« Perfect Detonator » est un titre judicieux qui ouvre l’opus. Un départ qui annonce une suite excitante, énergique et bruyante comme on l’aime. On en salive déjà.
Ce n’est pas vraiment du rock, ni de l’ambient ; mais est-ce du math rock, de l’indie ou du post-rock ? On n’en sait trop rien. Et pourtant, les morceaux sont bluffants de qualité. Mais progressivement, ils alimentent le revers de leur propre médaille.
Malgré tout, on s’accroche et on résiste. On en déduit qu’il est préférable d’y revenir plus tard, dès qu’on aura balisé les lieux. On infère que perdre le fil conducteur n’est pas si grave, dans le fond ; mais graduellement, sournoisement, le disque vous ronge.
Les premières secousses dérangent. Les coups pleuvent. C’est l’affolement, la confrontation. Mais toute cette agitation vient nous plaquer dans un coin de la pièce ; et les mains levées on supplie un peu de répit.
Il naît un sentiment de malaise qui laisse penser que nous ne sommes pas assez ‘ouverts’ pour écouter un tel long playing.
Alors on y retourne, gonflé par l’ego et l’expérience, prêt à affronter l’adversaire. On pare les coups et on se protège. Mieux encore, on trie, on dissimule et même on dilue toute cette énergie explosive particulièrement ample…
Le combat est vil et cynique. Car lorsqu’on se sent d’attaque, « Love Of Cartography » semble poser les armes et laisse souffler un vent d’accalmie.
Du gauche, du droit, et même à l’aide de tout ce que lui passe sous la main, les Australiens n’attendent que ce moment où l’on baisse la garde pour nous le balancer dans les reins.
C’est une lutte qui se joue. Une vraie lutte. Et même si au départ, nous la craignions, maintenant on se sent l’âme d’un guerrier, armé et prêt à en découdre.
« Love Of Cartography » est un album prétentieux et complexe. Son conformisme et son intellectualisme fatiguent. Il est sombre, irritant aveuglant. On le redoute et on l’espère en même temps. Il attire, envoûte et immunise.
« Love Of Cartography » c’est tout simplement un putain d’album qui se vit au lieu de s’écouter.
C’est le coup de fouet qui vous flagelle et que vous réclamez encore…
C’est une expérience à vivre…
Confiant dans son potentiel, Will Stratton place d’emblée la barre très haute, dès le premier titre de cet opus. Sublime, le titre maître plane au-delà des plus hautes cimes folk. Talentueux, ce jeune compositeur vient à peine de fêter ses 27 ans ; et pourtant, « Gray Lodge Wisdom » constitue déjà son cinquième long playing. Son tout premier, « What the Night Said », remonte à 2007 ; et il avait bénéficié du concours de Sufjan Stevens, au hautbois… Gage de qualité ?
Victime d’un cancer des testicules de stade 3, l’artiste semble avoir surmonté l’épreuve ; mais vu son état de santé, son inspiration a probablement été décuplée. Si bien que son nouvel essai nous entraîne sur les chemins tortueux du folk, tracés par son idole de toujours, Nick Drake. Finement ciselé, son songwriting en est d’ailleurs digne. Pourtant ce « Gray Lodge Wisdom » ne paraît pas pour autant assombri par la maladie ; car s’il aborde bien le sujet (‘Why sing about death/When I just almost died?’) le ton général de l’album est lumineux (« Long Live the Hudson River »). Le fingerpicking de Will Stratton rappelle souvent celui de feu Drake, le mythe britannique. Il n’est jamais ennuyeux ni démonstratif et sert les mélodies de ses arrangements délicats, comme sur le titre susvisé, pour lequel il a bénéficié de la collaboration de The Weather Station. Sa voix claire, boisée, permet, en outre, à certains morceaux de s’élever dans la stratosphère (« The Arrow Darkens »)… Tout au long de l’œuvre, Will accomplit sa mue pour le plus grand bonheur des mélomanes qui ne jurent que par la perfection acoustique...
En 2007 Palem Candillier crée son propre projet qu’il baptise Palem. Il immortalise une première démo l’année suivante, démo épinglée par le 'Guitar Part Magazine'. Palem monte alors un trio, l’année suivante, au sein duquel milite une violoniste. En 2009, le line up s’enrichit d’un quatrième musico, et le band opte pour un nouveau patronyme, So Was The Sun. C’est à nouveau réduit à un trio que le combo grave un Ep 5 titres éponyme en 2011. Puis embraie, dès 2012, par un deuxième, réunissant 8 plages, intitulé « Dead Submarines ». Début 2013 le backing group fait encore peau neuve, puisque la basse est confiée à Florian Serrain et les drums à Loïc Jallais. Le trio vient donc d’adopter le format guitare/basse/batterie.
Après avoir bossé sous la houlette de Hugo Cechosz (Eiffel), les deux nouveaux titres ont été mis en forme par Arnaud Bascanuna (Deportivo, No One Is Innocent). Une jolie manière de célébrer ses 5 années d’existence. Ce single propose en face A, « By Far The Worst » et B, « In Memory Of The Milk ».
La voix puissante domine « By Far The Worst », une compo qui n’abandonne pas pour autant la part de basse aux chiens. La mélodie est néanmoins présente et le refrain particulièrement accrocheur. La scène grunge de Seattle traverse déjà mon esprit.
« In Memory Of The Milk » s’ouvre dans une certaine quiétude, permettant à la voix de Palem de s’envoler, dès que la guitare et la basse montent en puissance. Mes idées se précisent alors et réveillent en mon for intérieur, Pearl Jam ainsi que Nirvana. On devrait y voir plus clair, lors de la sortie d’un premier album…
Après trois années de silence discographique, le leader de Dinosaur Jr nous propose un nouvel opus, mais en solitaire. Intitulé « Tied a star », il s’inscrit dans la lignée du précédent elpee, « Several Shades of Why ». Et l’analogie graphique de l’artwork des deux pochettes en est une parfaite illustration.
« Tied to a Star » recèle de petites pépites sculptées dans le folk acoustique. Authentiques, elles ne paient pas de mine, à première écoute, mais progressivement elles finissent par vous envoûter. La voix nasillarde de Mascis évoque de plus en plus celle de Neil Young. Et lorsqu’il nous réserve un petit solo électrifié, comme sur « Every Morning » ou « Trailing Off », on ne peut que se prosterner. A l’instar de l’elpee précédent, le talentueux songwriter a reçu le concours de quelques collaborateurs. Notamment Pall Jenkins, un des leaders de Black Heart Procession. Il vient gratter et chanter sur plusieurs morceaux. Mais également Chan Marshall, alias Cat Power, sur « Wide Awake ».
« Tied a star » n’est pas un LP particulièrement original, mais il est relaxant et agréable à écouter. Il est vrai que Joseph Donald est plus que prolifique. Mais pourvu que la qualité soit au rendez-vous, pourquoi se priver de sa production…
Dans le cadre du festival ‘La Vie en Rock’, un événement destiné à financer la recherche contre le cancer, une vingtaine de groupes ou artistes avaient accepté de laisser tomber leurs émoluments pour la bonne cause. Dont Inc.Ognito, une formation issue de la région du Centre. De La Louvière très exactement. Née en 2010, elle implique deux membres qui participent également à d’autres projets. Ainsi, le guitariste Loïc Vanhoolandt (loïc.ognito) sévit au sein de Rock En Stock, combo de covers qui jouit d’une solide réputation, alors que le drummer Lucas Lepori (loo.ognito) prête aussi ses baguettes à Romano Nervoso. Le line up est complété par Angelo Guttadauria (angel.ognito) préposé au chant, à la gratte et aux claviers, ainsi que Mourad Agjij (moo.ognito), qui se charge de la basse. Ce dernier bosse également dans l’univers musical, puisque c’est l’ingé-son du Bota.
