Le septième elpee de Wyatt demeure fidèle à ce style atmosphérique, jazzyfiant, dramatique, obsessionnel, émotionnel qu’il est toujours le seul à pouvoir cultiver sans tenir compte des modes ou du temps. Sur « Dondestan » (traduction de l’espagnol en français : ‘Où sont-ils’), il se réserve d’ailleurs tous les instruments. Concession quand même : le partage de la composition, mais avec son épouse Alfreda Benge. Et pour un titre qu’il cosigne en compagnie de son ex-acolyte de Soft Machine, Hugh Hopper : « Lisp Service ». Marginal mais éloquent, ce disque était paru en 1991 avant de ressortir en 1998 sous une forme revisitée. C’est cette version qui vient d’être rééditée. En fait, le mixing du long playing initial avait été quelque peu bâclé ; et c’est dans le but de rendre les sonorités plus claires et de mettre davantage en relief l’instrumentation que les plages ont été retravaillées ou même écourtées, sans pour autant dénaturer l’ensemble qui gagne même en finesse et en fluidité. (Réédition version de l’album paru en 1998)
En septembre 1974, le 8 septembre très exactement, Robert Wyatt effectue sa rentrée sur scène au Theatre Royal Drury Lane de Londres. C’était la première fois qu’il remontait sur les planches après son stupide accident qui l’a laissé paraplégique. Cet événement a fait l’objet d’une multitude de bootlegs. En 2005, le label Hannibal s’était enfin décidé à en sortir une version plus audible ; et c’est ce ‘live’ que Domino vient de rééditer. Les invités sont notoires depuis le guitariste avant-gardiste Fred Frith au saxophoniste Gary Windo, en passant par le trompettiste sud-africain Mongezi Feza, le bassiste Hugh Hopper, la claviériste Julie Tippetts, le drummer Nick Mason, le claviériste Dave Stewart ainsi que Mike Oldfield.
Au cours de ce set Wyatt va interpréter des morceaux de Matching Mole, d’anciennes compos de son premier groupe, Soft Machine ; mais surtout l'intégralité de « Rock Bottom ». Sans oublier la cover du "I'm A Believer" de Neil Diamond popularisée par les Monkees. Si ce ‘live’ n’est pas indispensable dans la discographie de Wyatt, il l’est certainement pour ses aficionados… (Réédition album paru initialement en 2005)
Pour concocter cet elpee en 1997, Robert avait reçu le concours d’une pléiade de musiciens réputés. Notamment Paul Weller, Philip Catherine (NDR : oui, oui, celui qui vient de chez nous !), le saxophoniste Evan Parker, le violoniste Chikako Sato, la tromboniste Annie Whitehead ainsi que deux ex-Roxy Music, Brian Eno et Phil Manzanera. L’album a d’ailleurs été enregistré dans les studios de l’ancien guitariste du groupe mythique de Bryan Ferry. Après avoir mené de multiples expérimentations dans des styles musicaux différents, Robert semble alors faire un bond d’un quart de siècle en arrière. Hormis le premier fragment de l’opus, frappé de la griffe Manzanera, le reste de l’œuvre reprend un long flirt entre le jazz et la musique contemporaine, engagé sur les remarquables " Ruth is stranger than Richard " et surtout " Rock bottom ", une symbiose complexe, mais bourrée de feeling que raffine le falsetto douloureux et intimiste de Wyatt. Changement marquant cependant, a contrario des albums précédents souvent composés dans l’esprit conceptuel, chaque plage revendique sa propre identité pour créer en final une œuvre aussi multicolore, raffinée qu’énigmatique. Et paradoxalement, c’est cet ensemble de diversités qui le rend si cohérent. (Réédition album paru initialement en 1997)
En 1975, paraît “Ruth is stranger than Richard”. Un disque qui s’inscrit dans la lignée de “Rock Bottom”. Plus étrange, plus instrumental, moins mélancolique, mais finalement plutôt spirituel, il a le tort de paraître trop vite après ce chef-d’œuvre. Les compositions sont plus free mais toujours aussi atmosphériques, davantage chargées de swing. Y participent notamment Brian Eno, Phil Manzanera, John Greaves, Fred Frith, Hopper, Bill Mac Cormick et quelques autres. Un elpee qui recèle une adaptation du “Song for che” morceau issu de la plume de Charlie Haden ainsi qu’une version très jazzyfiante du « Sonia » de Mongezi Feza, trompettiste qui disparaîtra quelques mois après l’enregistrement de ce disque. Ce dernier fragment est produit par Nick Mason du Floyd, alors que Wyatt se charge de la mise en forme du reste de la plaque. (Réédition album paru initialement en 1975)
En 1985, Robert Wyatt édite “Old Rottenhat” un disque enregistré pratiquement seul. Minimaliste, cet opus est partagé entre claviers, quelques percus, une boîte à rythmes et sa voix. Un disque de toute beauté qui va complètement passer inaperçu. Dédié à Michaël Bettany, un ouvrier anglais accusé d’avoir fourni des informations au bloc de l’Est, cette œuvre dénonce les injustices sociales de notre monde industrialisé, fustige l’inconscience de l’homme, soulève la question de la liberté individuelle, condamne le capitalisme, désavoue l’impérialisme anglais et américain ; sans oublier de remettre en question le modèle de la société de consommation. Rien de neuf à l’horizon côté philosophie, puisque Robert ne fait que retaper sur le même clou depuis son adhésion au parti communiste. Mais le plus intéressant procède du contenu musical à la fois dépouillé et atmosphérique, sculpté dans des mélodies aussi douces qu’onctueuses, sur lequel il vient poser son falsetto douloureux, fragile et spectral. Un disque bouleversant, proche de l’envoûtement… (Réédition album paru initialement en 1985)
Deux formations à la hype grandissante se succédaient ce 10 mai à la Rotonde du Botanique. Au menu : Telepathe et Rainbow Arabia. Le public en mal de découverte semblait, à première vue, bien servi… A première vue seulement.
