Aimes-tu le bruit cinglant d'une lanière de cuir qui se tend ?
Apprécies-tu ces moments moites, où sous des impulsions répétées, les corps suintants laissent perler les gouttes de sueur sur leurs corps ?
Est-ce pour toi une forme de jubilation, lorsque celui-ci devient incontrôlable sous les assauts d'un rythme endiablé ?
Si tu réponds affirmativement à toutes ces questions, tu vas adorer Royal Blood.
Issus de Brighton, les deux lascars du combo semblent avoir hérité, dans leur gènes ADN, des luttes vécues au sein de leur cité balnéaire, au cours des 60’s.
Pour rappel, c'est à Brighton, chaque week-end, que les Mods et les Rockers entretenaient des rixes, devenues mythiques, sous les yeux médusés des touristes. Et c’est sans doute le souvenir de cette arrogance et de cette violence qui alimente l’inspiration de Mike Kerr et Ben Thatcher. Retenez bien ces noms !
Mike Kerr se charge de la basse. Ses cordes sont grasses, lourdes mais taillées à l’aide d’un diamant. Incisives, répétitives, minutieuses, à la limite de la saturation, elles blessent dès qu’elles touchent leur cible. Tout en profitant de ces effets, elles sont modulées, chauffées sous des effets techniques ou électroniques particulièrement vicieux.
Ben Thatcher se consacre à la batterie. Maîtresse. Point d'orgue du combo. Tout s'incline devant elle. La reine des reines, gourou et despote. Elle fait frémir, flagelle, arrache et décolle.
Mais l’un ne serait rien sans l'autre. En fait, c’est cette association qui s’avère parfaitement maléfique.
Ce Royal Blood ne fait aucune concession, n’a aucune pitié. Il semble se moquer de toute allégeance, de toute convention. Il envoie, balaye et plie sans détail…
Royal Blood mitraille, conspue et attaque. C'est la claque que tu provoques et que tu regrettes aussitôt. Celle qui laisse une marque longtemps après son impact.
Royal Blood, c'est de la dynamite, du rock qui fait passer The Vines pour des amateurs de foire foraine et rendrait jaloux Arctic Monkeys. Ce n'est d'ailleurs sans doute pas pour rien que l'on aperçoit régulièrement Matt Helders vêtu d'un t-shirt du combo.
Royal Blood, c'est un pas vers l'abîme ; et pourtant, une fois tombé dedans on regrette de ne pas y avoir plongé plus vite.
« Royal Blood » est déjà considéré comme un des meilleurs albums pour 2014. Et je partage entièrement ce point de vue…
Ben oui, c’est un disque paru en 2013, et votre serviteur a mis un temps fou avant de se décider à l’écouter. Sans raison vraiment valable, si ce n’est la pochette, pas vraiment excitante… « Life in the Midwater » constitue le premier opus d’Aisha Burns, une artiste texane, issu d’Austin très exactement. A l’instar de Valérie June ou de Tracy Chapman, son épaisse chevelure est tressée en longues dreadlocks. Et tout comme ses compatriotes, elle s’exprime à travers la musique folk. Il faut dire que la jeune femme possède plusieurs cordes à son arc. Tout d’abord, haut perchée et chaleureuse, sa voix rappelle Alela Diane, une voix qu’elle met bien en avant. Ensuite, elle compose ses propres chansons. Enfin, elle joue aussi bien de la guitare que du violon. Mais cette instrumentation –parfois enrichie d’accords de contrebasse– sont plutôt discrets. Il y manque d’ailleurs ce grain de folie qui pourrait faire décoller ses compositions. Mais également ce feeling mélodique qui accroche. Deux exceptions qui confirment la règle : « Mine to Bear » et « Nothing ». Sur le premier morceau, la diversification instrumentale est accentuée par le chouïa d’électricité. Sur le second, les accents de gratte se révèlent enfin, un peu plus agressifs.
