’univers du hockey sur glace…
Pour assurer leur première partie européenne, le trio chicagoan a fait appel Helms Alee. Des compatriotes. Etablis à Seattle. Ce soir, il s’agit de leur premier show accordé sur le Vieux Continent. Un trio réunissant deux filles et un mec. Leur musique libère énormément d’énergie, mais à la grosse louche. Epais, les riffs de gratte se succèdent, mais se ressemblent. Après avoir encaissé trois morceaux de ce metal stoner, le public est rassasié. Et souhaite que ce gavage s’achève le plus rapidement possible…
Vers 21h30, les choses sérieuses commencent. Chevelu, Mike Sullivan, le guitariste, s’installe sur la gauche. Barbu, le bassiste, Colin DeKuiper, sur la droite. Et Dave Turncrantz, en arrière-plan, au milieu, derrière ses fûts. Dès les premiers accords, on est impressionné par la puissance du son. Comme quoi, il n’est pas nécessaire de monter un quintet ou de disposer d’un mur d’amplis, pour produire du ‘gros son’. Le trio enchaîne les titres de ses différents long playings. Aucun n'est négligé. Parfois, les riffs de métal cèdent le relais à de longs crescendos construits en harmonie. Mike Sullivan est un fameux gratteur. Sa technique au tapping est stupéfiante de vélocité. Et le bassiste, est loin d’être un manchot. Les hochements de tête se généralisent dans la fosse ; ce qui démontre le réel intérêt de la foule pour ce concert. Un seul reproche, les musicos sont un peu trop statiques. Une critique largement compensée par la qualité, l’intensité et l’énergie libérée par les compos, et la parfaite maîtrise des instruments affichée par les trois compères de Russian Circles.
Après une bonne heure de concert, le public est satisfait. Et le manifeste par de vives acclamations. De quoi aussi donner envie de ressortir les disques du band et de les écouter à plein volume, dans l’esprit de ce set…
(Organisation : Le Grand Mix)
Pour les photos de Russian Circles lors de leur set à l'AB, c'est ici
Pour les photos de Helms Alee lors de de leur set à l'AB, c'est là
Pour celles de Russian Circles au Grand Mix, c'est ici
Et pour celles de Helms Alee au Grand Mix, c'est là
Je suis fan de rock. Je suis fan de rock. Je suis fan de rock. Je suis fan de Fauve ≠. Comment entamer la chronique d’un concert ? Quand passe-t-on de ‘la route pour y aller’ au ‘concert proprement dit’ ? Pour Fauve ≠, cette simple distinction devient une énigme : à quel moment précis l’état d’esprit du spectateur bascule-t-il dans les Nuits Fauves ? Parce que c’est de cet événement dont il était question ce jeudi soir, un soir de semaine comme un autre, un soir de Nuit Fauve plus qu’un simple soir de concert, chez nos voisins français, au Zénith Arena de Lille.
Les portes commencent à s’ouvrir peu après 18h, la foule s’engouffre entre les barrières, impatiente, fébrile… et quelconque. Pas de ‘bobos’, pas de ‘hipsters’ en tout genre, non. Des gens normaux. Des adolescents, oui, mais des trentenaires aussi. La presse, oh privilège, entre par une porte distincte. Moment choisi pour tailler une bavette avec le bassiste de Fauve ≠, à côté d’un public qui ne s’en rend pas compte. Oui, les membres de Fauve ≠ sont comme ‘Monsieur tout le monde’ ; et absolument, sans leur billet en main, ils seraient refusés à l’entrée, comme n’importe quel quidam…
La foule investit donc les lieux. Pas question de se masser devant les portes, tout est ouvert. Il est même mentionné ‘Ici tout est à vous’ sur le bracelet bleu que l’on nous a distribué à l’entrée. Quelques fans se pressent contre les crash-barrières (ne dites pas ‘frontstage’ chez nos voisins français, sinon ils vont imaginer qu’on leur parle d’un type de sandwich ou d’une marque de voiture), d’autres opèrent un détour via le stand ‘pop-corn’ ou le merchandising (où les préposés ne sont pas les moins impliqués dans Fauve ≠…). Ça discute, ça boit des coups, ça rit, ça s’amuse. Le concept augure que ‘Les Nuits Fauves sont aux concerts ce que le barbecue est à la gastronomie’. Mais perso, la gastronomie, ça m’emme*** profondément.