Rainbow Arabia est responsable d’une alliance atypique entre musique orientale et electro. La formule, dispensée sur leur premier Ep, « The Basta », passe plus ou moins bien la rampe. Tandis que la salle se remplit peu à peu, quelques courageux s’aventurent devant le podium pour y effectuer quelques mouvements timides. La voix particulière de Tiffany Preston, à la Siouxsie, plane sur les samples et bidouillages d’un Danny Preston accoutré comme un inspecteur Clouzeau. Pas le moindre sourire mais leur musique fait le travail à leur place. Charmant, sans plus.
Comment tuer un buzz dans l’œuf ? Les deux filles de Telepathe auront probablement la réponse à cette question au terme de la promo de leur premier essai. Ouvrant son set par « Chrome’s On It », le premier ‘tube’ de leur opus « Dance Mother », le duo originaire de Brooklyn s’élance dans une succession de morceaux sans relief. La sauce ne prend à aucun moment et les filles semblent tellement concentrées sur leurs instruments qu’elles ont l’air d’oublier la présence des spectateurs. Busy Gangnes n’a pourtant pas l’air de faire grand-chose sur sa console. Sa tentative de rapprocher le public assis en fin de set se soldera sur un échec retentissant. A la sortie, les commentaires négatifs vont bon train, tous sur une variante du terme ‘nullissime’… David Sitek (TV On The Radio) s’était complètement planté, en bossant sur le dernier album de Scarlett Johansson. Il perd à nouveau un point.
Telepathe + Rainbow Arabia
Organisation : Botanique
Ce samedi soir, la Rotonde invite trois groupes de nationalité différente (Italie, France, Angleterre), mais aux influences sensiblement communes.
Jennifer Gentle est le premier groupe italien signé sur le célèbre label de Seattle, Sub-Pop. Le trio italien ouvre timidement les hostilités. Faut dire que le public est amorphe. Quoiqu’ouvertement inspiré par Syd Barrett, leur folk psychédélique ne brille pas par son originalité. Résultat des courses : le concert ne décolle jamais et passe plutôt inaperçu.
John & Jehn fait son cinéma, et ça marche ! Les french-lovers dandys exilés à Londres nous immergent subrepticement au sein d’un univers sombre. Atmosphère éclipsée par des stroboscopes aveuglants qui plongent le spectateur dans les eaux troubles et glauques d’un bon film noir et blanc. Comme le décor granuleux d’un film de Cassavetes, l’image s’imprime sur la scène de la Rotonde.
Elle, Camille Berthomier, clavier, voix, basse. Lui, Nicolas Congé, chant, guitare, basse. Le couple, à la ville comme à la scène, affiche une attitude sombre, stylisée et sensuelle. A l’image de The Kills, le couple s’harmonise ; le son et les voix s’épousent, s’entrelacent, fusionnent en pop.
On notera cependant quelques imperfections sonores (voix parfois décalées…) Une maladresse savamment concertée (‘Une façon de faire sans calculer’) héritée de Lou Reed et du Velvet Underground. Les longs intervalles silencieux entre les morceaux trahissent une certaine désinvolture et témoignent d’un manque d’expérience. ‘On a tout composé vite, on s’en souvient même plus’ et… ça s’entend !
Malgré les influences évidentes du Velvet Underground et de Joy Division, John & Jehn parviennent à créer leur propre monde musical. Minimaliste et puissant. Une musique magnétique et sensuelle affichant un romantisme désabusé. Un rock garage crasseux aux riffs qui montent en colère pour atteindre le larsen et parfois effleurer la noisy. Intelligente fusion soutenue par une boîte à rythmes omniprésente et efficace.
