A cinquante-sept ans, Peter Murphy poursuit la recherche de son propre absolu et nous gratifie d’un dixième elpee solo plutôt réussi.
Si cette recherche personnelle d’émancipation n’a pas toujours donné lieu à de grands disques, il faut saluer l’abnégation d’un artiste qui refuse les compromis tout autant que de se reposer sur ses lauriers.
Ainsi, « Lion » semble un excellent résumé de sa démarche intègre et de sa vision artistique.
Certes, le sentiment de claustrophobie règne encore en maître, comme une ombre menaçante, mais quelques pans de lumière qui choient ci et là en cascades, différencient nettement le travail solo de l’œuvre de Bauhaus.
Ici, l’ex-figure de proue de la mouvance Gothique se réinvente tout en usant brillamment de ses propres codes, évitant l’enlisement.
Et comme l’équilibre n’a jamais été le point fort au sein de Bauhaus, il était donc essentiel pour son leader de se retrouver seul, afin de structurer son travail, choisissant pour y parvenir, des collaborateurs sur la même longueur d’ondes.
Ainsi, produit par Youth (Killing Joke), « Lion » fait entendre la voix d’un Peter retrouvé, certes en lutte constante avec ses démons, mais suffisamment éloigné de ses fantômes que pour avoir encore, malgré le temps, toujours quelque chose à dire.
Le choix du titre de cet album n’est en ce sens pas anodin.
Le lion représentant la personnalité de notre homme, bien mieux que la chauve-souris qu’on associe volontiers à l’image qu’on s’en fait.
Bien sûr, quelques vielles guenilles traînent encore sporadiquement ; mais comparativement à certains de ces derniers travaux, on évite le piège de l’auto parodie.
Ne cachant pas son admiration pour Bowie, Murphy adapte son chant à des arrangements plus ouvertement accessibles (comme l’illustre « The Rose »), et semble surtout retrouver le plaisir tout au long de cet elpee.
Bien sûr, on reste dans un registre goudronné qui devrait séduire son cheptel de fans croassant, mais l’audace insufflée dans ces onze titres permet d’imaginer la suite de sa carrière sans l’éternelle étiquette qui lui colle à la peau depuis 79.
Après avoir apprivoisé ce « Lion », il sera donc à présent possible d’aborder Peter Murphy sans faire référence à son illustre passé.
Et c’est sans doute la plus grande réussite de cet album.
Le 9 août 2014, Speaking Corner se produisait dans le cadre du Parkrock Festival à Baudour, entité de Saint-Ghislain, dans le Hainaut.
Lors de son entrée en scène, le groupe présente très bien et capte naturellement l'attention des quelques personnes dispersées, ça et là, face à la grande scène.
Musicalement, le son est soigné et les arrangements très efficaces. Tantôt dispensée tantôt dans la langue de Molière, tantôt dans celle de Shakespeare, la voix est déclamatoire. L'art est parfaitement maîtrisé. L'écriture des textes en français, l'est tout autant. Une des chansons du set, « Michel Pop », est un extrait du roman « La possibilité d'une île » de Michel Houellebecq. Elle s'y intègre très bien.
Au fur et mesure que le set évolue, des spectateurs s'approchent du podium et les applaudissements se font de plus en plus nombreux.
Les musiciens quittent les planches avec la conviction du devoir accompli. Enfin, je l'espère.
« Prochaine Saison » tourne régulièrement sur ma platine depuis quelques jours. Ce premier opus réunit neuf pistes.
Cerise sur le gâteau, Claudia Chiaramonte, chanteuse du groupe Starving, pose sa voix suave sur deux d'entre-elles. Un pur régal !
On vous le répète sans cesse, le Magasin 4 fête, pour l’instant, ses 20 ans d’existence, en proposant une ‘prog’ aussi variée qu'intéressante. On se plonge cette fois-ci dans une affiche plutôt expérimentale et sans concession. Quand on joue dans ce créneau on ne s'attend naturellement pas à la grande foule ; et effectivement j'ai retrouvé l'intimé propre aux soirées à prises de risques... Bref nous n'étions sans doute guère plus d'une cinquantaine de personnes au temps fort de celle-ci. Mais c'était après le premier live dont je vais vous parler.
Un premier live assuré par Ripit devant quelques rares spectateurs motivés, projet au sein duquel on trouve Niko, infatigable activiste qui a organisé de nombreux concerts et tourné pas mal aussi bien en Europe qu'en Amérique du Nord. Accompagné sur scène par son acolyte Tzii aux visuels (en compagnie duquel il œuvre aussi dans Fujako, fabuleux duo abstract hip hop/indus/dub) il balance une mixture de beats concassés, de boucles volontairement pas trop carrées et de sons assez noise et profonds qui se déploient librement dans l'espace sonore. Pour y parvenir, il a recours à des moyens assez limités comme une boîte à rythmes antique, l'un ou l'autre synthé et une table de mix. Le résultat connaît évidemment des fortunes diverses, parfois boiteuses, parfois faussement dansantes, mais souvent ‘abîmées’ et longeant des chemins de traverse.
Place ensuite à un duo romain baptisé Germanotta Youth, un duo revendiquant l'étiquette cyber-math-grindcore. Solide programme en perspective pour cette paire ultra speedée, qui combine la frénésie et la précision dans un trip de dingo grâce à un batteur hallucinant (à peine âgé de 22 ans) et un claviériste tout aussi assez impressionnant. Toutes les boucles de batterie sont exécutées live et sonnent comme des rafales de beats qu'on imaginent samplées et accélérées. Mais non! Un résultat obtenu grâce à un usage habile mais parfois un peu systématique de la double pédale, auquel répondent les gros sons de synthés basses et autres également joués en direct. On croirait quelquefois entendre un groupe ‘prog’ sous influence et en 78 tours, gardant toujours des mélodies sous le coude, malgré le bruit et la cadence imposée, incroyable mais quasi-permanente. En effet, il faut souligner la maîtrise du groupe qui malgré l’énergie voire la violence inimaginable libérée, parvient à ne pas dépasser un niveau de volume qui ferait passer sa musique de jouissive à douloureuse. Pareil en ce qui concerne l’intensité du set. Quarante-cinq minutes sont bien suffisantes ! Et nous sommes bien chauds pour la suite du programme.
