Pour célébrer dignement leurs 8 ans d'existence les organisateurs de Buzz On Your Lips avaient concocté une affiche de premier choix, en y proposant, au cours de la même soirée, du hip- hop, de l'electro, de la noise, de l'indus, de la dubstep et plus si affinités... Passons donc en revue les différentes "réjouissances" annoncées...
Tout d'abord, il faut insister sur la présence des guillemets qui entourent le terme "réjouissances" ; car il est vrai que lorsque Moodie Black monte sur le podium, on comprend vite que l'ambiance n'est pas vraiment à la farandole.
Devant une audience clairsemée, le trio entame un set marqué d'une noirceur extrême et d'une schizophrénie artistique très créative. Les compos sont déchirées entre hip-hop, noise rock, beats electro parfois très énergiques et sons industriels. Le batteur soutient plus qu'il n'enrichit les rythmes programmés. Le guitariste tisse le plus souvent des nappes sonores tremblantes alors que le MC manipule aussi un clavier. A eux trois, ils installent un climat sis à mi-chemin entre asile psychiatrique et maison hantée.
Ils font forte impression sur un auditoire qui ne sait pas forcément grand-chose à leur sujet, et se prend ces électrochocs en pleine tronche. Une très bonne entrée en la matière en tout cas.
Place ensuite à Lorn, que j'avoue ne pas bien connaître non plus, malgré ses albums signés sur BrainFeeder ou Ninja Tune. Il vient restituer une relative sérénité à l’aide de ses sonorités et rythmiques aux confins du hip-hop et de la dubstep. Et bien que je n'en attendais rien de particulier, on ne peut pas en dire autant d'une grosse partie de l'audience à présent massée dans la salle. Celle-ci manifestait sa joie par des petits cris assez amusants pour qui est étranger à la hype entourant l'artiste, et notamment dans les moments pourtant pas les plus extatiques des morceaux mais plutôt lors des breaks plutôt calmes. Mais bien qu'assez ouvert à ce genre de musique, c'est plutôt sa position dans l'affiche qui me pose problème.
En effet regarder Lorn bidouiller seul sur son laptop dans l'obscurité dominante pour nous plonger dans des climats plutôt ‘chill-out’, passe quand même difficilement après les décharges traumatisantes de Moodie Black. Certains répondront que c'est plutôt bienvenu pour les tympans et les neurones. Quoiqu'il en soit, comme me le faisait remarquer un des organisateurs, le programmer en premier, dès 19h45 aurait été un peu dur à avaler pour les fans ; mais par contre, le placer en finale risquait de provoquer un départ précoce des spectateurs moins concernés.
Place à la tête d'affiche, cerise sur le gâteau, et raison pour laquelle je n'aurais manqué cette date pour rien au monde, j'ai nommé Dälek.
Avant Clipping ou Death Grips, Dälek a sans doute été les premier à donner au hip hop ce visage meurtri et grimaçant, lacéré à coups de noise et reconstitué à l'aide d'ingénierie cybernétique pour le côté indus/electro/ambient. Fondé en 98, il a publié au moins 2 LPs incontournables qui ont secoué bon nombre de mélomanes, y compris parmi les amateurs de rock ‘pur et dur’. Les musiciens ont bossé en compagnie de multiples artistes tels que The Lapse, Faust, Zu, The Young Gods ou encore Techno Animal. Paradoxalement, ils resteront très marginaux aux Etats-Unis, marché gigantesque mais segmenté en une multitude de niches et de fait peu ouvert à la fusion/explosion des genres. C'est en Europe qu'ils vont trouver les oreilles les plus curieuses et avides de ce genre d'expérimentations.
En 2011 toutefois, l'existence du groupe est suspendue suite au départ de Oktopus (en grande partie responsable du son de Dälek). Will Brooks, le rappeur/parolier, lance son projet plus roots/oldschool IconAclass. Mais ‘le bruit me manquait’ déclarait Will dans une interview accordée au webzine Vice en avril dernier qui annonçait le retour de Dälek sur scène et en studio provoquant chez votre serviteur une sorte d'euphorie assez incontrôlable.
L'heure de l'épreuve des planches a enfin sonné! C'est par "Spiritual Healing", l'ouverture de "From the Filthy Tongues of Gods and Griots", que la formation entame son set, après avoir ‘invité’ les spectateurs traînant encore au bar à ramener leur fesses dans le feu de l'action. Le son est assez approximatif et la voix ne se distingue pas bien de l'ensemble ; mais la situation va s'améliorer en cours de route. Quoiqu’il en soit, elle enchaîne par "Asylum (Permanent underclass)". Hormis les soucis techniques, l’entrée en matière est impeccable, car elle revisite les deux albums essentiels dont je vous parlais plus haut, à savoir "From the Filthy Tongues of Gods and Griots" et l'inégalable "Absence". La set list s’égrène : "Culture for Dollars", "Classical Homicide", l'hypnotique "Eyes to form Shadows" et encore "Ever Somber", dont on jurerait les samples tirés d'un morceau de MBV.
Le poignant "Megaton" date du début du millénaire. Il figure sur un maxi paru en l’an 2000. Et son feeling très jazzy mélancolique s'efface pour laisser place à un puissant crescendo de batterie. Les dernières œuvres du groupe ne sont pas oubliées non plus, "Paragraph Relentless" illustrant le plus trip hop "Abandoned Language" ou encore "Street Diction" du dernier opus en date, "Gutter Tactics".
Au finish, un concert sans faute comme l'interprétation qui en a été donnée par un trio reformé en compagnie d’un nouveau line up (Oktopus a cédé sa place à Mike Mare de Destructo Swarmbots aux machines) et au top de sa forme ce soir.
(Org VK concerts + Buzz on Your Lips)
Coffee or Not se produisait, ce 2 mai 2015, à Anderlecht.
L'équipe, parfaitement rodée et riche d'une aventure européenne sans faute, a démontré une fois de plus tout son talent.