19h45 marque le début des premières parties. La longueur du paragraphe, que vous aurez peut-être envie de zapper d’ailleurs, vous permettra de confirmer ce que votre serviteur en a conclu : pas convaincu. C’est Bagarre qui ouvre le bal et sa tentative de poésie ésotérico-intelligente (‘Un cimetière. Un parterre de cuillères.’) me donne plutôt la nausée et l’envie subtilement impérieuse de fuir le plus loin possible. N’est pas Fauve ≠ qui veut. La musique et le tempo mettent par contre le public rapidement d’accord.
Le second supporting act, Les Gordon, n’a pas davantage mes faveurs. Question de goût : 30 minutes du même beat décliné en 10 versions, très peu pour moi. Je râle, je crache sur ces premières parties ; mais la question qui me traverse l’esprit finalement –et je n’ai aucune réponse à fournir– est : quel artiste serait capable d’ouvrir pour Fauve ≠ ? Somme toute, Barbare et Les Gordon ne sont pas un si mauvais choix : ils sont ‘jeunes’ et Fauve ≠ leur offre une magnifique opportunité de se produire au Zénith.
Et puis Fauve ≠.
20h45, entame des hostilités, début du combat des affects, des émotions en pagaille, du sang et des sanglots, des ongles arrachés sur le parquet granuleux, d’accès de colère, de violence, de sexe. Départ de deux heures physiques, puissantes, émouvantes, éprouvantes. Deux heures où Fauve ≠ compte bien gratter les croûtes encore un peu sanguinolentes de toutes nos âmes blessées. Deux heures viscérales, simplement viscérales.
Les fauves sont lâchés dans l’arène, « Sous les Arcades », extrait du nouvel album « Vieux Frères – Partie 2 » lance le bal ; le chanteur harangue la foule qui n’en n’a –et le concert commence à peine– pas vraiment besoin : ils sont tous fans de Fauve ≠, conquis d’avance, connaissent les paroles et tentent d’en suivre le débit infernal qui leur est imposé. Bref, ils sont venus pour ‘faire’ les Nuits Fauves. C’est ce public qui est le noyau de l’univers de Fauve ≠, ce sont les émotions de ce public précis, celui qui est venu ce soir, qui conditionne toute l’ambiance, toute la tension qui est libérée. Enchaînement par l’incontournable « Nuits Fauves », pourquoi bouder son plaisir ? Et « Voyou » avant de continuer l’exploration de ce « Vieux Frères – Partie 2 » avec T.R.W. pour mieux revenir sur « Infirmière » que l’auditoire reprend en chœur. Le moment de se poser, d’observer le cadre : une scène bardée d’écrans de télévisions, entourée d’écrans géants, une hémisphère éclairée par des centaines de lampions accrochés au plafond. Intime.
Fauve ≠ n’a peur de rien, pas même de convaincre un Zénith presque comble de chanter leur « 4 000 Iles » en canon à trois voix… et ça marche. Un peu de balbutiements, un peu de difficulté, mais la mayonnaise prend et le public s’en donne à cœur joie. Du nouvel opus, on épinglera le magnifique et presque joyeux « Tallulah » (‘Et si le ciel s’écroule, si les continents plongent, je te suivrai même jusque dans tes songes’) et la puissance de « Paraffine ». On saluera une énergie rock puissante qui faisait (peut-être ?) défaut à « Vieux Frères – Partie 2 » version album. Guitare puissante, gros son de basse et chanteur courant partout à la fois. La formation prend également plaisir à revisiter « Haut Les Cœurs » dans une version dépouillée mais qui ne perd bien sûr rien de son énergie lorsqu’il s’agit de clamer « Va t’faire enculer » au Blizzard. Les rappels sont ‘convenus’, « De Ceux » et « Kané » sont incontournables, mais permettent aussi de découvrir une adaptation ‘live’ bouleversante de « Bermudes » et de terminer dans une communion impressionnante par « Les Hautes Lumières ».