Hormis quelques imperfections de jeunesse, John & Jehn est indéniablement un groupe en devenir.
Anciens membres du groupe Bikini Atoll, le duo londonien Joe Gideon & The Shark est remarqué en 2002 par l’ancien membre de Cocteau Twins, Simon Raymonde. Ce groupe est partagé entre le chanteur/guitariste Joe Gideon et sa sœur Viva, multi-instrumentiste jouant parfois de 2 ou 3 instruments en même temps.
Sobrement et intimement installés sur le podium, lui, côté jardin, légèrement en retrait ; elle, côté cour, en lisière de scène, les acteurs nous offrent une stupéfiante tranche d’introspection. Des mélodies belles et évanescentes. Joe Gideon parle voyage et nous raconte de sa voix chaude et grave quelques éclats de vie, avec une langueur hypnotique. Au même titre que ses légendaires prédécesseurs, Lou Reed et Jonathan Richman, Joe Gideon s’élève en narrateur et en songwriter efficace.
La matière musicale nous offre un post-rock brouillonnant et subtil. Une musique incontestablement héritée de Nick Cave mais aux arrangements originaux souvent produits par Viva qui communique une saveur indescriptible à la formation.
Sans éclipser les talents d’auteur-compositeur de Joe, l’originalité du groupe procède principalement de la présence de Viva (The Shark). Une véritable femme-panthère orchestre au charisme impressionnant. Main droite sur le clavier, main gauche fouettant la caisse claire, elle clôture le set par « Anything you love that much you will see again ».
Deux rappels percutants pour un final aux guitares saturées et aux percussions explosives qui sillonnent encore les murs de la Rotonde.
Joe Gideon & The Shark, une expérience musicale à vivre.
Joe Gideon & The Shark + John & Jehn + Jennifer Gentle – Rotonde (Botanique)
(Voir photos dans la rubrique ad hoc)
Eric Ferrante
Organisation Botanique
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Ce 9 mai, les Nuits proposaient, au cœur du Cirque Royal, une soirée aux accents 100% ‘folk’. Au programme, un menu très équilibré. D’abord Laura Marling, une entrée découverte pour ouvrir l’appétit. Ensuite Phosphorescent, un plat principal placé sous le signe de la révélation. Et enfin, Andrew Bird. Une valeur sûre à dévorer comme plat de résistance.
La salle est honnêtement investie lorsque Laura Marling monte sur scène. La blonde est accompagnée d’une violoncelliste. Ensemble, elles retournent le folk dans tous les sens, passant de compos alt-country au fameux anti-folk, sans la moindre transition. En interprétant une de ses compos, Marling est au bord de l’étouffement ; mais heureusement, il reprend rapidement ses esprits (NDR : et son souffle), en affichant un grand sourire, comme si de rien n’était. Un 10/10 pour l’effort mais ses chansonnettes un peu trop conventionnelles n’emballent pas complètement.
Pas beaucoup plus de monde pour Matthew Houck, alias Phosphorescent. Après deux prestations inoubliables à l’ABClub, le gentil barbu revient à Bruxelles flanqué de trois musiciens. Et c’est ici que le bât blesse. Ses prestations en solo sont de celles qui vous prennent aux tripes. Quelle déception, donc, de voir un Phosphorescent un peu détaché et essayant tant bien que mal de paraître à l’aise dans une salle d’une telle envergure. Quant à la dimension minimaliste de sa discographie, elle est tout simplement anéantie par ses trois camarades. Phosphorescent était le projet d’un seul homme et aurait manifestement dû le rester.
Une petite demi-heure plus tard, Andrew Bird monte sur les planches et tente de sauver les meubles. L’homme retire ses chaussures et démarre son show seul, entouré de machines à loops. Une première partie de set impeccablement ficelée. Rejoint ensuite par ses musiciens, le Chicagolais parcourt tranquillement sa discographie, le dernier « Noble Beast » en tête. « Why ? », « Fake Palindromes » et autres « Laura » porteront le coup de grâce à un set riche et captivant. Andrew Bird saved the day…
Andrew Bird + Laura Marling + Andrew Bird – Cirque Royal
Redouane Sbaï
(Voir également notre section photos)
Organisation : Botanique
Ce vendredi 8 mai, les Nuits Botanique réitéraient l’expérience du ticket unique donnant accès à toutes les salles. Au programme : Das Pop, Metric, Art Brut, Austin Lace, Get Well Soon et 8 autres formations. Une soirée sympathique placée sous le signe de la découverte.
A 20h, le coup d’envoi de la soirée est envoyé à la Rotonde par The Phantom Band, quintet écossais pratiquant un indie rock trippant. Deux pelés et trois tondus assistent au début d’un concert qui, après quelques minutes, s’avère un peu plat. Peut-être la formation n’était-elle pas satisfaite de se produire devant un public aussi peu nombreux ?