Il faut retenir l'incroyable jeu de jambes de Soho qui en a dérouté plus d'un, ce soir.
Le terrain de jeu : un living d'une cinquantaine de mètres carrés, plein à craquer.
Comprenez dès lors qu'il s'agissait d'une soirée privée chez l'habitant.
Un set d'environ une heure nous a été livré.
Le groupe s'est présenté au complet et sans renoncer aux instruments traditionnels dont les musicos se servent habituellement.
D'aucuns auraient parié que nos oreilles n'en sortiraient pas indemnes, mais il n'en a rien été.
Il s'agissait là de mon deuxième concert de Coffee Or Not.
Je peux d'ores et déjà dire que d'autres, il y aura.
J'aime qu'un combo me surprenne et j'ai la conviction qu'il excelle en la matière.
Tantôt la surprise sera musicale, tantôt scénique, parfois humaine.
Atmosphères envoûtantes et textes cinglants m'ont transporté.
Entre deux escales, j'ai percé des mystères et connu un voyage intérieur dont je ne suis toujours pas sorti indemne.
‘I kiss you where it bleeds’, strophe issue du titre "If you don't understand", m'a particulièrement troublé en ces temps qui me sont incertains.
La Louvièroise (Soho), le Chaumontois (Renaud) et le Bièvrois (Frédéric) sont parvenus, au fil du temps, à s'imposer dans la capitale et gagner en notoriété un peu partout en Belgique.
En 2015, ils ont tourné en Angleterre, Suisse, Allemagne et surtout en Italie.
Ce 10 mai, ils accorderont leur dernière date à Gand, dans le cadre du DANSØTOPIA.
Ils se concentreront dès lors sur leur quatrième album dont la sortie serait prévue pour février 2016.
Au vu du succès croissant du trio, notamment grâce au troisième opus "SoRe", je devine que la suite sera prometteuse.
D'ici-là, patience !
(Organisation : Soirées cerises)
Il s’agit déjà de la sixième édition du festival Roots & Roses, et votre serviteur, ainsi que Ludo, préposé aux photos, débarquons vers 16 heures. Bonne nouvelle, il y a du soleil. Le temps deviendra un peu frisquet en soirée ; mais au moins, on ne pataugera pas, comme l’an dernier, dans la gadoue. L’affiche épingle trois groupes qui n’entrent pas vraiment dans le contexte du festival. Tout d’abord Romano Nervoso, dont le métal spaghetti tire carrément sur le métal, puis Mudhoney, un mythe du grunge ; et en finale Wovenhand, un combo plutôt alt country, nonobstant des influences qui oscillent du neo folk au punk, en passant par la musique gothique. Jusque 16 heures, les commentaires nous ont été rapportés par notre correspondant néerlandophone, David Van Hee, et il ont été adaptés suivant la sensibilité linguistique francophone…
Le duo belge The Glücks ouvre donc le festival. Un couple qui pratique une sorte de rock’n’roll/garage/psyché/trash/punk crade et énergique qui doit autant à Sonics et Meteors qu’aux Cramps. Il est préposé aux drums. Elle se consacre à la guitare et ses cordes sont constamment chargées de fuzz. Une belle entrée en matière.
Encore des Belges. Des Limbourgeois ! Boogie Beasts met immédiatement la gomme à l’aide de son mélange de delta primaire et de garage. La figure de proue ? Lord Benardo, qui dans son style, est à sa musique à bouche ce que Honey White était au saxophone, chez Morphine.
Louis Barabbas & The Bedlam Six sont insulaires. Bedlam se réfère à l’institution psychiatrique londonienne Bethlem Royal, notoire pour ses pratiques cruelles et inhumaines. Fruit d’un cocktail de gipsy, de rock et de soul, leur expression sonore –non dénuée d’humour– évolue sur un tempo élevé. Elle est aussi très cuivrée (trombone et trompette) et met en exergue le talent de showman de Barabbas, dont les mimiques sont impayables…
The Hackensaw Boys nous vient de Virginie, aux States. Un groupe qui a de la bouteille. David Sickmen, Ferd Moyse, Jimmy Stelling, Brian Gorby et Jon Goff se partagent judicieusement les vocaux ; et ils savent tous quand il faut la fermer. Pour laisser la place à l’instru : banjo, guitare, violon, harmo, basse et percus insolites qui alimentent alors leur bluegrass à la sensibilité punk/rock.
Daddy Long Legs est un trio qui s’inscrit dans le renouveau du blues roots, institué, il y a déjà deux décennies, par Jon Spencer. Murat Aktürk se charge de la six cordes et Josh Styles des fûts –sans cymbales– qu’il attaque à l’aide de maracas ou de ses poings. Daddy Long Legs, c’est également le pseudonyme du chanteur/harmoniciste et donc du leader ce cette formation new-yorkaise au look vintage sixties, mais surtout dont la musique libère une énergie phénoménale. Elle a même été considérée comme la révélation du SXSW, en 2015 ! Un regret, le souffleur ne nous accordera pas son exercice de style, qu’il exécute, l’harmo dans la bouche…
Issue de Princeton dans le New Jersey, Rory Block est considérée comme une figure emblématique du country/blues aux States. Ses maîtres ? Mississippi John Hurt, Reverend Gary Davis, Son House et Robert Johnson, dont elle adapte le « Crossroad blues ». 50 ans qu’elle foule les planches des concerts et festivals. Responsable d’une trentaine d’albums à ce jour, elle a décidé de mettre la pédale douce et de ne plus se produire sur le Vieux Continent.
Les musiciens de The Computers montent sur l’estrade. Ils sont vêtus de noir. Costards et fines cravates nouées sur leurs chemises blanches. Trois gratteurs, dont le chanteur et showman, Alex Kershaw ; et Fred Ansell qui se charge également des claviers. Sans oublier la section rythmique. Leur musique n’est pas particulièrement originale, mais elle est dynamique. Du set, on épinglera cependant la reprise du célèbre « Tutti Frutti », une compo popularisée par Little Richard. Mais c’est surtout le show qui est épatant. Alex monte sur les pylônes du chapiteau, descend dans la fosse et est rejoint par un autre gratteur qui se laisse porter par la foule, tout en jouant sur son instrument. Kershaw se prend parfois pour feu Steve Marriott, quand il propulse ses crachats sur l’estrade. Et il jette même sa Rickenbacker dans la foule, avant de la récupérer. Of course… Un régal pour les photographes !