Et de rejoindre mes pénates, un vendredi matin, très tôt, un peu hagard, après avoir bu ‘des coups’ en compagnie des membres du groupe ; parce qu’ils n’aiment pas : les autographes, les selfies, ce genre de trucs. Et d'égarer sur une feuille des phrases, des bribes de mots, des songes, des sentiments confus. De ne plus trop savoir si c’était ‘bien’ ou pas. De se rendre compte que j’étais salement con d’avoir pensé que ce n’était ‘vraiment pas génial’ avant d’avoir vu la famille Fauve ≠ en action.
Plus qu’un concert, plus qu’un simple exutoire à ‘choses négatives’, Fauve ≠ se veut profondément ancré dans son temps, dans son public, en proposant un concert ‘soirée avec les potes’ à taille zénithienne. À la sortie, le merchandising est plein à craquer. Les spectateurs se seraient-il rendu compte de l’identité de ceux qui vendent les t-shirts ? Ils parlent, rient, jouent, croisent les musicos. Peut-être sans le savoir. Sûrement sans le savoir.
Et votre serviteur retourne se noyer, après la nuit, avant le jour, dans les Nuits Fauves.
Set list
1. Sous les arcades
2. Nuits fauves
3. Voyou
4. T.R.W
5. Infirmière
6. 4.000 îles
7. Vieux frères
8. Tallulah
9. Haut les Cœurs
10. Azulejos
11. Loterie
12. Paraffine
13. Cock Music Smart Music
14. Blizzard
Rappel :
15. De ceux
16. Bermudes
17. Kané
18. Les Hautes Lumières
Organisation A Gauche de La Lune (Les Paradis Artificiels)
(Voir aussi notre section photos ici)
Un jour comme un autre, en rentrant chez soi, on choisit de placer au hasard l’une des nouveautés musicales du moment dans son lecteur, de l’écouter d’une oreille distraite, en fond sonore. Le hasard a voulu qu’un samedi soir, elle soit happée par les premières notes de « Some Blue Morning », plage titulaire et éponyme de l’album d’Adrian Crowley. Et elle n’a été inattentive que durant les premières notes… J’écoute le disque une fois, deux fois, trois fois, je fouine un peu : « Some Blue Morning » constitue le septième opus de l’Irlandais et non pas le premier, comme je l’avais tout d’abord pensé… parce qu’il me semblait tout bonnement impossible d’être passé à côté d’un tel artiste !
On retrouve à ses côtés, en tant qu’ingénieur du son et producteur, mais également comme musicien, son ami de toujours Steve Shannon mais aussi Kevin Murphy (aux violoncelles), Katie Kim (pour les chœurs) et Emma Smith (aux violons notamment). Une fabuleuse équipe en compagnie de laquelle il a enregistré à Dublin ce septième effort studio et qui, on l’espère, l’accompagnera encore longtemps et pour cause : l’elpee fait la part belle aux arrangements, aux ambiances et au jeu sur les textures sonores.
C’est son parti pris depuis ses débuts, en 1999, lorsqu’il a gravé « A Strange Kind » : Adrian Crowley va à l’essentiel et le premier titre, « Some Blue Morning » donc, n’échappe pas à cette règle. Une vision ‘euphorique’ où les larmes font peu à peu place au ravissement (‘Some blue morning soon / We will rise and step into the glowing / Where once were tears there shall be gladness / Where once were splinters hope shall rise.’) Une idée qui traverse l’elpee et qu’on retrouve ici et là (‘The embers wink before they die’, dans par exemple « The Hungry Grass »). Adrian l’explique mieux que quiconque : son travail sur « Some Blue Morning » est différent de ce qu’il a pu faire, notamment sur le précédent LP, « I See Three Birds Flying », sans l’être totalement. ‘I wrote the songs for “I See Three Birds Flying” all in the same room and I wrote the songs for ‘Some Blue Morning’ in a different room… but both rooms are in the same house. I think that is an accurate description of my approach in more ways than one.’ (Propos d’Adrian Crowley recueillis par Mark Carry)
On retiendra « The Stranger », sans doute le morceau le plus personnel de « Some Blue Morning », le plus inspiré par la vie d’Adrian. « The Stranger », une lente rêverie dans les méandres de l’esprit d’un cœur brisé, de son introspection sur un amour qui a mal tourné.