Et quelle excellente surprise d'entendre William Bennet, membre de White House (tiens on parlait de musique douloureuse...), s'adonner à la transe percussive! En effet, si le côté noise propre à la formation culte n'est pas complètement oublié, il est en tout cas bien en retrait par rapport aux sons percussifs qui dominent largement la musique de Cut Hands. On rentre assez directement dans le vif du sujet ; et petit à petit le Magasin 4 se change en dancefloor electro-indus, métamorphose que j'apprécie particulièrement et n'avais pas encore eu l'occasion de vivre là-bas. Pulsations à la fois tribales et mécaniques, rétro et futuristes qui évoquent aussi bien des rituels vaudous fantasmés (?) que l'ambiance froide et industrielle de vastes hangars abritant des free parties. Nous sommes peu nombreux mais enthousiastes et le set se prolonge au delà du couvre-feu habituel alors que le son s'étoffe et devient plus bruitiste. J'ignore jusqu'à quelle heure la fête a continué, car il a bien fallu se résoudre à aller prendre le train du retour pour un voyage aussi mécanique mais nettement moins plaisant tout de même... Mais quel final pour cette soirée qui nous a encore donné une bien belle occasion d'aller souffler les bougies de la salle de l'Avenue du Port!
(Organisation : Magasin 4)
En 2014, le Magasin 4 fête ses 20 ans ! De 1994 à 2014, plus de 3 300 groupes différents s’y sont produits. Tout d’abord au 4, Rue du Magasin ; et ensuite au 51B, Avenue du Port. Il s'agit d'une aventure humaine et artistique de plusieurs vies. Tout aurait été impossible sans les nombreux bénévoles, artistes, groupes, organisateurs ainsi que tous ceux qui ont contribué de loin ou de près à l’aventure de ce lieu à l'atmosphère unique.
Ce soir la punk attitude est à l’ordre du jour. Les Slugs, Contingent et les toujours aussi fringants –quoique vétérans– Sham 69 vont nous la rappeler. Deux jours plus tôt, votre serviteur était au même endroit pour assister au set de Napalm Death et consorts. Et j’avais passé une mauvaise soirée à cause de la médiocrité du son. Ce mercredi, il est nickel ! Parfait de chez parfait ! Même pas besoin de bouchons dans les oreilles. Et pourtant, c’est du lourd qui va assaillir nos tympans. Dans un auditoire à nouveau sold out !
Les Slugs ouvrent les hostilités. J’avais souvent entendu parler du combo, mais c’est la première fois que j’assiste à un de leurs concerts. Leur dernier opus, « BanqueRoute », est sorti en 2011. Le quatrième doit bientôt paraître. Ce trio réunit Geoff à la basse, Ren à la guitare et de Bini aux drums. Avant de siéger derrière ses fûts, ce dernier enlève chaussures et chaussettes. Les Slugs auraient pu naître d’un croisement entre The Clash, The Damned et UK Subs. Différence, mais elle est de taille, les lyrics sont exprimés dans la langue de Voltaire ou en dialecte wallon. Leur punk est plutôt carré, mais festif, infernal quoique savoureux et surtout divertissant.
« Français-Ca tourne » et l'hilarant « Ca-Banquier » entament le set. Ils enchaînent deux titres à la fois, car les morceaux sont brefs. Pas plus de 3’, suivant un rituel du style. « Canada » rend hommage à nos amis wallons expatriés là-bas. « GPS - Derouf - Coup d'Pie Dan Et Gueule » sont interprétés en dialecte. Les Slugs ont un message à faire passer. Et ils se servent de l’humour pour y parvenir. C'est la rentrée, et je retrouve mes amis Micheleke, Jean-Pierre et bien sûr le photographe Wim de MusicZine (Wim ne semble pas vouloir me quitter). « Mr Le Prof » traite d’un sujet bien difficile à exercer aujourd’hui. « Zoo et Binoche » adresse un petit sourire à Juliette. Et « Karaté-Ninja » clôt le spectacle. Le préposé à la vente des cds ôte son tee-shirt et exhibe son ventre. Il va tenter de faire son sumo en attaquant quelques 'belles bêtes'. 45 minutes, c’était court, mais très bon. Aussi bien pour les oreilles, que pour les jambes. A revoir ! Je m'offrirai bien un petit showcase ‘at home’. En outre, les musicos sont loin d’être des manchots.
Le deuxième groupe qui se produit ce soir, c’est Contingent. Encore des vieux briscards, mais bruxellois. Honnêtement, j’ignore tout de leur parcours. Heureusement, Micheleke, la bible vivante de la musique rock, vient à mon secours. Le combo est né en 1979 ! Et il impliquait le guitariste Eric Lemaître, décédé depuis. En outre, ce concert lui rend hommage, car c’est un des membres fondateurs du band, mais également du Magasin 4.
Aujourd’hui, le line up réunit Bob Seytor au micro, John Baine à la basse, Daniel Wang aux drums et James Neligan à la gratte électrique. Le temps est compté. En trois-quarts d’heure, la set list va égrener 21 titres , dont « Bruxelles », « La Fille De Ma Concierge », « Pas Craquer », « Electric Guerilla », « Poupée Plastique » (NDR : elle est même représentée à l’avant-scène), « Police Control », « Fonctionnaire » et « Tout Seul Ce soir ». Le discours du vocaliste est interprété en français. Et il passe 5 sur 5. Les artistes débordent d'énergie et les spectateurs commencent sérieusement à pogoter.