Chez Hell’s Kitchen, le drummer se sert de percus insolites, comme un ramassette, une poêle ou encore un tambour de machine à laver. Et même d’un kazoo en fin de parcours. Ce qui explique sans doute leur patronyme. Encore que ce soit également le nom d’un quartier situé dans l'arrondissement de Manhattan à New York. Et également le titre d’une émission de téléréalité yankee consacrée à la cuisine. Un trio au sein duquel milite un contrebassiste/bassiste et un chanteur/guitariste particulièrement doué au bottleneck. Il joue tour à tour assis ou accroupi. Le style pratiqué par le combo semble né d’une rencontre hypothétique entre Bo Diddley et Tom Waits. Et la voix de Bernard Monney y est sans doute aussi pour quelque chose…
Romano Nervoso a ramené son contingent d’aficionados. Vêtus de noir, les deux gratteurs et le bassiste ont la boule à zéro. Le batteur porte un nœud papillon. Giacomo, le chanteur, est chaussé de grosses lunettes fumées à bords blancs et a enfilé un pantalon moulant de couleur jaune à paillettes. Sans doute pour rappeler son goût pour le glam. Je m’attendais du western spaghetti. On a plutôt eu droit à une première grosse dose de décibels. Un peu comme si Sweet, Trust et Black Sabbath avaient voulu faire une jam dans un hangar. « Glam Rock Christmas », « Mangia Spaghetti », une version italo-wallonne d’« Aline » de Christophe et une autre du « Roots & Roses » de Fred Lani figurent dans la set list. Mais le son est trop brouillon, et on éprouve énormément de difficultés à comprendre ce que Giac raconte ou chante. Il descend bien dans la fosse rejoindre ses fans, qui ponctueront le show de vives acclamations. Mais perso, il y a un bout de temps que je me suis sauvé pour aller déguster des nouilles chinoises au poulet… J’aurais d’ailleurs pu tout aussi bien pu opter pour un mets mexicain, japonais, italien, mauricien ou simplement me contenter de frites belges voire d’un rootsburger, tant il y avait du choix…
The Excitements est un collectif espagnol. Issu de Barcelone, très exactement. Les musicos sont balaises : un guitariste soliste et un rythmique, un drummer, un bassiste, un sax baryton et un ténor. Qui dispensent un cocktail de soul et de r&b aussi efficace que précis. Une musique destinée à mettre en exergue la voix de Koko-Jean Davis. De petite taille, de couleur noire (NDR : elle est née au Mozambique) et très sexy dans sa minirobe, elle s’agite à la manière de Tina Turner, mais elle n’en a pas le timbre. En fait, elle a une jolie voix, mais pas vraiment transcendante pour le style. Peut-être qu’au fil du temps…
Place ensuite à un monstre sacré du grunge : Mudhoney. Fondé en 1988, le quatuor compte toujours trois membres fondateurs, soit le chanteur Mark Arm, le guitariste Steve Turner et le batteur Dan Peters. Guy Maddison a cédé sa basse à Matt Lukin, au début de ce siècle. Le son est inévitablement imposant. Mark Arm chante d’une voix proche de Jerry Roslie (The Sonics), tout en se contorsionnant à la manière d’Iggy Pop. Enfin, presque. Et face à cette deuxième volée de décibels, les bouchons sont indispensables. Dans ces conditions, difficile d’apprécier totalement un set au cours duquel le combo ne manquera pas de nous réserver son hit « Touch me I'm Sick ». (Set list : Into the drink / I like it small / You got it/ Where is the Future / FDK / 1995/ Judgement, Rage, Retribution en Tyme / Flat out Fucked/ Sweet young thing/ Touch Me I’m Sick/ Neutral/ I’m now/ The final course/ The Money will roll right in / Chardonnay/ The Only Son of the Widow From Nain.)
Il revient donc à Wovenhand de clore le festival. La scène baigne au sein d’une luminosité blafarde, presque brumeuse. Son éternel chapeau à plumes vissé sur la tête, les yeux et le visage grimés, David Eugene Edwards chante ses litanies nord amérindiennes, en s’accompagnant à la guitare. Mais debout. Il est épaulé par un second gratteur et une section rythmique basse/batterie. Le son est puissant, mais limpide. Les guitares sont tranchantes, écorchées. Les drums tribaux. Le climat est empreint de mysticisme. Normal, c’est du dark folk. Bref, le concert est vraiment excellent, mais un détail me chiffonne. Pourquoi chanter constamment sous reverb, quand on a une aussi belle voix. Chez 16 Horsepower et au début de l’aventure de Wovenhand, Edwards n’avait pas besoin de cet artifice. Et en abuser finit par lasser. Sans quoi, on peut créditer le band américain d’une prestation quatre étoiles.
