Remarqué en 2011 lors de la sortie de l’excellent « Staring at the X », Forest Fire n’est pas parvenu à récolter le succès qu’il aurait amplement mérité. Pourtant, cet album constituait une des meilleures surprises de l’année. Surprenant, pétillant, leur indie-rock aurait certainement mérité un meilleur accueil sur le Vieux Continent.
« Screens » constitue le troisième album du groupe new-yorkais ; et, une nouvelle fois, Forest Fire éclabousse la concurrence de toute sa classe. A contrario du précédent opus, les mélodies atteignent immédiatement leur cible. Les accès noisy se sont raréfiés, même si les cordes de guitare sont toujours aussi cristallines et la ligne de basse caoutchouteuse. Mais le point fort du groupe demeure sans conteste la voix langoureuse de Mark Trescher. L’univers sonore de Forest Fire peut également se teinter de psychédélisme. A l’instar du morceau phare de l’album, « Annie ». Une piste de plus de 10 minutes balisée par un riff de basse hypnotique, sur laquelle les autres instruments viennent se greffer au fil de l’inspiration. Et lorsque le band se frotte au psyché folk, comme sur « Alone with the Wires », ce sont les spectres des groupes US du style issus des 60’s qu’il ressuscite… un envoûtement qui se prolonge sur « Fixation », une plage caractérisée par un motif de clavier hypnotique.
Entre hallucinations et exaltations, « Screens » exerce ces charmes… auxquels vous ne pourrez que succomber…
Le psychédélisme sombre est sans doute un de ces genres prisés du moment. Il n’en reste pas moins que certaines facettes de ce prisme paraissent plus éclatantes, se démarquent de la masse et leur lumière se réfléchit plus longtemps dans le temps, là où d’autres pâlissent rapidement.
De ces groupes incontournables de ladite scène, Crystal Stilts possède tout le talent et la maturité pour s’en extraire aisément.
En l’espace de quelques disques, le combo de New York city s’est vite imposé dans le milieu.
Pourtant, ce qui fait leur différence semble impalpable.
Est-ce cette nonchalance dans la voix, le son sixties nourri au eighties ou les mélodies subtiles qui parsèment leur discographie, qui fait mouche sans qu’on s’en aperçoive forcément?
C’est sans doute une question d’alchimie et de dosage de ces divers éléments. Mais surtout, et c’est une nouvelle fois, ici, le cas, de réelles aptitudes à torcher des chansons au feeling particulier et aux gimmicks imparables.
Donc, à l’entame de ce troisième album, le riff implacable de « Spirit In Front Of Me » balise d’emblée les lieux, nous entraînant sur ces itinéraires déjà parcourus, mais qui serpentent pour notre plus grand plaisir au milieu de nuits opaques transpercées d’éclairs multicolores.
Le son. Une identité propre au groupe comme une signature dont la décortication emmène dans des chemins de traverse où il fait bon se perdre.
Parsemé de quelques audaces, mais indéniablement signé de la même élégance détachée que les précédents essais, « Nature Noir » est un album irrésistible, dont les écoutes successives procurent non seulement une excitation accrue, mais qui plus est le plaisir de subtiles découvertes.
Ajoutons-y des influences qui ne se bornent pas au genre en question mais que les poulains de l’écurie Sacred Bones (soit déjà une solide référence en soi) lorgnent subtilement dans divers courants musicaux qui sous leur houlette se transforment en un magma en fusion où les électrons se sentent libres de s’élever tout en revisitant le son de l’Amérique à leur guise.
Sommet du disque, le titre maître se tient en embuscade en avant-dernière position. Le temps de s’en détacher (chose guère évidente tant l’arpège mélodique est accrocheur et… élévateur) et l’écoute se termine dans les dernières notes de « Phases Forever », soit une brumeuse introspection accompagnée de cordes qui laisse la fin en suspens, suspendue dans l’air comme une bulle prête à éclater à tout instant.
Reste immanquablement un goût de trop peu et donc l’envie de se remettre en selle immédiatement pour une nouvelle chevauchée en « Nature Noir ».
Barzin Hosseini n’est pas un artiste prolifique. Il y a quasiment 20 ans que son projet existe et le Canadien n’a sorti, en tout et pour tout, que quatre albums y compris ce dernier, soit au rythme d’un long playing tous les cinq ans. Il prend son temps et il a raison.