Dans l’Orangerie, les Sud-Africains de Dear Reader réussissent un peu mieux leur passage sur scène. La pop doucereuse du trio est enrichie par les interventions au violon de Verena Gropper, la violoniste de Get Well Soon, l’espace de quelques chansons. Le résultat est plutôt gentillet, mais le public semble suivre inconditionnellement.
Direction le musée, rebaptisé ‘grand salon’ à l’occasion des Nuits. A juste titre. La salle est méconnaissable et surtout très confortable. Des tapis jonchent le sol et les jolis cadres de l’installation d’Ez3kiel enjolivent les murs. Au milieu de la salle, Broacast 2000 poursuit tranquillement son show, encerclé par un public lové dans les fauteuils mis à sa disposition. Très cosy. Les ritournelles acoustiques de la formation menée par Joe Steer se prêtent à merveille à l’atmosphère des lieux. Le quatuor, seul à jouer dans le salon ce soir, se permet un set d’une petite heure. Steer parcourt son « Building Blocks » et ses nouvelles compos sans se presser. Il a la bonne idée de rejouer, pour les retardataires, deux morceaux interprétés en début de concert devant un auditoire plus restreint. Quelques fausses notes perturbent le spectacle mais le jeune homme et ses comparses ne se laissent pas démonter, enchaînant la suite très dignement. En fin de parcours, Broadcast 2000 ne se fait pas prier et se réinvite pour un petit rappel constitué d’une reprise inattendue du « Like I Love You » de Justin Timberlake. Carrément mieux que l’original ! Une des meilleures découvertes de cette soirée.
La mauvaise idée de la soirée : programmer Art Brut dans l’Orangerie. Surtout lorsque les obscurs Official Secrets Act n’attirent pas les foules sous le Chapiteau, au même moment. Les Londoniens menés par un Thomas Burke au teint livide et à la voix aiguë ne semblent en effet pas faire l’unanimité. Le public présent aurait facilement pu tenir dans la Rotonde qui, elle, est pleine à craquer pendant la prestation d’Austin Lace.
Idem à l’Orangerie donc, où Art Brut présente un show costaud, aux limites du punk. Le son aussi est punk… La voix d’Eddie Argos est tout simplement noyée sous les riffs des deux guitaristes. Ce qui gâche un peu la performance.
Pas de problème de son par contre pour Austin Lace qui, en fin de parcours enchaîne ses singles. L’ambiance, déridée par la présence de l’amusant clown dansant au masque rouge, est la plus décontractée de la soirée. Le public a la banane tandis que la formation s’essaie à la reprise du « Over & Over » de Hot Chip.
Les fantaisies de Metric contrastent avec la douceur de Get Well Soon. Ces derniers prennent possession de l’Orangerie pour un show limpide et alcyonien.
Une belle tranche de ballades pop à laquelle Emily Haines ne peut se mesurer. Vêtue d’une petite robe à paillette, la chanteuse de Metric sautille dans tous les sens et danse comme une gourde. Un petit light-show stroboscopique plus tard, la formation entame « Help I’m Alive », son dernier single. Ce à quoi on lui répond gentiment, ‘Help, I’m Bored’…
Das Pop + Metric + Official Secrets Act. + Baddies + The Asteroids Galaxy Tour + Get Well Soon + Art Brut + Dear Reader + Au + Brakes + Austin Lace + The Phantom Band + Broadcast 2000
Organisation : Botanique.
Encore un concert sold out à l'AB ; et pour la circonstance, c'est pour y découvrir en live le nouvel album de la reine de la pop MySpace, Lily Allen. Elle opère son grand retour après sa prestation accordée en février 2007. Sold out aussi pour la liste des photographes autorisés à prendre des clichés ; puisque pour leur permettre de shooter la demoiselle, ils ont été séparés en deux groupes. Et deux chansons par vague. Placé dans le second chapeau, je n’ai donc pu accéder à la salle que 10 minutes après le début du concert.
J’avais encore en mémoire son excellente prestation accordée en 2007. Mais quelle belle surprise de la découvrir vêtue d’une superbe robe fuseau, hyper-moulante et chaussée de souliers à hauts talons. Chaussures qu’elle ôtera assez rapidement au profit de baskets blanches nettement plus confortables. Le son, les lumières, l'enchaînement des titres : tout respire le professionnalisme à plein nez, là où deux ans auparavant, il y avait encore une belle dose de spontanéité. La setlist fait bien entendu la part belle aux titres du nouvel album ; et notamment les singles "The Fear" et "Fuck You", deux morceaux provoquant la levée de centaines de doigts. Mais quelques chansons issues du premier elpee, y compris sa cover de "Oh My God" des Kaiser Chiefs, font également bonne figure. Hétérogènes, les styles musicaux se succèdent sans pour autant s’écarter d’un fil conducteur parfaitement balisé. Les titres s'enchaînent même naturellement pour le plus grand bonheur de l’audience. Et le show s’achève par la reprise du "Womaniser" de Britney Spears. Lorsque les lumières se rallument, on jette un coup d’œil sur sa montre : le concert a duré une heure et quart. L’occasion pour les mécontents du lui reprocher la brièveté de son set. Mais ce goût de trop peu en bouche était peut-être une réaction souhaitée par Lily Allen. Et est probablement un gage de présence de ce même public, lors de son prochain passage en Belgique.