Et dans le même temps on saluera le magnifique « The Wild Boar », véritable pièce maîtresse de l’œuvre à mon sens, un ‘spoken word’ inspiré autant par la mythologie celte que par des faits ‘récents’ (une histoire que l’Irlandais a entendue lors d’un passage chez nos voisins français). Adrian Crowley réussit ici le tour de force de moderniser la forme du conte et l’adapte à notre siècle tout en parvenant à captiver l’auditeur par l’histoire racontée prouvant, si besoin était, son implacable talent de storyteller. Et de refermer l’album par « Golden Palominos » qui malgré son sujet plus sombre (l’inévitable passage de nos vies) se permet une ‘envolée positive’ grâce à ses magnifiques arrangements.
Les fantômes de Leonard Cohen et de Nick Cave ne sont jamais loin de ce « Some Blue Morning » et l’oeuvre n’est donc clairement pas accessible à toutes les oreilles… Mais pour qui s’y risquerait, un verre de vieux bourbon à la main, au coin d’un bon feu de bois, plongé entre les cordes, les chœurs, les textures et les méandres de cet album, quel bonheur… Adrian Crowley ne se parviendra malheureusement pas davantage à se faire connaître chez nous s’il continue dans cette voie ; mais dieu que son chant sépulcral, hypnotique et authentique sur des harmonies de cordes sonne bien… Des contes ordinaires d’une puissance et d’une élégance rarement égalées.
The Experimental Tropic Blues Band présentait ce samedi au Salon à Silly « The Belgians ». Une soirée organisée dans le cadre de l’‘Interclubs Tour’, une initiative de Club Plasma et Clubcircuit, soutenue par SABAM for Culture.
Fers de lance de la scène belge, ces Liégeois ne sont pas nés de la dernière pluie. La formation s’est constituée de manière très étrange, en 2001, lors d’une fête organisée dans une école de photographie. Les trois potes se découvrent un attrait pour la musique et décident de se vouer corps et âme à cette belle, mais difficile, discipline.
Depuis, ils ont écumé pas mal de salles de concerts et de festivals. Ils ont ainsi eu l’opportunité d’ouvrir pour The Cramps, Bob Log III, Heavy Trash, JSBX, Andre Williams, The Soledad Brothers, Jay Reatard, The Black Lips, Jim Jones Review et j’en passe !
Après avoir publié un Ep (« Dynamite Boogie »), en 2005, et deux elpees, « Hellelujah » et « Captain Boogie », respectivement en 2007 et 2009, la consécration vient véritablement grâce au troisième opus intitulé « Liquid Love », un disque paru en 2011.
Enregistré à New York, dans le studio de Matt Verta-Ray (Heavy Trash), sous la houlette de Jon Spencer (JSBX, Heavy Trash, Boss Hogg, Pussy Galore), il a bien été reçu par la critique.
Réunissant Jean-Jacques ‘Boogie Serpent’ (guitare, voix), Jérémy ‘Sale Coq’ (guitare, voix) et d’un drummer (surnommé Devil d'Inferno) cousin lointain de Monsieur Propre, les gaillards se sont donc rebaptisés pour la circonstance ‘The Belgians’.
Le génial trio est venu ce soir défendre son improbable et dernier opus. Enfin, défendre est un bien grand mot puisque de l’aveu même du leader, le disque est invendable.
Cette parenthèse belgo-belge dans l’histoire du groupe se révèle de facto essentiellement taillée pour le live et difficilement exportable hors du Royaume. Dont acte !
Peut-être ont-ils voulu éviter les écueils d’une certaine routine et de s’enfermer dans un genre musical cadenassé pour démontrer qu’il était possible de faire preuve d’autodérision façon ‘Strip-tease’, l’émission qui déshabille !
Ces fous furieux dépeignent aujourd’hui, au travers de leur éphémère projet, le portrait d’une Belgique qu’ils veulent à leur image. A savoir gentiment, mais sincèrement déjantée !
Evoluant à mi-chemin entre kitsch et décalage torturé, la formation noire/jaune/rouge a tenu à rendre un hommage appuyé au plat pays qui est le nôtre sur fond de singularité, d’absurdité et de surréalisme. Le tout sur un ton décomplexé et foncièrement rock & roll. A la sauce Tropic quoi !