Pourquoi ce point au beau milieu de votre patronyme ?
Angelo : Parce que Inc. est l’abréviation d’Incorporation, en anglais. Il s’ajoute au nom d’une entreprise, d’une industrie. C'est la grande corporation. Ces lignes jaunes et noires sur l'Ep, le design, tatouées sur main, indiquent que nous sommes toujours en construction. Ce détail nous permet également de nous différencier d’un autre groupe qui s'appelle Incognito.
Une question que l'on vous a certainement déjà posée : que signifie cette bande noire peinte à hauteur des yeux ?
Angelo : Lorsque sur une photo, on veut cacher l’identité de quelqu’un, on dissimule ses yeux à l’aide d’une bande noire. Et il reste incognito…
Mourad : On a voulu se la jouer à Zorro ou à Batman.
La région du Centre La Louvière est un véritable vivier de talents ; mais y a-t-il une scène propre à La Louvière ?
Mourad : La scène du Café des Arts a été nettoyée, il y a peu de temps ; elle est donc bien propre. Non, je rigole.
Angelo : Une scène spécifique à la région de La Louvière ? Non, je ne crois pas. On y rencontre des tas d’artistes et de groupes, oui, mais qui adoptent un bel éventail de styles différents. Certains pratiquement même le reggae. Mais la plupart cherchent un créneau personnel, expérimentent, et ne se contentent pas de faire de la musique pour faire de la musique. Ce qui démontre qu’ils écoutent un bel éventail de genres et y puisent une large source d’influences…
Et si on évoquait un peu le parcours d’Inc.Ognito ?
Loïc : On a démarré de La Louvière et on a emprunté l'autoroute pour rejoindre Dour. Et on a fait le plein à Thieu. Je rigole. En fait je joue de la guitare depuis mon plu jeune âge. En autodidacte.
Mourad : Loïc m’a appris à me servir d’une basse, il y a 3 semaines. C'est un bon pédagogue. Et quand on a recours à des bandes en play-back, c'est beaucoup plus facile.
Lucas : J'ai suivi des cours de batterie à l'Académie. J'ai étudié le solfège. J'ai ensuite opté pour les cymbales et le xylophone afin de me consacrer aux drums, dans des formations de rock'n'roll. Et m’impliquer dans ce que je souhaitais faire, en fait.
Angelo : Je baigne dans la musique depuis que je suis tout petit. J'ai reçu une formation classique, mais j’ai appris à jouer de la guitare, en autodidacte, vers l'âge de 13 ans.
Quels sont les derniers concerts auxquels vous avez assisté ?
Loïc : Celui de M. Un fameux show !
Mourad : Perso, j'en vois jamais (NDR : Mourad déconne encore, puisque c’est un des ingé-son du Botanique, donc il en voit tous les jours). Sérieusement, le dernier auquel on a tous assisté est celui de Prince, au Stade de France. Lucas ne nous avait pas accompagné.
Lucas : Tant que je ne me produirais pas au Stade de France, je ne m’y rendrais pas. Le dernier set que j’ai vu, c’était celui des Hives.
Quel est l’album qui vous a récemment le plus enthousiasmé ?
Mourad : Celui des Vismets, « Abracadabra ». Je l’ai découvert ce matin.
Loïc : Le dernier de Billy Talent (NDLR : « Dead silence » ?).
Angelo : De Pete And The Pirates, une formation britannique (NDLR : « One Thousand Pictures »?)
Lucas : J’apprécie tout particulièrement celui de Temples (« NDLR : « Sun Structures ».)
Loïc milite au sein de Rock En Stock, est-ce un moteur musical dans la région de la Louvière ?
Loïc : C’est surtout l’occasion de faire la fête, dans le secteur, tous les derniers vendredis du mois.
Lucas : Oui c'est un moteur dans la région, car les musiciens sont les papas de pas mal de musiciens que nous connaissons. Ce sont eux qui ont donné envie aux jeunes de jouer de la musique.
Mourad : Oui, inconsciemment le groupe constitue un moteur pour nous.
Quel mode de fonctionnement adoptez-vous pour composer ?
Angelo : A l'oreille et à l'instinct.
Qui est responsable de la musique et des paroles ?
Angelo : Je me charge des deux.
Mourad : Et après on apporte les corrections.
Lucas : Un jour on a essayé d’apprendre à Mourad comment lire les notes ; et il lui a fallu une demi semaine pour comprendre...
Mourad : En fait, je ne sais pas lire, sauf de droite à gauche. Par contre je suis doué pour les chiffres, et je me charge de la comptabilité.
Lucas : Tu lis à l'envers, quoi !
Angelo : La genèse de ce groupe est une histoire de potes. Outre les répétitions, nous avons énormément partagé d’événements ensemble. Quand je compose, je pense à la ligne de basse que pourrait adopter Mourad. Mais en bout de course, chacun d’entre nous apporte sa touche finale.
Mourad : Parfois je cherche à exécuter des notes qui sont au-delà de mes aptitudes. Et ces exercices de style me donnent beaucoup de travail.
Lucas : Aujourd'hui, c'est la première fois que Mourad va jouer sur une basse à 4 cordes. D'habitude elle n’en compte que deux.
Mourad, j’ai une question personnelle : une boîte de caviar sur laquelle est monté un manche de brosse et une ficelle pour toute corde. N’as-tu jamais joué de ce type d'instrument ?
Mourad : Si, si, j'ai utilisé cet instrument artisanal. Après avoir vu le groupe Hoquets s’en servir...
