One More Solo? Groupe ou projet solo? Ou alors ‘One More Solo from One More Band’ ? En fait, il s’agit bien d’une formation, mais lyonnaise dont le patronyme est quand même équivoque. Dans ces conditions, on espère autant d’ambivalence dans leur musique. De personnalité, si vous préférez. Malheureusement, je doute fort que leur rock qui macère dans un grunge aussi poisseux que celui d’Alice In Chains voire de Soundgarden (« Bring the Sun Back ») ne parvienne à leur apporter une visibilité hors de l’Hexagone. Pourtant, la voix grave de Jérôme Perono et les guitares 90’s de Raphaël Crayton réveillent en nous des souvenir bien électriques. Nostalgie, nostalgie… Et si certains morceaux témoignent une maîtrise indéniable de leurs instruments ou que de belles et puissantes mélodies illuminent la très belle ballade crépusculaire « Taking My Hand » ainsi que le très bon « Bring the Sun Back », il faut reconnaître que le groupe manque parfois de rigueur et de subtilité, comme sur le plus pénible « The Bender ».
Pour votre information, sachez que c’est Christophe Arnaud d’Uncommonmenfrommars qui a mixé ce « Tonight Only », mais qu’il n’existe que très peu de points communs entre les deux combos…
Vous connaissez peut-être Heather Nova. Originaire des Bermudes, cette chanteuse a connu un succès 'mainstream' dans les années '90, grâce à des hits comme "Walk This World" ou "Island". Au cours de sa carrière, elle n'a jamais cédé aux sirènes du 'star system', privilégiant la vie de famille, et en particulier son mari et son petit garçon. Aujourd'hui, après avoir publié 8 albums studio, elle jouit néanmoins d'un véritable culte, que lui vouent un contingent de fans en constante croissance. Actuellement en tournée en Europe, elle nous a accordé une interview à Louvain, peu de temps avant son concert au 'Depot'.
"J'ai été influencée par les 'songwriters' en général. Par quiconque écrit des chansons en puisant dans ses propres expériences, avec son coeur". On le voit : Heather Nova ne s'inscrit pas dans une perspective 'hype' ou 'médias'. C'est une chanteuse dans la grande tradition anglo-saxonne, celle de, par exemple, Joni Mitchell. "Oui, j'ai été influencée par elle quand j'étais jeune". Ou aussi Leonard Cohen, auquel elle porte une sincère admiration. "J'aimais aussi Patti Smith... Et Suzanne Vega! D'ailleurs, j'ai failli voir Suzanne à Hambourg récemment. Je lui ai envoyé des tweets mais comme on jouait au même moment, on n'a pas réussi à se rencontrer..."
Lors de cette tournée, Heather Nova propose des versions acoustiques de chansons issues de l'éventail complet de ses productions. "On crée une atmosphère assez intimiste, avec juste Arnulf Lindner et moi sur scène. Nous utilisons des instruments acoustiques mais nous nous servons également de quelques effets électroniques ; et puis nous changeons d'instruments et de sons régulièrement, pour varier un peu les ambiances."
L'élément visuel est également important notamment par le biais de la projection d'animations basées sur les peintures de l'artiste italien Alberto Di Fabio. "C'est un personnage que je connais depuis que j'étais étudiante à Rome. Il propose des tableaux inspirés par la microbiologie, les cellules, les neurones et l'ADN. Je me suis toujours sentie très proche de lui car nous sommes tous deux concernés par la nature, mais de façon différente." Une combinaison artistique qui fonctionne en effet à la perfection en ‘live’.
C'est une longue histoire entre Heather Nova et la Belgique. L'artiste y a accordé plus d'une trentaine de concerts au total. "Je me souviens particulièrement du festival 'Marktrock' à Louvain, sur la place. La vue quand on est sur le podium y est impressionnante !" Les tournées ne se limitent d'ailleurs pas aux grandes villes : elle aime visiter celles de province, comme Borgerhout, Heist-Op-Den-Berg, Beveren, etc.