Depuis le début de sa carrière, Barzin a toujours pris soin de bien s’entourer. Ainsi, même s’il fixe le socle de chaque morceau, lorsqu’il les élabore, il est épaulé par des musicos chevronnés. Lors des sessions de « To live alone in that long summer », il a ainsi pu compter sur la collaboration de Tony Dekker, le leader de Great Lake Swimmers, dont le timbre vocal ressemble à s’y méprendre à celui de Barzin, ainsi que Daniela Gesendheit de Snowblink et Tamara Lindeman de Weather Station, ces derniers se chargeant des chœurs. Et le résultat est vraiment épatant. L’instrumentation est riche sans pour autant tomber dans l’excès et judicieusement pensée. Les compos baignent au sein d’un océan de sérénité, des berceuses empreintes de mélancolie qui se détachent de l’horizon brumeux afin de laisser naturellement filtrer les émotions véhiculées par la voix de Barzin. Et fatalement, on finit par tomber sous le charme de ces plages, même « To live alone in that long summer »…
« The sky still looks the same » constitue le second enregistrement de The Workhouse, un disque qui fait suite à « The coldroom sessions », publié en 2011. A l’époque, le trio insulaire pratiquait un post rock on ne peut plus conventionnel. Changement de style donc sur ce deuxième essai. Un 10 inches à l’emballage particulièrement soigné. Le vinyle est ainsi accompagné d’un booklet contenant un mini cd, illustré par des photos de constructions industrielles, et enrichi des lyrics.
Parmi les cinq titres figurent deux morceaux instrumentaux. « F.N.O. » tout d’abord. Oscillant entre post punk et shoegaze, ses lignes de basses descendantes évoquent le « Disorder de « Joy Division », alors que les cordes de guitare rutilantes lorgnent plutôt du côté de Kitchens of Distinction. Puis en finale, « Seven Stars », une piste contemplative qui a bénéficié du concours d’un violoniste et dont le climat semble finalement assez proche de celui développé chez Sigur Ros. Les autres plages baignent au sein d’un climat beaucoup plus ténébreux. « Eastern skies » est ainsi déchiré entre accords de gratte cinglants, riffs accrocheurs et envolées gémissantes, une piste parcourue par une ligne de basse gémissante et imprimée sur un tempo offensif. Une compo qui aurait pu figurer au répertoire d’Interpol. Hymne mélancolique, « Now I am on fire », est sculpté dans les cordes réverbérées, dans l’esprit d’Explosions In The sky. C’est également la plage la plus proche de leur post rock originel. Quant au titre maître, plus pop et dépouillé, il est hanté par le fantôme de Ian Curtis…
Laibach, du nom allemand de la capitale de la Slovénie, Ljubljana, est un collectif avant-gardiste issu de cette ex-province de la défunte Yougoslavie. Actif depuis le début des années '80, il peut se targuer d'une discographie très riche. Il est bien sûr célèbre pour le hit très dansant "Tanz Mit Laibach" et pour ses reprises d'Opus, Queen ou DAF ; cependant, les vrais fans savent que Laibach est capable d’en offrir davantage ! Leurs derniers concerts en Belgique remontent à décembre 2007 (au Botanique à Bruxelles), décembre 2010 (au Festival BIM à Anvers) et septembre 2012 à Audenarde. Aujourd'hui, la formation revient pour présenter son nouvel opus, "Spectre", dans la salle Het Depot (Louvain) en configuration ‘box’ (la partie arrière de la salle est masquée par un rideau).
C'est tout naturellement par de très larges extraits de "Spectre" que s'ouvre la setlist. Le prélude au Te Deum H. 146 de Marc-Antoine Charpentier, le thème musical de l'Eurovision, constitue une introduction parfaite pour le titre "Eurovision". Suivant un rituel propre au groupe, le podium est dominé par deux imposants écrans vidéo et deux projecteurs disposés à l'avant du podium. Le son est puissant et épique ; quant à la voix grave de Milan Fras, elle résonne comme une scie circulaire. A ses côtés, on ne peut qu’admirer la belle et fascinante chanteuse Mina Spiler. On notera d'ailleurs dans "Walk With Me", "Eat Liver" et "We Are Millions" que le rôle de cette dernière est plus important qu'auparavant, pour le plus grand bonheur de ses fans (qui se reconnaîtront).