The Chills est une formation néo-zélandaise qui a participé activement à l’épanouissement de la scène pop/rock de Dunedin, incarnée par le label Flying Nun. A l’instar de The Clean, JPS Experience, Tall Dwarfs, The Bats, Able Tasmans et consorts… The Chills c’est avant tout Martin Phillipps qui drive la formation depuis 34 longues années, même si son aventure a été marquée par quelques interruptions. Et il doit avoir consommé plus d’une vingtaine de ‘line up’ depuis la naissance de son band. En 2013, il avait gravé un elpee live, « Somewhere beautiful ». Car son dernier opus studio, « Sunburnt », remonte déjà à 1996. Depuis, le band n’a sorti que des Eps, des compiles et des singles, dont « Molten gold », l’an dernier. Et bonne surprise, il va publier un véritable nouvel album, pour fin 2014, début 2015. Dans le cadre du festival Boomtown, le quintet nous a réservé cinq chansons écrites récemment, en ‘live’. Martin nous en parle…
« Nous venons de terminer l’enregistrement de l’album, juste avant d’entamer la tournée. Et quand elle sera achevée, on va s’occuper de la promo. Il devrait paraître vers la Noël. Ou au plus tard, début de l’an prochain. Il s’intitulera ‘Silver Bullets’ et synthétise un peu tout ce que les Chills ont réalisé à ce jour. Et nous en sommes fiers… »
Les Chills on connu, au cours de leur histoire, une succession impressionnante de line up. Alors pourquoi ne pas penser à écrire un bouquin sur ce parcours ? Martin tempère : « Je signale quand même que le bassiste et le batteur participent à l’aventure depuis 1999. Qu’Erica nous a rejoints, il y a 9 ans, et Oli, le claviériste, en 2008. En fait, c’est le premier chapitre de l’histoire des Chills qui a vu transiter bon nombre de musiciens. Et la plupart de ceux qui nous ont quittés ne pouvaient pas faire carrière dans ce métier. Il n’y a jamais eu ni friction, ni colère. Ils sont souvent partis de leur plein gré, et à mon grand regret. »
Quand on parle de Chills, on ne peut évidemment pas passer sous silence le label néo-zélandais Flying Nun. Une écurie qui a donné naissance à The Clean, The Bats, Tall Dwarfs, JPS Experience, Able Tasmans, les Verlaines, David Kilgour et encore bien d’autres. Un label indépendant qui était finalement plutôt bien distribué en Europe, et notamment via Semaphore aux Pays-bas, jusque le moitié des 90’s. Et quand ces distributeurs on fermé boutique, le Vieux Continent a été sevré de cette scène antipodale. Notre interlocuteur confirme : « Entre 87 et 90, nous nous étions établis à Londres. Et c’est vrai que Flying Nun disposait de plusieurs excellents relais en Europe. Pas des grosses boîtes, mais surtout de petites structures efficaces. Hitch-Hyke Records en Grèce, Rough Trade en Angleterre, etc. Les ventes n’étaient pas exceptionnelles, mais honnêtes. La disparition de tous ces petits satellites a coïncidé avec un certain essoufflement de la scène néo-zélandaise. Aujourd’hui, Flying Nun a repris du poil de la bête. Et héberge à nouveau de très bons groupes et artistes… » J’en profite pour lui parler de Connan Mockasin, qui m’avait avoué ne pas connaître la scène de Dunedin. Il embraie : « Je suis aujourd’hui âgé de 51 ans ; et vu l’explosion de la scène musicale, je ne parviens plus à suivre. Et en Nouvelle-Zélande, cette vague est aussi conséquente. La plupart des groupes ou artistes n’ont même pas besoin de label, puisqu’ils traitent tout par Internet. Ils s’adressent directement à leurs fans. Cependant, Flying Nun jouit toujours d’une fameuse réputation. Et pas mal de monde leur font confiance. J’en suis ravi… Connan Mockasin, je ne le connais pas personnellement, mais deux membres de mon band, bien. En fait, l’histoire de la musique pop et rock n’intéresse plus beaucoup les jeunes. Ils ont grandi dans un monde où on entend de la musique éphémère. Ceux qui signent chez Flying Nun apprécient plutôt celle qui est authentique, intemporelle. Ils la respectent également. Et ne se contentent pas de la reproduire… » Pour en revenir à Flying Nun, une des causes principales de son succès serait dû aux femmes. Ce qui méritait des éclaircissements. « Chez Flying Nun, toutes les formations devaient impliquer au moins une fille. Et à cette époque, c’était quand même un phénomène particulier. Oui bien sûr, Patti Smith, Kim Gordon (NDR : la chanteuse/bassiste de feu Sonic Youth) et quelques autres étaient devenues des icônes du rock. Des situations que ces artistes féminines estimaient normales. Mais elles ne réalisaient pas que dans d’autres parties du monde, ce n’était pas du tout considéré comme normal… »
On a souvent établi un parallèle entre la scène de Dunedin et celle dite ‘postcard’ (Orange Juice, Aztec Camera, The Pastels, Joseph K, et même les Go-Betweens, un duo australien émigré en Ecosse). Comment expliquer ce phénomène ? Martin clarifie : « Cette synchronisation de mouvements identiques qui naissent à des endroits opposés de la planète est dû à l’essoufflement du post punk. Il fallait trouver une alternative, un nouvel élan. Roger Shepherd, le fondateur de Flying Nun était un grand fan de postcard. Et un des premiers singles paru sur son écurie est un disque de postcard. Il y en a même eu plusieurs. Donc il est en quelque sorte le détonateur de cette situation. Même les artistes adoptaient un look similaire. C’est dire ! »
Les Go-Betweens et les Chills étaient très proches. Tant musicalement qu’humainement. Martin acquiesce : « J’aimais beaucoup leur musique. Elle était excellente. On a souvent joué à la même affiche. C’était de bons amis. Nous étions assez proches. Grant (NDR : McLennan est décédé en 2006) me manque beaucoup. C’est une histoire triste. Ils bossaient énormément. Il ne collaient pas à la mode, mais cherchaient à composer de bonnes chansons. Et les deux groupes manifestaient énormément de respect l’un vis-à-vis de l’autre… »
Martin a un jour affirmé que la mélancolie était au cœur de sa création, qu’elle reflétait l’environnement de la Nouvelle-Zélande. S’il était né en Australie, aurait-elle été différente ? Il réagit : « Enormément. Il y a plus ou moins 3 000 km entre les deux terres. Et les mentalités y sont très différentes. D’une certaine manière on pourrait affirmer que la Nouvelle-Zélande est plus européenne et l’Australie plus américaine. Le peuple indigène, constitué de Maoris, n’a jamais été sous le joug de la colonisation britannique. Cette culture est demeurée très importante. En Australie, les aborigènes ont été pratiquement tous assimilés. Et la civilisation indigène a pratiquement disparue. Chez nous, nous avons conservé une grande proximité avec le peuple Maori. L’art de planter, par exemple. » Martin a pourtant vécu quelque temps en Australie. « J’y suis allé souvent. Pour la simple et bonne raison qu’on y gagne mieux sa vie. Tu as de meilleures perspectives d’avenir. Mais le racisme est omniprésent. Pire qu’en Afrique du Sud. »
Le Velvet Underground, Wire et les Beach Boys seraient, selon certains médias, les références majeures des Chills. Un journaliste a même écrit que Martin était le Brian Wilson du post punk. Ce qui fait sourire notre interlocuteur. « Il ne faut pas exagérer quand même. Je suis bien un fan de Brian Wilson. Mes bases musicales sont très rudimentaires, pour ne pas dire pauvres. Je suis seulement apte à interpréter mes morceaux pour les maintenir à flots. Lui, il avait la musique dans la tête. Il était capable de créer des harmonies, des mélodies et des structures renversantes, étranges, au sein d’une même chanson. Pense à ‘Good vibration’, ‘Cabin essence’ ou ‘Heroes and Villains’. Et je remercie Brian Wilson pour tout ce qu’il a fait, mais je n’arrive pas à sa cheville… » En ce qui concerne Wire, je lui signale que sur son plus gros hit ‘Pink Frost’, j’y ressens une même sensibilité mélodique que sur ‘The 15th’, et que le quatuor londonien avait intitulé son premier elpee ‘Pink Flag’, devenu depuis le nom de leur label. Bref, pas mal de concordances… « C’est une coïncidence. Je n’écoute pas Wire. Je connais seulement leur chanson ‘I’m the fly’. A cette époque, je découvrais le psychédélisme garage issu des sixties. Scott Walker. Tim Buckley, le Velvet Underground, MC5… Pas vraiment la musique britannique. Ce n’est que plus tard que je m’y suis intéressée, mais pas au début des 80’s. Par contre, un des courants importants qui m’a marqué est certainement le krautrock de Can, Kraftwerk et Amon Düül 2. Pas que j’ai essayé de les copier, mais ils ont eu une influence sur mon écriture. Le but n’était pas de sonner comme eux, mais d’y puiser des sources. C’est beaucoup plus sain. Avant de trouver sa propre voie… »