Je n’irai pas jusqu’à affirmer que la musique d’Aisha Burns est aussi terne que l’image reproduite sur la pochette de son album ; mais en injectant un peu plus de dynamisme dans ses compos, elle leur communiquerait un tout autre rayonnement…
Diane Coffee. Derrière ce pseudonyme de chanteuse de country, se cache Shaun Fleming, un personnage étonnant au look androgyne et à la trajectoire précoce. Enfant, il est en effet une de ces voix sans visage qui peuplent les dessins animés de Disney. On l'entend notamment dans "Le roi lion" et la série "Kim Possible". Puis, il grandit au soleil californien découvrant ceux qui vont devenir ses idoles et principales références musicales, "The four B's" comme il les appelle, les Beatles, les Beach Boys, Bowie et Bill Withers. Il se passionne également pour des songwriters contemporains comme Sufjan Stevens, Bon Iver ou Feist. Au collège, Shaun se lie d'amitié avec Sam France et John Rado et devient le batteur d'un groupe alors impliqué dans l'expérimental et l'avant-garde, une formation qui deviendra célèbre quelques années plus tard : Foxygen.
"My friend fish" constitue le premier exercice en solitaire de Fleming. Les circonstances et les conditions d'enregistrement sont plutôt originales. En effet, alors qu'il vient de déménager à New York dans un minuscule appartement, le Californien souffre du mal du pays mais surtout de violentes poussées de fièvre. Cloîtré pendant quelques semaines, il se lance dans la réalisation d'un album à l’aide de matériel de fortune dont il dispose. Le pseudo kit de batterie est par exemple composé d'une caisse claire, d'une cymbale cassée et d'une vieille casserole. Une application de son iPhone pour enregistrer sa voix et une guitare désaccordée en guise de basse complète l'attirail.
La première qualité de cet opus est donc peut-être de ne rien laisser transparaître de ce bricolage. Le son est certes lo-fi mais avant tout très vintage. Il nous plonge dans des atmosphères sixties revisitant le meilleur du Rhythm and blues, de la soul, de la pop et du garage rock de cette époque. Et un Foxygen fiévreux ne pouvait évidemment qu'y ajouter une bonne rasade de psychédélisme.
Foxygen à qui l'on pense fatalement de temps en temps. John Rando apparaît d’ailleurs sur deux titres. Mais c'est surtout cette faculté à composer des chansons à tiroirs où l'on passe d'un style à l'autre qui évoque le groupe californien. Comme sur la plage titulaire "Hymn" ballade pop psychédélique aux choeurs tout droit sortis d'un album des Turtles, une compo que ne renieraient pas les Growlers, malgré quelques accords de rock énervé . Incontestablement une des perles de l'album. Ou sur "All the young girls" qui introduit quelques sonorités noise dans un univers proche de la Motown. Citons également l'excellent "WWWoman" aux mélodies d'orgue irrésistibles où la voix androgyne de Fleming fait merveille. Car ce monsieur, outre d'indéniables qualités de mélodiste, dispose d'un organe impressionnant qu'il module à merveille (la formation Disney quand même...)
Bref, "My friend fish" a beaucoup de charme et mérite certainement une petite place sur votre armoire. On est curieux d'entendre ce qu'il pourrait réaliser en plus de deux semaines et en se servant d’un équipement plus sophistiqué ; mais on perdra alors sans doute l'un des charmes de cet album, l'instantanéité. Diane Coffee. Drôle de nom. Sauf si l'on se souvient de l'agent spécial Dale Cooper. Celui qui envoyait toutes ces cassettes à une certaine Diane qu'on ne voyait jamais et qui se plaignait continuellement auprès d'elle de la piètre qualité du café de Twin Peaks.
Le titre de l’album se traduit par ‘l’avenir n’est pas ce qu’il avait l’habitude d’être’. De quoi laisser songeur.
D'entrée de jeu, « The Rapture » tisse une trame interrogative qui, au fil du sillon, gardera tout son sens.
Alors que le futur ne semble plus être ce qu'il était, le passé, pour Exit Calm, semble par contre, avoir méchamment influencé, pour ne pas dire endommagé, l’esprit des musicos de ce combo anglais.
On ne peut pas, à proprement parler, crier au scandale, mais le côté suranné de cet elpee laisse dubitatif.
Cohérents, bien découpés, les morceaux échafaudent des murs de guitares et bénéficient d’excellents arrangements. Ils ne manquent ni d’énergie ni de rythme. Mais ils sont chiants…
Interminables aussi, ils frôlent les 6 minutes de moyenne. Et l'on attend tout au long des neuf pistes, ce petit truc capable de dynamiter l’ensemble. En vain ! Pire, Exit Calm tâte de la ballade, quand il ne s’autorise pas des solos dégoulinants. De quoi davantage plomber notre impression. En outre, la voix du chanteur me fait penser à celle de Bono. Serions-nous en présence d’un ersatz de U2 ? Pas de bol, je déteste U2.
