Elliott Smith, Daniel Johnston, Kaki King, Deerhunter, Daniel Lanois, Bonnie 'Prince' Billy, Nick Drake et Sam Amidon sont les principales influences citées par la presse néerlandophone, lorsqu’elle présente Head Full of Flames. Une formation issue de la région de Louvain, fondée en 1998, par Sim Van Thienen et Jan Evenepoel ; un duo rejoint depuis peu par Lotte de Troyer et PJ Seaux.
Trempée dans l’americana, leur solution sonore est tantôt riche, tantôt dépouillée. Les musicos ont ainsi recours au banjo, aux guitares acoustiques mais aussi électriques, à la lap steel, à l’ukulélé, aux drums (feutrés !), aux percus, à la basse, aux claviers, au piano et à la trompette. Les harmonies vocales sont limpides, diaphanes, et sont conjuguées, le plus souvent, par Sim, Jan et Lotte.
Perso, ce sont les plages les moins lo fi qui me bottent le plus. A l’instar de « Five Times », de « Wide lines ». Ou encore de « Neon light ». Subtilement parfumée de swing, elle affiche un ton manifestement plus optimiste. Tout au long de ces trois morceaux, des accès d’électricité y sont dispensés parcimonieusement, mais judicieusement, se mêlant parfaitement aux cordes de gratte acoustiques, insufflant davantage d’intensité aux compos. A tel point qu’elles peuvent parfois évoquer Red House Painters, mais sans la voix douloureuse de Mark Kozelek. Ce qui rend le climat mélancolique, au sein duquel baigne cet Ep, plus doux. A contrario, sur les compos les plus dépouillées, une sensation de spleen est susceptible de vous envahir insidieusement. Pas trop longtemps heureusement, car ce disque ne recèle que 7 titres. Head Full of Flames nous démontre cependant qu’il recèle un énorme potentiel. Un groupe à suivre attentivement, c’est une certitude.
Sven Väth est un DJ et producteur allemand qui milite plutôt dans la House et la Trance. Véritable machine à mixer, celui que certains surnomment le parrain de la techno allemande enchaîne les productions, compilations et différents sets à un rythme effréné!
Aujourd’hui, il nous offre une double compilation bien dense consacrée à la douzième saison (oui vous avez bien lu) de « The Sound of … », une série de compilations produite par Cocoon Recordings.
Mais assez de préambules, passons donc à l’écoute du premier disque, qui recèle 13 pistes. Première constatation, le démarrage est assez lent. La techno y est même assez minimaliste. C’est un style particulier que je n’affectionne pas particulièrement. D’un point de vue personnel, je trouve toujours délicat d’introduire son sujet de pareille manière. En effet, son écoute a la plupart du temps tendance à (r)adoucir un auditeur pourtant en attente de beats et d’electronica plus travaillée, et ce, particulièrement au sein d'une double compilation.
Par la suite, les morceaux s’enchainent mieux, et l’on tombe petit à petit sous le charme de l'LP. Typiquement, ce premier volet vise à fournir une musique dite ‘d'ambiance électro’, un style que l’on se plaira à écouter tout particulièrement dans les cafés branchés de la Capitale.
Au final, c’est donc chouette et plaisant, voire fort agréable parfois. Et l’on notera ça et là les changements de direction et de rythme dans la compilation, par exemple lors du passage de la quatrième chanson Boys Noize - « Adonis ». Bonne idée, ces variations permettent d'apporter une vraie bouffée d’air frais au travers des morceaux.
Mais au-delà de ce plaisir, il manque à ce recueil un petit quelque chose. Une explosion. Une piste qui casse la baraque et puisse convaincre le mélomane que, décidément, cette électro est purement géniale. Les morceaux sont bien arrangés, mais la carence en ruptures dans le rythme ne permet pas d’insuffler le tonus adéquat à la bonne electonica. De même, l’absence de chants sur certains morceaux n’aide pas à tonifier l'ensemble.