Il considère Kris Knox comme un maître. Et il le reconnaît : « Oui, il incarne la plus grande inspiration dans ma vie. Il y a longtemps que je me soucie de savoir ce qu’il pense de moi. Comme si c’était mon père. Pour l’instant, il n’est pas en bonne santé. Il a été victime d’une attaque cérébrale. Il ne peut plus parler, mais son cerveau fonctionne encore. Il fait encore de la musique, mais il ne s’exprime plus très bien. Il hurle. C’est très douloureux de l’entendre… » Martin a également vécu de graves problèmes de santé. Il est atteint de l’hépatite C. « Heureusement, depuis quelques années, mon état de santé s’améliore. Bien sûr, à court terme, j’ignore comment cette pathologie va évoluer ; mais pour l’instant, l’important est de se sentir bien pour sa tournée… »
The Chills est aujourd’hui considéré comme un groupe culte. Et des tas de formations, dont les Shins, Panda Bear, I’m Barcelona ou John & Bjorn, ont repris certains de leurs titres. Martin réagit instantanément : « Non, non, je ne veux pas faire l’objet d’une vénération. Nous sommes arrivés, tout simplement, au bon endroit, au bon moment. Les fans des Chills sont des gens sympas. Et il en existe pas mal autour du monde. Ce nombre ne cesse, en outre, de croître. Certaines personnes de mon âge ont grandi avec notre musique ; et ils viennent assister à nos concerts. Mais on y rencontre également bon nombre de jeunes. Dont les parents écoutaient notre musique. Ou qui l’ont découverte à travers d’autres groupes. Il était donc judicieux de revenir en Europe pour constater l’évolution de notre popularité. Et manifestement on est sur la bonne voie. Elle décolle à nouveau… Pas mal de formations ont repris nos chansons ; et c’est un signe qu’on revient dans le parcours. Fin des nineties, je sentais que le groupe périclitait ; mais la tendance s’est depuis inversée. Beaucoup d’artistes écoutent de nouveau les Chills et nous remercient. John & Bjorn ont adapté deux de nos compos. C’est épatant. Car manifestement, de nouvelles oreilles sont attentives à notre musique… »
Merci à Vincent Devos
La journée de dimanche du festival est également sold out ; et en pénétrant dans un Domaine de Saint-Cloud ensoleillé, on se réjouit de pouvoir à nouveau découvrir une jolie palette de valeurs sûres et de 'jeunes pousses' prometteuses.
Premier arrêt devant la Grande Scène, où Airbourne chauffe l'ambiance. Ces Australiens sont une véritable copie d'AC/DC. Le chanteur/guitariste, Joel O'Keeffe, cumule Angus Young et Brian Johnson à lui tout seul. Déçus, nous gagnons sans attendre la ‘Cascade’, en perspective d'un concert très attendu...
Celui de Warpaint, très exactement, formation californienne réunissant quatre musiciennes. Le titre « Love Is To Die » les a révélés au public 'indie', en janvier dernier. On est donc étonnés de les voir figurer aussi tôt dans la programmation. Qu'importe, les fans sont très nombreux dès 17h pour encourager leurs 'protégées', au moment où elles prennent possession des lieux. Très jolie brunette, Theresa Becker Wayman s’installe à gauche. Elle se consacre au chant, aux claviers (un magnifique Prophet V) et à la guitare. Emily Kokal se plante à droite. Elle partage les vocaux et se charge également de la six cordes. La bassiste Jenny Lee Lindberg et la drummeuse Stella Mozgawa, se positionnent en retrait.
Difficile de décrire la musique de Warpaint : c'est une sorte d’indie-rock psychédélique, aux accents cold wave, qui évoque tour à tour Austra, Beach House, Bat For Lashes mais aussi parfois Björk. Les harmonies vocales sont fondamentales et l'ensemble affiche un côté très dansant, très funky, notamment grâce au jeu de basse, fort syncopé de Jenny Lee Lindberg.
Malgré quelques petits problèmes de son (Emily Kokal se plaint de ne pas s'entendre dans les retours), Warpaint impose petit à petit son style unique. Sur « Bees », Theresa Wayman, particulièrement souriante, établit un très chouette contact avec le public et tout le monde tape dans les mains. « Undertow » déroule son rythme sensuel et le final est étonnant, bruitiste et tout en accélération. D’une durée moyenne de 5 à 6 minutes, les morceaux impliquent de nombreux changements de rythmes, un aspect un peu 'prog' très caractéristique de Warpaint.
‘You seem a bit shy, we need to dance !’ clame Emily. Warpaint enchaîne donc par le hit « Love is to Die », qui recueille un franc succès. Après « Disco//Very » et « No Way Out », le set se termine sur un très beau « Elephants ». Le quatuor allonge la compo en improvisant un final fascinant. La formation se retire ensuite sans accorder de rappel, malgré l’insistance des fans. Un superbe concert, qui donne envie de la revoir au plus vite... Tiens, justement, le quatuor est programmé au Cirque Royal, en novembre prochain...
Retour en vitesse vers la Grande Scène, car Selah Sue est sur les planches. C'est la toute grosse foule et il faut admettre que ce petit bout de femme a un punch étonnant. On connaît son style particulier, qui combine blues, soul, rock et ragga... et fait merveille en ‘live’ ! Un peu comme si Marvin Gaye avait eu une fille aux cheveux blonds et aux yeux bleus ! Très à l'aise, l'artiste louvaniste aligne les hits et nous réserve également quelques nouveaux titres ; et notamment le très beau « Stand Back ». Son prochain elpee devrait sortir en février prochain sur le label français Because : le rendez-vous est pris !
Nous abandonnons (honteusement) notre compatriote, car il faut 20 minutes pour rejoindre la ‘Pression’, où Thurston Moore va se produire. Le fondateur et chanteur de Sonic Youth y présente en avant-première son prochain album, « One More Day », qui sortira en octobre sur le label Matador. Délaissant les escapades acoustiques (voir son dernier elpee solo, « Demolished Thoughts »), il renoue avec ses premières amours, soutenu pour la circonstance, par son acolyte Steve Shelley, ex-batteur de Sonic Youth. A leurs côtés, la présence de la bassiste de My Bloody Valentine, Debbie Googe, et du guitariste James Sedwards (Nøught, Guapo, Chrome Hoof) illustre la consistance du projet.
La prestation de ce 'super groupe' sera franchement excellente. Les nouvelles compos sont superbes et on se régale vraiment ! Le concert commence par une longue séquence 'shoegaze' constituée de sons de guitares saturés, chargés d'effets 'larsen'. Ensuite, les rythmiques répétitives, psychédéliques, obsédantes vont inévitablement évoquer Sonic Youth, période « Murray Street », mais aussi Swans.
Affichant un look débonnaire d'éternel étudiant, Moore est l'anti-star parfaite. Ici, aucune esbroufe, tout est frappé du sceau de la sincérité la plus totale. Dans la setlist, on reconnaît « Forevermore » mais aussi « Detonation », qui a déjà été publié en single par Blank Editions. Debbie Googe trouve parfaitement sa place au sein du line up et sa complicité avec Steve Shelley fait plaisir à voir. Bref, un superbe concert ! Gageons que la prochaine fois, Moore aura droit à une scène plus en vue et une place plus avantageuse dans la programmation.