Pourtant, on espère toujours un changement de cap. Car techniquement, manifestement les musiciens ont de la maîtrise ; et il y a fort à parier que si le groupe explorait une musique plus intimiste, le résultat pourrait être bien plus intéressant. Et pour cause, les interventions –quoique discrètes– de la pedal steel ne manquent pas d’allure. Les fûts s’emballent un court instant. Et quelques riffs de gratte font bonne figure. Mais en étirant inutilement les plages, ces quelques étincelles finissent par s’éteindre d’elles-mêmes.
Bref, le temps semble figé tout au long de « The Future Isn't What It Used To Be »…
Le titre de l'album nous le demande : « Pas de Chichi Entre Nous ».
Alors Romain Lateltin, mon garçon, n'y allons pas par quatre chemins et respectons ta proposition.
Je me méfie toujours, et souvent avec raison, des beaux plumages. Ils ont la fâcheuse tendance à ne pas valoir le ramage.
Emballé dans un joli box en carton dont le graphisme ne manque pas de style, enrichi de fiches pour recueillir les textes, « Pas de Chichi Entre Nous » en fait déjà trop pour correspondre à son message.
Romain propose tout au long de cet elpee de la chanson française assez basique. Entre banjo, guitare sèche, mandole, harmonica, trombone, l’instrumentation adopte quelque part le principe de la fanfare des ‘bons copains de lycée’. Et pourtant c’est sous cet aspect que le disque se révèle le plus intéressant. On y ressent une belle osmose entre les différents musicos ; leurs interventions se révélant très opportunes. Personne ne vient d’ailleurs jamais tirer la couverture de son côté.
Les textes ne sont guère transcendants et parlent bien souvent d'eux mêmes : « Je Dévore les Bonbons », « Badaboum, Patatras », « Ni Dernier, Ni Premier », etc. Mais a contrario d’Ours, de Dyonisos ou de Louise Attaque, entre les lignes, c’est le vide.
Il y a pourtant 10 ans que le Français sillonne les routes. « Pas de Chichi Entre Nous » constitue son 5ème opus. Il serait peut-être temps que l’artiste étoffe son écriture. Qu’il sorte des sentiers battus. Qu’il choisse son camp. Entre ‘variétés’ et chanson française à textes. Car, tout au long du long playing, ses compos semblent un peu défraîchies, surtout datées, par rapport à la nouvelle scène hexagonale.
Pourtant bien ficelées ses chansons sont empreintes de douceur, et laissent transparaître un humour à la sensibilité d’éternel ado. Clichés, clichés, …
« Pas de Chichi Entre Nous » ne réinvente pas la roue, mais devrait cependant plaire à un public des Francos ou aux inconditionnels de la langue de Molière. Mais pour l’originalité, faudra repasser…
Il est étonnant qu’un tel projet continue à tenir la route. Me First & The Gimme Gimmes a donc décidé d’adapter une nouvelle fois des tubes pop en punk. Il y a quelques années, ce type d’exercice de style se révélait concasse. Elton John, Boyz 2 Men et Lionel Richie en avaient ainsi déjà fait les frais. Mais aujourd’hui, reprendre des hits de Céline Dion, Barbara Streisand, Cher, Paula Abdul ou Britney Spears à la sauce punk a de quoi laisser perplexe. Or, ces vétérans exécutent ces covers avec une énergie communicative ! Il faut dire que formé en 1995 par Fat Mike (NOFX), Dave Raun et Joey Cape (Lagwagon), Chris Shiflett (No Use For a Name) et Spike Slawson (Swinigin’ Utters), ce super groupe est avant tout un side project ludique. Ces versions de divas de la pop moderne (dont… Boy George !) sont donc à prendre au second degré. Si pas au troisième. Des covers qui n’ont rien de bouleversantes mais qui selon la formule, devraient plaire aux fans. Les autres passeront leur chemin !