(Voir également notre section photos)
Organisation Live Nation
Deux formations américaines se produisaient le deuxième jour, dans le cadre de l’édition 2009 des Nuits Botanique : Grails et Woven Hand. Pas au Bota, mais au Cirque Royal. Un fameux changement de style par rapport à celui que Beirut avait entretenu la veille, en ouvrant le festival. Après le folk réputé pour ses vertus slaves, tsiganes et mariachis de la bande à Zach Condon, Grails et surtout Wovenhand promettaient un climat plus sombre.
A 20h00 pile, le quatuor de Portland monte les planches. Il est venu présenter son dernier album « Doomsdayer’s Holiday ». En tournée, leur line up est complété par un drummer/percussionniste et un claviériste. Ces deux membres subsidiaires rejoignent rapidement le bassiste et les trois gratteurs (NDR : deux électriques et une acoustique). Instrumentale, leur solution sonore trempe dans le post-métal ambiant. A charge pour le claviériste de nous aider à pénétrer dans leur univers, de ses nappes atmosphériques. Car au bout de trois morceaux, le multi-instrumentiste, Emil Amos, passe derrière les fûts. Et il frappe dur. Impressionnant ! Une puissance qui va atteindre son paroxysme lors des trois compos issues de leur dernier elpee. Après un détour par la soul et le rock progressif, le set s’achève dans un climat davantage percussif. Et pour cause, Emil a repris les sticks. 45 minutes pus tard, les Grails peuvent se retirer. Leur prestation a été convaincant ; même si une partie du public ne semblait pas partager mon point de vue. Une chose est sûre, leur spectacle n’a pas laissé indifférent…
On a à peine le temps de prendre l’air ou/et de se désaltérer que David Eugene Edwards fait son apparition. Sous les acclamations de la foule, il faut le souligner. Chaussé de santiags, il est vêtu d’un jeans et d’une chemise de bûcheron. Il a accroché ses cheveux à l’aide d’un foulard. Ce personnage charismatique s’installe au beau milieu de la scène, sur une chaise. Il n’en décollera, de la soirée, que pour changer de guitare et en fin de parcours, saluer l’audience. Il est soutenu par Pascal Hubert à la basse et Orry Harrison à la batterie. Dès les premières notes du set, on est plongé dans le Sud profond. La voix si caractéristique de l’ex-leader du défunt 16 Horsepower communique déjà le frisson. Elle suscite même parfois une forme d’angoisse. La réverb produite par un de ses micros apporte de la profondeur aux compos. Il chante ses lyrics comme si sa vie en dépendait. Il gesticule tout en demeurant sur son siège, et mimant ce qu’il veut faire ressentir. Les sonorités de sa guitare sont grasses et malsaines. Ce qui n’empêche pas le groupe d’enchaîner les morceaux un à un avec une élégance impressionnante.
Lors de ce concert, Wovenhand a privilégié les compos issues de ses anciens albums, ne réservant finalement que trois titres de « Ten Stones », dont l’excellent « Not one stone ». Après une bonne demi-heure, Hubert et Harrison se retirent en coulisses. Le temps de permettre à Eugene d’attaquer en solitaire, un morceau au banjo ; instrument qu’il reprendra un peu plus tard, mais flanqué de ses deux comparses. Au bout d’une heure de spectacle, le trio vide les lieux ; mais en prenant soin de laisser courir un sample réminiscent de chants indiens d’Amérique (NDLR : des Sioux ?), dont les esprits rôdaient peut-être autour de nous…
De retour assez rapidement, Wovenhand ne va consacrer qu’une seule chanson au rappel. Applaudissements nourris et mérités. Un bémol ? Le volume excessif diffusé par les hauts parleurs. Difficile de bien discerner toutes les subtilités de leur musique, lorsqu’on est noyé sous les décibels ; mais également de savourer pleinement la superbe voix du natif d’Englewood (NDR : c’est dans le Colorado !)…
Grails + Woven Hand
(Organisation Botanique)
Il faut avouer que le team de Delta Groove a eu le nez creux en recrutant le jeune Jason Ricci. Un musicien hyperdoué qui avait littéralement cassé la baraque lors de la sortie de son premier album "Rocket number 9". Un disque percutant qui était déjà sorti sur Rocket number 9, la filiale rock de Delta Groove. Et la critique n’avait pas tari d’éloges ce prodige. Pourtant, l’artiste a le succès modeste. Dans les notes consignées à l’intérieur du booklet, il rend hommage au collectif New Blood, un quartet qui le soutient et auquel il accorde une grande importance. D’ailleurs, la plupart des compositions sont signées par l’équipe. Ricci a gardé auprès de lui, le superbe gratteur Shawn Starski et Todd Edmunds, à la basse.