Place enfin Sham 69, à la tête d’affiche ! Les gaillards on pris de la brioche autant que de l’âge. Je les ai vus il y a plus de 30 ans. Le line up original a changé. Tim V est au chant (depuis 2007 pour remplacer le charismatique Jimmy Pursey), Neil Harris est à la 6 cordes (un membre fondateur, revenu en 2012), Al Campbell à la basse depuis 2009 et le drummer Ian Whitewood (dans l'aventure à partir de 1986). Leur patronyme est inspiré d'un graffiti que le chanteur Jimmy Pursey avait vu sur un mur des toilettes, 'hersham 69'.
23 morceaux vont défiler. Des anciens, mais également des nouveaux. Le dynamisme de Tim est réconfortant. En outre, c’est un excellent communicateur. Les pogos et les crowdsurfings se succèdent dans la fosse. Après tout, c'est ma jeunesse qui défile devant les yeux. Je vais donc participer à la fête et mouiller mon tee-shirt des Sex Pistols avec un bonheur certain. Quel plaisir de rajeunir un papy nostalgique ! « We Got A Fight », « What Have We Got », « Hey Little Rich Boy», « Western Culture », « They Don't Understand » et « I Don't Wanna » déferlent à une allure vertigineuse. Je me mêle aux comiques qui dansent. Allez Micheleke, ne te cache pas, c'est bon ! « Ulster », « Rip Off », « Tell Us The Truth », « Loud Mouth» et « Sweeney Todd » embraient dans le même esprit. La chaleur est de plus en plus insupportable, dans l’auditoire. Ce n'est plus de mon âge…
Sur les planches, les papys du punk font plus que de la résistance. Leur show est dévastateur et puissant comme autrefois. « Family Life », « Thats Life » et « Shout » permettent au public de reprendre son souffle. Mais « Borstal Breakout », « Security Guard », Sing When You Wining » ainsi que « Hurry Up Harry » redémarrent au quart de tour. Si bien que le peuple de la fosse s'invite sur l’estrade pour participer à la fête… aussi vite remballé par les musclés de la sécurité qui rejettent tout ce beau monde d'où il était venu. Les musclés, c'est bon enfant, il ne faut pas exagérer dans la violence. Le concert tire à sa fin, et il fait de plus en plus soif. Aussi, pendant « 3Q And A », je me réfugie au bar. « Cockney Kids Are Innocent » et Angels With Dirty Faces » clôturent le spectacle. Lors du rappel, pendant « If The Kids Are United », deux jeunes gamins décident quand même de remonter sur le podium. Sympa, le service de sécurité ferme les yeux. Merci au Magasin 4 pour cette belle soirée !
(Organisation Magasin 4)
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L’indie-rock est un univers foutraque. On peut y mettre tout ce qu’on veut, pourvu qu’il soit plus ou moins alternatif. En pratique, il est issu de la contre-culture, de l’underground si vous préférez, et réunit des artistes et groupes à la recherche d'un rock authentique, éloigné des standards commerciaux.
Generationals ne serait pas indé. Pourquoi ? Parce qu’il est américain ? Quelle erreur ! Ce duo a la grande classe. Mais si le ‘Star and Stripes’ est bien dessiné sur le passeport de Ted Joyner et Grand Widmer, à l’écoute d’« Alix » on aurait plutôt misé sur l’‘Union Jack’. Autre erreur, imaginer que le pays de l’Oncle Sam ne pourrait pas enfanter des musicos dont l’approche artistique est aussi flegmatique que celle de leurs amis britons.
Fondé en 2009, Generationals compte 4 albums studio à son actif, dont cet « Alix ». Si les précédents elpees exploraient un créneau plus fondamentalement rock, ce dernier adopte un profil davantage pop aux relents 90’s.
Caractérisé par ses beats délicatement ciselés en une voix chaloupée, les morceaux se savourent comme un dessert au parfum créole vanillé ; et c’est volontiers que l’on s’en ressert de nouvelles tranches…
Si en général les artistes apportent un soin tout particulier aux 3 voire 4 premières plages de leurs long playings, y réservant même la quintessence de leur création, avant de remplir le reste, pour respecter le timing, la paire étasunienne a recours au processus inverse.
Ainsi « Black Lemon », qui ouvre maladroitement l’LP, est de facture douteuse et franchement cheap. Sur des faux airs de calypso, « Gold Silver Diamond » est paru en single. Une plage contagieuse que vous risquez de siffloter le reste de la journée. Et un bon coup de boost pour relancer la machine. Car la suite, que ce soit « Reading Signs », « Charlemagne », « Welcome to the Fire », « Heart in Two », « Now Look At Me » ou « Would You Want Me » rivalisent d’excellence.
Finalement, la seule interrogation réellement fondée procède du jour de sortie de l’album. Ce sera le 16 septembre pour les shops et le 15 sur les plateformes légales de téléchargement. Car il aurait pu devenir un magnifique compagnon de vacances que l’on aurait embarqué dans sa valise entre ses chemises à fleurs et les huiles de bronzage, tant le climat festif de longues journée d’été ressort tout au long de l’opus.
Ou alors, ce serait là, la troisième erreur : penser que l’été se termine le 21 septembre.
« Alix », est un très bon album, simple, plaisant et attachant.
Dépêché en dernière minute par la grâce d’un sms sur le coup de seize heures trente (et après avoir réalisé que l’événement avait lieu le soir même !), je m’engage donc dans la bouche fiévreuse de Bruxelles, remontant son reflux gastrique par le colon Montgomery pour arriver à l’ouverture des portes.
Si l’événement de ce soir mérite quelques chamboulements de dernière minute (exit la réunion des parents et bonjour l’étiquette de père indigne !), je peux me féliciter de m’être à ce point pressé, vu mon placement en première ligne.
Conditions idéales donc, s’il en est, pour revoir le groupe de Bristol, deux mois à peine après les Ardentes.
Premier constat : l’auditoire réunit presque exclusivement des quadragénaires ; une conséquence du coût déraisonnable des places. Mais à qui doit on en imputer la faute ???
C’est en tout cas une des raisons que mon esprit avance sur l’échiquier de l’analyse en préambule à ce concert à connotation unique. Unique, car il est fort à parier que le prochain passage du groupe se déroulera dans un espace bien moins agréable.