(Organisation : Roots & Roses)
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Calexico était donc de retour, ce 27 avril, à l’Ancienne Belgique, dans le cadre de la sortie de son nouvel opus, « Edge of the sun ». Le concert est sold out et il est diffusé sur le canal Youtube de l’AB (toujours disponible sur les lien suivant : https://www.youtube.com/watch?v=-ZY9h8cgn1s
Des événements souvent propices à de bonnes surprises. En débarquant dans la salle, on remarque la présence de nombreux quadras, quinquas et même des sexagénaires. Quelques trentenaires, mais peu de jeunes et encore moins de très jeunes…
La première partie est assurée par The Barr Brothers. La formation est drivée, bien évidemment, par des frangins. Brad se consacre au chant et à la guitare. Andrew aux drums, percus et claviers. Le line up est complété par la harpiste Sarah Page et le multi-instrumentiste (claviers, basse, percus, etc.) Andres Vial. Ces trois derniers participent également aux backing vocaux. Leur set a démarré à 19h30, et en se pointant un peu avant 20 heures, on n’a pu écouter que les deux derniers titres de leur concert. Sur sa harpe portable, Sarah dispense des sonorités cristallines et le batteur se sert d’une roue de vélo comme cymbale. Ce sont deux détails qui m’ont frappé l’esprit, lors du peu de temps dont j’ai pu disposer pour voir leur prestation. Mais si leur musique ne manque pas d’allure, difficile d’en dire davantage…
A 8h30 pile, Calexico monte sur l’estrade. Ils sont sept, sous un line up qui semble de plus en plus stable depuis 2013. Et le spectacle de commencer par le plus pop « Falling From The Sky ». Au vu des titres plus sucrés du dernier opus, on imagine alors que le combo va en écouler plusieurs, avant de lancer la machine. Mais dès la fin de ce morceau, Joe Burns, le chanteur/guitariste (et surtout leader), annonce l’arrivée d’Amparo Sanchez, qui a notamment sévi au sein de La Mano Negra. En 2003, elle avait déjà participé aux sessions d’enregistrement du « Don't Leave Me Now » de Calexico ; et en 2008, elle avait également participé à leur tournée. Et grosse ambiance déjà pour « Cumbia de Donde », une compo caractérisée pour son rythme syncopé. C’est seulement alors que la formation va aligner toute une série de titres issus du dernier elpee. Pas tous transcendants, mais d’honnête facture. Tour à tour ‘alt folk’, atmosphériques, paisibles, tex mex et même un morceau de ska (« Moon never rises »). Du même long playing, « Coyoacan » réveille un peu tout le monde. Un excellent instrumental cuivré. Idéal pour rappeler Amaparo afin d’attaquer « Roka ». Elle invite l’auditoire à frapper dans les mains et harangue les spectateurs au balcon, pendant que les cuivres entretiennent le climat mariachi. Et dans cette ambiance, impossible de rester impassible ! On remue la tête, les épaules, le bas des reins, les jambes, les pieds ou tout à la fois. Régulièrement, Ryan Alfred alterne entre contrebasse et basse, Zavala la gratte et la slide, Jacob Valenzuela la trompette et le xylophone et Martin Wenk la trompette et l’accordéon (garni de loupiotes). Mais il faut aussi souligner le concours de Sergio Mendoza, le pianiste/claviériste, toujours aussi génial lorsqu’il nous plonge dans une ambiance cubaine, à l’aide de ses interventions sur ses ivoires. Et il se débrouille tout aussi bien au piano à bretelles, à la six cordes ou au ukulélé. On en oublierait presque le rôle fédérateur du second membre fondateur, John Convertino, à la batterie, dont le drumming est capable de s’adapter à tous les styles. Les compos sont tour à tour chantées dans la langue de Shakespeare (souvent) ou de Cervantès (régulièrement). C’est dans cet idiome que Jacob entame « Esperanza » a cappella, un paso doble qui met ensuite en exergue les deux cuivres. Epatant ! Bonus track du dernier elpee, « Let it slip away » est chanté en duo acoustique par Joe et Ryan. Le premier à la sèche, le second sur sa contrebasse. Mais c’est à ce moment qu’on se rend compte des capacités vocales de ce dernier pour assurer la contre-voix. A cet instant, je ne peux m’empêcher de penser à Simon & Gardfunkel. Elégiaque, très rythmique, « Maybe On Monday » permet à Zavala de se réserver un long solo de gratte, alors que Mendoza rogne littéralement les sonorités de ses claviers. Place ensuite à la cover de Love, « Alone Again Or », moment au cours duquel l’auditoire frappe dans les mains en cadence. Et le set de s’achever par l’allègre « Puerto », provoquant une grosse acclamation de la foule.
« Bullets & Rocks » ouvre le premier rappel. Sur le nouvel album, il a bénéficié du concours de Sam Beam et Neko Case. C’est le drummer de Bar Brothers qui vient gratter une sorte de güira sur ce titre électrique, presque west coast, souligné par de superbes harmonies vocales, et qui permet aux cuivres de se lancer dans le free jazz. Et bien évidemment, Amparo revient pour mettre le feu sur la cover du « Con Toda Palabra » de Lhasa de Sela, au cours de laquelle la harpiste de Barr Brothers, vient également prêter main forte. Le public est aux anges et le manifeste bruyamment. Trois grattes électriques stimulent le classique « Not Even Stevie Nicks », moment choisi par le band pour rendre hommage à Joy Division à travers « Love Will Tear Us Apart ». Encore qu’au fil des ans, ce titre commence un peu à perdre de sa saveur. Miss Sanchez revient à nouveau pour « Güero canelo ». C’est la toute grosse ambiance. Les ‘fuego’ sont repris en chœur par la foule, et Zavala en profite pour relancer les spectateurs installés confortablement dans la loggia, en tentant des exercices de style à la gratte, que reprend de la voix l’auditoire…
Le deuxième ‘encore’ débute en force par une version très électrique, mais surtout particulièrement réussie du « The One I Love » de R.E.M. La foule chante en chœur cet hymne classique incontournable. Le concert s’achève quand même après un peu plus de deux heures de spectacle, par le mid tempo « Follow the River ». Ovation magistrale ! Et c’est bras dessus, bras dessous, que le septuor le salue et l’applaudit à son tour. Ce soir c’était ‘el fuego con Calexico y Amporo’ !