Après ce grand moment, le public de la ‘Pression’ repart comme un seul homme vers la Grande Scène pour le concert de Lana Del Rey. Arrivés un peu tard, il nous est impossible d'approcher de l’estrade ; car la foule est tout simplement ahurissante. Comme on a déjà pu voir l'artiste américaine, à Forest National, nous nous rabattons sur l'espace VIP, où l'on peut suivre le concert sur l'écran vidéo. Vêtue d'une jolie robe rose fuchsia, Lana Del Rey va accorder une prestation prévisible, mais sans faille. Rappelons que, contrairement aux calomnies, elle chante vraiment en live et dans l'ensemble, correctement. La setlist est une succession de hits, repris en choeur par les fans en délire. Le plus touchant chez Lana Del Rey, c'est l'attention qu'elle porte précisément à ses fans. Après le tout premier titre, « Cola », elle descend déjà les marches et rejoint les aficionados du premier rang pour signer des autographes et accorder des 'selfies'. A la fin du dernier morceau, « National Anthem », rebelote : elle replonge dans la fosse et recommence à s'adresser à son public. Et quand ses musiciens quittent l’estrade, elle s’attarde encore là, pendant de longues minutes. Etonnant !
Enfin, le festival se termine en apothéose par Queens Of The Stone Age (QOTSA). Issue de Palm Desert, en Californie, la formation emmenée par Josh Homme est un 'act' incontournable en festival. Les organisateurs savent que QOTSA est un rouleau compresseur efficace et qu'il n'a pas son pareil pour mettre une ambiance festive et rock'n’roll.
Que ce soit sur le hit « No One Knows », le funky « Smooth Sailing » ou l'irrésistible « Sick, Sick, Sick », les Américains impressionnent. Un point d'orgue idéal pour ce Rock en Seine, qui, une fois de plus, aura été un succès total. Vivement l'année prochaine !
(Organisation : Rock en Seine)
Pour sa 12ème édition, le festival Rock en Seine proposait une affiche très variée. A l’instar des années précédentes, il a investi le superbe domaine boisé de Saint-Cloud, au sud-ouest de Paris. En constante progression depuis sa création, il a fait le plein, totalisant quelque 120 000 visiteurs sur trois jours. N'ayant pu nous déplacer le vendredi, c'est donc le lendemain que nous rejoignons la capitale parisienne.
Au programme du samedi, une belle brochette de formations confirmées, surtout Portishead, dont le retour est très attendu, mais également quelques autres très prometteuses, qui opèrent presque leurs débuts dans un festival d’envergure.
Ce qui frappe tout d'abord à Rock en Seine, c'est l'excellent accueil réservé aux journalistes. En véritables VIP, nous avons accès à un vaste espace privé, avec bar, resto, transats et des écrans projetant les images des concerts. Idéal pour se relaxer entre deux spectacles ! Lorsque nous débarquons, il fait plein soleil et Sean Lennon accorde une interview sur le stand de France Inter... Sympa !
Première halte près de la Scène 'Pression', à flanc de colline, pour découvrir un trio de sirènes issues du Danemark : Giana Factory. Louise Foo, Lisbet Fritze et Sofie Johanne ont fondé Giana Factory en 2008. Evoquant Austra, Bat For Lashes ou encore Marscheaux, leur 'dark pop' est intrigant et les harmonies vocales, très jolies. Rien de vraiment révolutionnaire, mais un set bien agréable pour entamer notre journée.
Sur la Scène de la ‘Cascade’, la deuxième en importance, on découvre ensuite une formation suédoise, Junip. Emmenée par José González (voix, guitares) et Tobias Winterkorn (orgue, Moog), elle pratique un rock psychédélique aux accents folk. Fleet Foxes et Grizzly Bear ne sont pas très loin. Mais ce qui singularise leur musique, c'est la voix très douce et suave de José González, mais aussi les arrangements très psyché, voire même parfois kraut. Mention spéciale à « Line of Fire », un superbe titre extrait de « Junip » (2013), qui recueille un joli succès en fin de parcours. Une belle découverte !
Après une courte pause, nous revenons au même endroit pour Thee Oh Sees, qui a décidé de tout fracasser à coup de riffs psyché/punk. En short et la guitare serrée très haut contre sa poitrine, John Dwyer, le chanteur/guitariste, a la même dégaine qu’Angus Young. Mais la musique lorgne plutôt vers les Sex Pistols alors que les voix oscillent entre cris aigus et grognements rauques. Fun mais de quoi rester sur sa faim. J’ignore si le band californien est responsable, mais il commence à pleuvoir ; et on en profite pour opérer un détour par le Village du Disque, où sont dressés les stands de Born Bad Records, Ground Zero, etc.
Nous décidons de faire l'impasse sur Cheveu, la nouvelle sensation française, que nous avons vus en février dernier, à l'Atelier 210 de Bruxelles. Gageons que leur electro-punk dévastateur aura mis le feu à la Scène de l'‘Industrie’. On me rapporte que le chanteur a, de nouveau, terminé le concert debout sur son synthé. Attention au gimmick !
Pendant ce temps, sur la Grande Scène, Sean Lennon et sa compagne, Charlotte Kemp-Muhl, présentent leur projet créé en 2008 : The Ghost of a Saber Tooth Tiger (oups, quel patronyme) ! L'Anglais arbore un look très sixties et la ressemblance avec son père est frappante. La musique, également ! Par moments, on croirait entendre les Beatles, période psychédélique, un peu comme si Georges Harrison avait modernisé « Tomorrow Never Knows ». Tout est bien en place, et particulièrement lors de « Xanadu » et « Animals », malgré un côté un peu caricatural. Qu'importe, le son est excellent et on en conclut que le 'revival' psyché pourrait offrir au 'fils de...' une opportunité de come-back. Sur l’estrade, la très belle Charlotte Kemp-Muhl se réserve la basse et chante même quelques titres. Un projet à surveiller !
Après une pause bibitive bien méritée, nous décidons de 'zapper' Emilie Simon afin de nous placer idéalement pour le concert de Portishead. L'artiste française a apparemment fait fort en bénéficiant, pour la circonstance, du concours de l'Orchestre National d’Ile-de-France.
Devant la Grande Scène, l'attente est écourtée par la projection d'un film sur les intermittents du spectacle. On sent la pression monter, car le retour des petits génies anglais est très attendu. Portishead a marqué les années 90 et 2000 en créant un style mariant à merveille la voix très 'bluesy' de Beth Gibbons et les arrangements trip-hop, voire kraut, de Geoff Barrow et Adrian Utley. Leur retour coïncide d'ailleurs avec la réédition de leur premier opus, « Dummy », paru il y a juste 20 ans.
Dès les premiers samples de « Silence », on a la conviction qu'on va assister à un concert unique. Beth Gibbons s'avance sur le podium et c'est le délire dans le public. Elle est habillée chaudement d'un imperméable à capuche ; et, suivant son habitude, restera très discrète tout au long de sa prestation. Mais l'essentiel est dans sa voix, et quelle voix ! Elle est empreinte d'une sensibilité déchirante qui vous glace le sang. Après un magistral « The Rip », « Wandering Stars » constitue le premier moment d'absolue magie. Geoff Barrow quitte son espace synthés/percussions et s'assied à côté de Beth Gibbons pour jouer de la basse. Une basse, une voix et quelques sons de guitare sont suffisants pour nous flanquer la chair de poule. « The blackness of darkness forever... » atteint les tréfonds de la noirceur de l'âme ; et comme pour faire écho à ces paroles, la nuit s'installe doucement sur le domaine de Saint-Cloud.