Jouissant du privilège d’invité, je m’abstiendrai donc de relancer la polémique sur la surenchère des prix de concerts et vais donc sagement me contenter de profiter pleinement du spectacle.
Et tout semble parfaitement en place pour celui-ci.
Vingt heures, la sono commence à diffuser les premières nappes de Dub, prévisible incursion vers les abysses lumineuses d’une Massive Attack.
S’y devinent, les sources d’inspiration du groupe qui ont, à l’aube des années 90, révolutionné le monde musical.
Au fil des minutes, certains spectateurs commencent à s’impatienter.
Près d’une heure plus tard, dans l’obscurité tapissée de fumigènes, presque sur la pointe des pieds, les silhouettes investissent le podium.
Ainsi débute la messe.
Pour concevoir l’entité du groupe précurseur du Trip Hop, il faut envisager le spectacle selon deux axes.
D’une part sa musique, bien entendu, mais aussi son visuel dans lequel les membres s’investissent largement.
Indissociables, l’un et l’autre forment une alchimie parfaite lors de leurs shows, renforçant l’impact de la prestation.
Les premières basses viennent s’écraser comme des lames de fond au-devant de la scène et en arrière, un gigantesque écran digital scindé en différentes sections, diffuse invariablement messages anti-propagandes et images de masse lobotomisantes.
Cette collision, loin d’être fortuite, génère un impact direct sur l’émotionnel et le ressenti de la partie musicale.
Mis de telle sorte en lumière, les morceaux de Massive Attack révèlent ainsi d’autant plus leur magnifique noirceur, mais aussi leur éclatante inventivité.
Bien sûr, rien n’est laissé au hasard, et si celui-ci s’invite à l’improviste sous la forme d’un grain de sable venu se loger entre les cordes vocales de Martina Topley-Bird ; lorsqu’elle interprète « Paradise Circus », il n’enraye pas pour autant la machine admirablement huilée.
Pourtant, cette quasi-perfection ne coule pas la performance du groupe dans un moule d’ennui.
Et si ses membres connaissent parfaitement leur partition numérique, ils semblent unis par une osmose interne les reliant les uns aux autres et leur permettant d’ajouter cette infime touche de magie noire qui fait la force de MA.
Tour à tour, Martina Topley Bird, Horace Andy et Grant Marshall (alias Daddy G) viennent prêter leurs voix aux différentes compositions qui se tissent comme autant de toiles lumineuses.
Ce à quoi un light show somptueux vient se superposer, de sorte à donner corps à l’âme du band qu’on peut apercevoir danser entre les faisceaux de lumière.
Manifestement incommodée par un léger refroidissement, la chanteuse semble jouer sur la réserve.
Qu’importe, puisque émane de sa gorge cette mystérieuse sensualité qui habille si bien les titres, s’appropriant avec grâce et élégance les morceaux chantés par d’autres sur disque.
Quant à l’icône du Reggae, fidèle à lui-même, il investit la scène de son aura intemporelle.
Ainsi se succèdent les hits du groupe, sans surprise, mais interprétés avec force et un savoir-faire qui semble décupler au fil des dates.
En guise d’aperçu de l’album à venir (et dont la date n’est pas encore avancée), quelques nouveaux titres se glissent dans la set list.
La méthode de travail a peut-être changé (Robert Del Naja évoquait récemment dans une interview aborder l’élaboration de ses morceaux de manière différente), mais le résultat reste tout aussi convaincant.
Avant un unique rappel, la troupe disparaît comme elle est apparue, soit en catimini.
Mais au final, après trois titres (dont l’incontournable « Safe From Harm » en apothéose) elle s’éclipsera sous les hourras de la foule, baigné dans une lumière crue, les révélant enfin, tous réunis, s’échangeant généreusement congratulations et embrassades sincères.
Fondamentalement, le concert de ce soir n’était pas très différent de leur prestation en festivals, mais dans ce contexte de perfection presque totale, était-il bien convenable de faire la fine bouche ?
(Organisation : Greenhouse Talent)
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En 2014, le Magasin 4 fête ses 20 ans ! De 1994 à 2014, plus de 3 300 groupes différents s’y sont produits. Tout d’abord au 4, Rue du Magasin ; et ensuite au 51B, Avenue du Port. Il s'agit d'une aventure humaine et artistique de plusieurs vies. Tout aurait été impossible sans les nombreux bénévoles, artistes, groupes, organisateurs ainsi que tous ceux qui ont contribué de loin ou de près à l’aventure de ce lieu à l'atmosphère unique.
En débarquant à 18h15, le Magasin 4 est déjà blindé. C'est bien la première fois que je vois autant de monde dans cette salle. Peut-être l'effet ‘anniversaire’. Je me faufile parmi les spectateurs et y croise pas mal de monde issu d’outre-Quiévrain. Il fait chaud et même très chaud dans la fosse. Mr Marcaille ouvre les hostilités. Un français assez bien constitué, en slip noir. Il est armé d’un violoncelle et se sert de deux grosses caisses, à l’aide de ses pieds. Ce 'One Man band, c'est un peu le Rémy Bricka du death metal ! Il se démène, triture son instrument et frappe sur ses toms, en même temps. Mais le son est tellement exécrable, que par réflexe, j’enfonce mes bouchons dans les oreilles. Avant d’aller prendre l’air. Je tente à deux reprises de revenir sur mes pas. Mais rien à faire, je n’entends que du bruit, et je retourne à l’extérieur.