On reste donc dans une sorte de musique ‘d’accompagnement’, et d’un avis personnel, il ne s’agit pas ici d’un cd que le mélomane écoutera attentivement, confortement installé chez lui. Au final, on reste donc sur une impression partagée pour ce premier disque, un peu comme si le Deejay teuton avait travaillé en mettant un pied sur l’accélérateur et un autre sur le frein.
Par contre, une fois la deuxième galette glissée dans le lecteur, les changements (entendez améliorations, d’un avis purement personnel) sont notables, et ce immédiatement ! Les chants et voix qu’on jugeait trop absents dans la première partie font ici leur apparition dès les premiers tracks, et dynamisent véritablement le contenu offert à nos oreilles.
Les 12 titres de cette seconde partie sont donc bien plus agréables à l’écoute. Et la troisième chanson signée Steffi – « Yours feat. Virginia » vient confirmer définitivement l'idée qu’il est préférable de s’appuyer sur le chant pour libérer les mélodies et apprécier pleinement le travail fourni par Sven Värth dans sa compilation.
De même, se distingue également parmi les morceaux proposés sur ce second CD la chanson Osunlade – « Envision » (remixée par Âme). Assez calme au départ, sa puissance monte doucement pour finalement nous emporter totalement, même si la piste aurait gagnée à être plus courte (6 minutes au compteur), et ce d'autant plus que la sauce est lente à prendre.
En conclusion, une bien chouette compilation qui devrait ravir les fans ; mais à mon humble avis, pas encore parfaitement au point dans son ensemble, car un peu trop inégale entre sa première et sa seconde partie.
Papier Tigre est un trio actif sur la scène musicale depuis cinq ans. Et « Recreation » constitue son troisième album. Depuis sa création, les Français n’ont pas chômé. Ils ont notamment accordé plus de 350 concerts sur trois continents différents. Cette hyperactivité a porté ses fruits, puisque le groupe a signé chez le label français Africantape ; et pour enregistrer ce dernier opus, il a bénéficié du concours d’un expert à la mise en forme : John Congleton (Explosion in the Sky, The Roots, Bill Callahan, The pAper chAse, …). Comme quoi, le travail finit par payer.
Et après avoir écouté « Recreation », il faut reconnaître que le résultat est convaincant. Véritable brûlot consommant une multitude d’influences, cet opus me rappelle même la quintessence de Fugazi. Parce que Papier Tigre parvient à inoculer une énergie punk aux mélodies. De développer des rythmiques efficaces. Mais là où le trio se démarque, c’est dans la manière de dispenser ses riffs de guitares. De mêler math-rock et noise, aussi. Afin d’élaborer des compos astucieuses et complexes, au sein d’un univers unique en son genre, sans pour autant déraper dans les méandres de l’expérimentation pure et dure.
« Recreation » pourrait bien se révéler l’album indie français de l’année ! Rien que ça !
Le combo se produira prochainement au El Bar de Mouscron, ce 23 mars, en compagnie de Markünkl et Adolina, et à Bruxelles au Magasin 4, ce 25 mars 2012, en compagnie de Morkobot et Pektop. A bon entendeur !
Célébrant la réédition de “Destroyed”, en version Deluxe, ce single nous prouve qu’indépendamment de son succès planétaire et de la situation confortable dont jouit Moby depuis quelques années, le petit génie est toujours capable du meilleur.
Il est d’ailleurs assez étrange de constater que parallèlement à cette publication, le single « Lie Down In Darkness » soit sorti de l’ombre au même moment mais pour un sort bien moins enviable (voir chronique en ces même pages).
Qu’importe, Moby reste toujours une source d’inspiration très prisée, notamment lorsqu’il s’agit de se réapproprier l’un ou l’autre morceau.
Alors, quel est l’intérêt majeur de ces Remixes ?
