La pochette de « The Island Moved In The Storm » annonce la couleur. Avec Matt Bauer, on ne va pas beaucoup rigoler. Et à juste titre, puisque son second essai est inspiré de la découverte, en 1968 au Kentuckly, du corps d’une jeune inconnue rebaptisée ‘Tent Girl’ par la presse locale. D’aucuns pourraient donc s’attendre à une œuvre morbide au-dessus de laquelle plane le spectre d’un être abandonné à son sort et en quête de justice. Mais Matt Bauer prend le parti de relater un conte sombre avec la délicatesse et le cœur d’un folkeux pour qui l’histoire d’une âme dévoyée ne s’arrête pas forcément au dernier souffle rendu.
Entouré de la grande famille folk de Brooklyn et San Fransisco (Alela Diane, Mariee Sioux, ainsi que des membres de St. Vincent, Last Of The Blacksmiths ou Dirty Projectors), Matt Bauer publie une œuvre évoquant certains des meilleurs travaux de Iron & Wine, agrémentée d’une pointe parfaitement dosée de mélancolie et hantée par un banjo omniprésent. Les folkeux barbus savent caresser dans le sens du poil, et Matt Bauer le prouve une fois encore.
Le jeune Jeremy Warmsley s’était déjà illustré en 2006, lors de la sortie de l’album « The Art of Fiction ». « How We Became » constitue donc son deuxième opus. Un disque pour lequel il a reçu la collaboration de Markus Dravs à la (co)production, un personnage devenu notoire depuis qu’il a bossé pour les passablement pompiers Arcade Fire.
Pompier, « How We Became » l’est aussi ; mais on y décèle un sens de la grandiloquence typiquement anglais et bien plus drôle que celui proposé par les Canadiens. Entre ballades tramées au piano, électronique et une pop rock indépendante mélodique et décomplexée, le jeune Jeremy n’a pas peur du ridicule et arrive à concocter quelques petits tubes (« Dancing With The Enemy », « 15 Broken Swords »). On pense au romantisme et à la voix de Beirut, aux atmosphères de Divine Comedy mais aussi à Eugene McGuinness, un autre jeune Anglais qui a sorti, il y a peu, un disque dont l’esprit est très proche de « How We Became », mais dans une veine plus rock. Tout n’est certainement pas réussi sur ce disque, mais il laisse entrevoir un talent et une personnalité originaux. A épingler : une chouette reprise du « Tempation » de New Order, en guise de bonus. A découvrir !
Les hyperactifs Bruxellois de Soy Un Caballo ne s’arrêtent jamais de travailler. Deux ans plus tôt, ils avaient concocté « Les heures de raison », un ambitieux et très réussi album de chansons interprétées en français et teintées d’un onirisme inquiet. En toute discrétion, « Les Heures de raisons » a séduit une partie de l’Europe (Espagne, France, Angleterre) et devrait atteindre les rivages américains, en juin prochain…
Parallèlement à ces activités, Soy Un Caballo dédie quatre 45 tours aux saisons, pour le compte du label anglais Need No Water. Le premier, dédié à l’automne, invitait les Anglais de Tunng à reprendre « Robin », une des chansons issue des « Heures de Raisons ». Sur le deuxième volume, dédié à l’hiver, Soy Un Caballo adapte « Birchwwod Beaker », une comptine hantée de This Is The Kit, publiée sur son album « Krülle Bol ». Là où la version des Anglais est minimale (une guitare sèche, une batterie et la belle voix de Kate Stables), celle de Soy Un Caballo, chantée dans la langue de Molière, est richement arrangée. « A travers la neige » regorge de claviers à l’ancienne et bénéficie du concours d’une belle section de cuivres. Les voix conjuguées de Thomas Van Cottom et Aurélie Müller entraînent la compo dans un autre univers. L’hiver est certes palpable, mais chez Soy Un Caballo la saison froide est empreinte d’une féerie relativement absente de la très belle version originale, un peu plus désespérée. Du beau travail sur un ‘split-single’ à découvrir ; mais n’attendez pas l’hiver prochain pour vous procurer le disque, car le tirage de ce vinyle est fort limité !