Le premier moment-clé du spectacle est atteint par le morceau "Whistleblowers": le sifflement martial façon "Pont de La Rivière Kwai", immédiatement reconnaissable, court tout au long de cette composition dédiée aux 'lanceurs d'alertes' ; ces personnalités qui, à l'instar d'Edward Snowden ou Julian Assange, interpellent l'opinion pour dénoncer les abus ou les dangers. Le côté grandiloquent, les thèmes engagés et le show total font irrémédiablement penser à "The Wall", mais en version 'dark'. "Koran" est une magnifique ballade, superbement interprétée. Le titre suivant, "No History", toujours extrait de "Spectre", est une véritable tuerie. Le riff de synthé est imparable et la rythmique lancinante. Viennent s’y greffer les incantations des deux chanteurs jusqu'au final a capella : un grand moment, à voir ici. Dans l'ensemble, les plages du nouvel elpee se révèlent très puissantes et très efficaces sur les planches et cette première partie est une totale réussite.
Après un intermède de 10 minutes, la formation revient pour un 'best of'. Il commence par une évocation de la période années '80, grâce à des versions complètement revisitées de deux chansons en slovène: "Brat Moj" ("mon frère") et "Ti Ki Izzivas" ("Toi, Qui Ose"). Ici, la musique est plus expérimentale, parfois dissonante mais toujours hypnotique. Dans les années '80, les membres du combo avaient poussé l’expérience jusqu'à travailler effectivement dans une usine, la cimenterie de Trbovlje, afin de bien comprendre l'environnement industriel. On aime beaucoup quand Mina Spiler crie "Ti Ki Izzivas" dans son mégaphone, en arborant son charmant regard glacé...
Les deux titres suivants, "B Mashina", une reprise du groupe slovène Siddharta, et "Under the Iron Sky", sont tous deux extraits de la bande originale du film "Under The Iron Sky". Ensuite, "Leben-Tod", publié en '87, montre clairement l'influence de Laibach sur la vague industrielle de '88-'95, qu'il s'agisse de Skinny Puppy, Nine Inch Nails ou plus tard Rammstein. "Warme Lederhaut" est une excellente reprise de "Warm Leatherette" de The Normal (le premier disque du label Mute, sur lequel Laibach est signé). Pour terminer le set, nous aurons droit à deux reprises classiques : le "Ballad Of A Thin Man" de Bob Dylan, et le "See That My Grave Is Kept Clean" de Blind Lemon Jefferson (également repris par le Zim), deux compositions qui ont été soigneusement adaptées au style wagnérien de Laibach.
La formation se retire, et après quelques minutes, c'est une voix préenregistrée qui annonce le rappel. "Let me hear you say : Ho!": la voix joue avec le public, soulignant le côté ironique, 'second degré', omniprésent dans l'oeuvre de Laibach. Les musiciens reviennent enfin sur l’estrade pour l'assaut final. Tout d'abord, en dispensant une reprise hallucinante du "Love On The Beat" de Serge Gainsbourg. Très plaisant d'entendre Milan Fras chanter en français, et Mina Spiner, pousser des petits cris orgasmiques. Enfin, le concert se termine de façon magistrale par le plus grand succès du groupe: "Tanz Mit Laibach", une marche militaire très inspirée de DAF, sur laquelle le public remue comme un seul homme.
Malheureusement, le second rappel, pourtant prévu sur la setlist, passera à la trappe. Quoiqu'il en soit, une fois de plus, Laibach a démontré l'originalité de son approche, qui va bien au-delà de la musique. La performance est orientée multimédia. On est en présence d’art multimodal, un spectacle total avec son, lumières, vidéo et une énorme présence. Mais surtout, ces artistes uniques apportent un regard sarcastique très aigu sur les questions politiques, en plaçant le totalitarisme et l'iconographie militaire au centre du débat. Dans cet esprit, ils ont créé un nouveau style, une nouvelle esthétique, unique et incroyablement forte. Merci pour ce superbe show!