« Machine Gun » marque un changement radical d’orientation. Les basses mitraillent littéralement l’auditoire ; surtout les spectateurs qui sont placés aux premiers rangs, juste devant les énormes woofers ! Le très célèbre « Glory Box » nous plonge ensuite dans son ambiance soul. La foule est aux anges. La fin du set est tout simplement géniale : caractérisé par sa rythmique hypnotique très kraut/wave, « Chase The Tear » fait mouche, alors que « Threads » constitue l'apothéose finale par excellence. La composition est obsédante, lourde, presque 'doom', et gagne progressivement en intensité. A la fin du morceau, Beth Gibbons vide ses tripes et crie comme une possédée ‘I am One, Damned One’, pendant que les écrans vidéos projettent des images hallucinantes. Un final extraordinaire, qui atteint selon moi le niveau de Nine Inch Nails (le 'nec plus ultra' en live, à mon humble avis)...
En rappel, Portishead continue sur sa lancée et délivre un excellent « Roads », marqué par les sons vibrants de Fender Rhodes et enfin, « We Carry On », extrait de « Third ». Une prestation en tous points excellente, qui a véritablement illuminé le festival. Vivement un 4ème elpee !!
Retour à l'espace VIP pour se remettre de ses émotions en suivant distraitement sur l'écran vidéo le concert électro du jeune australien Harley Edward Streten, aka Flume. Mais peut-on vraiment appeler ‘concert’ la prestation d’un musicien qui passe son temps à activer des 'patches' sur un contrôleur tout en affinant le son sur un égaliseur ?
Cap ensuite vers l’'Industrie’, pour assister au show de The Horrors, une formation anglaise que nous suivons depuis ses débuts, en 2005. Après avoir publié deux albums 'culte', l'un très post punk (« Strange House ») et l'autre cold wave (« Primary Colours »), la bande à Faris Badwan a malheureusement viré vers la 'pop', pour ne pas dire la britpop, à partir de 2011. En ‘live’, il y a bien longtemps que The Horrors tourne ‘en pilote automatique’, accordant des prestations professionnelles mais sans véritable spontanéité. Mention quand même à l'excellent « Sea With A Sea », qu'on ne se lasse pas d'entendre. Le public est assez mou, dans l'ensemble, ne réagissant que pour le très mainstream « Still Life ». Mission accomplie pour The Horrors, mais sans aucun éclat.
En repassant devant la Grande Scène, on a l'occasion de suivre de loin la fin du set de The Prodigy, les pionniers anglais du 'Big Beat' qui a marqué les années '90. Un spectacle très puissant, accordé devant une foule enthousiaste. Mais hanté par les mélodies de Portishead, nous reprenons la route vers l'hôtel...
(Organisation : Rock en Seine)
La présence de Damon Albarn sur une galette est toujours signe de grande joie pour les mélomanes avertis.
Au sein de notre rédaction, Albarn revêt le surnom de Midas. Celui qui, à son contact, transforme tout en or.
Responsable de multiples projets aussi variés qu’excellents, l’Anglais est la voix, le compositeur, l’arrangeur de tellement d’excellents projets, qu’à l’annonce d’un album solo, l’excitation devient de plus en plus palpable.
Comment nier l’évidence d’une qualité incroyable dans le chef de l’artiste, quand on jette un œil sur son parcours.
Blur, Gorillaz, The Good, The Good, The Bad and The Queen, mais également des collaborations impressionnantes auprès de Dr Dree, Flea, Tony Allen, Bobby Womack, et j’en passe.
D’un naturel affable mais engagé dans les causes humanitaires, Damon Albarn se sert de tout ce qui l’entoure pour composer et introduire des messages aussi subtils que légers, en gardant ce cachet de ‘good boy’ qui renforce son aura ‘so british’ dans sa discographie.
Inutile dans cette chronique de continuer à vanter ses mérites, ses qualités, sa soif de partage et d’altruisme et revenons à ce moment festif provoqué par la sortie d’« Everyday Robots ».
Cependant, se contenter de critiquer l’album sans revenir un tant soit peu sur le parcours de l’auteur était impossible. Tant les influences qu’il trimballe de projet en projet sont simplement stupéfiantes.
La question se posait avant la parution de l’album. Comment Albarn allait-il se débrouiller pour mener seul son projet ? Se cacherait-il derrière des compositions complexes et travaillées afin de ne dévoiler qu’une partie de son univers personnel ?
Pas du tout !
A la première écoute, on se rend immédiatement compte qu’il n’y aura ni strass, ni beats à succès, éléments qu’on peut reconnaître dans le chef du Briton. En lieu et place, on distingue une profondeur et une volonté de creuser essentiellement dans l’émotion et la délicatesse.
Plutôt que d’être ébloui par des lumières aveuglantes, on s’enfonce dans un univers à peine éclairé. Quelques rythmes discrets, des notes de piano savamment posées et des textes tantôt surprenants, tantôt touchants, permettent à la relation qui s’opère tout le long de l’album, entre l’artiste et le mélomane, de se consolider.
Cette relation nous apparaît comme un privilège. Comme si nous nous retrouvions dans la chambre d’hôtel de l’Anglais ; et que tout naturellement nous devisions ensemble de sa vie, ses angoisses, ses démons, ses questions.
Albarn n’est pas un chanteur hors pair et n’a jamais prétendu l’être. Sa voix faible et son timbre somme toute banal, sont pourtant reconnaissables entre mille.
Sur « Everydy Robots », Albarn crée l’écrin parfait à son chant. Délicat, parfois désaxé, mais toujours excessivement juste et envoûtant.
Sans fioriture, sans excès, sans dérapage, on se sent comme absorbé par les 12 pistes de l’opus. Invité privilégié d’un moment intemporel, l’écoute s’opère de manière naturelle si l’on en prend la peine.
Car la qualité de l’album en fait son défaut. Il est pratiquement impossible de comprendre ou de l’apprécier à sa juste valeur si l’on ne fait pas le vide autour de soi.
Il faut s’asseoir, accepter de prendre cette pause et pénétrer entièrement l’œuvre pour se laisser toucher et sublimer.
Cet elpee n’est donc pas conseillé à tout public, en tout cas pas destiné à celui qui espère retrouver les lignes exubérantes des autres projets de l’auteur. On pourrait donc y reconnaître une certaine forme d’élitisme ou tout du moins une implication plus poussée dans le chef de l’auditeur lambda.
Mais dès que l’on pose son âme à côté de la sienne, Albarn, au lieu d’en profiter pour vous marteler et vous convaincre, devient seulement poète à la voix empreinte de sensibilité.
« Everyday Robots » est un album exceptionnel, complet, puissant ; et ce qui en fait son véritable charme, c’est l’humilité qui en émane.
« Everyday Robots » ne vous flanque pas la méchante claque à laquelle vous vous attendiez ; c’est la caresse enivrante d’une subtilité diaphane.
Ce chanteur/guitariste nous vient de Floride. Il s’est intéressé à de multiples styles avant de se forger le sien. Du blues tout d’abord. Dont Muddy Waters et Guitar Slim. Du jazz. Notamment Django Reinhardt et Wes Montgomery. Et enfin du métal. En l’occurrence Black Sabbath et Slayer. Excusez du peu! Il joue sur une Epiphone, mais également, une guitare cigar-box maison à deux cordes.