Il y a plus de trente ans que Peter Mulvey roule sa bosse au pays de l’Oncle Sam. Originaire de Milwaukee, dans le Wisconsin, il publie, en moyenne, un album tous les deux ans. Son mélange de rock, country et folk n’est certainement pas révolutionnaire, mais il s’écoute d’une traite et sans sourciller. A l’instar de ce « Silver Ladder ». Douze pistes qu’on imagine aisément écouter en savourant une bière locale, dans un bar perdu, au fin fond des Etats-Unis. Manifestement l’Américain possède un talent de songwriter. Il est ainsi capable de varier les climats. Depuis les plus rythmés et allègres « You don’t have to tell me » et « Backin the wind » aux énigmatiques « Trempealeau » (rappelant les débuts de Ryan Adams) et « What else was it », en passant par « Where did you go ? », caractérisé par son duo particulièrement subtil, l’écoute de cet elpee ne suscite jamais l’ennui. Sans être original et sans prétention, il est même agréable à écouter. Et c’est déjà pas si mal…
Certains artistes ont besoin de temps avant de se forger une place au sein de la scène musicale… Ce qui semble évident pour le discret Doug Paisley. Pourtant, son dernier elpee, « Strong Feelings » devrait lui permettre d’y parvenir. Il s’agit du troisième opus du Torontois. Dès « Radio Girl », le morceau d’ouverture, le Canadien démontre qu’il connaît l’ABC du folk/rock. Et tout particulièrement celui des 70’s. La voix et la mélodie évoquent même un certain Johnny Cash, mais un Cash qui aurait été soutenu par The Band. Le timbre de voix de Paisley rappelle d’ailleurs énormément celui du vétéran américain… Dans l’ensemble, les compos de ce long playing sont plutôt classiques ; mais superbement interprétées elles sont susceptibles d’emprunter des chemins de traverse pour varier les ambiances ; à l’instar du plus jazzyfiant « What’s Up Is Down ». « Strong Feelings » va même au-delà du format folk/rock rétro pour se fondre dans l’americana (« A Song My Love Can Sing »). Une excellente surprise !
Le Cirque Royal accueille, ce dimanche 14 septembre, Joan Baez, une grande dame dont l’engagement sociopolitique a marqué les 60’s et les 70’s. Une contestataire devant l’Eternel, à la carrière particulièrement longue, puisqu’elle l’a débutée, il y a plus de 55 ans. Radicaux, ses textes ont toujours été véhiculés par une musique folk teintée de country, blues, roots, gospel et rock.
Pour votre serviteur, c’est un peu la rentrée, puisqu’il assiste à son premier concert dans une grande salle, après les festivals estivaux. L'amphithéâtre est à la limite du sold out pour ce spectacle proposé dans le cadre de la tournée baptisée ‘An Evening With Joan Baez’. Pas de supporting act, l’artiste entame son set vers 20h15, en n’accusant que 15 minutes de retard sur le timing.
Et elle l’ouvre par le « God Is God » de Steve Earle, seule à la six cordes électro-acoustique. Steve est responsable de la mise en forme du dernier opus de Joan, « Day Afer Tomorrow », paru en 2008. Une belle manière de lui renvoyer l’ascenseur. La setlist est essentiellement constituée de reprises qui mettent en valeur la voix de La New-yorkaise –intacte, il faut le souligner– bien soutenue par deux remarquables musiciens. Soit le percussionniste Gabriel Harris, qui se charge des cymbales, congas, djembe et cajon, mais pas des drums. Et d’un multi-instrumentiste qu’on pourrait qualifier d’homme orchestre : Dirk Powell. Il est préposé à la sèche, au piano, à la mandoline, au banjo, au ukulélé, au violon, à l'accordéon et aux claviers. Un talent à l’état pur ! Le tandem est, en outre, capable de s’adapter à l’ensemble du répertoire de Joan. Le « Daddy, You Been On My Mind » de Dylan nous rappelle que c’est bien elle qui a ouvert la voie au Zim. Elle présente la plupart de ses chansons dans la langue de Molière, et nous signale ne plus avoir interprété cette compo depuis au moins 30 ans, sauf dans sa salle de bains. A chaque morceau, elle change de gratte. Elle attaque « Lily On The West », une chanson traditionnelle irlandaise, désormais passée dans le patrimoine de la musique traditionnelle américaine. Dylan l’avait également adaptée. Et Mrs Baez nous en propose sa propre version. Tout comme la superbe ballade « It's All Over Now, Baby Blues », une autre plage signée par le citoyen de Duluth. Le voyage à travers les States s’étend à toute l’Amérique. Elle dispense ainsi « Mi Venganza Personal », une cover de Luis Enrique Meja Godoy et « Lla Lorona », dans la langue de Cervantès, deux compositions activistes. Elle s’exprime alors dans celle de Shakespeare, et nous parle du Chili, de l'Argentine, du Nicaragua. Dirk siège derrière son piano à queue pour le majestueux « Just The Way You Are », une chanson au cours de laquelle les backing vocals de Grace Stumberg sont absolument superbes. Avant qu’elle n’embraie par « Farewell Angelina », une chanson à nouveau hantée par son vieux compagnon de route, Dylan…