Place ensuite à Vorax Virosus, un combo belgo/français. Un trio guitare/basse/batterie, ma foi, fort classique. Le son n’est toujours pas meilleur, même filtré par mes boules-Quiès. Je décide donc de faire l'impasse. Sorry les gars, j’espère vous revoir dans de meilleures conditions. Un petit conseil quand même, prévoyez un ingé-son compétent…
C’est au tour de Visions Of War d’investir les planches. Issu du Nord du pays, il pratique du thrash/crustcore. Il est actif depuis 1996. Dès le soundcheck, les musicos réclament un meilleur son dans les retours de scène. Et réitèrent leurs sollicitations dès le début du set. Apparemment, il est aussi pourri sur l’estrade que dans la salle. Le chanteur a pourtant une très bonne voix et les autres membres du groupe se dépensent sans compter. Je tente de me réfugier derrière la table de mixage (où le son doit être bon). Mais peine perdue. La soirée est plus que mal embarquée. Vu les efforts opérés par le band, j’assiste à l’intégralité de leur prestation, mais un peu à contrecoeur…
J’espère cependant, en mon for intérieur, que les problèmes seront résolus pour la tête d’affiche. Il s’agit quand même de la formation insulaire Napalm Death. Eh bien non, rien n’a vraiment changé. La set list est généreuse et réunit 26 titres. Le public est toujours aussi conséquent, mais la déception peut se lire sur les visages. Le chanteur Mark ‘Barney’ Greenway est pourtant en forme et bouge pas mal. Il s'époumone et chante à tue-tête. Je me suis planté derrière la console, où normalement, le son est censé irréprochable. Pas du tout ! Je recule jusque la sortie. Ce n’est pas mieux ! A la moitié du set, je décide alors de jeter l’éponge et de vider les lieux. Il est très rare que je quitte un concert au beau milieu de son parcours. Mais vu les circonstances, ma décision était inévitable. Car finalement, j’ai passé une mauvaise soirée…
(Organisation : Le Magasin 4)
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La Maison des Jeunes de Sambreville fête cette année ses 40 ans d'existence. Quatre décennies déjà que l'institution se décarcasse pour dynamiser la région de Sambreville. Et tout particulièrement dans le domaine de la musique. Le festival se déroule sur 2 jours. Le vendredi est consacré au blues et propose Chess Reviva, Little X Monkeys et Boggie Beats. Le samedi au rock, et accueille The Weakness, Von Durden –remplaçant au pied levé Vegas–, Driving Death Girls et en tête d'affiche, le trio toujours aussi sympathique, mais déjanté, The Experimental Tropic Blues Band. La salle est plutôt exiguë et sa capacité maximum oscille entre 120 et 130 âmes. Pourtant, elle jouit d’une belle notoriété. Faut dire que le son est parfait et l'accueil chaleureux. Sans oublier la proximité entre les artistes et le public qui rend chaque prestation intimiste. Que demande le peuple ! C'est la première fois que votre serviteur se rend à Tamines. Ce n’est pas la porte à côté, mais promis, j'y reviendrai. Notamment pour Vegas, qui toujours dans le cadre de ce jubilé, accordera un concert gratuit, le 10 octobre prochain.
The Weakness ouvre le bal. Un duo féminin réunissant Naomi Mele et Jennifer Vanderelst. Elles ont décroché le prix du jeune talent sambrevillois, en 2013. En outre, ce sont les régionales de l'étape. Elles sont soutenues par Guillaume Gilson, à la guitare électro-acoustique et Gaetano Lo Cicero, à la basse. Encore que tout au long du set, les deux musicos vont s’échanger leurs instruments. La set list est essentiellement consacrée à des covers, souvent particulièrement pointues. Mais elle recèle quelques compos personnelles. La première reprise est une plage issue du répertoire des Brigitte, « Battez Vous ». Très sexy, les filles jouissent également de voix particulièrement sensuelles. Autant que les deux Brigitte. Et les deux instrumentistes accomplissent parfaitement leur job. Les deux filles nous réservent une excellente adaptation du « Nobody's Perfect » de Jessie J. Digne de la version originale ! Et après avoir assisté au concert de Jessica, dans le cadre des Lokerse Feesten, je dois avouer que la ressemblance est troublante. Celle du « Royal » de Lorde est aussi superbe. « Titanium » est une compo personnelle. Parmi les autres covers, on aura encore droit à « Scream (Like Me Up) », « Il y a » de Vanessa Paradis (NDR : et dans la langue de Molière !), une adaptation fringante du « Do I Wanna Know» d'Artic Monkeys et le « Love Don't Die » de The Fray. Un duo talentueux dont on attend cependant davantage de compos personnelles…
Les concerts vont commencer à monter en intensité. Tout d’abord grâce aux Louviérois de Von Durden qui ont pallié au forfait de Vegas. Le band est responsable de deux elpees à ce jour, « Death Discotheque », paru en 2009 et « Dandy Animals », en 2011. Le troisième, modestement baptisé « Three », sortira ce 1er octobre. Jour prévu pour la ‘Relase party’ qui se déroulera à la Rotonde du Botanique. Le line up réunit Elliott Charlier au micro, Kevin Dochain à la gratte électrique, Nicolas Scamardi aux drums, Fabrice Giacinto à la basse et la blonde Gladys aux synthétiseurs. Intéressant, ce set impromptu avant le grand jour au Bota. Une manière de répéter ses gammes. La setlist épingle 5 nouveaux morceaux issus du nouvel opus : « Don't Let Me Down », le single « Death Queen », In The Room », « Attraction » et « World On Top ». Il est de notoriété publique qu’un troisième long playing constitue un tournant dans la carrière d'un groupe ; et pour l’instant les échos sont favorables. Von Durden est avant tout un groupe de scène. Il communique de bonnes sensations et y libère énormément de punch. Nico adopte même parfois une attitude à la Jane Doe. L’estrade est étroite, mais Von Durden déborde d’énergie et ne souffre d’aucune baisse de régime. Pour ne pas trop déstabiliser les fans de la première heure, il nous réserve cependant quelques anciens morceaux, comme « Hey Beauty », Dance To The Music » et « Color Of The Shape », issus de l’elpee « Death Discotheque » ainsi que deux plages extraites de « Dandy Animals », « Devil In Me » et le titre maître. Nico martèle ses fûts comme un forgeron frappant sur l’enclume. La voix d’Elliot est puissante. Les riffs de grattes sont incisifs. Bonnet enfoncé sur le crâne, Gladys triture ses machines et bondit frénétiquement sur les planches. Mais ses nappes de synthés sont précises. Quant à l’ami Fabrice, qui s’était déjà illustré dans le cadre du festival Scène sur Sambre, au sein de Romano Nervoso, il ne ménage pas ses quatre cordes. Bref, un excellent concert de rock’n’roll. Rendez-vous au Botanique ce 1er octobre. Votre serviteur sera de la fête…