Mais Heather Nova s'interdit néanmoins des périples mondiaux interminables. "Je me concentre sur l'Europe, et ce, depuis que mon fils est né, il y a dix ans maintenant. Je veux pouvoir passer plus de temps chez moi, à la maison. Et il m’accompagne sur la route, car j'estime que ces voyages sont une merveilleuse forme d’éducation. Les Bermudes, c'est très beau mais il n'y a pas de musées, pas beaucoup de culture. Donc, chaque fois que nous partons en tournée en Europe, nous prenons le temps de découvrir, et c'est très chouette!"
La naissance de son fils a tout naturellement causé un impact important sur la vie et sur l'inspiration artistique de Heather Nova. "C'est un changement complet de perspective. Tout devient plus important, plus poignant. On doit penser au-delà de sa propre vie, se projeter dans le futur. On se sent plus concerné par les questions du réchauffement climatique, toutes ces choses-là." Un sujet d'autant plus crucial pour les habitants d'un archipel! "En effet! Nous habitons juste au-dessus du niveau de la mer! Donc, on essaie de faire des petites choses, à notre échelle. Par exemple, notre maison n'est alimentée que par de l'énergie solaire."
L'artiste a d'ailleurs consacré un titre au problème du changement climatique: ‘Save A Little Piece of Tomorrow’, sur son dernier opus. "En général, je n'aime pas traiter de thèmes cruciaux dans mes chansons, parce qu’ils deviennent vite du prêchi-prêcha ou de la politique ; mais ici, j'ai abordé le sujet d'un point de vue émotionnel. Je pensais à mon petit garçon, qui grandit dans cet endroit idyllique et un jour, nous revenons et la maison est sous l'eau... C'est une image très forte."
Parlons d'ailleurs de ce dernier elpee, ‘300 Days At Sea’, paru en 2011. Orienté beaucoup plus pop/rock que les deux précédents, il a permis à l'artiste de retourner au son qui était le sien dans les années '90. "Je voulais revenir à ce sentiment que j'avais, au niveau de la production, quand j'ai réalisé 'Oyster' et 'Siren'. Et j'ai d'ailleurs utilisé une partie de l'équipe de l'époque pour opérer les nouveaux enregistrements. C'est donc une production 100% pop-rock." On se demande si ce retour aux origines n'est pas une manière de montrer que la boucle est bouclée ; mais Nova s'inscrit en faux: "Oh non! Je continue! Ce n'était qu'un cercle. Et j’en entame un nouveau maintenant!" Et il sera comment, ce prochain cercle? "Je ne sais pas encore. J'ai écrit beaucoup de morceaux, mais je n'ai pas encore fixé de choix concernant l'approche, la production. Mais ce sera quelque chose de différent, cette fois..."
Pour regarder l'interview complète en vidéo, c’est ici
Ce soir, c'est l'invasion française à l'Atelier 210 de Bruxelles! Teenage Menopause Records, le label franco-belge bien connu, emmené par Elzo Durt, y organise, en 'co-prod' avec l'Atelier, un concert à guichets fermés proposant trois formations qui débarquent d’outre-Quiévrain : Plastobeton, Scorpion Violente Et Cheveu.
Plastobeton, c'est un combo no-wave électronique originaire de Metz appartenant, comme Scorpion Violente à la ‘Triple Alliance de l’Est’, un collectif de musicos qui dressent un pont garage-électro-punk entre Metz, Strasbourg et Paris. Sur la scène, le synthé distordu de Nafi aka Scott Scorpion (aussi chez Scorpion, Violente, The Dreams, Anals et Sida) se heurte aux sons très 'shoegaze' du guitariste de The Feeling of Love, le tout sur des rythmiques machinales. Le chanteur essaie tant bien que mal de hurler sa poésie 'spoken word' façon Cantat déjanté et l'ensemble fait très noise! Une bonne mise en bouche...
Le plat de résistance de la soirée, pour votre serviteur en tout cas, c'est Scorpion Violente. Nafi aka Scott Scorpion y est associé à Thomas Überwenig (Organ Punishment, Plastic Wound Infection, Ponch...) pour produire une musique hallucinante, un monstre bicéphale qui d'un côté, transpire le sexe et la luxure et d'un autre côté, emmène au nirvana grâce à des mélodies d'orgue quasi religieuses.