La quête de la sagesse est un thème au questionnement sans fin. Pour beaucoup, aborder ce sujet se révèle être un exercice périlleux, voir tabou. En revanche, pour le duo norvégien Röyksopp, la sagesse n’est pas à prendre avec des pincettes. Au diable toutes ces manies et prises de conscience ; et même si Svein Berge et Torbjørn Brundtland arpentent la scène électro depuis dix ans déjà, ils revendiquent clairement leur joie de vivre. En une décennie, les deux zouaves ont obtenu beaucoup en crédibilité mais rien n’y fait, l’image de Röyksopp reflète l’adolescence. Il est loin le temps de « Melody A.M. », premier opus tonitruant sorti en 2001 ou encore « The Understanding », paru en 2005. Quatre ans après ce dernier, les deux nordistes plantent « Junior », premier volet d’une pièce en deux actes. Le deuxième, « Senior » est annoncé pour la fin de l’année 2009 et n’est autre que la marque d’un hommage à un autre groupe nordiste, Junior Senior (pensez aux tubes « Move Your Feet » ou encore « Shake Your Coconuts »).
A l’écoute de cette première étape, on en ressort heureux, une sensation amorcée par « Happy Up There », le titre d’ouverture (NDR : oui, oui, celui qui squatte pour l’instant la bande FM). Il est clair que les modelages de leurs sonorités synthétiques ont de quoi égayer notre quotidien est c’est de façon directe que le rythme et la magie Röyksopp exercent leurs premiers effets. Flanqué de l’inusable Karin Dreijer Andersson, moitié de The Knife, le duo s’est emparé aussi des exquises Robyn et Lykke Li qui viennent envoûter cet album de leurs voix suaves sur des titres phares tels que « The Girl And The Robot » ou encore « Miss It So Much ». Outre ces morceaux, on notera le splendide « Röyksopp Forever », plage instrumentale forte en intensité. Malgré une ampleur tout de même juvénile, on regrette parfois le fait de ne pas découvrir la face adulte des deux Norvégiens, mais qu’importe, Röyksopp démontre qu’il est un duo honnête et respectable et sait impatiemment que l’on attend de découvrir « Senior », deuxième acte qui clôturera une pièce aux nombreux rebondissements imprévisibles !
Metalycée ne laisse pas indifférent, soit on adore, soit on déteste. Personnellement, j’appartiendrais plutôt à la seconde catégorie. Composé d’un batteur, d’un bassiste, d’un synthé, d’un trautonium (NDR : inventé par l'Allemand Friedrich Trautwein en 1930, le trautonium est un instrument de musique électronique dont les sons sont produits par des tubes radio qui engendrent un signal électrique périodique alimentant un haut-parleur ; le timbre très riche du trautonium est commandé par un jeu de boutons-poussoirs affectant les harmoniques supérieurs - Encyclopedia Universalis) et d’une chanteuse, le gang autrichien se veut expérimental et avant-gardiste.
« Is it not » est un album difficile d’accès, au tempo ultra-lent rappelant parfois les Anglais de Scorn. Les sons électroniques et la basse distordue appuient des vocaux déclamés sur un ton monocorde et déprimant par Melita Jurisic. Cette dernière, au timbre de voix très masculin contribue à faire de la musique de Metalycée la parfaite bande son de votre cauchemar de cette nuit.
Si la musique des Viennois est indéniablement novatrice, elle donne souvent l’impression que le groupe veut en faire un peu trop. A écouter quand même, ne serait-ce que pour vous faire une opinion différente de la mienne.
Le Lafayette Afro-Rock Band n’a jamais récolté beaucoup de succès au cours des années 70, période au cours de laquelle cette formation newyorkaise écumait les salles de Barbès, à Paris. Les gaillards avaient en fait quitté les USA dans l’espoir de se faire une place au soleil, en Europe. Ils ne dépassèrent pas le succès d’estime, servant surtout de groupe de studio pour le producteur français Pierre Jaubert. Avant de retourner (et splitter) aux Etats-Unis en 1978, le groupe a sorti plusieurs albums sous différents patronymes, dont les vinyles originaux sont aujourd’hui des pièces de collection…
C’est le rap qui a permis la redécouverte et la réhabilitation du funk-jazz polyrythmique de ce groupe exceptionnel. Pour citer un exemple, l’introduction de batterie du titre « Hihache », repris dans ce best of, a été d’abord été ‘samplée’ par toute la scène rap (Biz Markie, De La Soul, Jay Z…) avant d’essaimer le reste de la planète pop. Aujourd’hui, le Lafayette Afro-Rock Band est unanimement considéré comme un des meilleurs groupes funk de l’époque. Les quinze titres repris dans ce « best of » confirment cette réputation flatteuse. Les rythmiques inventives, les cuivres rutilants, les claviers jazz et surtout les percussions animent ces compositions d’un souffle unique et magique. Un disque indispensable pour tout amateur de funk !