Driving Dead Girl a la réputation d’envoyer du lourd, une formation belge hébergée sur le label français At(h)ome. En 2004, elle se produisait dans le cadre du festival de Dour… Une première étape ! Dans la foulée, elle publie son premier long playing, « 50 000 Dead Girls Can't Be Wrong », chez Bang ! En 2008, le combo cherche son second souffle. Le remplacement de J.F. Hermand et d’André Diaz, par Vincenzo Capizzi et Daniel Diaz, respectivement à la basse et à la batterie, va lui donner un coup de fouet. En outre, le band est invité à assurer des premières parties de plus en plus intéressantes, et notamment pour Black Rebel Motorcycle Club ainsi que Lords Of Altamont. Ce qui lui permet d’acquérir une excellente réputation de groupe ‘live’. En janvier 2010, le quatuor grave son deuxième elpee, « Don't Give A Damn About Bad Reputation ». Et un troisième album en avril 2013, baptisé « I Think The Drums Are Good ». Un quatrième est en préparation et pourrait sortir fin 2015. Comme le quartet roule au diesel, laissons-lui le temps de composer ses nouvelles chansons. D’autant que lorsqu’il prend le temps, il n’en est que plus épatant. Le line up semble s’être enfin stabilisé. Les chanteurs/guitaristes Ronald Dondez et Dim Wild forment l’ossature du line up. Derrière ses fûts, Vincenzo Capizzi est devenu une valeur sûre. Et peut s’appuyer sur Ruggero Catania, le petit nouveau à la quatre cordes.
Si Driving Dead Girl déclare ne jouer que du rock’n’roll, il faut reconnaître que leur musique évoque les Black Keys. Très caractéristique, la voix est hantée par un feeling puisé dans les 50’s. Pensez à celle de John Spencer, voire de Jim Jones, deux vocalistes aux timbres envoûtants. Leur rock est teinté de punk et de blues. Les grattes sont grasses, huileuses, mais s’autorisent des riffs bien incisifs. La ligne de basse est constamment susceptible d’extérioriser toute son agressivité. La setlist va nous réserver 7 plages extraites du dernier opus, « I Think The Drums Are Good » : « Hanging On », « And I Know The Devil », « Wild Wild Lovers », « Voodoo Soul », « Vinnie And The Morphine », « Wherever You Love », « I Don't Care About You» et « Junkie ». Et le reste, des pistes issues des deux premiers cds : « Don't Wanna Talk About That Girl Anymore », « The Girl From The Room Sixteen », « No Home » et « On The Phone With God». Dim ne tient pas en place et ne se contente pas du micro. Il se couche au sol tout en continuant à gratter sa guitare. Il s’autorise plusieurs bains de foule. Bref, il mouille sa chemise. Et rend le set du band particulièrement sauvage. Comme je les aime. Après leur prestation, les musicos se montrent sous un angle affable. Super sympas, humbles, ils discutent avec leurs aficionados…
The Experimental Tropic Blues Band constitue donc la tête d’affiche du festival. La réputation du trio liégeois n’est plus à faire. Deux gratteurs et un drummer qui vous balancent du rock’n’roll nourri au blues, au punk et au psychobilly. En 2004, il brûlait ses premières planches à Tamines. Dix ans plus tard, il y tient la vedette. Jérémy aka Dirty Coq remercie le public et surtout les organisateurs. Leur prochain elpee paraîtra fin octobre. Intitulé « The Belgians », il s’agira de leur quatrième. Votre serviteur est blindé, car il les a déjà vus en ‘live’ une bonne vingtaine de fois. Jean-Jacques, aka Boogie Snake, est toujours aussi fringant dans sa chemise country à franges. Imperturbable, Devil d'Inferno n’a toujours pas un poil sur le caillou. Ses frappes sont métronomiques. Le show du band ne baisse jamais de régime. Faut dire qu’il s’agit de véritables bêtes de scène. Et des scènes, le combo en a foulé dans toute l’Europe, et des plus prestigieuses. ETBB est la parfaite synthèse entre Joe Strummer, Lux Interior, John Spencer et Jim Jones.
Leur concert s’ouvre par « Fantasy World », un extrait de « Liquid Love », enregistré aux USA, sous la houlette de John Spencer. L'excitation est déjà à son comble. La set list nous propose deux plages issus du même long playing, « Do It To Me » et « Keep This Love ».
Bien sûr, ce soir, le spectacle 'The Belgian Show', dispensé dans le cadre des Nuits du Botanique, n’est pas au programme. Pour votre info, sachez qu’il le sera ce 8 novembre au Belvédère à Namur. Mountain Bike et Apache participeront également à la fête. Le show va quand même épingler quelques fragments de « The Belgians », dont « Weird », mais malheureusement sans support vidéo. Le groupe nous accorde deux nouvelles compos, « Mobile Hostile » et « Disobey ». Le « Liquid Love» nous réserve encore « TETBB Eat Sushi », « Grangrene Blues » et « Wild Blues». Suivant un rituel, Jean-Jacques se mêle à la foule, en emportant micro et harmonica. Jérèmy est un boute en train. Il a enfilé un 'Marcel’ de couleur bleue, mais il semble de mieux en mieux maîtriser ses actes. Un contingent féminin scande 'A Poil'. Mais Jérémy a pris de la bouteille et ne déballe plus ses outils, pour un oui ou un non. En outre, il craint de choper un courant d'air. En 60 minutes, TETBB a une nouvelle fois mis tout le monde d’accord. Un set épileptique, au cours duquel le combo a démontré que l’univers du rock’n’roll était toujours une histoire de révolte et de transpiration…
(Organisation MJ Sambreville)
« Shriek », quatrième album de Wye Oak, s’autorise des espaces de liberté et s’éloigne de son folk nourri à la guitare, timidement fugueur, pour s’envoler vers des cieux plus aériens. Une musique précieuse, plus proche de leurs concitoyens de Beach House, qui arpente davantage un pop-folk éthéré et mélancolique aux arrangements tout droit sortis de l’usine à rêves de Brooklyn du Français Nicolas Vernhes (Animal Collective, Deerhunter…) Un 10 titres aux nombreux arrangements studio qui effacent systématiquement les grattes sauf lorsqu’elles viennent atterrir malheureusement sur « The Tower » ou plus rarement, sublimer « Paradise ».