Pour enregistrer ce nouvel opus, Ricci a cependant engagé un nouveau batteur : Ed Michaels. En outre, il a bénéficié du concours de Philip Wolfe. Qui cumule ici les fonctions d’ingénieur du son, d’arrangeur et musicien. C’est également au sein de ses studios, dont il est le proprio (NDR : le Shadow Lane à Nashville, dans le Tennessee), que les sessions d’enregistrement se sont déroulées. On peut donc affirmer qu’il est devenu une pièce importante du nouvel édifice imaginé par Jason.
"Done with the devil" ouvre l’opus. Nerveuse, cette plage adresse un clin d'œil manifeste au blues issu du Mississippi. Jason a vécu quelque temps dans les collines de cet Etat. Il y a côtoyé les regrettés RL Burnside et Junior Kimbrough ; et on s’en rend compte immédiatement sur cette compo, au cours de laquelle il étale rapidement toute sa science et sa vivacité. Bercée d’accents ‘soul pop’, la mélodie de "Sweet loving" est très accessible. Wolf siège derrière l’orgue. Shawn tisse des phrases élégantes sur ses cordes. Quoiqu’élaborée, cette chanson reste agréable. Sculptée dans le funk pur, "Holler for Craig Lowler" laisse libre cours à la virtuosité de ses partenaires. Et notamment à l'étonnante intervention de basse opérée par Edmunds, suivie par celle de la guitare et de l'harmonica. Jason chante passionnément et intensément "Broken toy", une superbe ballade lente que Shawn balise de ses cordes, en prenant soin de préserver la ligne mélodique. Et quand Ricci reprend son instrument diatonique, c’est pour atteindre un des sommets de cet opus. Instrumental, "Ptryptophan pterodactyl" est issu de la plume du bassiste. Un chouette morceau teinté de jazz rock. Jason ne renie pas son attitude punk. Et il le démontre sur "I turned into a martian", une compo agressive qu’il chante d’un timbre violent, puissant ; un morceau qui aurait pu relever du répertoire des Ramones voire des Pistols. Cependant, Jason prend un soin particulier à soigner ici la forme. Ricci est susceptible de dispenser autant de notes que le Jon Popper de Blues Traveler, au sommet de sa forme. Souligné par une jolie partie de guitare, la cover du "As long as I have you" de Willie Dixon nous replonge naturellement, directement et sans la moindre fioriture dans le blues. Starski chante son "How it come to be". Un blues de très bonne facture, proche du "Good morning little schoolgirl" de Sonny Boy Williamson I, au cours duquel il joue du dobro et de la guitare acoustique. Longue fresque instrumentale, "Afro blues" permet à Ricci et Starski de s’autoriser de superbes envolées sur leurs instruments respectifs. Ed Michaels a composé "Keep the wolf from my door", en pensant au grand Howlin' Wolf. Il se réserve les vocaux derrière ses drums. Todd Edmunds assure les parties de basse au sousaphone, tandis que Starski est soutenu par un autre gratteur, Shawn Kellerman. "Enlightement" clôture l’album. Un morceau signé Sun Ra, proposé sous la forme d’un divertissement imprimé sur le rythme d'une valse un peu folle. Wolfe y cumule l'accordéon et la slide. « Done with the devil » est une œuvre qui n’est pas toujours facile d’accès, mais dont le principal mérite est de ne jamais susciter l’ennui.
En 2007, cette jeune formation issue du Nord-Ouest des States avait concocté un premier opus particulièrement séduisant. Intitulé "Left Coast blues", il avait été enregistré dans le living room du bassiste Dean Mueller. A cause de ce disque, le combo avait même décroché une nomination de ‘Best new artist debut’ aux Blues Music Awards, l’année suivante. Depuis, les Insomniacs colportent leur West Coast blues sur les routes des USA. Et à une cadence soutenue. En octobre dernier, ils se sont quand même décidés à passer deux jours en studio. A Brubank, très exactement. Ils vont ainsi mettre en boîte le deuxième chapitre de leur discographie.
Le leader du combo est incontestablement Vyasa Dodson. Chanteur guitariste et compositeur, il est à peine âgé de 27 ans. Le line up est complété par le bassiste Dean Mueller, le drummer Dave Meyan et le claviériste Alex Shakeri. Et le résultat est à la hauteur de nos espérances. Un opus plus fouillé, varié, conséquent, dont les sessions d’enregistrement ont été rehaussées par la présence de quelques invités de marque.