Comme on pouvait s’y attendre, cette ode électrisante s'ouvre donc tout naturellement sur l'hymne national. Une Brabançonne bien poisseuse et crasseuse comme on les aime ! S’ensuit une salve de titres qui adoptent différents profils : garage, davantage électro (voire new beat) ou plus dansant.
Une déferlante d’images et de vidéos projetées en continu sur un écran situé en arrière-plan illustre bien cette belgitude. La synchronisation avec le tapis musical est totale et savamment chronométrée. Un vrai travail de schizophrène !
Sans être exhaustif, on a pu voir nos différents Rois (Philippe, Baudouin, Albert II, etc.), mais aussi Eddy Merckx, Annie Cordy, Plastic Bertrand, Paul Vanden Boeynants, les diables rouges. Mais également des baraques à frites (quand même !), un type qui bouffe de la mayo à n’en plus finir (il finit même par dégueuler), les grandes grèves de 1960, l'affaire Dutroux sur fond de polémique et le drame provoqué par la tuerie de La Place Saint Lambert.
Le travail d’archives nécessaire afin de réaliser ce show visuel est absolument extraordinaire et intelligemment construit. Il met une nouvelle une fois la créativité du combo en exergue.
L’ambiance est survoltée et le public littéralement déchaîné. Foi de bourlingueur, j’ai rarement vu un parterre si festif !
Un aficionado est invité à monter sur le podium afin d’y accompagner le groupe. Armé d’une guitare électrique prêtée par l’artiste, notre hôte d’un soir fait fi de sa timidité passagère et balance, sourire hébété aux lèvres, tel un autiste, une salve de gammes aux oreilles de qui veut bien l’entendre.
Je suis convaincu que ce Sieur retiendra à jamais ce moment d’émotion !
Pendant ce temps, Jérémy a préféré descendre dans l’arène, tel un gladiateur des temps modernes. Voulant se délecter d’un spectacle dont il ignore l’issue, il effleure ici et là son jack sur la peau des spectateurs. Ce contact produit alors un son particulièrement amusant et décalé.
Plongé dans cette atmosphère survoltée, vêtu intégralement d’un rouge démonique pour l’occasion, il se défend, à maintes reprises, des élucubrations sexuelles qui lui traversent l’esprit. Le tout sous le regard médusé des convives présents dans la salle.
Pas gêné pour un sou, le gourou encourage alors l’auditoire à se livrer à un gang bang ! Plutôt sympa et original au fond !
Encouragé par une horde de femmes particulièrement chaudes et sexy, le tombeur, a déboutonné son pantalon et livre un service trois pièces bien membré, à la pilosité luxuriante. On n’oubliera pas au passage de remercier Dame nature pour cette générosité sans nom à faire pâlir de honte plus d’un homme…
Pris dans l’euphorie, je ne sais dire combien de temps a duré le set… à vue de nez, je dirais une grosse heure… Malgré une fatigue évidente, conséquence d’un savant mélange d’énergie déployée, de pintes ingurgitées et d’absorption de substances illicites, les gaillards reviennent pour un (très) long rappel. Est-ce là les effets du gingembre consommé sans la moindre modération tout au long du concert par les musicos de The Experimental Tropic Blues Band ?
Nul ne le saura, mais qu’importe après tout… ce qui est sûr, c’est que de tous les peuples de la Gaule, y’a pas à dire, ces trois Belges sont les plus braves !
Le support act était assuré par le nouvel espoir flamand, The Spectors. Un quintet dont on entendra parler ! (Voir compte-rendu concert ici)
(Organisation Club Plasma + Clubcircuit)
Soirée Reggae Roots, ce 19 avril à l’AB. Ce n’est pas la grande foule quand votre serviteur débarque au 110 du Boulevard Anspach, vers18h30. En tête d’affiche Groundation, un groupe de reggae californien originaire de Sonoma (NDR : c’est en Californie du Nord).