Est-il encore besoin de présenter Glenn Hughes ? A 58 ans, ‘The Voice Of Rock’, comme on le surnomme, présente un CV plus long que la liste des cadeaux sollicités auprès du Père Noël. Trapeze, Deep Purple, Hughes/Thrall, Black Sabbath, Phenomena, Hughes Turner Project, il est impossible de citer ici tous les projets auxquels le bonhomme a participé.
Le 17 juin 2006, sur l’invitation de son ami Jimmy Barnes, Glenn Hughes donne au célèbre club « The Basement » à Sydney en Australie, un concert intimiste devant quelques dizaines de spectateurs acquis à sa cause.
De « Coast to coast » enregistré avec Trapèze en 1972 à « The divine » extrait de son dernier album solo, l’Anglais offre une relecture acoustique de titres puisés dans sa fructueuse discographie. Tous les morceaux sont joués par un groupe réduit à sa plus simple expression : guitares acoustiques, basse et claviers auxquels vient parfois s’ajouter un quatuor à cordes. Pas de percussions. La voix du chanteur, contrairement à celle de beaucoup d’autres de sa génération n’a rien perdu de sa puissance et impressionne tout le long du set.
Hughes, très à l’aise et visiblement content d’être là présente chaque chanson en l’illustrant d’une anecdote. Le public, assis, l’écoute respectueusement. Entre titres issus de sa carrière solo (« I found a woman », « Last mistake », « Frail » ou le très funky « Soul mover ») et reprises de standards tels que « Nights in white satin » des Moody Blues ou « A whiter shade of pale » de Procol Harum, le grand Glenn glisse de magnifiques versions de titres de Deep Purple : « This time around », « You keep on movin’ », ainsi qu’une incroyable version de « Mistreated » originellement chantée en duo en compagnie de David Coverdale. En rappel, le célèbre rocker australien Jimmy Barnes rejoint son idole sur scène pour interpréter « Gettin’ Thighter ». Inoubliable !
Le Cd généreusement accompagné d’un Dvd reprenant le concert dans son intégralité et trois clips vidéo est à conseiller principalement aux fans de Glenn Hughes et de Deep Purple, bien que tout amateur de bonne musique puisse y trouver son compte.
Le « Walking On A Dream » d’Empire Of The Sun remporte sans problème la palme de la sortie la plus erratique de cette fin de décennie. Initialement publié en octobre 2008, il a fallu attendre le mois de février pour découvrir le recueil dans les bacs belges et anglais. Les Français n’y ont eu droit qu’un petit mois plus tard et la plaque a eu droit à une publication dite ‘internationale’ et digne de ce nom que ce 21 avril. Tous ces délais en valaient-ils vraiment la peine ? Plutôt deux fois qu’une !
En lâchant le single « Walking On A Dream » sur les blogs de la terre entière il y a près d’un an, Luke Steele (The Sleepy Jackson) et Nick Littlemore (Pnau) ne s’y sont pas trompés. Le gros buzz a achevé le travail pour la formation australienne comparée aujourd’hui à MGMT. La première œuvre du duo se partage donc entre psychédélisme et un synthpop sorti tout droit des eighties. Une époque mise à l’honneur de manière remarquable au cœur des excellents morceaux « Standing On the Shore », « We Are The People », « Half Mast », « Country » ou encore « Without You », une ballade 100% rétro et d’une ringardise assumée.
Ne reculant devant aucune exubérance, comme en témoigne l’imagerie kitsch de la formation, Luke Steele en fait souvent des tonnes vocalement. Mais ses falsettos toujours bien placés titillent agréablement l’oreille, sur les instrumentations stellaires de Littlemore. Malgré l’une ou l’autre faiblesse (les surproduits « Tiger By My Side » et « The World »), « Walking On A Dream » est une œuvre plutôt convaincante qui, sans faire autant de vagues que le « Oracular Spectacular » de MGMT, devrait conquérir les ondes quasiment de la même manière.