Outre leurs compos personnelles, les Insomniacs proposent quelques covers. Des choix particulièrement judicieux. Et en particulier les trois premières plages de l’elpee. Tout d’abord une version tonique du "Lonesome" de Memphis Slim, traitée dans un style jump au punch tonique. Vyasa y chante d’un timbre juvénile, mais harmonieux et impeccable. Il décoche un solo à rendre jaloux Junior Watson (NDR : il signe les notes de pochette). Invité notoire, Al Blake se déchaîne à son tour sur l'harmonica. L’ancien membre du Hollywood Fats Band a répondu favorablement à l’invitation du groupe ; et pour cause ce sont des fans invétérés du Fats Band. Le "Broke and lonely" de Johnny ‘Guitar’ nous plonge dans un univers très différent. Proche de la country. A cause de la présence de Joel Patterson à la pedal steel, un personnage qui côtoie régulièrement Carl Sonny Leyland. Responsable de sonorités métalliques sur ses ivoires, Shakeri est intenable. "Directly from my heart to you" est un blues issu de la plume du maître du rock'n'roll : Little Richard. Pour la circonstance, les Insomniacs bénéficient de la participation de Jeff Turmes, aux saxophones ténor et baryton. Un maître dans le style. A cet instant, la densité sonore est à son paroxysme. L’elpee recèle deux excellents longs slows blues. Tout d’abord "Hoodoo man blues", une magistrale reprise du classique de Junior Wells. Cette cover nous entraîne au cœur du Chicago southside, un périple au cours duquel Mitch Kashmar nous réserve une intervention magistrale à l'harmonica. Et puis le "Description blues" de John Willie Henry. Nappé par les sonorités particulièrement agréables et subtiles de l’orgue à la Jimmy Smith, cette compo se complaît dans une certaine douceur. Dernière cover, "Baby don't do it" est signé Lowman Pauling, une chanson qui avait décroché un n°1 en 1953 au sein du groupe de R&B, The Five Royales. On a l’impression que ce morceau sort tout droit d’un jukebox de l'époque ; mais la nouvelle version est tout à fait convaincante.
On en vient donc au répertoire de Mr Dodson. "Maybe sometime later" est imprimé sur un tempo R&B ; une compo illuminée par une sortie sur les cordes digne d’un Jimmie Vaughan au sommet de son art. Le gamin jouit d’un talent à l’état pur, un talent susceptible de faire pâlir bon nombre de musiciens confirmés. Le titre maître est soutenu par des vocaux généreux. Le sax ténor de Turmes balaie le décor. Parcimonieuse, la guitare libère des sonorités sidérantes. Et la section rythmique porte l’ensemble. Plage instrumentale, "Root beer float" est imprimée sur un tempo boogie rigoureux. Le piano trace allègrement tandis que la guitare virevolte dans l’esprit du grand Fats! Très rock'n'roll, "She can talk" prend son envol sur les ivoires avant de céder le relais aux cordes, sur un rythme similaire. "Angry surfer" autorise un exercice d’impro à la six cordes. Alex Shakery nous rappelle qu’il est un excellent organiste sur le passionnant sur "20/20". Bien reçu! De toute bonne facture, cet elpee s’achève par un nouvel instrumental baptisé tout naturellement "Insomniacs boogie" ; une plage au cours de laquelle tous les acteurs ont droit, successivement, au chapitre…
The Rakes est une formation anglaise dont le patronyme est inspiré de l'opéra d'Igor Stravinski, ‘The Rake's Progress’. Leur musique est cependant beaucoup moins ambitieuse. C’est la raison pour laquelle on pourrait également traduire ce terme par ‘les râteaux’ ou encore les ‘les libertins’. A vous de choisir, suivant ce que le groupe vous inspire. Fondé en 2004, le combo est rapidement signé par V2. La même année, il joue en première partie de Bloc Party, alors en pleine ‘hype’, lors de leur tournée française. Ce périple légitime ainsi une certaine notoriété acquise hors des Iles Britanniques. Leur premier elpee paraît l’année suivante. Intitulé « Capture/Release », il est bien reçu par l’ensemble de la presse spécialisée ; unanime pour la circonstance. Ce qui va sans doute leur permettre d’assurer le supporting act de la tournée européenne de Franz Ferdinand ! Après avoir commis l’Ep « All Too Human », le groupe décide de tourner pour son propre compte. Et puis de sortir un deuxième opus. Qui déçoit. En fait, il gagne en complexité ce qu’il perd en spontanéité et en évidence mélodique.