Nahko and Medicine For The People assure le supporting act. Issu de Portland, dans l’Oregon, cet ensemble pratique un cocktail de hip-hop, de jazz, de country, de roots et de folk, tout en puisant ses racines dans la culture apache et portoricaine. L'Amérique profonde dans toute sa diversité ! Mais très susceptible de nous entraîner jusqu’à Kingston ! Le quatuor réunit deux préposés à la gratte électro-acoustique, Chase Makai et le chanteur et leader Nahko. Le line up est complété par une section rythmique impliquant le bassiste Thomas et le drummer Justin Chittams. Le combo compte, à ce jour, deux elpees, « On The Verge » paru en 2010 et « Dark As Night », en 2013. Et il a déjà réalisé les premières parties pour Michael Franti, Trevor Hall, Xavier Rudd et Soja.
Pas grand monde en début de show. Les spectateurs arrivent au compte-gouttes, mais le fan base se révèle bien actif. Faut aussi dire que leur set commence à 19h30 précises. Pourtant, dès le départ, le combo maîtrise parfaitement la situation. Nahko est une véritable bête de scène. Il bondit sur l’estrade ou arpente le podium de long en large. Il entre aussi rapidement en interactivité avec les premiers rangs. Il excelle, tant au chant, à la gratte qu’aux claviers.
Le concert s’ouvre tout en douceur par « Aloha Ke Akua ». Nahko se consacre à la guitare électro-acoustique. Au départ la setlist était limitée à 5 titres. Elle va largement déborder, puisque le spectacle va dépasser les 50 minutes. A cause de cette intensité émotionnelle qui va permettre une totale communion entre les musicos et l’auditoire. Et puis de certaines attitudes. Comme celle au cours de laquelle les trois frontmen s’accroupissent, dos au public, devant le drummer. Responsable d’un solo d’enfer, il faut le souligner. Finalement, il n’y manquait que les percus (NDR : comme sur les vidéos postées sur YouTube), pour dynamiter leur prestation. Ce qui n’a pas empêché Nahko and Medicine For The People de chauffer idéalement l’ambiance avant de passer au plat de résitance. (Pour les photos voir ici)
La 'Groundation Day' est une fête importante de la Rastafariculture. Ce qui explique le choix du patronyme de ce combo yankee qui se réclame d’un nouveau genre, né de la rencontre entre du reggae roots authentique et du jazz à la fois cool et visionnaire. Le tout stimulé par du dub. Imaginez une rencontre hypothétique entre Bob Marley, Miles Davis, Burning Spear et John Coltrane, et vous aurez une petite idée du style proposé. Le band est drivé par Harrison Stafford. Un barbu qui se réserve le micro et la gratte. Il est soutenu par Marcus Urani (claviers, mélodica) et Ryan Newman (basse), des étudiants en musicologie, mais surtout des dingues de jazz et de reggae. Ils sont venus défendre leur huitième elpee, « A Miracle », un disque dont la pochette a été réalisée par Neville Garrick, directeur artistique de Bob Marley, à l’époque de « Rastaman Vibration », un long playing gravé en 1976. Lors des sessions, ils ont reçu le concours de ses deux anciennes choristes, en l’occurrence, Marcia Griffiths et Judy Mowatt. Elles ne participent cependant pas à la tournée. Pour la circonstance, elles ont été remplacées par Kim Pommell et Stephanie Wallace. Le line up est complété par le trompettiste David Chachere, le drummer Te Kanawa Haereiti, aka Rufus, et Mingo Lewis Junior aux percus et congas.
C’est sous un tonnerre d'applaudissements que Groundation (Pour les photos voir là) monte sur les planches. Evidemment, il y a pas mal de dreadlocks dans la fosse. Votre serviteur est bien assis au balcon et domine la situation. Le concert est presque sold out. Il fait très chaud et l'ambiance est à la fête. Balisé par les cuivres, « Libération Call » ouvre le set. Le spectre de Jah Rastafari plane. Les deux choristes ont un fameux coffre. Et parfois, la puissance de leur voix dépasse celle d'Harrison. Elles dansent, alors que les autres musicos sont plutôt statiques. Le mélodica met le nez à la fenêtre sur « Head Strong », un extrait d’« Each One Teach One », un LP paru en 2001. Iron y trace une longue ligne de basse. Marcus Urani improvise aux claviers sur « Riddim Hold Dem », une plage tirée du nouvel opus. Malgré un excellent départ, le set commence progressivement à patiner. Les impros jazzyfiantes s’éternisent. Et une certaine lassitude commence à m’envahir… La formation revient à Couleur Café cet été, et j'espère qu’elle manifestera davantage de ‘peps’. Franchement, votre serviteur avait déjà eu l’opportunité d’assister à un de leurs concerts, dans le cadre de ce festival, et il m’avait beaucoup mieux botté. Une petite déception, à contrario de Nahko, dont le concert m'a vraiment plu et que j'ai hâte de revoir.