C'est, je crois, la quatrième fois qu'ils écument notre ville de Brux-Belle, après la RTT, les Brasseries Belle-Vue et le Café Central. Comme d'habitude, les deux acolytes trônent derrière leurs machines infernales disposées sur une grande table. Nafi triture sa boîte à rythmes et dessine sur son synthé Korg Poly61 l'ossature harmonique des morceaux, tandis que Thomas, l'inévitable clope au bec et les lunettes de soleil sur le nez, balance sans broncher d'ensorcelantes lignes mélodiques sur son vieux Caravan R6, un vieil orgue italien des années '70. Sans oublier les effets vintage comme les réverbs à ressorts ou les sound stretchers paramétriques.
Au niveau du jeu, leur idée est de n'utiliser que 4 doigts au total (2 x 2) pour jouer. Le résultat est un cocktail trance-disco-psyché-indus complètement hypnotique. Le corps est pris d'assaut par les rythmes qui font très ‘trance’, avec prédominance de hi-hats syncopés et l'esprit s'envole dans des nappes mystiques, voire gothiques. C'est viscéral, Suicidesque, carrément body et... industriel. On se croirait à côté d'une aciérie désaffectée, un dimanche matin, au retour d'une soirée glauque et imbibée dans une boîte SM de Metz...
Le public se laisse entraîner dans l'ambiance et on voit les têtes qui balancent au son des titres "Mi Pute, Mi Soumise" ou "Rome Violente". Mais le moment le plus fort, c'est sans conteste "The Rapist", cette compo carrément progressive de plus de 8 minutes, au cours de laquelle se fondent des accès de basse bien crades et des lignes de synthé évoquant Dead Can Dance... ou plutôt Dead Can Trance, dans ce cas-ci! L'ensemble nous transporte tellement loin qu'on en a les larmes aux yeux. Regardez la vidéo de ce moment d'orgasme ici
Le combo nous livrera aussi deux morceaux inédits, qui n'ont pas encore de titre. Après le concert, Thomas nous confiera qu'ils seront publiés sous la forme d'un Ep à paraître sur le label Bruit Direct.
Pour lire la chronique du concert de Cheveu, c'est ici
Pour lire l'interview complète de Scorpion Violente réalisée il y a un an lors du concert au Café Central, c’est là
Mi Pute Mi Soumise
New song (untitled)
Rome Violente
Christopher Walken
The Rapist
Uberschleiss
New song (untitled)
(Organisation : L’Atelier + Teenage Menopause Records)
Après une double première partie assurée par PlastoBeton et Scorpion Violente (voir review ici ), c'est Cheveu le trio parisien qui prend possession de la scène et du public par la même occasion.
Un public déjà fort acquis à la cause de ces 3 géniaux agités du bocal qui sur leur dernier album "Bum" sont parvenus à décloisonner encore davantage leur musique au risque de perdre les mélomanes habitués au son garage de leurs débuts ; bien qu'une partie de ceux-ci doivent déjà avoir quitté le navire après la sortie de "Mille", leur opus précédent, un elpee qui faisait déjà fi des standards en la matière.
J'avoue qu'à l'écoute des titres de ce "Bum" j'étais un peu perplexe, les chemins empruntés étant fort pop en terme de compos mais aussi au niveau de la production bien plus claire et moins crade que précédemment. Une perplexité envolée dès les premières notes de "La fin au début", un morceau plein de ferveur et d'intensité. Comme me l'avait promis Elzo, lorsque je lui faisais part de mes doutes, ‘En live ils sont assez free’... et c'est rien de le dire, il faut le vivre!
Car Cheveu c'est d'abord un spectacle, une performance théâtrale et musicale loin de la simple restitution d'un album par un groupe en tournée promo. En effet le trio prend un malin plaisir à déstructurer ses morceaux, voire même à les exploser en s'attardant par exemple sur un pont entre couplet et refrain qu'il prolonge longuement, communiquant un tout autre sens au canevas de base. Oublié ‘l'obstacle pop’ dans de telles conditions et face à une telle interprétation qui donne aussi souvent dans le pastiche mais sans jamais tomber dans la blague potache. Des musicos qui ne se prennent pas au sérieux mais savent tout de même très bien ce qu'ils sont en train de faire et connaissent leur potentiel. On pensera à l'une ou l'autre référence outre-Atlantique (où ils ont déjà pas mal tourné d'ailleurs) telle les fêlés de Ween ou dans une certaine mesure Mister Bungle.