Empreinte d’une grande délicatesse, la voix de Joan est divine tout au long du « Swing Low, Sweet Chariot » de Fisk Jubilee Singers. Un véritable tonnerre d'applaudissements ponctue son interprétation. « Le Temps Des Cerises » est un morceau dont les paroles ont été écrites en 1866 par Jean Baptiste Clément et la musique composée par Antoine Renard, en 1868. L’auteur de la chanson était également un communard qui a combattu pendant la 'Semaine Sanglante' à Paris, en 1871. Elle l’interprète en français. Mais elle en connaît parfaitement le message révolutionnaire… La cover du « Joe Hill » Earl Robinson opère un retour en douceur. Celle du « Give Me Cournbread When I'm Hungry» de John Faney permet à Gabriel de démontrer son brio au djembé. « The House Of The Rising Sun » est un titre qui a été repris à de multiples reprises. Sa paternité n’et pas clairement établie, même si on l’attribue à Ashley et Foster, et que les Animals en ont commis la version la plus solide. Pourtant, celle dispensée par Joan est épatante. Le set s’achève par « Diamonds And Rust ». 50 minutes, c’est un peu court. Vu son répertoire, elle devrait pouvoir tenir plus de 120 minutes.
M’enfin, Joan Baez revient une première fois pour deux autre covers. Tout d’abord « Le déserteur », chanson antimilitariste issue de la plume de Boris Vian, dans son idiome original. Puis « Imagine » de John Lennon, moment chargé d’une grande intensité émotionnelle.
Et une seconde fois pour nous réserver « Here's To You », « The Night They Drove Old Dixie Down », caractérisé par excellente intervention vocale de Grace Stumberg, et le « Gracias A La Vida » de Violeta Parra qui clôt cet excellent concert, auquel on reprochera surtout sa brièveté… Serait-ce une forme de minimum syndical ?
(Organisation : Greenhouse Talent)
Avez-vous déjà lu la moindre critique négative formulée à l’égard d’Owen Pallett ? Probablement pas… En effet, le toujours jeune prodige canadien est constamment encensé par la critique, tant pour son travail opéré auprès d’Arcade Fire, la B.O. de film ‘Her’ réalisé par Spike Jonze que pour son œuvre solo (sous son propre nom ou le projet précédent, Final Fantasy). Chaque apparition semble étaler une nouvelle facette de son génie…
Encore une fois, à l’écoute d’« In Conflict », son 4ème essai ‘all by himself’, il s’avèrera difficile de démonter l’étoile brillante du multi-instrumentiste, dont l’univers rappelle énormément un autre compositeur de grand talent : l’Américain Andrew Bird (« Infernal Fantasay »). Les deux artistes sont capables d’arrangements d’une grande délicatesse, qu’ils accomplissent à l’aide de violons ou d’accords de piano, même si le natif de l’Ontario teinte le tout de subtiles touches d’électro (« I’m Not Afraid »)… En phase introspective, (‘I’ll Never Have Any Children’ se plaint-il, sur le titre d’ouverture, « I’m Not Afraid ») Pallett se sert de son timbre de velours afin d’enrichir sa pop aussi baroque qu’extravagante (la texture étonnante de « Chorale » en est une belle illustration) qui navigue entre classicisme et modernité… Dommage cette carence en mélodies fortes… Une exception qui confirme la règle ? L’allègre « Song for Five & Six ». Ben oui, j’ai osé égratigner un artiste qui risquait de se transformer en statue ! Pour souligner le seul bémol de cet album d’une grande qualité…
Joel Thiboteau, alias Death Vessel, est né à Berlin ; mais il a grandi sur la côte Est américaine. « Island Intervals » constitue son troisième album et son second signé sur le prestigieux label Sub Pop. On connaissait le goût de l’Américain d’adoption pour le folk ; par contre, on ignorait tout de son amour pour l’Islande.