En 2009, à la tête de son trio, baptisé les Red Hots, il décroche le réputé International Blues Challenge de Memphis. Il remporte aussi l'Albert King Award, comme meilleur nouveau guitariste. En 2011, il publie son premier album, "Back of my mind", et embraie l'année suivante par "More bees with honey". Il rejoint ensuite le gratteur Damon Fowler et le claviériste Victor Wainwright pour participer à l’aventure du super groupe floridien Southern Hospitality. Le band grave "Easy Livin'", chez Blind Pig, en 2013. La même année, il immortalise sa tournée européenne, qu’il accomplit en compagnie de ses Red Hots, "Live from the Netherlands". Il apporte encore sa participation à l’ex-Nighthawks Jimmy Thackery, pour un autre opus ‘live’, "As live as it gets".
"Full moon night in Memphis" constitue donc son premier elpee solo, un disque dont les sessions se sont déroulées au Studio 13 de Jeremy Staska, à Fort Lauderdale. JP et Staska, plus souvent impliqué dans la mise en forme d’albums de groupes de hardcore et de métal, coproduisent le long playing. Qui réunit 14 plages dont treize sont signées par JP. Pour la circonstance, il a reçu le concours de son backing group, soit le drummer Chris Peet et le bassiste Todd Edmunds. Mais également d’une belle brochette d’invités.
La guitare largement amplifiée introduit "Full moon night in Memphis". Les cordes sont même menaçantes. La voix de JP s’impose instantanément. Puissante, impressionnante, elle est ensuite rejointe par l'harmonica du redoutable Brandon Santini, un souffleur dont la réputation ne fait que croître. Solides, les riffs de grattes dialoguent et accrochent tout au long de "Back to broke", un funk caractérisé par les interventions vocales élimées, reflet de leur vécu… Volontiers cool et indolent, "Make no sense" adoucit le tempo. La voix profonde et les cordes échangent leur point de vue. JP double à la basse qui épouse les percussions de Raul Hernandez sur "Somethin' ain't right", un blues rock plutôt âpre. Les percussions exotiques de Chris Peet et surtout la guitare réverbérée tirent leur épingle du jeu sur la superbe reprise de "Mean old world" (NDR : attribué ici à T Bone Walker). Caverneuse et charismatique, la voix rappelle le légendaire Howlin' Wolf. JP est rejoint par un autre gratteur, Steve Laudicina, pour "Savin' all my lovin'", blues indolent propice à un excellent duel entre les deux musicos. Steve participe régulièrement aux tournées de la formation. "Reefer man" est un tube décroché jadis par Cab Calloway. La version déménage dans un style pas tellement éloigné du western swing et du dixieland. D’ailleurs, Scott Ankrom au saxophone et Chaim Rubinov à la trompette sont à la fête. "Way back home" adopte un tempo répétitif et hypnotique. Les sonorités dispensées par la cigar box sont lancinantes, primaires et métalliques. Bref, on replonge dans l’univers de Howlin' Wolf. Du jazz manouche amorce "The back room", avant de se muer en funk sous l’impulsion de l'orgue Hammond dispensé par Mark Leach (Buddy Miles Express). "Thorn in my side" est une ballade R&B un peu particulière. Très roots, mais dans l’esprit de Soars, elle s’illustre par une texture de cordes à la fois surprenantes et tellement belles. Encore une ballade : "Viper". Des cordes acoustiques réverbèrent des sonorités gypsy. La clarinette de Scott Ankrom et la trompette s’incrustent dans l’ensemble. Mais cette voix venant d'outre-tombe refait surface. JP se réserve la lap steel, Santini l'harmonica, et la Texane Teresa James (NDR : encore une guest !) le chant sur la piste particulièrement country, "The road has got me down". "Lil' Mamacita" baigne dans une ambiance hispanisante et enflammée ; à cause des sèches flamenco et des percus de Hernandez. Surprenant, cet opus s’achève dans le jump. "Missin' your kissin'" est éclaboussé par le brio du saxophoniste Terry Hanck, alors que les cordes entrent en folie. Excellent!
« Mélopée » commence tout en douceur, par des mixes que Marie a enregistrés sur cassette. « Trip Atlantique » est le single qui a précédé la sortie de l'album. Il invite à se rendre aux States. Faut dire que la musique de Marie adopte, sur cet elpee, un profil anglo-saxon. La musique, bien sûr, pas les lyrics. « N'oublie pas » que tu as des questions existentielles à te poser. C’est le moment de s’interroger sur la vie. « Exit » ou quand les bandes de Marie produisent tous leurs effets : la mer, les voyages, l'amour, ...
Mirko triture sa basse sur « Le souvenir des siens » et nous invite à partager ses nouvelles prospections musicales. « Sous l'épiderme » est une chanson d'amour totalement bouleversante. Marie est une grande romantique. « Make Love » : on aurait presque envie d’ajouter ‘Not War’. Comme à la fin des 60’s. Au milieu des hippies ? Pas nécessairement, car sa voix est tellement sensuelle… et vous plonge dans un univers voluptueux… « Points de sutures » soulève un tas d’interrogations réalistes. Irrésistible, « Danse » vous entraîne sur le dancefloor. « Les eaux de Mars » est une compo du Brésilien Jobim, que George Moustaki avait brillamment reprise. La nouvelle version rend un bel hommage à ce mythe de la chanson française, mais elle a été épurée de ses accents latino au profit d’explorations sonores. Empreinte de douceur et de mélancolie, « Foultitude » achève cet excellent opus plein de surprises.
Marie a de nouveaux projets en chantier. Elle bosse en compagnie de Karin Clercq sur une BD musicale pour enfants. Lors de sa participation aux sessions d’enregistrement du futur opus de l’ex-Starflam Akro, elle a interprété un hymne qui rend hommage aux femmes. Et puis, elle prépare activement un nouvel elpee pour 2015. Enfin, pour en savoir davantage sur l’artiste, je vous invite à (re)lire l’interview qu’elle nous a accordée récemment. Et c’est ici
Agé de 43 ans, Jeremy Baum est né près de Woodstock. Très jeune, il apprend le piano. Il aime alors écouter les Beatles et Sly & The Family Stone. Il passe ensuite à l'orgue. Il apprécie ainsi plus particulièrement Jimmy Smith, Jimmy McGriff et Ray Charles. Il étudie le jazz à New York et milite au sein du band de Murali Coryell (le fils de Larry). Il monte ensuite son propre trio et publie son premier elpee en 2002, "Lost River jams", un œuvre dont le style oscille entre le blues et le funky soul jazz. Son talent lui permet de tourner et d’enregistrer au profit de multiples artistes prestigieux comme Shemekia Copeland, The Blues Brothers Revue, les North Mississippi All Stars, John Hammond, Melvin Sparks et bien d'autres. Mais il néglige alors sa propre carrière. Heureusement, en 2014, il s'enferme dans le studio Fat Rabbit du jeune guitariste Dave Gross. Il y invite une pléiade de musicos notoires. De ses sessions va naître, "The eel" (l'anguille). Ce 4 mai 2014, il a été intronisé ‘Master Blues Artist’ au ‘New York Blues Hall of Fame’. Jeremy est un instrumentiste. Peu de vocaux, donc sur ce long playing.