Setlist
Eurovision
Walk with Me
Americana
We Are Millions
Eat Liver !
Bosanova
Koran
Whistleblowers
No History
Resistance Is Futile
Intermezzo
Brat Moj
Ti, Ki Izzivaš
B Mashina
Under the Iron Sky
Leben-Tod
Warme Lederhaut
(The Normal cover)
Ballad of a Thin Man
(Bob Dylan cover)
See That My Grave Is Kept Clean
(Blind Lemon Jefferson cover)
Encore:
Love on the Beat
(Serge Gainsbourg cover)
Tanz mit Laibach
Regardez les photos du concert ici
(Organisation: Het Depot)
Le concert de ce quatuor australien, accordé à l'AB Club le 28 mars 2012, avait été une des belles surprises de cette année. Leur pop/rock mélodique et la voix exceptionnelle de la chanteuse, Hayley Mary, avaient impressionné l’auditoire. Aujourd'hui, le combo revient, un nouvel elpee sous le bras. Intitulé "The Brink", il est publié par notre label national PiaS et produit par Dan Grech-Marguerat, un producteur anglais qui a déjà travaillé pour Radiohead, Scissor Sisters, The Kooks ou encore Lana Del Rey. Tout est donc en place pour un set qui marque, sinon une consécration, à tout le moins, l'accession à un succès largement mérité.
Malheureusement, premier 'hic' : la salle de l'Orangerie n'est garnie qu'aux trois-quarts... Ca commence mal. Je ne sais si c'est pour cette raison, mais la prestation des quatre musiciens manquera dans son ensemble cruellement d'enthousiasme. Dès le premier titre, « The Brink », on se rend compte qu’Hayley Mary chante à la perfection, mais elle semble être absente des débats. Idem pour Heather Shannon au piano/synthé et Samuel Lockwood à la guitare. Seul Nik Kaloper, le batteur, semble se livrer à fond.
Techniquement, rien à dire : le son, parfait, laisse une large place à la voix sublime de Hayley, dont le physique fait penser à Sharleen Spiteri (Texas), une voix qui se révèle aussi à l'aise dans les ambiances intimistes que lors des envolées épiques incantatoires. Une voix qui rappelle Kate Bush, Florence Welch et par moments même Sharon den Adel (surtout dans les aigus). Dominés par la guitare, très U2-esque, de Samuel Lockwood, les arrangements évoquent Coldplay, Crowded House, The Killers voire Arcade Fire.
La setlist est puisée au sein de "The Brink" et du premier album: "Prisoner". Des compos comme "Endless Summer", "A Little Piece" et "City Girl" sont bien accueillies par le public. Mais c'est "Hurt Me", paru en single en 2011, qui déclenche le plus de réactions. Le groupe clôture son set par "Dark Storm", probablement leur titre le plus abouti. L'intro à la guitare nous renvoie à The xx et l'ensemble est plus mélodique et mieux structuré. On constate ici un léger regain d'énergie sur les planches ; surtout lors du beau final hypnotique.
En rappel, l'atmosphère est tout d'abord recueillie, que traduit le paisible "Psychotherapy". Ensuite, Hayley Mary sort quelque peu de sa réserve et s'avance vers le devant de l’estrade pour remercier deux jeunes filles du premier rang qui, apparemment, ont suivi tous les concerts de la tournée. Elle leur dédie le dernier titre: "Easy To Love" et va jusqu'à leur faire la bise. Et là, les choses semblent se débloquer un peu. Portée par la rythmique quasi-tribale et les accords majestueux, Mary semble s'ouvrir quelque peu et le final du show est plus dynamique.
Dommage, on aurait aimé que cette ouverture soit présente dès le début. Au final, nous quittons la salle en éprouvant des sentiments mitigés. Encore un groupe qui se concentre de façon très appliquée, voire scolaire, sur la qualité de son jeu et oublie que le livrer en ‘live’ est un exercice qui implique également la communication. Communiquer son enthousiasme, c’est également le rôle dévolu à tous les membres du groupe. Entre eux. Et puis, au public. Une attitude d'autant plus étrange qu'au stand ‘merch’, les quatre musicos ont montré un tout autre visage, disponibles, souriants et plein d'entrain!