Jamais l’île scandinave n’aura hanté à ce point un album (au titre évocateur) venu d’outre-Antlantique. Sa rencontre avec Jónsi, alors qu’il assurait la première partie de Sigur Ròs, semble avoir été déterminante. La musique de Death Vessel évoque les paysages paisibles islandais (du moins quand les volcans ne se réveillent pas). On n’est jamais très loin de la bande à Birgisson. A cause de la voix aigue de Joel Thiboteau. Ou de Mùm, lorsque l’électronique apparaît furtivement. En outre, à l’instar d’« Island Vapors », certaines plages s’enfoncent dans le lyrisme ; ce qui n’est pas sans rappeler d’autres formations islandaises. Dès lors, il n’est pas étonnant d’entendre la voix de Jónsi sur « Ilsa Drown » et de voir, derrière les manettes, le compagnon du Scandinave, Alex Somers.
Paisible et atmosphérique, « Island Intervals », constitue certainement, le plus islandais des albums germano-américains.
Lorsque le romantisme exacerbé rime avec classe, en se préservant de toute lamentation, vous pénétrez, sans le savoir, dans l’univers de l’ex-Madrugada.
Aux thèmes abordés faisant écho à la noirceur de l’âme tout autant qu’aux affres invariablement liées au sentiment amoureux, l’ami Sivert choisit une interprétation sensuelle et souvent rageuse, habitée inlassablement par son timbre de voix particulier.
Pour sa nouvelle échappée belle, le Kojak des fjords ne s’éloigne pas de son registre originel. Il creuse plus profondément les sillons qui partant de l’épicentre de son cœur, s’immiscent dans les sentiers de nos sens à l’écoute.
Entre Blues agité et fiévreux (sans être maladif), et envolées Rock un rien brumeuses, l’éventail de cet « Endless Love » résonne comme une descente en rappel dans les abysses d’un myocarde maudit.
Ici, les parois sont rugueuses et s’atrophient sous le joug d’un afflux sanguin bouillonnant, là, elles s’ouvrent sur des espaces grisants qui rappellent les plus beaux déserts.
Et si l’amour est conté est sans fin, il souffre néanmoins de ramifications cruelles qui étreignent la gorge de Sivert Høyem à plus d’une reprise.
Cet album est un plan, la carte secrète qui mène dans les tréfonds des âmes tourmentées, et permet d’éviter les écueils du genre (l’apitoiement, les pleurnicheries vaines et les larmes de crocodiles entre autres).
Tour du propriétaire en dix points.
L’entrée brûlante par le biais du single éponyme (« Endless Love »), l’enivrante spirale de « Enigma Machine », le Gospel de « Handsome Savior », la tonalité désespérée de « Inner Vision », la fatalité de la ballade « Free As A Bird / Chained To The Sky », l’ivresse tangente de « Little Angel », les giclées électrifiantes de « Wat Tyler », les aspérités sinueuses de « Görlitzer Park », l’orgue solennel de « At Our evening Table », et la trace chaude laissée sur le sable par « Ride On Sisters ».
Catharsis pour son auteur et simple baume pour son auditeur, ce disque est le révélateur d’un film noir et blanc inscrit sur une pellicule abandonnée à tous les vents.