Setlist
01. Falling From The Sky
02. Cumbia de Donde (+ Amparo Sanchez)
03. Splitter
04. Miles From The Sea
05. World Coming Undone
06. Tapping On The Line
07. Moon Never Rises
08. Coyoacan
09. Roka (+ Amparo Sanchez )
10. Black Heart
11. Beneath the City
12. Sunken Waltz
13. When The Angels Played
14. Esperanza
15. Let it slip away
16. Maybe On Monday
17. Alone Again Or
18. Puerto
Rappel 1 :
19. Bullets & Rocks
20. Con Toda Palabra (+ Amparo Sánchez)
21. Not Even Stevie Nicks
22. Güero canelo (+ Amparo Sánchez)
Rappel 2 :
23. The One I Love
24. Follow the River
Organisation AB
(Voir aussi notre section photo ici)
Largué de l’espace telle une bombe (aïe !) en 2012, « Big Inner », un opus soul teinté de rock, s’ouvrait la voie d’un parcours parallèle à celui de grand Kurt Wagner (Lambchop). Un chef d’œuvre qui demandait donc confirmation. Car il existe une règle d’or dans l’univers de la musique : il est toujours difficile de réserver un successeur de qualité à un classique instantané… Heureusement, tout le monde ne possède pas le talent du natif de Richmond (en Virginie). Et il le démontre en manifestant une confondante dextérité dès l’inaugural « Take Care of My Baby », une compo caractérisée par son gospel endiablé (?!?!?), mais aussi et surtout à travers le single « Rock & Roll is Cold », un titre puissant au groove imparable. Le géant américain varie les ambiances tout au long de « Fresh Blood » et dévoile ainsi les différentes facettes de sa muse : l’original et complexe « Fruit Trees » côtoie des sucreries soul empreintes de charme, rencontrées sur son premier elpee, dont l’incontournable et déjà classique « Vision ». L’instrumentation est bien entendu parfaite : cuivres, chœurs gospel et autres cordes classieuses sont assurées par son équipe du Spacebomb Orchestra ! Vous ne l’avez pas cru capable d’élever le niveau ? Vous avez eu tort ! Matthew est parvenu à relever le défi…
Parallèlement à ma critique –dithyrambique– de « Fresh Blood » (voir ici), le second album de Matthew E. White, paru il y a quelques semaines, je me faisais une joie de découvrir le natif de Richmond à l’AB Club de Bruxelles, ce jeudi. Bien entendu, la petite taille de la salle aurait dû me mettre la puce l’oreille : impossible en effet de caler l’ensemble de son ‘Space Bomb Orchestra’ sur le podium étroit du Club ! C’est donc sans surprise que Matthew E. White s’est produit en version light, c’est-à-dire sous la forme d’un duo, devant un auditoire presque comble.
L’Américain (NDR : il est grand et barbu !) et son compère se servent parcimonieusement de leurs grattes électriques et d’une slide. Et le début de set est décevant, même si intrinsèquement les morceaux sont superbes.
C’est un euphémisme d’affirmer que le côté soul et radieux de la musique composée par cet artiste disparaît dans ces versions ascétiques… pour laisser place à des moutures plus country/rock. Genres que j’affectionne pourtant tout particulièrement ; mais malheureusement, comme mon esprit était préparé à recevoir des vibrations positives correspondant parfaitement à l’atmosphère entretenue par ces premiers jours de beau temps, je ne suis pas parvenu à accrocher. Les adaptations sont bien moins immédiates et accessibles que sur l’elpee. La déception est donc réelle, malgré l’évidente qualité des chansons et la dextérité du jeu de cordes des deux sbires. Une certaine absence de relief dans le son et dans l’interprétation me pousse d’ailleurs, peu à peu, à reculer vers le fond de la salle, avant de finir accoudé au bar afin de siroter une bière, en bénéficiant d’une bien belle et agréable musique de fond ! En solo, le show de Sean Rowe accordé il y a quelques semaines, était bien plus énergique…
Après une heure de concert et un bref rappel, Matthew E. White et son jeune acolyte quittent l’estrade sous les applaudissements nourris. Votre serviteur a, de son côté, plutôt envie de retourner, au plus vite, écouter ses albums luxuriants, et au fond de lui-même espère que le futur come-back de son héros bénéficiera du concours d’un véritable groupe, afin que sa musique puisse bénéficier de l’instrumentation qu’elle mérite…
(Organisation AB)
Ce jeune chanteur/guitariste nous vient du New Jersey. Encore jeune, il vient à peine de fêter ses 30 ans. On ne lui connaît guère de faits d’armes significatifs, hormis sa participation à l’aventure du groupe Boccigalupe and The Bad Boys. Il pratique un hard blues qui doit autant à Jimi Hendrix, Eric Clapton que Stevie Ray Vaughan. Mais en manifestant l’esprit aventureux réminiscent d’un Warren Haynes voire de Derrick Trucks. Billy drive aujourd'hui son propre band, en compagnie duquel il a déjà publié quatre albums, "Live at the Stone Pony" en 2010, "Billy Walton Band" en 2009, "Crank it up" en 2012 et "Neon City" en 2009. Son backing group réunit le bassiste William Paris, le drummer John D'Angelo, le tromboniste Ian Gray et le saxophoniste Sean Marks. Lors des sessions, il a reçu le concours de quelques potes, des sessions qui se sont déroulées au studio Shore Fhire, sous la houlette de Tony Braunagel, le drummer du Robert Cray Band.