Le premier, signé The Dø, explore un terrain sombre et tortueux, tandis que le Suédois Kleerup tente un exercice de style plus que réussi, transfigurant ainsi la version originale.
Raiko Maitta, alias Ben Hoo, nous plonge dans un bain rétro futuriste où les bulles éclatent au contact de la stratosphère.
Moins subtile, la House de « Sharam Jey » a néanmoins le mérite d’être efficace.
Et au final, le « Cosmonauts Remix » décolle d’une manière sympathiquement Funky.
Différentes lectures, différents degrés d’interprétation, et des versions sensiblement éloignées de la première mouture.
Du bon travail, quoi !
Inutile d’y aller par quatre chemins. Cet extrait de « Destroyed », ressorti il y a peu en version Deluxe, n’était certainement pas le meilleur titre de l’album.
Le traitement qui lui est ici infligé le rend tout simplement infâme.
A sa pauvre mélodie en forme de ritournelle, vient cette fois se greffer la voix d’Emmanuelle Seigner, dans une déclamation à pisser de rire.
On croit à un pastiche, puis on vérifie les crédits de la pochette et conclut que décidément, avec l’ami Moby, il faut s’attendre à tout.
Et dans ce cas, au pire.
“I was Here for a moment then I was Gone » constitue déjà le troisième elpee pour le groupe originaire de Leicester. Un opus qui évolue toujours dans une même veine post rock ; mais, différence notable par rapport aux disques précédents, il a été enregistré dans un véritable studio. Et plus chez le label Field, mais Function. Une situation qui a naturellement influé sur la qualité sonore de ce long playing. Le son y bien plus épuré, moins agressif, tout en conservant la richesse et l’intensité nécessaires pour faire frémir de bonheur les tympans des mélomanes, puissance devenue la marque de fabrique de l'ovni anglais.
Car si la band a décidé d’abandonner le ‘Do It Yourself’, il n’en a pas pour autant perdu ses caractéristiques essentielles ; c'est-à-dire de longues envolées instrumentales déchirées entre envoûtement et oppression, que vient tempérer des accords de piano, probablement sorti des limbes. A l’instar du très réussi "Take This To Heart".
A écouter sans modération…
L’homme le plus joyeux de la planète (NDR : il interprète « La chanson la plus triste du monde », sur son dernier elpee) s’est évadé de son ‘cimetière’, escorté de ses fantômes. Et oui, Jacques Duval est non seulement ressorti de sa salle de jeu préférée mais en outre, il a investi une maison de retraite peinarde pour aller déterrer Marie-France, 66 berges bien sonnées, qui y sirotait sa tisane dans son fauteuil, les jambes bien protégées par une grosse couverture et les pieds bien au chaud dans ses charentaises.
Ben franchement, les plus courtes étant les meilleures, il aurait dû l’y laisser ! On ne peut être et avoir été… La pseudo-chanteuse la plus électrique du paysage musical français des seventies n’est plus que l’ombre d’elle-même. Pour s’en convaincre, il suffit d’écouter les trois premières plages de sa dernière ‘œuvre’ durant lesquelles elle répète à l’envi qu’il faut la laisser tranquille, qu’il y a trop de boucan, etc. Ben oui, on n’a pas idée de déranger une petite vieille qui roupille tranquillos près du radiateur pour l’assourdir de bruits plus dérangeants les uns que les autres, guitares, tambours et tutti quanti !
Non, même un duo avec sa compagne de chambre (Chrissie Hynde) n’arrive pas à la faire sortir de son semi-coma. Faut avouer que la Chrissie n’est pas de nature à rendre les événements plus pétillants. Sa voix caverneuse, d’outre-tombe ne fait d’ailleurs qu’accentuer un effet morbide du plus bel effet.