Leur attitude scénique débridée (en tout cas s'agissant du chanteur/claviériste) les amène parfois à s'emmêler les pinceaux mais au finish l'énergie folle les ramène toujours à l'essentiel, la performance, qui ce soir s'achève lorsque leur ‘leader’ debout sur son clavier, est à deux doigts de se prendre une belle gamelle. On en redemande!
(Organisation : L’Atelier + Teenage Menopause Records)
Nous sommes fin 1970. Neil Young se produit à 6 reprises au Cellar Door, célèbre club de Washington DC. Il vient de publier l’incontournable « After the gold rush ». Et une majorité de titres joués au cours de ces sets sont issus de cette œuvre. Dont le titre maître. Les 13 plages de ce long playing ont donc été sélectionnées parmi cette série de shows. Acoustiques. Sur ce disque figurent également deux covers de Buffalo Springfield, « Flying on the ground is wrong » et « I am a child », un inédit, « Bad fog of loneliness », une version unique de « Cinamon girl » interprétée au piano et deux plages jamais immortalisées en public, « Old man » et « See the sky about to rain », qui ne seront gravées sur disque que quelques années plus tard. Neil chante de sa voix si caractéristique, en s’accompagnant tantôt à la sèche ou au piano. L’émotion est palpable. Mais un set ‘unplugged’ se vit plus qu’il ne s’écoute. Et plus particulièrement chez le Canadien…
Dire que le mythe de Black Flag s’est quelque peu effondré depuis la création du groupe, il y a plus de 30 ans, serait un euphémisme… Cette formation iconique, devenue figure tutélaire de la scène punk américaine, est aujourd’hui menée par le seul Greg Ginn et n’a plus rien en commun avec le line up originel ; mais, d’après les infos officielles, « What the… » serait le premier véritable album des Californiens depuis 28 ans ! Annonce faite par l’autoritaire leader qui n’a pas hésité à poursuivre ses anciens collaborateurs en justice pour préserver le patronyme et le logo, mais également virer le revenant Ron Reyes pendant les sessions d’enregistrement de « What the… »
Mais trêve de ragots et de rumeurs. Que nous réserve donc cet elpee ? Si les brûlots engagés, boutés par Black Flag au début des 80’s, étaient particulièrement percutants et reflétaient une certaine forme de révolte, aujourd’hui, ils se révèlent datés et presque parodiques. Il y a bien des cris. Classiques chez cette formation ! Et des guitares maltraitées. Pas vraiment surprenant ! De l’énergie également. Cependant, leur punk hardcore ne fait illusion que sur des titres suintant la révolte adolescente. A l’instar de « Wallow in Despair ». Bref, les 22 (!) morceaux s’enchaînent au cœur d’une bouillie sonore peu inspirée. Un bien maigre bilan ! Hissez le drapeau noir, le navire coule.
Décidemment, pour l’instant, le label anglais Full Time Hobby a le nez creux. Après nous avoir permis de découvrir la formidable Angel Olsen, dont l’album a été chroniqué dernièrement, il révèle une nouvelle pépite. Elle émane du pays de l’Oncle Sam et se prénomme Samantha. Mrs Crain nous vient très exactement de Shawnee, dans l’Oklahoma. Une nouvelle ‘songwritrice’ aux origines indiennes qui ne manque pas de talent !
« Kid face » constitue pourtant déjà son troisième elpee. Pour enregistrer cette œuvre, la demoiselle au visage de poupon a fait appel à John Vanderslice. Sage décision puisque le résultat final est tout simplement remarquable. Si son folk est teinté d’accents country, jamais il ne reproduit de clichés. Tout simplement parce que Samantha prend la peine de varier les ambiances et l’instrumentation.