L'opus s'ouvre par "Fish for what you want", un blues imprimé sur un mid tempo. Cuivrée, cette plage est tapissée par l'orgue de Mike Finnigan (ex-Taj Mahal Band et ex-Phantom Blues Band). Cet invité communique une sonorité très Memphis au morceau. Billy s'envole sur ses cordes lors d’un solo incisif, bien amplifié. Compo rock, "True lovin' man" lorgne carrément vers Tom Petty and The Heartbreakers. La voix de Bill est d’ailleurs proche de celle de Petty. Au sax, Sean Marks tire son épingle du jeu. Dans le même style, "Mountain" libère des riffs autoritaires mais hantés par Hendrix. Signé Felix Cavaliere, "Come on up" a permis aux Young Rascals de décrocher un hit, au cours des sixties. La version du BWB est très réussie ; une plage bien rock'n'roll caractérisée par de bonnes combinaisons instrumentales. Billy se sert d’une guitare Resonator pour dialoguer avec l'harmonica de Southside Johnny, le leader des Ashbury Dukes, sur "Blues comes a knockin'", un blues rafraîchissant. Cuivré, "Forgive and forget" oscille entre rockin' blues et R&B. Toujours ‘hendrixienne’, la guitare flâne judicieusement. Roots song, "Change " ne manque pas de charme. John D'Angelo balise le tempo. Finnigan siège derrière l'orgue Hammond. Réverbérée, la guitare communique une saveur toute louisianaise à la plage. Autre blues bien amplifié, "Worried blues" est assez proche du traditionnel "Walkin' blues". Et au cœur du Delta, Walton se révèle un gratteur de blues intéressant. Soul ou plus exactement southern r&b, "Till tomorrow" est une piste agréable à l'écoute. La reprise du "Just to walk that little girl home" de Willy Deville et Doc Pomus est excellente. Solides, les percus de D'Angelo dynamisent l’ensemble, alors que Billy s’autorise un nouveau billet de sortie dans l’esprit du grand Jimi ! Pop/roots, "It don't matter" aurait également pu figurer au répertoire de Tom Petty. En finale, "Hudson County Star" nous plonge dans l'ambiance festive de la Nouvelle Orléans. A cause du trombone de Ian Gray et du piano syncopé de Finnigan. Puis cette compo emprunte le rythme du rock'n'roll pour décrire les dérives de la scène politique du New Jersey.
Chanteur et guitariste de blues, Tinsley Ellis est né à Atlanta. Après avoir passé son enfance en Floride, il est revenu vivre dans la capitale de la Georgie. En 1981, il fonde les Heartfixers, en compagnie de l'harmoniciste de couleur noire Chicago Bob Nelson. Le band publie deux elpees chez Landslide. En 1988, Ellis signe un contrat auprès de la célèbre écurie blues chicagoan, Alligator. Il lui réserve cinq LP jusque 1997. Il transite quelque temps via Capricorn et Telarc avant de revenir chez Alligator, pour trois long playings : "Live! Highwayman" en 2005, "Moment of truth" en 2007 et "Speak no evil" en 2009. Il y a deux ans, il a fondé son propre label, Highwater Music. Il y sort un album instrumental, "Get it!" en 2013, "Midnight Blue", l'année suivante, et enfin ce "Tough love".
Tinsley a composé les 10 plages de l’opus. Les sessions se sont déroulées au studio The Rock House, à Franklin, près de Nashville, dans le Tennessee. Il y a reçu le concours du très efficace Kevin McKendree aux claviers, de Lynn Williams à la batterie et Steve Mackey à la basse ; ce sont, en fait, des musiciens du Delbert McClinton Band. Ellis a une voix puissante et excelle à la six cordes.
"Seven years" ouvre la plaque. Ce morceau me rappelle quelque part Robert Cray. Surtout à cause de la voix. Proche du R&B, ce titre s’appuie sur une bonne assise rythmique. Ellis nous accorde déjà une brillante sortie, toute en subtilité et originalité, sur les cordes. "Midnight ride" est imprimé sur un tempo enlevé. La gratte épaule en permanence le chant, alors que l’orgue Hammond et le piano de McKendree tapissent l’ensemble. Tour à tour dans l’esprit d’Albert Collins ou de Freddie King, Tinsley s'envole encore et encore, parfois même en dédoublant ses accords. Il entame "Give it away" au dobro, une ballade très mélodieuse. Bien secondé par les ivoires de Kevin, il chante clairement, passionnément, cette compo empreinte d’une grande sensibilité. Bien rythmé, "Hard work" libère un fameux groove. Laidback, l’atmosphère est hantée par JJ Cale. "All in the name of love" est une piste de toute beauté. Elle reflète parfaitement le cœur du style Ellis. Naturellement autoritaire, sa voix domine le sujet sans jamais forcer. Des interventions de trompette et de saxophone viennent enrichir l’ensemble. Dépouillé, "Should I have lied" est le slow blues attendu. La six cordes brille de mille feux et lorgne vers le géant texan disparu, Freddie King, tout au long de ce morceau qui réalise la fusion entre beauté et simplicité. "Leave me" baigne dans un climat cool, spécifique au Sud. Ellis décoche de nouvelles flèches à l’aide de ses cordes. Jamais rassasié, il en propulse à profusion, soutenu par le piano de son compère. Epatant ! Sa voix devient grave sur "The King must die", une nouvelle perle au sens mélodique irrésistible. Le bottleneck sur les cordes, il entame une nouvelle opération de charme sonore. Blues enlevé, "Everything" adopte le style de Jimmy Reed. Nous sommes au cœur des swamps louisianais. Ellis souffle dans son harmonica devant le piano roadhouse de McKendree. Et l’opus de s’achever par une compo à la fois intimiste et indolente. Tinsley double au piano électrique, McKendree siège derrière au mellotron. Une plage dont le sens tragique flirte délicatement avec celui de Tony Joe White. Excellent!
Noel Gallagher, c'est un peu un vieil amant : vous savez ce qu'il vaut, parfois il vous comble, parfois il vous déçoit. Il tente parfois de nouvelles expériences, tel un jeune premier... et parfois, oui, parfois, la nuit n'est pas exceptionnelle. Et celle vécue tout au long de ce "Chasing Yesterday" n'est franchement pas exceptionnelle...
Il y a 20 ans, Oasis nous assénait une claque monumentale à travers « What’s The Story (Morning Glory) ? » Une claque dure et franche, portée par « Wonderwall », « Don’t Look Back In Anger », « Champagne Supernova » et quelques autres titres, administrée avec une précision chirurgicale et une maîtrise exceptionnelle par son compositeur, Noel Gallagher. Une claque qu’il nous flanquait à nouveau en 2011, lorsqu’il publiait « Noel Gallagher's High Flying Birds », confirmant, si besoin était, qu’un Noel sans Oasis c’est quand même foutrement bon !