Sacré Jacques Duval ! Une fois de plus il nous aura bien fait rire. Son sens de l’humour m’étonnera toujours. A qui le tour pour le prochain album ? Va-t-il tenter de ranimer Dorothée ou alors se tournera-t-il vers sa compatriote Annie Cordy pour un nouveau tour de carrousel ?
Allez, reconduisez donc Madame à sa chambre et bordez-la bien pour qu’elle ne prenne pas froid…
Le trio folk/pop/rock turinois nous propose son second opus, deux années après avoir publié "What's your jump like?", sorti dans l'indifférence générale totale. Ce second essai était donc destiné à leur procurer un semblant de reconnaissance populaire ; et pour y parvenir, la formation n’a pas hésiter hésité à pomper le plus d'artistes possible, afin de toucher un public toujours plus large et indécis.
C'est ainsi qu'on croirait entendre Johnny Cash sur "Goodbye Pussycat", que "Talk to your father" lorgne vers Morrissey alors que "One night stand" liasse filtrer quelques réminiscences de Stranglers. Les mélodies sont souvent agréables, bien rôdées et entraînantes ; mais la voix manque de justesse et certains accords douteux cassent parfois l'idylle auditive.
Si le combo transalpin possède un potentiel évident, « Bishops in tea shops » s’avère au final décevant. Et il faudra sans doute attendre une troisième galette avant de l’enterrer définitivement!
‘An Islet’ se traduit en français par ‘Un îlot’. Et il faut croire que ce groupe gallois s’y est isolé pour enregistrer une œuvre de la trempe de cet « Illuminated People » ; bref un endroit préservé de toute contrainte commerciale. Originaire de Cardiff, la bande est née sur les cendres de plusieurs groupes obscurs locaux : The Victorian English Gentlemans Club, Attack+ et Them Squirrels. Pour échapper à toute pression pécuniaire, les membres d’Islet ont d’ailleurs décidé de conserver la mainmise sur toutes les étapes de leur travail. Une belle leçon d’intégrité qui leur a pourtant permis de concocter un magnifique album à la lisière du post-rock (« Libra Man »), du psyché (« Entwined Pines ») et de la noise (« This Fortune »). Un opus au cours duquel les Insulaires ne se refusent rien et dont les compos baignent tour à tour dans un univers détraqué digne d’Animal Collective (« Shores »), trempent dans le métal expérimental (« A Bear On His Own ») ou affrontent le folk bancal dans l’esprit de The Wave Pictures voire de Violent Femmes (« Funicular »)…
Libres comme l’air, les membres d’Islet sont probablement, comme ils le reconnaissent, des illuminés ; mais ils viennent de publier un des meilleurs albums de ce début d’année ! Un disque de rock à la fois original, expérimental et accessible. A découvrir ce 16 avril au Witloof Bar du Botanique !
Suite à son expérience musicale acquise au sein du crew hip-hop Masters of the Universe, Sumach Ecks collabore avec Gaslamp Killer ou encore Flying Lotus. Ce dernier, en invitant Gonjasufi à poser sa voix sur l’excellent morceau « Testament », lui décroche une place sur le label visionnaire Warp Records. Son premier album « A Sufi And A Killer » est très bien reçu par la critique. Le prof de yoga produit une musique inspirée par une sorte de spiritualité qu’il entretient grâce à un cocktail Cannabis-LSD. Il avoue d’ailleurs avoir trouvé son pseudo en s’autoproclamant soufi car il fume ‘pas mal’ de ganja. Peu importe parce que musicalement, c’est transcendant et réussi. Malheureusement, sa tournée présentant l’opus est mal accueillie. Pourquoi ? Tout simplement à cause de ses musiciens et d’un manque cruel d’organisation. Ce qui lui vaudra d’être majoritairement considéré comme un vagabond plutôt –et à juste titre– qu’un musicien tripant lorsqu’il distille une musique hybride faite d’incantations sur une toile de trip-hop enfumé et déglingué.