« Never Going Back » ouvre l’elpee sur une note country entretenue par une mandoline et un violon subtilement intégrés. Plage suivante, « The Pattern has Changed » est tramée sur des accords de piano. Les morceaux s’enchaînent et ne se ressemblent pas. Peu importe les instruments, Samantha Crain les exploite à bon escient. Tout l’attirail du parfait ‘songwriter’ américain y passe et ce, toujours, pour servir des mélodies aussi délicates qu’efficaces. En outre, elle maîtrise parfaitement son sujet. Et cerise sur le gâteau, la voix tient parfaitement la route. Elle me fait même parfois penser à celle de Joanna Newsom, lorsque l’expression sonore devient lyrique, à l’instar de « Paint ».
« Kid Face » est un disque envoûtant, captivant. Bref, une excellente surprise !
Das Simple est un projet biscornu dont les membres semblent prendre un malin plaisir à brouiller les pistes. Il n’a, par conséquent, rien de simple à proposer à l’aube de ce second album.
Destructeurs patients de toute évidence et disséqueurs habiles de toute ligne droite, nos lascars leur préfèrent de loin les chemins de traverse et de préférence, les plus tortueuses…
Si suivre leur sillage est parfois ardu, il n’en reste pas moins que le trio marseillais s’arrange toujours pour s’assurer que nous ne nous sommes pas perdus en route.
Haletant, l’auditeur se voit offrir quelques salvatrices bouffées d’air bienvenues, avant de retrouver un rythme effréné jusqu’au prochain sommet.
Maniant l’art du second degré avec un sens certain du potache poussé à l’extrême (Cf. le titre “Quand LA Chine S’Eveillera Dans Ton Cul, Ça Fera Toujours Moins Mal Que l’Afrique”) les trois jeunes gens développent une série impressionnante de braquets, et les suivre tout au long de ce disque requiert une condition musicale certaine.
Si fatigante que paraît cette escapade, elle n’en reste pas pour autant dénuée d’intérêt.
Il y a parfois de l’esbroufe, un défaut de jeunesse qu’on pardonnera bien vite.
“In Girum Imus Nocte” est une grande bouffée d’oxygène en haute altitude.
Les effets secondaires (tournis, nausées et autres pertes de consciences) sont donc des risques à ne pas prendre à la légère, avant de se lancer dans l’aventure.
Mais si vous vous décidez à franchir le pas, foncez tête baissée, sans même vous retourner!
Au sein de cette orgie versatile, entre Math Rock, Noise et Jazzcore, nul doute que vous trouverez à la fois de quoi vous satisfaire et vous rebuter un brin, tant l’expression sonore part dans tous les sens.
Un univers dense et touffu comme une pelote de fil de fer d’où semble surgir une écharpe constrictor prête à vous avaler tout cru et vous régurgiter aussi vite.
Vous êtes prévenus !
Gap Dream, c’est le patronyme du projet monté par Gabriel Fulvimar, un personnage qui a participé aux prémices de Black Keys. Etonnant, car sa musique est essentiellement tramée sur des claviers. Le plus souvent vintage. Et des boîtes un rythmes. De la guitare quand même. Fuzz. Et puis la voix. Chargée de reverb. Après avoir publié un premier elpee éponyme début 2013, il s’est empressé d’en graver ce second, intitulé « Shine tour light ». Brian Eno (« Here come the warm jets »), Giorgio Moroder, Grandaddy et Jean-Michel Jarre hantent la plupart des compos de cet opus. Les mélodies ne sont pas trop mal ficelées, mais finissent par toutes se ressembler. Et les instruments de se fondre dans un magma sonore au sein duquel on parvient difficilement à les distinguer. Deux exceptions qui confirment la règle : l’hymnique « You’re from the shadow » et le superbe « Immediate life sentence », floydien dans l’esprit de Syd Barrett. Même les vocaux sont sinusoïdaux. Dommage que tout l’LP ne soit pas de cette trempe…
Le premier elpee de Gardens & Villa remonte à 2011. Un opus éponyme dont l’électro-pop efficace n’était pas passé inaperçue outre-Manche. Depuis, le groupe a pas mal tourné et a intégré le label prestigieux Secretly Canadian (Damien Jurado, Jens Lekman, Yeasayer,…)
Pour enregistrer leur deuxième long playing, le quintet a voulu se remettre en question. Il n’a d’ailleurs pas choisi la facilité, en désertant sa ville de Santa Barbara, pour se rendre dans un studio au Michigan. Mais afin de mettre tous les atouts dans son jeu, la formation californienne a confié la mise en forme de ce nouvel essai à Tim Goldsworthy, producteur et cofondateur du label DFA.