(Organisation : Ancienne Belgique)
En guise de clôture de leur tournée française destinée à promotionner leur sixième opus, « The Day is My Enemy », paru le 27 mars dernier, Prodigy se produisait ce dimanche 19 avril au Zénith Arena de Lille.
Petit rappels pour les novices, Liam Hewlett (compositeur, claviériste, et producteur), Keith Flint (chanteur et danseur) ainsi que Maxim Reality (chanteur) ont émergé de la scène électro londonienne en 1992. Un trio qui va littéralement exploser sur les dance floors, dès 1994, lors de la sortie de « Music for the Jitted Génération », sur lequel figurait le fameux Voodoo People. Au fil des succès, le combo va atteindre le top des charts, grâce à l’album « The Fat of the Land », gravé en 1997, sur lequel figure les ‘cultissimes’ « Smack My Bitch Up » et « Firestarter ».
En débarquant au Zénith, afin de décrocher mon précieux sésame, je constate qu’un nombre important de spectateurs se bouscule aux portillons, afin de pouvoir encore se procurer des places aux guichets.
19H35, Cosmo Sheldrake monte sur l’estrade. Il assure la première partie. Un jeune artiste londonien qui pratique un électro/folk particulièrement old school. L’ambiance est particulière ; et pour cause, le light show privilégie la couleur rouge. Malheureusement, le set se révèle un peu trop éclectique à mon goût. L’homme-orchestre ne manque pourtant pas de talent ; mais pas facile de convaincre un auditoire qui s’est exclusivement déplacé pour assister au show de Prodigy. D’ailleurs, tout au long de la prestation, la foule va exécuter un va-et-vient constant entre l’espace fumeur et la fosse.
Et au fil du spectacle, elle va commencer à manifester son impatience, par des sifflets, voire des cris hostiles…
Un parfum de substances illicites commence à envahir la salle. Résultat, le personnel chargé de la sécurité est de plus en plus ‘à cran’.
Il est 21h40 quand le trio insulaire grimpe sur le podium pour un concert que tout le monde espère enflammer. Pas vu de flammes, mais plutôt beaucoup de fumée. On se croirait au sein du smog londonien. De quoi presque rendre jaloux William Turner. Les jeux de lumières sont saturés d’effets stroboscopiques. Epileptiques s’abstenir ! Impossible de distinguer quoi que ce soit. Il y a quand même un concert, car je reconnais le tube « Breathe ». Les clubbers s’en donnent à cœur joie. Et même les métalleux (aux cheveux longs) ainsi que les punks (le crâne rasé) se mettent à pogoter.
Les singles du dernier opus s’enchaînent : « Nasty », « Omen »… dans la fosse c’est la guerre, tout le monde est en transe.
La fumée est toujours aussi dense et les stroboscopes redoublent d’oscillations. Et le fameux « Firestarter », autre classique du combo, vient tout faire péter. Derrière les manettes, Liam Howlett balance tube sur tube. A contrario, ses deux complices, Keith et Maxim, semblent ne plus rien contrôler, même si ce dernier cherche à mettre un peu plus d’ambiance, en balançant ses ‘Yeah! Yeah !’ ou encore ‘People from Lille’, à la manière d’un rappeur…
« Voodoo People » est toujours une véritable tuerie ; une compo terriblement puissante qui donne cette impression de vivre une énorme rave party. Et « Smack My Bitch Up » propulse définitivement les nightclubbers, dans une autre dimension.
En guise de rappel, Prodigy vient encore exécuter deux morceaux dont « Take Me To The Hospital », en guise d’assaut final. Un titre judicieux, au vu du champ de bataille laissé derrière lui, après de show…
Setlist :
1. Breathe
2. Nasty
3. Omen
4. Wild Frontier
5. Firestarter
6. Roadblox
7. Rok-Weiler
8. The Day Is My Enemy
9. Beyond the Deathray
10. Voodoo People
11. Get Your Fight On
12. Run With the Wolves
13. Wall of Death
14. Invaders Must Die
15. Medicine
16. Smack My Bitch Up
Rappel :
Their Law
Take Me to the Hospital
Voir aussi notre section photos ici
(Organisation : A GAuche de La Lune)
Tout auréolé d’une couronne d’épines psychédélique sur le front, Sonic Jesus vient de débarquer.