« Klang » constitue donc leur troisième long playing. Il a bénéficié de la participation de l’Allemand Chris Zane, personnage dont la carte de visite mentionne la mise en forme de disques de Les Savy Fav, The Walkmen ou la future sensation estivale, Passion Pit, à la production. Mécontent de l’inertie qui gangrène actuellement la scène londonienne et afin de retrouver une certaine inspiration, le groupe a voulu se rendre à Berlin dans l’ancienne partie communiste de la ville. Et même s’y installer. C’est dans le bâtiment d’une ancienne radio à l’architecture Bauhaus que « Klang » a été enregistré. Les musiciens ont même déclaré qu’ils souhaitaient s’imprégner de l’ambiance qui règne à Berlin, de son image, afin de concocter une œuvre brute, excitante, complexe et schizophrène…
En un peu plus de trente minutes, le post-punk mâtiné de britpop des Anglais fait véritablement mouche. On peut même avancer que le résultat est presque aussi probant que celui atteint sur « Capture/Release ». Et pas seulement parce que la voix d’Alan Donohoe et empreinte de lyrisme. Nouveau single, « 1989 » (NDR : un clin d’œil à la chute du mur ?) et ses ‘lalalala’ frondeurs mais surtout le nonchalant « The Light From Your Mac » accrochent instantanément. Plus proches de l’univers d’un Franz Ferdinand, ce sont aussi les titres les plus pop. Caractérisé par ses riffs de guitare discordants, « Muller Ratchet » ne manque pas de charme. Particulièrement contagieux, « That’s The Reason » et « The Woes Of The Working Women » rappellent que le combo est bien britannique. Pas de morceau vraiment inoubliable sur cet elpee, mais dix chansons bien ficelées susceptibles de s’écouter en boucle.
The Rakes ou la version morveuse, petite frappe et nerveuse du gang d’Alex Kapranos !!! Le tout avec une pincée de Blur originel. Après avoir écouté ce « Klang », il est clair que l’air est-allemand leur réussit !
Ozark Henry est un personnage que j’apprécie beaucoup. Et je ne m’en cache pas. Son nom de scène me plaît pour sa sonorité mais aussi pour sa signification. « Ozark » est une référence à une chaîne de montagne de l’Arkansas et « Henry » incarne un personnage de Junkie, œuvre de l’écrivain William S. Burrough. La classe ! Les autres raisons de mon estime vis-à-vis du chanteur belge sont bien plus terre à terre. Il y a quelques années, lors d’une soirée quelque peu arrosée, j’étais attablé à ses côtés, dans un restaurant asiatique. A Courtrai (NDR : d’où il est originaire). En fin de soirée, j’ai maladroitement et malencontreusement renversé mon verre de vin dans son assiette. L’artiste n’en a pas fait un plat, se contentant d’un sourire et d’un mot sympathique. La classe encore une fois ! En outre, il se procure ses instruments chez le même fournisseur que je fréquentais à l’époque. N’est-ce pas une raison suffisante pour mériter ma considération ?
Ces anecdotes nous éloignent quelque peu du sujet. Piet possède de bons gènes. Il est le fils du compositeur classique Norbert Goddaer. Il a donc été encouragé, très jeune, à se lancer dans la musique. Il a commencé à jouer du piano (NDR : et du saxophone) à l’âge de 6 ans. Ce qui explique sans doute pourquoi il jouit d’une telle maîtrise aux ivoires. Et qu’il est aussi perfectionniste.
« Grace » a été enregistré en studio, mais en prise directe. C’est-à-dire comme un ‘live’. En février 2008. Piet souhaitait réarranger une partie de son répertoire d’une manière plus dépouillée en les focalisant sur le chant et le piano. Et manifestement, à l’écoute de cet elpee, c’est la voix qui impressionne avant tout. Cette voix si caractéristique, empreinte d’une grande pureté domine les compos. Le prince de la pop belge est parfois critiqué pour l’excès de sophistication de ses arrangements ; mais ses versions allégées prennent une toute autre dimension. On y recèle même parfois quelques accents empruntés subrepticement à Coldplay voire à U2. Toutes ses plus belles chansons et tous ses hits sont ici réunis. A l’instar des superbes « Indian Summer » ou encore « Word Up ». Et les plages les moins notoires, comme la bande son du film « To Walk Again », sont aussi réussies. Enfin, sous leur forme épurée, « Vespertine » et « Sun Dance » sont vraiment impressionnants.
Après avoir écouté ce quasi ‘Best Of’, on peut mieux comprendre pourquoi à une certaine époque, David Bowie avait déclaré être devenu fan d’Ozark Henry. Et pas pour rien qu’il est considéré comme un des plus grands mélodistes belge ! Alors, l’état de « Grace » ? Pas tout à fait. A cause de la longueur de certains morceaux. Les sept minutes de « Splinter » finissent même par lasser. Et puis d’une trop grande homogénéité entre les différentes compos. Se farcir l’intégralité de cette œuvre est assez fastidieux. Un brin de folie aurait à coup sûr permis à ce disque de décrocher la timbale. Ce n’est sans doute que partie remise…
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