Première constatation, il règne une morosité bien palpable sur la plupart des plages de ce disque. A l’instar du précédent long playing, l’électronique demeure une composante essentielle chez Gardens & Villa. Les claviers 80’s sont omniprésents, tout comme les rythmes électroniques. Deux exceptions qui confirment la règle : « Chrysanthemums » et « Minnesota », deux chansons uniquement tramée sur des accords de piano. Parfaite, la voix androgyne de Chris Lynch est, plus que par le passé encore, chargée d’émotion. Il y a bien quelques pistes plus entraînantes voire dansantes (« Bullet Train »), mais en général, « Dunes » privilégie les atmosphères bien structurées. Recouvert de nappes de claviers atmosphériques, « Purple Mesas » finit même par envoûter. Si l’ensemble tient bien la route, et nécessite davantage d’attention que le précédent LP pour être apprécié à sa juste valeur, il faut reconnaître que le recours massif aux claviers 80’s finit parfois par agacer, rappelant même un aspect kitsch qui colle encore à cette décennie…
Recueil de titres épars concoctés entre deux albums, ce volume 4, 5, 6 fait logiquement suite au 1, 2 et 3, publié en deux mille six. Entre-temps, le groupe de Portland nous avait gratifié, en deux mille onze, d’un opus de haute volée, “Deep Politics” en l’occurrence.
Instrumentale, la musique de Grails puise ses racines dans les circonvolutions du psychédélisme Rock circa seventies et se pare d’un mysticisme sombre tissé d’ambiances crépusculaires.
Une collection d’expérimentations diverses, de collaborations multiples et de raretés, mais dont le résultat affiche néanmoins une uniformité impeccable.
Du mystérieux et inquiétant “I Want A New Drug” initial, se dégage un climax oppressant dont la longue traîne semble serpenter comme un fil conducteur vers l’abysse.
Flagellé de nombreux éclairs lumineux sous cette voûte céleste plombée, “Self Hypnosis” lui emboîte le pas, semblant serti d’une aura de lumière dorée, un halo fait de riffs transversaux et d’arpèges scintillants, contrebalançant quelques fulgurantes incursions de bruits grinçants.
Après ces huit minutes au souffle retenu, l’ambiance intrigante de “Invitation To Ruin” pose délicatement ses pas dans la poussière étrange d’un songe brumeux où Amon Tobin pourrait facilement s’abandonner.
Le son caractéristique de la pédale Fuzz et les solos bien sentis coupent court à ce songe, mais “Wake Up Drill II” n’est pas un simple pavé lancé dans la marre.
Sa structure toute en évolutions et circonvolutions sinueuses s’élève au delà des nuages noirs, là où divers astres solaires se sont donné rendez-vous.
Un clavier ouvre “Up All Night”. Quelques cordes viennent s’y greffer, afin d’éveiller la curiosité et insuffler douceur et légèreté en milieu de parcours.
Retour ensuite aux rythmiques ensorcelantes sur “Pale Purple Blues”, aux mélopées enivrantes de “Chariots”, avant l’interlude onirique “New Drug II”, extrapolation de l’introduction à cet LP.
Caractérisé par sa structure différente, “A Mansion Has Many Rooms” renvoie à la première période du groupe. Soit un morceau plongé dans une mélancolie teintée de Post Rock.
“Corridors Of Power III” se décuple alors par effet miroir et sa rythmique orientale sert de tremplin aux grains de sable qui échappent au temps.
Un temps qui semble avoir disparu à l’entame de ce disque et qui est à présent éparpillé aux confins du monde des rêves où Grails nous emmène de dune en dune.
Balayé d’arpèges folk, “Ice Station Zebra” ressemble au vent qui souffle, tranquille sous l’azur ; et enfin “Penalty Box” clôt le chapitre en empruntant un format industriel.
Assurément, le groupe de l’Oregon frappe fort et juste ; et si ce recueil de titres est le ponton qui nous permet de nous avancer vers un nouvel horizon, c’est impatiemment que j’attends de voir se dessiner la silhouette de son successeur.