Parrainé par Black Angels –une filiation concrétisée par un split single– ce combo italien est sans doute ce qui se fait de plus original dans un genre qui tend à se mordre la queue (NDR : même si la redondance appartient à ce mouvement).
Mais cette singularité procède surtout de sa large palettes d’influences, qui oscillent de Sisters Of Mercy à Can, en passant bien entendu par les inévitables et incontournables papes du style.
Ainsi « Locomotive », qui introduit ce premier opus, évoque l’ouverture du « Turn On The Bright Lights » d’Interpol.
Quand l’expression sonore est sur les rails, prête à traverser un climat ténébreux, perturbé et angoissant, une tempête sonique nous propulse dans la stratosphère avant de nous rabattre sur la terre, turbulence au cours de laquelle on croise des spectres de glace au profil gothique, rarement rencontrés sous ce format musical.
C’est sans doute ce qui fait la richesse de « Neither Virtue Nor Anger ».
Drums martiaux, semblant émaner directement de l’enfer, voix d’outre-tombe, guitares fuzz fiévreuses, orgue dérangé et ligne de basse hypnotique, susceptible de broder des motifs en spirale ascensionnelles, alimentent cette atmosphère sépulcrale.
Dès les premières mesures, on est pris aux tripes. Peu de répit pour recouvrer son souffle, qu’on ne souhaite de toute façon pas reprendre.
C’est donc haletant qu’on arrive au bout du premier CD, se précipitant tout de go sur la suite.
Car Sonic Jesus ne se la joue pas à l’économie. Il y a de la quantité sur ces deux disques. 16 titres. Et surtout de la qualité.
À l’image de cette Pietà illustrant la pochette, le band confère à sa musique un romantisme torturé et une folie électrique, comme si un ange déchu avait été jeté dans le tourbillon des flammes de l’empire des morts, suite à une descente psychotrope hallucinée.
Puissant mais chargé de nuances, cet opus traduit un cri primal et urgent destiné à dépasser les cimes de l’indifférence. Un premier essai qui marque le premier pas d’une discographie qu’on souhaite prolifique.
Le financement participatif opéré par la plateforme Kiss Kiss Bang Bang a permis à Blind Alley de publier un premier album, dont les titres ont été écrits lors de leurs voyages en Asie, entre 2011 et 2013. Le quintet est emmené par deux compositeurs : Zoé Jeanroy (chant et guitare) et Sébastien Kohler (guitare) ; ils sont soutenus par le bassiste Joris Coimbra, le batteur Clément Adolff et le violoniste alto Karam Al Zouhir, musicien de nationalité syrienne… Lors de leur périple accompli dans l’hexagone, le band a reçu le concours de musiciens indiens, soit Abhisek Lahiri au Sarod et Parthasarathi Mukherjee au tabla. Ce qui explique également leur participation aux sessions d’enregistrement.
L’opus s’ouvre par une intro orientaliste, avant d’embrayer par un psyché/prog/rock légèrement teinté de ‘world’, sur lequel Zoé vient poser sa voix puissante. « Primal Howl » a été enregistré au sein du studio Klein-Lebreau, dont le propriétaire n’est autre que le musicien et producteur Rodolphe Burger (ex-Kat Onoma). Il a ainsi donné le coup de pouce nécessaire aux Strasbourgeois pour nous livrer des compos tour à tour rock/blues (« Bipolar »), bien psychédéliques (« Battlefield »), mais de facture assez classique (NDR : parfois un peu trop). Le tout dans un climat qu’on pourrait rapprocher du « Kashmir » de Led Zeppelin (« Hearing the Call »)…
Bref, ne vous fiez pas à l’image inquiétante de la pochette de ce « Primal Howl », car les mélodies sont tellement lumineuses qu’elles offrent une belle ouverture sur la musique du monde…
Nederlands 
Français 