A première écoute, on imagine "The new pollution" s'ouvrir par des sonorités d’accordéon musette. Pas du tout, l’expression sonore est propulsée par des rythmes soul/jazz. Un exercice de style sur une composition de Beck. L'orgue Hammond libère énormément de groove. Eric Kalb (Jon Scofield Band) balise le tout derrière ses fûts, alors que Jay Collins (Kings County Band / Greg Allman Band) double au saxophone ténor et à la flûte. L’orgue Hammond arrose "Funky monkey", une jam funky qui permet à Myles Mancuso, un jeune guitariste âgé de 18 ans, d’étaler toute sa classe. "Three more bottles" nous entraîne dans l’univers de la New Orleans. Jeremy est passé au piano. Chris O'Leary, également hébergé chez Vizztone, chante et joue de l'harmonica ; il a aussi ramené son guitariste, Chris Vitarello, un autre jeune sixcordiste prometteur. Superbe exercice de style, "Charlie Baum" rappelle le proverbial Ramsey Lewis Trio. La plage macère dans le même climat piano jazz. Dansante, intimiste, elle est dynamisée par la basse acoustique particulièrement tonique de Matt Raymond, un membre du Chris O'Leary Band. "Dance with me" est un classique du combo Orleans. Généreuse, la mélodie est ici alimentée par l'orgue et piano et épicée par les cordes acoustiques et les interventions remarquable de Dennis Gruenling à l’harmo. Pur funk, "Borracho" est une compo issue de la plume d’un groupe obscur qui a sévi au cours des 70’s, Dyna-Might. Sur cette version, l’orgue de Jeremy est soutenu par les percussions d'Eddie Torres (The Mambo King) et une section de cuivres. Myles Mancuso étale une nouvelle fois son talent à la guitare, sur "Pacific Drive", un titre dont l’atmosphère évoque les Crusaders et, paradoxalement, Focus ! Jam funk, "Ain't it funky now" nous transporte dans une ambiance digne du grand James Brown. Vitarello et Scott Sharrard (Gregg Allman Band) sont préposés aux grattes. Et leur rivalité se mue en brillants exercices techniques. La cover du célébrissime hit de Prince, "Purple rain" est épatante. Les échanges opérés entre Vitarello et Baum qui double orgue Hammond et piano, atteignent même un niveau exceptionnel. Et c’est le titre maître qui referme le long playing. Une dernière jam funky passionnante. Les sonorités dispensées par les claviers me font manifestement penser à un autre génie anglais sur l’instrument, Keith Emerson. Mancuso les enrichit d’interventions très électriques, traduisant ainsi l’ambition de Baum de réaliser une synthèse entre Led Zeppelin, les Meters et Tower of Power.
De son véritable nom Melissa Prewitt, Etta Britt est une chanteuse de R&B, soul et blues, établie à Nashville. Entre 1979 et 1985, elle a milité au sein du trio de country, Dave & Sugar. En 1989, elle s’est mariée à Bob Pritt, un guitariste de studio notoire. Il faut attendre 2011 pour qu'Etta publie son premier album personnel, "Out of the shadows", sous la houlette de son époux.
Texan, Delbert McClinton est auteur/compositeur/interprète. Agé de 73 ans, il est particulièrement populaire dans l’univers de l’americana, la musique des racines. Mais ce multi-instrumentiste (guitare, piano, harmonica) jouit également d’un excellent crédit dans les milieux du blues. De toute bonne facture, son dernier album, "Blind, crippled & crazy", remonte à 2013.
Bob Britt est le guitariste du Delbert McClinton touring band. On comprend ainsi mieux la corrélation entre le vétéran et Etta, qui a donc décidé de lui rendre hommage à travers cet elpee.
Pour former son backing group, Etta n'a pas du aller chercher bien loin. Si son cher Bob se charge des guitares et Steve MacKey (Pulp) de la basse, elle a entraîné dans l’aventure trois musicos de McClinton, dont le claviériste Kevin McKendree (NDR : auprès de son leader depuis 1997), le drummer Lynn Williams et la saxophoniste Miss Dana Robbins. L’opus réunit 12 plages, dont neuf sont issues de la plume de Delbert ; en outre, cinq sont extraites de "One of the fortunate few", paru en 1997.
Dès "Somebody to love you", on est plongé dans le bain. Un blues bien rythmé parcouru par la voix caractéristique, au timbre un peu cassé, d’Etta ; une voix idéalement forgée pour ce type de répertoire. Les musiciens sont parfaitement soudés et soutiennent parfaitement leur maîtresse d'un jour! Un riff cher au fidèle Bob colore l'atmosphère d’"Old weakness", une piste qui fleure bon le Sud. McKendree se déchaîne sur ses ivoires. La production met bien en exergue les chœurs masculins de Scat Springs et George Pendergrass, alors que la voix d'Etta mène bien son tout ce petit monde. Et si ce n’est pas une surprise, une pointe d’émotion nous envahit lorsque Delbert rejoint sa protégée pour chanter "Boy you better move on". Miss Britt aborde "Starting a rumor", sa première ballade, une chanson empreinte de délicatesse et de sensibilité, balisée par les cordes de son bien-aimé. Retour au rythme et notamment au funk pour "Lie no better", un morceau que Kevin fait macérer dans le Memphis R&B, à l’aide de son orgue. "Every time I roll the dice" constitue une parfaite illustration de la cohésion entre les musicos. Et on imagine, alors un Rod Stewart, qui viendrait poser sa voix, comme à la plus belle époque des Faces. Excellent ! Tendresse et émotion inondent "You were never mine", une compo caractérisée par des chœurs bouleversants. McKendree a très bien assimilé le style néo-orleanesque. Et il le démontre sur "Best of me", une plage aux rythmes syncopés. Etta interprète successivement le "I'm with you" de Mickey Jupp et une superbe cover de "New York City", un morceau que l’orgue et les cordes de Bob chargent de groove. "The jealous kind" est issu de la plume de Bobby Charles, un hit de ce chanteur/compositeur louisianais, considéré comme un spécialiste du swamp pop et du pur cajun. McClinton l'avait adapté, il y a bien longtemps. "When I was with you" achève ce long playing. Kevin et Etta signent cette chanson destinée à rendre un hommage personnel au maestro, un titre au cours duquel la complicité entre l'orgue et la guitare est à nouveau remarquable…
Une pochette sortie de l’univers de Tim Burton, une (jolie) intro qui pourrait traverser les paysages austères de Twin Peaks, une photo froide, grise, frissonnante, gravée d’un « If I’m sad enough I will disappear » communique, dès l’ouverture de ce quatrième long playing, un ton dramatique et mélancolique. Mystérieux de bout en bout, le quintet bruxellois emmené par Christophe Thys (guitares), Gauthier Vilain (guitares, samples), Michaël Colart (guitare, basse), Xavier Waerenburgh (drums), nous invite dans un univers hautement atmosphérique. Un univers de 7 titres bondissant sans la moindre hésitation d’une planète dream pop obscure à une autre aux nuances plutôt post-rock ‘shoegazée’. Un choix mélodique qui confère à la plaque une belle unicité, sans lasser l’auditeur. Surfant avec bonheur entre des mélodies vaporeuses down-tempo et de longues reverb sur les guitares, le groupe bruxellois s’appuie sur une section rythmique intelligente et soignée qui ne s’éloigne guère de celle de ses aînés.
Ainsi, les sonorités d’« Isolated Shower » ne tombent jamais très loin des cultissimes Mogwai ou Godspeed You! Black Emperor, alors que celles du final de « Reign » affrontent et modernisent la scène shoegazer des années 90 (Slowdive, My Bloody Valentine, Cocteau Twins,…) Cecilia::Eyes ose s’attaquer à du roc et il le fait avec talent.
Nouvel essai mâture et sophistiqué signé sur le label dEPOT212 (Bruxelles), « Disappearence » devrait plaire à tous les amoureux de post-rock et de noisy ; en outre, il se révèle comme l’une des belles surprises musicales belges pour 2014.
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