Une bonne dose d’animalité rock’n’roll m’était nécessaire, en ces premiers jours de boulot, pour agrémenter leur routine parfois insidieuse… Une dose concentrée, fournie par quelques dealers officiels : les Californiens d’Icarus Line. Sans surprise, ils se chargent du boulot de façon admirable et à intervalles réguliers. Ces Angelinos, actifs depuis 1998, nous proposent déjà un mini album, quelques mois après la sortie de « Slave Vows ». Cinq longs titres sauvages comme autant de coups de pied au cul ! Tout au long d’« Avowed Slavery », Joe Cardamone a décidé de durcir davantage le ton tout en continuant à se charger de la mise en forme. La saturation des guitares est une règle, la dissonance un art. Mais en conservant un esprit rock et non pas expérimental ; bien que vous ne détecterez pas la moindre caresse mélodique entre la tronçonneuse électrique de « Leeches and Seeds » et les 13 minutes cacophoniques –probablement dédiées à Jack l’Eventreur dont on vient de découvrir la probable identité– du pas très sain « The Father, the Priest »… Du rock. A l’état pur donc, proche du Nick Cave des débuts. De quoi nous faire oublier que les morceaux de cet Ep ne sont tout de même pas terribles…
A l’instar de son titre (« Once More 'Round The Sun ») Mastodon est reparti pour un tour. En l’occurrence un sixième opus, et dans la foulée, une tournée mondiale pour le défendre. Mastodon est né en 1999 à Atlanta, aux États-Unis. Suite à la rencontre entre deux New-yorkais et de deux Sudistes pur jus. Le line up réunit Bill Kelliher et Brent Hinds aux guitares, Troy Sanders à la basse et Brann Dailor aux drums. Ces trois derniers participent aux vocaux, et Troy aux lead. Cette formation pratique un heavy metal teinté de rock, de sludge et de prog. A ce jour, le quatuor avait publié « Remission », en 2002, « Leviathan », en 2004 : « Blood Mountain », en 2006, « Crack the Skye » en 2009, et « The Hunter », en 2011. Comme d'habitude, la pochette du nouvel LP est de toute beauté. Elle signée Paul Romano.
« Once More 'Round the Sun » est découpé en onze morceaux relativement courts. D’une durée de 54 minutes, le long playing en recèle 4 de plus de 5 minutes dont aucun ne va au-delà des 8 minutes. C'est plutôt bien pensé. Et on évite la lassitude inhérente à l’avalanche de notes distordues et conflictuelles. En choisissant Nick Raskulinecz pour la mise en forme, on pense inévitablement à Alice In Chains, Deftones, Queens of The Stone Age et surtout Neurosis. Et la participation de Scott Kelly sur la dernière compo en est la plus belle illustration.
Tout au long de « Once More 'Round the Sun », le climat est particulièrement lourd, un climat déchiré par la voix hurlante de Troy Sanders. Un disque qui s’inscrit dans la lignée du précédent opus, « The Hunter ». Donc qui s’avère plus métallique que progressif, tout en révélant quelques accents psychédéliques. Ce qui ne veut pas dire que leur musique n’a pas évolué. Simplement, le processus est plus subtil. Et nécessite plusieurs écoutes avant d’en saisir toutes les spécificités. Qui finissent même par surprendre. Mastodon ne laisse ainsi pas beaucoup d’alterantives d'appréhension quant à son apparence actuelle : la créature est superbe.
« Tread Lighly » ouvre le bal. « The Motherload » et « Feast Your Eyes » consituent les deux premières perles de l’œuvre. Caractérisés par ses riffs de grattes abrasifs et incisifs, « High Road » est paru en single. Sur le titre maître, la bête est au sommet de son art. La voix est puissante, claire et précise tout au long de « Chimes At Midnight », une piste prog qui libère des envolées tourmentées. « Asleep In The Depp » baigne au sein d’un climat psychédélique. « Aunt Lisa » est une composition accessible et plutôt mélodieuse, parcourue de cordes bien senties. Les trois voix se conjuguent et sont soutenues par une chorale d’enfants. Brent Hinds et Bill Kelliher réservent leurs solos endiablés mais parfaitement maîtrisés à « Ember City ». « Halloween » est mon titre préféré. La voix est superbe. Le son des grattes écrase tout sur son passage. Atteignant près de 8’, « Diamond In The Witch House » clôt le long playing. Une compo élaborée, climatique, prog si vous préférez, dont la fin de parcours tortueuse devrait ravir les mélomanes du style…
Si aujourd’hui, les ténors du métal, tels qu’Iron Maiden ou Metallica cherchent leur second souffle, Mastodon ne les a pas attendus pour prendre un nouvel essor. Le band ne s’est d’ailleurs jamais aussi bien porté et est très susceptible de reprendre le flambeau du genre. Il en possède, en tout cas, toute les aptitudes…
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