Toute cette histoire explique peut-être la difficulté rencontrée par le deuxième album publié au sein de la même écurie. « Mu.Zz.Le » est un petit bijou mais ne dure pas plus de vingt-cinq minutes. Sur les 10 morceaux de ce mini-album, aucun ne dépasse les quatre minutes ; et pourtant, l’œuvre est plutôt intéressante. Gonjasufi se détache des collaborateurs présents sur sa première plaque pour s’allier d’êtres plus proches comme sa fille ou sa femme. Un autre retour aux sources est flagrant puisqu’il enregistre cet album à la maison, dans le désert du Mojave.
Concrètement, l’album démarre par « White Picket Fence » qui fait office d’introduction psychédélique, suivi par « Feedin’ Birds » sur lequel sa femme pose discrètement sa voix. Ensuite, c’est « Nickel and Dimes » qui donne le ton de cet album. Pour faire simple, Gonjasufi est en rupture totale avec ses prestations scéniques. Il nous livre un album aux mélodies calmes imprégnées de voix psychotiques (« Rubberland » et « Venom »). Nous laissons place à une sorte d’interlude qu’est « Timeout » pour repartir au fin fond de notre subconscient grâce à des tracks comme « Skin », « The Blame » et « Blaksuit ». Finalement, l’excellent « Sniffin’ » met un point d’honneur à ce bien agréable voyage qui prend fin beaucoup trop vite…
Emika est une jeune Anglaise de 25 ans, prénommée Ema Jolly à la ville. Et d’un avis personnel, j’avoue qu’elle porte plutôt bien son nom de famille ! D’origine tchèque, elle a vécu à Bristol avant de s’exiler à Berlin. La musique proposée par la belle se nourrit donc d’influences variées et cosmopolites.
Pour son premier album, Emika propose sous l’égide de Ninja Thune un elpee éponyme de 12 pistes regorgeant d’électro et techno ; un disque qui recèle, ma foi, quelques compos instrumentales franchement sympathiques.
Déjà, dès l’introduction du cd, on devine le talent sous-jacent de la néo-Berlinoise. Il émane de "3 hours" une espèce de murmure gracieux, une mélodie discrète mais suffisamment présente et les voix électro sont retravaillées assez finement. Que du bon donc ! La curiosité piquée au vif, on en redemande et passe vite à la suite. Ainsi, petit à petit, au fil des morceaux qui s’écoulent, tout un univers se met alors en place dans nos oreilles.
Comme indiqué ci-dessus, la musique est issue d’influences diverses. « Common exchange » en est certainement le plus bel exemple. Après une intro électro, la voix d'Emika prend alors une coloration r&b rappelant même la regrettée Aaliyah. Morceau plus calme et posé, « Professional Loving » démontre que la chanteuse est également capable de douceur, à ses heures.
Toutefois, je reprocherai quand même à la belle de ficeler des mélodies pas toujours à la hauteur de sa fort jolie voix. A l’instar de « Double Edge », plage qui ne m'a pas vraiment convaincu. A cause des sonorités beaucoup trop sourdes et froides. Enfin, j’estime aussi que trop souvent, il existe un mauvais calibrage entre son et vocalises, donnant l’impression que la musique ‘mange’ la voix de la musicienne britannique.
Reste qu’on fait ici un peu la fine bouche, car il faut se rappeler qu’il s’agit du premier album de cette pétillante Anglaise, et que pour un coup d’essai, on n’est déjà pas loin du coup de maître. Finement joué donc, même si l’ensemble est parfois un peu trop tendre pour se fondre totalement dans la mélodie électro dispensée en parallèle.
Par conséquent, si cet LP peut finir par lasser sur la durée, force est de constater que c’est un départ franchement plaisant pour cette jeune artiste. Le style personnel d’Emika, s’il n’est pas totalement abouti donc, est assurément sur de très bons rails !