Jézabel était Reine d'Israël ; pour The Jezabels, le moment n'est pas encore venu de monter sur le trône du succès planétaire. Mais ce n'est que partie remise ; le rendez-vous est pris pour un 3ème album, un hit mondial et une nouvelle tournée qui sera, espérons-le, triomphale!
En première partie, Abel Caine, un nouveau combo électro/pop belge, originaire de la région du Centre (La Louvière), a accordé une prestation encourageante. Bloc Party, Phoenix, Metronomy et Foster The People constituent certainement leurs sources d’inspiration. A suivre, dès lors…
Setlist The Jezabels
The Brink
Endless Summer
Long Highway
Time To Dance
Look Of Love
Hurt Me
Beat To Beat
City Girl
Mace Spray
A Little Piece
No Country
The End
Dark Storm
Encore:
Psychotherapy
Easy To Love
(Organisation Botanique)
« Waking lines » constitue le premier album de ce quartet établi à Manchester, une formation qui pratique une forme de shoegaze teintée d’electronica, dans un style qu’on pourrait situer à la croisée des chemins de Yeasayer, White Lies et Friendly Fires. Pour celles et ceux qui ont vécu les eighties, ils penseront plutôt à un Cocteau Twins, au sein duquel Elisabeth Fraser aurait cédé le relais à des chœurs vaporeux. Vaporeux, c’est vraiment le terme judicieux pour qualifier leur solution sonore. De temps à autre, il y a bien un tempo new wave pour secouer le cocotier, à l’intar de « Street fires » ou surtout de « Face marks », dont le sens mélodique lorgne incontestablement vers Animal Collective ; mais le plus intéressant arrive en bout de parcours, et tout particulièrement sur « Induction » et « Climbing out », plages au cours desquelles les cordes de guitares commencent à scintiller et même à tintinnabuler comme chez Kitchens of Distinction. Une belle perspective de sortie que le band aurait tout intérêt à explorer, s’il ne veut pas s’évaporer dans l’éther contemporain…
« Crown Electric » constitue déjà le 10ème album de la Liverpuldiene. Une discographie qu’elle a entamée en 1999. Cependant, –mea culpa– c’est seulement le premier qui creuse mon canal auditif. L’Anglaise a pourtant été nominée au prestigieux Mercury Prize à l’époque de son second album « Little Black Numbers ». Quoique de facture très classique, son folk-rock ne provoque ni état de léthargie et encore moins de neurasthénie. Et le guilleret « Monday Morning –un single en puissance– en est certainement le plus bel exemple. Epreinte de charme, la voix de Kathryn Williams rappelle celle de Joni Mitchell, belle référence s’il en est. Elle a, en outre, bénéficié du concours de deux belles pointures. Tout d’abord Ed Harcourt, au piano, sur « Morning Twilight » et James Yorkston pour « Tequila ». Du beau monde pour tailler les joyaux électriques de Miss Williams, même si le résultat s’avère un tantinet trop propre et conventionnel pour déchaîner les foules…
Musicalement, hormis le sirtaki, les B.O. de films composées par Mikis Theodorakis ainsi que Demis Roussos et Vangelis (NDR : avec ou sans leurs Aphrodites Child), il faut avouer que la musique grecque ne jouit pas d’une grande notoriété à travers le monde. Et rares sont les groupes rock qui sont parvenus à sortir de la péninsule (NDLR : deux bands de hard rock quand même, The Elysian Fiekds et Nightfall). Originaire d’Athènes, Afformance est parvenu à se faufiler entre les mailles du filet et à chatouiller nos oreilles. Un combo né en 2005, néanmoins.