Alors entre deux piques assassines adressées à Liam, qui enterre gentiment son Beady Eye loin de nos pauvres oreilles, on pouvait s’attendre à une belle continuité et à pourquoi pas à du renouveau de la part de Noel Gallagher et ses High Flying Birds, en découvrant ce « Chasing Yesterday »… Malheureusement, ce n’est pas le cas. Definitly No. Après une écoute complète de l’opus, une seule question vient à l’esprit : où sont passés les refrains pêchus dont il a le secret ? La mélodie est présente, tant instrumentale que vocale, mais l’œuvre dans son ensemble est plate, morne, presque chiante… Les pistes s’enchaînent, lentement. Très lentement. Trop lentement.
Le single « In The Heat of The Moment » plait… mais peine à servir d’accroche à l’LP, à le sortir de sa torpeur lancinante. Au détour du sommeil, on croise « The Girl With X-Ray Eyes » et on se pose une question existentielle : la vitesse de lecture du cd aurait-elle, par hasard, ralentie ? Non ? C’est une chute d’Oasis, mort déchiré au bourbon dans un bar vide à trois heures du matin alors ? Oui ? Absolument !
De sa collaboration auprès du duo électro Amorphous Androgynous, il n’a conservé que le peu convaincant « The Mexicans » qui aurait très bien pu se perdre entre l’enregistrement et le mixage ; et « Right Stuff », pas beaucoup plus engageant à moins de vouloir se mettre à l’hypnose sous perfusion. Le titre démontre par contre la mæstria de Noel à la mise en forme. Au détour de l’album, on se surprend à se demander ce que peu bien foutre « Look at Doors » sur ce disque. Basique, scolaire. Une chute de studio refusée par Liam ? Son confrère de scolarité, « You Now We Can’t Go Back », devrait par contre lui permettre de toucher un nouveau public.
Moins folk que le morceau précédent, « Chasing Yesterday » tente de convaincre une nouvelle génération, puise dans les influences de son créateur et producteur et n’est finalement qu’un prétexte, un prétexte pour une nouvelle tournée. Davantage une ‘compilation’ de morceaux qu’un véritable album que signe ici Noel Gallagher. Un disque qui a défaut d’être bon, n’est pas vraiment médiocre. En fait, il n’est pas bon, mais il a été mis en forme –et de main de maître– par un gars qui s’y connaît dans le milieu… mais qui est capable de faire tellement mieux. Reviens Noel !
Quel bonheur de retrouver Le Peuple de l’Herbe, ce bon vieux crew lyonnais qui ne nous a jamais déçus depuis ses débuts, en 1997 ! Je les avais quittés en 2012, après leur plaisant et dansant « A Matter a Time », sans m’être attardé entre-temps sur « Next Level », paru il y a peu ; mais ils sont déjà de retour en ce début de printemps en publiant « Secret Stachella », dont le titre est aussi énigmatique que le contenu, œuvre complémentaire et ‘bonus’ déviant étant censés accompagner leur tournée en cours. « Secret Stachella » recèle des morceaux euphorisants et improbables tels que « Stier Groente » (en afrikaans!) et « Yini Bo » (en Xhosa, idiome local !) composé pour les MC’s du collectif sud-africain Cape Town Effects ; l’incroyablement dansante version live de « Tell the Dj… » ou le plus électro « Et La Fête Continue » ! Si quelqu’un hésitait encore à voir et écouter un concert du collectif français, qu’il jette une oreille sur l’imparable version live de « Parler le Fracas », interprétée en compagnie de Pascal Nemmour de La Canaille… La rage, la classe et l’énergie réunies. Tout est dit. Le Peuple de L’Herbe confirme son ouverture tant musicale que d’esprit…
Alors que leur dernier opus, publié en 2013, baignait au sein d’un climat sans grand relief, quoique non dénué de charme, les sœurs Lily & Madeleine Jurkiewicz ont donc décidé d’insuffler un peu d’énergie électrique à leur folk d’obédience résolument classique. Mais que ne pardonnerait-on pas à des artistes qui à l’époque étaient à peine âgées de 17 et 18 ans ? Et finalement sont toujours aussi jeunes aujourd’hui. A travers « Fumes », les frangines élargissent leur vision sonore, même si elles n’ont pas viré complètement leur ADN folk. Depuis le rock audacieux et enlevé (« Rabbit ») aux sucreries pop (le judicieusement intitulé « Pepermint Candy », caractérisé par ses chœurs et ses cordes ) en passant par des morceaux plus ténébreux (« Blue Blades » et ses claviers glacés), cet opus ne néglige donc pas pour autant les litanies que le duo d’Indianapolis tisse à l’aide de douces harmonies vocales, d’accords de piano et de cordes acoustiques (« Ride Away »), une formule que n’auraient pas renié First Aid Kit ou Aimee Mann et dont les fans devraient d’ailleurs se repaître, en attendant le retour de leurs idoles…
Les Paladins sont issus de San Diego, dans le Sud de la Californie. Un trio qui pratique du roots rock qu’il teinte de rockabilly et de blues. Il est né il y a plus de trente ans. Dave Gonzales et son ami Thomas Yearsley en sont les membres fondateurs. Dave se consacre au chant et à la guitare. Thomas à la contrebasse. Les drums sont assurés aujourd’hui par Brian Fahey. Les Paladins avaient publié huit elpees quand, en 2004, ils décident de mettre un terme à leur aventure. Gonzales monte alors un groupe de country alternatif, The Hacienda Brothers. Depuis, les Paladins se reforment épisodiquement. Comme le combo jouit toujours d’une belle popularité, le label Lux a décidé de sortir une collection baptisée "More of the best of Vol. 1", un recueil sont les plages sont puisées à travers la plupart de leurs long playings.