En concert:
Le 15 mars au Beursschouwburg
, Bruxelles
Et le lendemain au Trix, à Anvers.
Dan McKinnon est un jeune chanteur/guitariste canadien. Issu de Toronto, pour être plus précis. En 2012, il avait publié un Ep 4 titres. "As sharp as possible" constitue donc son premier elpee. Dan y signe les 10 compositions. Ce nouvel essai été enregistré au sein du studio Canterbury de Toronto, sous la houlette de Jack de Keyzer, un bluesman local particulièrement notoire. McKinnon pratique un blues rock largement amplifié, libérant des riffs purs et durs. Son style est parfois comparé à celui de Stevie Ray Vaughan ; mais s’il existe certaines similitudes entre les deux gratteurs, Dan n'est pas la réincarnation du Texan disparu, même si son jeu est toujours très inspiré et particulièrement en verve.
Dan attaque vigoureusement "Ain't looking back". Son riff est puissant. Il est judicieusement secondé par ses partenaires, Aaron Carter à la basse et Jon Foster à la batterie. Poussée dans ses derniers retranchements, la six cordes occupe tous les espaces libres. "King of the hill" baigne dans un climat bien texan. La voix est bien assurée. Manifestement, Dan maîtrise parfaitement son sujet. Parcouru par une guitare particulièrement expressive, "Lucky one" communique un peu de douceur et de fraîcheur. Une longue introduction de cordes alimente "Killing time", un blues lent dont le traitement classique met en exergue une gratte bien sentie. "Perfect ten" est un blues rock léger, sans prétention, mais bien ficelé. Piste instrumentale, "The recife" s’inspire d’exercices de style pratiqués autrefois par Freddie King. Deux guitares se la partagent. Tout d'abord celle du producteur Jack DeKeyzer, ensuite de Dan. Autre bues lent, mais plus flemmard, "One regret" vagabonde au beau milieu des marais louisianais. "A different road" clôt l’elpee. Après une intro boogie blues, digne de Foghat, la compo nous entraîne au cœur d’une chaleureuse orgie de cordes!
Après avoir publié un remarquable album en 2012, « Forever Dolphin Love », Connan Hosford est donc parti en tournée. Flanqué de son groupe, en compagnie de Charlotte Gainsbourg, et puis comme supporting act pour Radiohead, aux Antipodes. « Caramel » constitue donc son second opus. Un disque qui a été enregistré en un mois dans un hôtel de Tokyo. Et… le résultat m’a laissé sur ma faim. J’ignore combien de pétards le Néo-zélandais a dû fumer pour pondre une solution sonore pareille, mais les 11 plages baignent au sein d’un climat plus que vaporeux. On a même parfois l’impression que les compos tournent au ralenti. Elles sont certainement psychédéliques, toujours aussi aquatiques, terriblement sensuelles... sauf qu’on se demande si elles n’ont pas été écrites suite à une panne érectile…
Evidemment, quand on sait que ce groupe a été adoubé par Kevin Barnes, le leader d’Of Montreal, on est en droit d’attendre une bonne surprise à l’écoute de leur premier opus. Painted Palms, c’est une formation drivée par deux cousins, Reese Donahue et Chris Prodhomme… Calmons cependant d’emblée les attentes excessives suscitées par ce « Forever » ; car si le duo y manifeste une certaine inspiration, il ne tutoie tout de même pas les sommets atteints par les vétérans et maîtres issus d’Athens ! Plus que pop, leur musique trempe dans la synth-pop. Une expression sonore particulièrement en vogue actuellement et qui a notamment enfanté Milagres, Metronomy, MGMT et Chrvches. Le sens mélodique est soigné et contamine quelques véritables tubes : le tourbillonnant « Spinning Signs », l’immédiat « Empty Guns » et le plus sautillant « Here it Comes ». Et les Etasuniens se transcendent lorsqu’ils décident de marcher sur les traces des Flaming Lips, à l’instar du plus psyché « Soft Hammer ». Malheureusement, l’elpee recèle trop de plages lisses ; en outre, on ne peut pas dire que Painted Palms ait été inspiré quand il a décidé de pasticher Starsailor sur « Angels »…
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