« The Place » constitue leur premier enregistrement. Faut avouer que le groupe a pris son temps. Un disque qui adopte un profil post-rock ‘typique’. La première plage est atmosphérique. De quoi planter le décor. Et les autres compos épousent une construction en longs crescendos. Rien de bien original donc… En outre, on a du mal à s’immerger dans leur solution sonore. Les progressions sont trop brèves et communiquent un sentiment de frustration. Seule réelle éclaircie à l’horizon, « Stride », une plage caractérisée par des riffs post-metal puissants qui rappellent Isis voire Cult of Luna. Dommage que tout l’Ep ne soit pas de cette trempe…
Beachwood Sparks est une formation californienne, issue de Los Angeles très exactement, qui s’est séparée en 2002, avant de se reformer en 2008. Outre les Eps et les singles, leur discographie compte quatre albums : un éponyme en 2000, « Once We Were Trees », l’année suivante, « The Tarnished Gold » en 2012 et ce « Desert skies », un opus qui réunit des enregistrements datant de 1997 réalisé par le line up originel. Gravé en single, « Desert skies » était, à l’origine un single. Il était sorti en 1998. Et sert donc également de titre à cet elpee. Outre les huit titres d’époque, le disque est enrichi de 4 bonus tracks. Trois versions différentes du tracklisting, dont une originale de « Time », ainsi qu’un inédit, « Charm ».
A leurs débuts, le band s’inspirait manifestement de la musique West Coast de la fin des sixties et du début des seventies. Et en particulier Buffalo Springfield, les Byrds, Flying Burrito Brothers, Grateful Dead voire Jackson Browne. Mais pas seulement. Déchirés entre psychédélisme, americana et garage, certains titres sont alors bien dans l’air du temps. Imprimé sur un mid tempo, le mélancolique et vivifiant « Time » évoque ainsi le Paisley Underground de Dream Syndicate. Plus léger, « Make it together » aurait pu figurer au répertoire des Posies, tout en adressant un clin d’œil aux Beach Boys. Enlevé, caractérisé par ses interventions de claviers vintage, « Watery moonlight » pourrait être le chaînon manquant entre Inspiral Carpets et les Zombies. Plus curieux encore, l’une ou l’autre plage baignent dans un climat réminiscent des Stone Roses, mais privé de house. Et je pense tout particulièrement à « This is what it feels like », malgré ses intervalles sinusoïdaux, sydbarretiens. Un psychédélisme le plus souvent aventureux. Parfois même audacieux. Capable de virer au space rock voire au kraut rock. Et si les interventions de guitare ainsi que de pedal steel sont particulièrement vivifiantes, il faut reconnaître que l’amplitude du drumming booste les compos, même les plus mélancoliques. Et au vu des références susvisées, vous vous doutez que les vocaux sont soignés. Enfin si les esprits chagrins reprocheront certainement un manque d’homogénéité à ce long playing, c’est tout simplement parce que pour l’époque, les compos étaient diablement créatives…
Après avoir enregistré deux albums en compagnie d’un orchestre symphonique, dont le second dans le cadre d’une longue tournée, Hooverphonic a donc voulu en revenir à une formule plus épurée. Et pour y parvenir, il a décidé d’enregistrer chez le particulier. Un appel à candidature qui a suscité plus de 180 propositions. Finalement la formation s’est limitée à quatre endroits différents. Les sessions ont duré 4 semaines et le mixing a été réalisé au sein d’un studio analogique. Certaines voix ont quand même été captées dans une église. En résulte un opus plus pop, oscillant entre morceaux enjoués et titres mélancoliques, dominés par le piano et soulignés par la superbe voix de Noémie Wolfs. Un minimum d’arrangements, et une instrumentation limitée à la guitare (acoustique et électrique), à la basse, aux drums ainsi qu’aux claviers vintage (un peu de mellotron quand même). Sans oublier la présence de trois choristes. Vous avez certainement déjà eu l’occasion d’entendre le superbe single « Amalfi ». Bien balancé, « Boomerang » en a tout le potentiel pour le devenir également. Les 13 autres plages sont agréables à écouter, particulièrement soignées (NDR : étonnant vu que les musicos déclarent avoir voulu conserver le son naturel), mais un peu trop ‘hooverphoniques’ pour sortir du lot…
Kill Me This Monday est née en 2010, quelque part entre Dunkerque et Lille. Cette formation nordiste est responsable d’un premier Ep plutôt encourageant, intitulé « Kill me this Monday ».
‘Kill Me’ d’abord si le mélange anachronique très ‘années 90’ de ce quatuor n’oscille pas entre émotion grunge et mélancolie emo-core (ces guitares)… ‘Kill Me’ également si leur chanteur, Alexandre Blijkers, ne vénère pas Eddie Vedder, Brandon Boyd d’Incubus (seconde période) ou encore Chino Moreno (ses feulements !) ‘Kill Me’ encore, si le bassiste Stéphane Bugnon et le batteur Johan Maekcer ne tentent pas de ressusciter les fantômes de Deftones voire de Far. ‘Kill Me’ enfin si ce mix n’incarne pas une curieuse resucée de la solution sonore américaine ingurgitée par Cold !