Ani DiFranco a aujourd’hui plus de 40 ans (NDR : elle est née le 23 septembre 1970 !) La féministe américano-italienne n’a pourtant plus rien à prouver ; mais elle revient régulièrement sur le devant de la scène afin de dispenser ses brûlots politiquement engagés, dans un style folk très caractéristique. Depuis 1990, elle a publié, chaque année un nouvel elpee. Mais « Which Side are You on? » fait suite à “Red Letter Year”, gravé en 2008. Et toujours sur son propre label, Righteous Babe.
Pas de grands bouleversements à observer sur sa nouvelle œuvre. Comme d’habitude, les textes sont d’une importance primordiale (NDR : c’est probablement la raison pour laquelle cette artiste ne jouit que d’un succès limité de ce côté de l’Atlantique). Le jeu de guitare est dépouillé et sa voix puissante. Le combat mené par Ani semble, en outre, semble tomber à point nommé, aux Etats-Unis. Il colle ainsi parfaitement au mouvement créé par les ‘Indignés’ qui luttent contre les dérives de la Finance et la toute puissance de Wall Street.
Ainsi, ballade folk qui ouvre l’elpee, « Life Boat » nous raconte l’histoire d’une femme qui se bat pour survivre, à la Nouvelle-Orléans. Un combat qu’elle mène au jour le jour. Mais le sommet de l’album est atteint lors de la reprise du « Which Side Are You On », un classique de Pete Seeger (‘Are you part of the solution or are you part of the con?’), auquel le pionnier participe d’ailleurs aux chœurs. Quoique puisant ses influences dans le folk, le jazz et même la soul, cette œuvre s’adresse principalement au peuple yankee. A cause des lyrics, bien sûr. Et pourtant Mrs DiFranco possède suffisamment de talent pour faire son trou, sur le Vieux Continent…
Sortant de l’obscurité comme un faisceau de lumière Divine, Daniel Darc refait à nouveau le printemps.
Attendu au tournant mais n’ayant plus rien à prouver à quiconque, l’homme au passé tumultueux gravé à même le cœur nous gratifie d’un album de grande f(r)acture.
Au seuil de la dernière partie de son existence, l’ex-Taxi Girl valse debout et célèbre cet improbable exploit, nous invitant à communier avec la vie.
Introspections, génuflexions, réflexion, abandon.
Aventureux, il fuit le confort et la facilité, prend des risques mesurés mais que d’aucuns ne se permettraient.
Fidèle à lui-même, touchant la grâce d’une tremblante caresse, et embrassant l’absolu dans un souffle, il transfigure sa musique et lui donne l’ampleur des œuvres inoubliables.
De la notoriété, il n’a que faire.
Soldat de l’Art au nom de l’Art, Daniel Darc poursuit son chemin, entamé comme un calvaire, un chemin qui ressemble de plus en plus à s’y méprendre à une marche glorieuse vers les étoiles.
Partant dans tous les azimuts, l’album montre plusieurs facettes de son talent.
L’humour opère par touches subtiles, la voix et les intonations guident au gré des flux et reflux de son âme au pays de Cocagne, alors que le propos retrace un parcours chaotique et particulièrement chahuté, mais sans céder à l’apitoiement.
« La Taille De Mon Ame » est un titre particulièrement bien choisi, et à l’écoute de cet album, on imagine aisément la place conséquente que celle-ci prendra au paradis.
- Et toi, que fais-tu le Weekend ?
- Je retrouve les potes et on spolie nos aînés.
- Ah ? Et quel est le résultat ?
- Du shoegaze old school
Nostalgiques des années 90 ? Envie de découvrir un groupe dont la musique rappelle cette glorieuse décade où les gamins affichaient des profils bas et des franges qui leur bouffaient le visage ?
Jamais remis de la disparition de Chapterhouse & Co ?
Alors, ce disque est pour vous.
Dans le genre, c’est sympa, mais il reste quand même un arrière-goût de plagiat.
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