Ce mardi, à 20 heures, le label Bang ! avait organisé un showcase au Café Central. A l’affiche, Sophia, venu présenter son tout nouvel opus, « There Are No Goodbyes », trois ans après la sortie de « Technology Won’t Save Us ». Un disque que je vous recommande tout particulièrement et qui était paru officiellement la veille…
Quoique trié sur le volet, le public ne semble guère attentif. Bien trop bruyant, il ne permet pas d’écouter le set dans des conditions idéales. Seul à la guitare acoustique, Robin Proper-Sheppard ouvre les hostilités par « Is It Any Wonder », une plage extraite de son premier elpee. Petite surprise pour l’auditoire, puisqu’il venait d’annoncer qu’il ne jouerait que des titres issus de son nouvel opus ! Le Californien attaque ensuite quelques belles versions, dépouillées et toujours aussi sombres, de « There Are No Goodbyes », le dernier elpee. Il est ensuite rejoint par Astrid Williamson, aux vocaux, pour ce qui va s’avérer le point culminant de ce bref spectacle.
Tout au long de la soirée Robin Proper-Sheppard est paru très détendu. Et, manifestement, il est fier de son nouvel opus. Ce qui ne lui arrive pas souvent. Mais on peut lui donner raison, tant les compositions issues de ce disque, quoique toujours aussi sombres, sont littéralement portées par une instrumentation aussi subtile que luxuriante. Bref, manifestement, il vient à nouveau de commettre un album d’excellente facture.
Bien sûr, les spectateurs attentifs ce soir sont en droit de regretter les mauvaises conditions dans lesquelles s’est déroulé le showcase ; mais on se consolera le 23 mai prochain, puisque Sophia se produira à l’Ancienne Belgique, dans le cadre d’une tournée qui passera également par l’Atelier à Luxembourg le 20 du même mois, et le lendemain au Café De La Danse, à Paris.
Huit ans après l’éclatant « First Album », Miss Kittin retrouve son acolyte The Hacker pour une seconde collaboration, sobrement intitulée « Two » et qui révèle enfin et sans aucun artifice, la voix de la dame. Un ouvrage à l’image du duo, sombre et séduisant, qu’ils venaient présenter ce 28 avril à l’Ancienne Belgique.
The Neon Judgement était chargé de chauffer la salle. Un set long d’une heure dans une salle à moitié remplie et plongée dans une quasi-obscurité. Quelque chose à cacher ? Peut-être cet horrible perfecto arboré par le leader de la bande. La formation originaire de Louvain venait présenter « Smack », un énième recueil dont les morceaux se distinguait à peine des titres extraits des travaux précédents. Au bout de quelques minutes, les images projetées sur l’écran à l’arrière-scène devenaient presque plus intéressantes que le son diffusé par les haut-parleurs...
Avec 5 minutes d’avance sur le programme, les Grenoblois Miss Kittin & The Hacker prennent la scène d’assaut. Elle, à gauche, toute de cuir vêtue. Lui, à droite, dissimulé derrière ses platines. « The Womb » ouvre le bal électronique. Le public est nombreux, bien que la salle n’affiche pas sold-out ce soir. Après un tonitruant « Life On MTV » et l’excellent nouveau single « 1000 Dreams », la dominatrice propose ce qu’elle annonce comme ‘la chanson pour laquelle beaucoup sont venus ce soir’. « 1982 » ? Faux. Le duo s’élance dans un « Frank Sinatra » au ‘suck my dick, kiss my ass’ repris en chœur par un public extatique et aux mouvements frénétiques. Le thermomètre chute quelque peu lors de la reprise dispensable du classique d’Elvis, « Suspicious Mind », mais la suite de la prestation, partagée équitablement entre anciens et nouveaux morceaux fera rapidement oublier cette fausse note. Le rappel, entre le très attendu « 1982 » et la reprise impromptue de « Tainted Love » de Soft Cell, clôture un show rondement bien mené et chaleureux, malgré une relative distance entre les artistes et le public. Un excellent moment de décompression programmé en pleine semaine !
(Voir également notre section photos)
Organisation : Ancienne Belgique
Le dimanche 26 avril, l’AB se le jouait rétro en conviant sur la scène de son club le petit prodige de la soul, Eli ‘Paperboy’ Reed. A peine âgé de 26 ans et haut comme trois pommes, le ‘funk soul brother’ blanc se lance sur les traces de ses pères spirituels, Otis Redding, James Brown et Solomon Burke. Un sacré défi que le bonhomme relève haut la main.