Bien que datées, ces références me sont pourtant agréables… En outre, quoique puissantes, ces 3 plages sont bien produites. Plaisante découverte donc.
« Adios I’m a ghost » constitue le troisième album de Moondoggies. Originaire de Seattle, ce groupe est signé chez Hardly Art, un label créé initialement par Sub Pop. Malgré ces signes distinctifs, Moondoggies n’est pas un autre combo de grunge. Inspirée par de grands songwriters américains comme Bruce Springsteen et Neil Young, sa musique baigne dans l’americana. Et sent donc bon les States. Kevin Murphy en est le chanteur, mais également le leader. Il explique ainsi que les thèmes de ses compos traitent de la mort et de ou des renaissances. Le titre de l’elpee, « Adios I’m a ghost », est d’ailleurs suffisamment évocateur. Suivant les sujets abordés, la musique change de ton et même de style. De climat aussi. Léger, à l’instar de « One more chance », mais aussi ténébreux, comme en début de parcours. Certains morceaux psychédéliques lorgnent carrément vers Midlake. D’autres aux sonorités de gratte plus grasses adoptent un profil plus traditionnellement yankee (« Red Eyes »). Inévitablement, l’opus recèle quelques compos acoustiques (« A Lot to Give », « Start me Over »). Un dénominateur commun : le soin apporté aux harmonies vocales, « Stop Signs » constituant l’illustration la plus parfaite de ces dispositions.
Malgré cet éclectisme, « Adiós I'm a ghost » se révèle cohérent, guidé par un seul fil conducteur philosophique, mais surtout agréable à écouter. A conseiller aux fans de Midlake, Wilco, My Morning Jacket ou encore Crosby, Stills, Nash & Young.
L'époque est aux reformations des groupes culte des années 90. Icônes du garage punk entre 93 et 98 et géniteurs d'un album majeur du genre, "Soul Food", les Oblivians s'étaient réunis en 2009 pour partir en tournée en compagnie de leurs potes The Gories. Las de rejouer leurs vieux titres depuis lors et encouragés par leurs fans, ils ont décidé de retourner en studio pour nous offrir 14 nouveaux morceaux.
Les années ne semblent pas avoir émoussé l'enthousiasme du trio de Memphis. Chacun des membres a continué entre-temps son petit bout de chemin. Jack Yarber a apporté sa collaboration à un nombre invraisemblable de groupes dont les Cool Jerks et Tav Falco. Greg Cartwight est le leader des The Reigning Sound et Eric Friedl manage depuis de nombreuses années Goner Records. Il ne fallait dès lors pas s'attendre à une grande révolution dans le chef de ces fanatiques des productions souillonnes. Le son est donc crade à souhait (même si presque confortable par rapport à l'époque Crypt). Et tous les autres ingrédients d'un bon disque de garage sont présents. Morceaux courts, paroles cyniques et esprit rock'n'roll. Tantôt Punk ("I'll Be Gone", la machine à pogo "Run For Cover"), tantôt blues-rock ("Loving Cup", reprise décapante de Paul Butterfield ou "Come A Little Closer"), inspiré fatalement des 3 S (Stones, Stooges, Sonics) et visité régulièrement par le fantôme de Johnny Thunders, "Desperation" est un modèle de classicisme. Etonnamment, le meilleur morceau, "Call The Police", est une cover d'un récent et obscur morceau de Zydeco. L'orgue fou de leur vieil ami Mr. Quintron joint à des riffs stoniens nous replonge alors avec délice dans les années nuggets.
Même si les derniers titres n'apportent plus grand-chose, "Desperation" est un disque convainquant. L'oeuvre honnête et sans chichi de trois gars que l'on sent heureux de s'être retrouvés pour refaire la musique qu'ils aiment. Et c'est pour cela que cela fonctionne. Au contraire de certaines reformations purement marketing qui se bornent hélas, à tromper leur monde...
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