Naguère parfois rigides et statiques, les mélodies deviennent plus rythmiques, plus dansantes sur certains titres. Ainsi, des morceaux comme « Glory » ou « Shriek » affichent un nouveau visage au duo de Baltimore. On aime ou on n’aime pas.
En bref, Wye Oak ose le changement. Il laisse les guitares au placard, modifie son cap artistique et se dirige vers des vents davantage dream pop (« I Know The Law ») et dansants. Une métamorphose partiellement réussie qui pourrait surprendre certains inconditionnels.
« Wild Crush » constitue mon premier plongeon dans l’univers très particulier d’Archie Bronson Outfit. Pourtant la formation anglaise a publié son premier elpee, « Fur », en 2004. Après 10 années d’existence, elle a donc décidé de graver son quatrième opus, « Wild Crush ». Originaire de Bath (dans le Somerset), ville notoire pour ses bains romains, elle s’est établie rapidement à Londres. La musique d’Archie Bronson Outfit ne navigue pas en eaux paisibles, mais plutôt agitées. Réunissant Sam Windett (voix et guitare), le nouveau venu Kristian Robinson (basse et guitare) et Mark ‘Arp’ Cleveland (batterie), le trio déteste les étiquettes. Et revendique même une indépendance de style. Qu’on pourrait quand même qualifier de sauvage. Et de particulièrement ample. Les changements de tempo sont légion et le saxo brouille la moindre ligne de conduite. Entre le mélodique et touchant « Love to Pin You Down », le détraqué, stoner et fuzzy « Two Doves On A Lake », l’hymnique « Hunch Your Body, Love Somebody » et le plus solennel « In White Relief » –j’en suis persuadé–, « Wild crush » offre une multitude d’alternatives. Si les lignes de basse sont caoutchouteuses et les parties rythmiques impressionnantes, la voix demeure néanmoins chaude et vibrante … Un opus difficilement identifiable, mais diablement réussi. Hormis les Liars, je connais très peu de groupes qui défendent une telle liberté de ton aussi chèrement acquise…
Quasiment absent des radars depuis 2011, soit depuis la sortie du dernier long playing de Broken Social Scene, dont il est le co-fondateur, Kevin Drew refait enfin surface. Non pas en compagnie de Brendan Canning, son partenaire au sein du mythique collectif canadien, mais en solitaire. Enfin, pas tout à fait, car pour enregistrer cet elpee, il a reçu le concours de plusieurs membre du groupe, ainsi que de The Stills et d’Apostle of Hustle. « Darlings » fait donc suite à son premier opus solo, « Spirit If… », un concept album, paru en 2007.
« Darlings » est censé être une ode aux femmes et à l’amour en général, un thème qu’il aborde d’un œil légèrement désabusé et au second degré ; perspectives qui caractérisent l’écriture de Drew… Une forme de sensualité qu’il entretient au sein d’un climat particulièrement ‘laidback’ (« It’s Cool ») et tous claviers dehors. Les vignettes imaginées par Drew sont particulièrement langoureuses, et sa voix –rappelant celle d’un Bono qui aurait viré indie– s’y love aisément (« Good Sex »). Bref, la musique navigue ici à des années-lumière des crescendos épiques rencontrés chez BSS. Tout comme l’écriture, d’ailleurs. Bien plus intimiste et épurée de toute emphase. Feutré (« You Gotta Feel It »), caractérisé par ses silences intrigants au cours desquels les guitares cèdent leur place aux absences (« Mexican Aftershow Party »), l’opus manque toutefois, malgré ses évidentes qualités, de souffle et de mélodies fortes (« You In You Were »). Il est donc nécessaire de creuser sous les chuchotements pour découvrir l’essence même de ces « Darlings »…
Originaire d’Indianapolis, cet auteur/compositeur/interprète jouit d’une fameuse notoriété dans l’univers de l’americana. Et dans ses racines, il a bien intégré des ingrédients folk, blues, country et rock. Agé de 62 ans, sa carrière est bien remplie. Dès 1973, il signe un contrat chez Epic, mais ne rencontre guère de succès. Il passe successivement chez MCA et Geffen. Il écrit pour Rosanne Cash, la fille de Johnny. Ils enregistrent en duo, "The way we make a broken heart". Il change à nouveau de label et atterrit chez A&M. En 1987, il publie "Bring the family", elpee pour lequel il reçoit le concours de Ry Cooder, Nick Lowe et Jim Keltner. En 1992, cette même équipe décide de monter un nouveau projet, qu’elle baptise Little Village. Le quatuor grave un opus éponyme, part en tournée et puis se sépare. Depuis, John a repris son chemin sous son propre nom, nous réservant régulièrement ses œuvres. Ce qui lui a permis, au passage, de décrocher quelques awards. Il a composé pour de nombreuses stars : Bob Dylan, Bonnie Raitt, BB King, Eric Clapton, Emmylou Harris, Iggy Pop, etc.
Paru en 2012, son "Mystic pinball" m’avait bien plu. "Terms of my surrender" constitue son 22ème opus studio. Hiatt y plonge ses racines dans le blues acoustique. Un disque dont la mise en forme a été réalisée par son fidèle guitariste, Doug Lancio. Lors des sessions il a bénéficié de la participation de son backing group, The Combo ; en l’occurrence Lancio, Nathan Gehri, Kenneth Blevins et Brandon Young. John est un conteur ; ses onze compositions relatent les événements de la vie et ses expériences personnelles.