Pur rockabilly, "Double datin'" ouvre la compile. Il s’agit de leur premier single qui figurait sur une autre compilation baptisée "L.A Rockabilly". Elle était parue en 1982 chez Rhino. Trois perles sont extraites du tout premier album officiel, paru en 1987 : "Honky Tonk all night", "Daddy Yar" et "Hold on". Eponyme, il remonte à 1987 et avait reçu le concours de Kim Wilson à la mise en forme. Dans le style, Dave Gonzales est un guitariste extraordinaire. Il est solidement épaulé par la basse acoustique de Yearsley. Plus blues, "Hold on" constitue certainement une des meilleures plages du combo. Leur troisième long playing, "Let's buzz", paraît en 1990, chez Alligator. Steve Berlin (Los Lobos) en assure la production. Deux plages ont été sélectionnées sur ce disque, "Follow your heart" et "Let's Buzz". La voix de Gonzales est bien mise en exergue ; et explosives, ses interventions de gratte reflètent une belle évolution dans son jeu. Publié en 1994, l’album suivant, "Ticket home", a été enregistré sous la houlette de Cesar Rosas (Los Lobos). Enrichi de 4 bonus tracks, il est réédité cinq années plus tard et rebaptisé "ReJiveinated". Cinq titres sont tirés de cet LP, dont "15 days", un splendide blues rocker caractérisé par la voix autoritaire de Dave, l’excellent "Elvis' sister", plus Hendrix que nature et le country/rock "Ticket home", hanté par les Byrds (NDR : cette guitare à douze cordes !) Countrybilly, "Tore up from the floor up" est tiré de "Palvoline n°7", un opus qui remonte à 2001. Dernier album studio, "El Matador" date de 2003. Trois pistes en son extraites, dont l'instrumental "Soul farm". Pur rock’n’roll, "Too late baby" est un véritable brûlot, un morceau qui figurait sur le ‘live’ "Power Shake : Live in Holland". Les deux derniers titres sont parus récemment en single ; soit l'instrumental "Should of been dreamin'", tapissé par le piano et l’orgue, et enfin, le très soul/r&b "Wicked". Dans le style, The Paladins est incontestablement la Référence…
Comme chaque année, à l’approche des premières chaleurs, les mélomanes se mettent à la recherche de l’album qui va accompagner leurs douces soirées estivales. Pour votre serviteur, le choix est déjà fait. Et quoi de plus paradoxal que d’être tombé sous le charme d’une formation suédoise, dans ce cadre.
Si le pays n’est pas forcément reconnu pour la puissance de son soleil, il recèle néanmoins des artistes et des groupes talentueux et pas toujours appréciés à leur juste valeur. Simian Ghost en est l’un d’eux. Début 2015 sortait, dans nos contrées d’Europe Centrale, leur troisième opus intitulé « The Veil », quelques mois après sa parution scandinave.
Ne connaissant pas ce combo, je pars totalement dans l’inconnu en introduisant le disque dans mon lecteur cd. Les premières secondes de l’LP nous accueillent par des bruits de vagues. Pas de doute, ce sont bien les vacances et nous sommes en bord de mer. « Float » est d’ailleurs un morceau d’introduction un peu anecdotique mais qui plonge parfaitement le mélomane dans l’ambiance. Il lance « Cut-off Point » et entame les choses sérieuses par la même occasion. Le trio excelle en effet dans la construction d’hymnes pop délicats et pourtant réellement rythmés. Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si le single principal tiré de l’album est « Never Really Knew ». A cette pop légère, on intègre ici une touche un peu plus funky qui fait de ce titre un des piliers du long playing, sur lequel on a envie de danser au zénith. La vraie chanson de beau temps donc.
Si la formule ne change pas vraiment au fur et à mesure que les plages défilent, elle reste très efficace et pas du tout lassante. Parce que les Suédois ont eu la bonne idée d’insérer quelques morceaux de transition à des endroits clés du disque. Ces passages (« Fight Even », « Endless Chord » et « August Sun ») sont un peu plus mélancoliques mais suffisamment courts pour ne pas complètement briser le rythme.
C’est donc toujours sous les rayons puissants que nous arrivons en fin de parcours. Et alors que l’on croit avoir tout entendu, la douzième et avant-dernière chanson réussit quand même à mettre une claque. « Summer Triptych » approche de très près la dream pop et nous offre une dernière ballade dans l’univers de Simian Ghost. On peut d’ailleurs considérer qu’il s’agit du morceau de clôture, car la piste treize est un outro instrumental qui n’a pas réellement d’intérêt, hormis celui d’en revenir aux vagues que nous avions entendues tout au début de l’elpee.
« The Veil » est à la fois superbe et particulièrement cohérent. Un disque à écouter en regardant les flammes du barbecue ou lors d’un road-trip ensoleillé, les fenêtres grandes ouvertes et le sourire sur les lèvres.
Méconnu sur le Vieux Continent, The Trouble with Templeton rencontre un certain succès chez lui, en Australie. Fondé en 2011, le groupe a choisi pour patronyme, le titre d’un épisode de la série américaine The Twilight Zone. Son leader, le chanteur/compositeur Thomas Calder, vient à peine de fêter ses 23 ans. « Rookie » constitue leur premier album. La sortie de ce disque a permis au combo d’assurer, la première partie des tournées, au pays des kangourous, de Father John Misty ou encore de Monsters and Men.
D’emblée, il faut reconnaître que Thomas Chalder a un sens aigu de la mélodie, à l’instar de « You Are New » qui fait instantanément mouche. Cet opus est partagé entre morceaux entraînants (« Six Months in a Cast ») et plus mélancoliques. C’est la rencontre entre l’instrumentation acoustique et électrique qui procure à l’ensemble, son relief particulièrement agréable. Une influence majeure ? Port O’Brien. Encore que « Whimpering Child » lorgne carrément vers Radiohead. Et la voix de Calder, proche de celle de Thom Yorke, n’est pas étrangère à cette impression.
Bref si l’ensemble tient la route, il faut déplorer l’un ou l’autre accident de parcours. « Like a Kid », tout particulièrement. Les interventions de grattes évoquent… Shaka Ponk… De mauvais goût ! M’enfin, pour un premier essai, le résultat est plus que satisfaisant. Une fois de plus, Bella Union a eu le nez creux.
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