"Long time coming" s’ouvre sous la forme d’une ballade acoustique, avant que la guitare amplifiée de Lancio et l'orgue de John Coleman ne viennent apporter une nouvelle dimension à la compo ; un titre dont la beauté et la sérénité sont entretenues par la voix ténébreuse et grave de l’artiste. John chante sur un ton dramatique "Face of god ", un blues à l'ancienne ; il sort même son vieil harmonica de sa poche pour y souffler. De sa voix rauque, il interprète "Marlene", une autre ballade country/folk, mais entraînante, une chanson d’amour au cours de laquelle la pedal steel accentue le sentiment de mélancolie. Lancio apporte une touche de bluegrass à "Wind don't have to hurry", en introduisant le morceau par du banjo, alors que des chœurs féminins enrobent la voix profonde de John, afin de communiquer une certaine intensité dramatique à cette plage. Mandoline et guitare slide alimentent "Nobody knows his name", une superbe ballade sculptée dans le blues. Autre blues, "Baby's gonna kick" bénéficie d’excellents arrangements. A l’agonie, l’harmo pousse quelques cris, bientôt rejoint par les cordes électriques de Lancio. De son timbre de baryton, Hiatt déclame à la manière de John Lee Hooker, le blues particulièrement dépouillé "Nothin' I love", avant d’autoriser une sortie déterminante à la guitare. "Terms of my surrender" est une ballade indolente, cool. D’un ton désabusé, las, il interprète le blues "Here to stay". "Old people" trempe toujours dans le blues, une compo dont la mélodie est remarquablement tramée par la conjugaison des voix. Et l’opus de s’achever par le brillant "Come back home".
Lighthouse est une formation suédoise drivée par le couple Mats et Linda Brandemark. Avant de se marier, cette dernière avait déjà publié quatre elpees solo. Sous son nom de jeune fille, Malmström, bien sûr. Lui en avait déjà enregistré plusieurs, en compagnie de groupes différents ; et notamment Big Road, Mobben ainsi que Fool & Friends.
Il s’agit donc du premier opus des époux ; une œuvre dont la musique semble venir des States. Et pour cause, elle baigne au sein d’un americana teinté de rock ou de pop, mais particulièrement mélodique.
"Passing me by", morceau qui ouvre le disque, adopte parfaitement ce profil, une plage au cours de laquelle Johan von Felitzen double à la gratte et aux claviers. Faut dire qu’il assure l’essentiel des parties instrumentales. "As good as it gets" maintient le cap. Les arrangements vocaux sont soignés et la guitare se révèle audacieuse. Johan se réserve les claviers et le banjo sur "Darkness (hides behind the sun)", une piste aux accents roots qui mêle folk, country et pop. Il est encore préposé aux cordes et aux claviers sur l’excellent "Struck by lightning", un titre particulièrement mélodieux que chantent Mats et Linda d’une voix très expressive. Ballade folk, "No U-turn" est alimentée par de la mandoline, du bouzouki, de la steel et deux harmonicas. La voix de Linda est limpide tout au long de Queen of hearts", une autre ballade enrichie par les interventions de mandoline, violoncelle (synthétisé par le clavier de Johan), cordes acoustiques et électriques. A la fois riche et harmonieux, "Inside out" illustre leur art à présenter une composition. Sur "Take me back", Linda me rappelle la manière de chanter de la regrettée Sandy Denny, lorsqu’elle militait chez le combo de folk insulaire, Fairport Convention. Plus pop, le délicieux "Got to run free" marche sur les traces de Blondie. La voix de Mats colle parfaitement aux compos americana ; à l’instar de "Loveride". Linda est seule au micro pour attaquer "Memories", une dernière chanson country, parcourue par la lap steel envoûtante de Peter Lindberg.
Considéré comme chanteur/auteur/compositeur américain, parmi les plus doués de sa génération, Conor Oberst s’est surtout forgé sa notoriété au sein de Bright Eyes. Notamment à travers « Fevers & Mirrors » et « Lifted or the story is in the soil, keep your ear to the ground », parus respectivement en 2000 et 2002 et considérés comme incontournables. Mais l’artiste est également impliqué dans des tas de projets, parmi lesquels on épinglera Desaparecidos, The Mystic Valley Band et Monsters Of Folk. Sans oublier ses multiples (NDR : et le mot est faible !) collaborations. Et bien sûr son aventure en solitaire.
« Upside down » constitue donc son nouvel elpee solo. Un disque fondamentalement country/folk, mais qu’il teinte subtilement et régulièrement de nuances pop (le plus allègre « Kick »), rock, lo-fi, americana et caribéennes (« Hundred of ways »). Suivant les compos, bien sûr. Des chansons dont les lyrics sont extrêmement soignés et profonds, traitant de l’amour, de l’addiction, de la mort, du temps qui passe, de Dieu et de la solitude. L’ombre de Bob Dylan plane parfois (« Lonely at the top », « Night at lake unknown », « You are your mother’s child »), l’électro opère l’une ou l’autre apparition furtive (« Time forgot ») et le brumeux « Double life » aurait pu naître d’une rencontre hypothétique entre Paul Simon, Art Garfunkel et Connan Mockasin. Mais les plages les plus intéressantes sont manifestement les plus dynamiques. Et en particulier le cuivré « Governor’s ball », « Zigzagging toward the light », caractérisé par ses petits éclats de gratte sèche et électrifiés, avant de s’achever au cœur d’une intensité électrique, ainsi que le mid tempo « Desert island questionnaire », à l’instrumentation plus riche (Jonathan Wilson, le producteur vient même y jouer du glockenspiel). Bref un album de bonne facture, aux arrangements particulièrement soignés, mais qui manque quand même de punch. Petite parenthèse, la voix d’Oberst est un peu chevrotante, mais quand elle est triturée, elle me fait parfois penser à celle de Steve Harley (Cockney Rebel)…
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