La première partie est assurée par The Right Ons, formation originaire d’Espagne mêlant un rock vintage à un esprit plutôt punk. Le quintet se débrouille plutôt bien et distille une énergie exemplaire, incitant le public à quelques déhanchés timides. Mais un son manifestement trop fort gâche quelque peu le spectacle et la fin du set arrive malheureusement presque comme un soulagement.
Vers 21h15, Eli Reed est précédé par ses six musiciens, The True Loves, et exécute une entrée de star balançant un ‘yeah’ guttural, pas loin de la marque de fabrique d’un certain James Brown. Derrière ses airs de fils de pasteur officiant dans une église d’Alabama, le jeune homme montre qu’il sait faire fondre les cœurs de la même manière qu’un Otis Redding et un James Hunter ou donner un sacré coup pied au derrière d’un public amorphe, comme Mr Dynamite l’aurait fait. La formation parcourt de long en large son excellent « Roll With You » et quelques titres de leur obscur premier ouvrage « Walkin’ & Talkin’ ». Mais ce sont surtout les nouveaux morceaux, extraits d’un recueil à paraître en automne, qui parviendront à décoincer les premiers rangs.
Eli ‘Paperboy’ Reed & The True Loves clôture ensuite le show par un « (Doin’ The) Boom Boom » au cours duquel les membres déchaînés de The Rights Ons se joignent à la formation lors d’un final explosif. Les vieux démons du Rhythm & Blues et de la Soul peuvent reposer en paix, la relève est définitivement assurée.
Organisation : Ancienne Belgique.
Pure FM avait invité six cents privilégiés à assister au showcase de Peter Doherty, ex-leader des Libertines et des Babyshambles, dans le cadre de la soirée d'anniversaire de la station radio.
Dès 19h30, une file commence à se former devant les portes closes du Botanique, loué dans son intégralité pour l'occasion. Elles s'ouvrent à 20h15. Les bracelets sont distribués ; mais la poignée d'admiratrices de Doherty qui tient absolument à squatter les premiers rangs doit encore patienter trois-quarts d'heure devant celles de l'Orangerie avant de pouvoir pénétrer dans la salle. Si d’aucuns étaient encore sceptiques quant à sa présence ce soir (NDR : dans le passé il s’est surtout illustré par ses retard ou carrément ses absences), les doutes se sont enfin dissipés lorsque le public à été autorisé à investir les lieux. La vérification des invitations à l'entrée nécessite un peu de temps. La salle se remplit donc calmement ; mais lorsque Rudy Léonet, le patron de Pure FM, présente le concert, l'Orangerie est comble…
Peter Doherty s'avance seul sur scène, et contrairement à l'image qu'il aime projeter de lui, il a l'air sobre. Quelques bouteilles l'attendent cependant sur les planches. Il leur fera honneur lors de sa prestation. Simplement accompagné de sa guitare sèche raccordée à un antique ampli Vox, et d'un harmonica, Doherty égrène quelques titres de son album "Grace/Wastelands", mais puise aussi allègrement dans le répertoire des Libertines pour nous offrir des réinterprétations tout en légèreté et en finesse. Si la simplicité des mélodies devient flagrante à l'écoute du jeu de guitare, la richesse des intonations du bonhomme ne fait par contre aucun doute. Et malgré l'un ou l'autre raté dont il n'a cure (il reprend tout simplement le passage loupé et continue), sa prestation est convaincante. En outre, il faut avouer qu’il a montré un grand respect vis-à-vis de son public. Pour preuve, la réelle attention apportée à chacun des présents offerts par quelques spectateurs, et le temps pris à signer un autographe entre deux chansons.
Le set n'a duré au total que trois petits quarts d'heure, rappel de deux titres compris, mais il aura permis à l'ami Peter de démontrer qu'au delà du buzz médiatique qui l'a mis sous les feux de la rampe, et qu'il a lui-même largement alimenté, il est devenu un compositeur et un interprète majeur de cette décennie. Espérons qu'il se recentre sur sa carrière musicale, car le gaillard a réellement du talent.
Celles et ceux qui n’ont pas eu la chance de participer à cet événement pourront se rattraper le 2 mai à Hasselt, puisqu’il se produira dans le cadre du festival Pollslag.
(Voir également notre section photos)
Organisation Pure FM.
Ce vendredi s’achevait la partie bruxelloise du projet ABClubcircuit. Baptisé ‘Weizigers naar nieuwe muziek’ (Dénicheurs de Talents), le projet concrétise un échange entre l’AB et onze salles néerlandophones participantes. En gardant Holy Fuck pour la fin, la salle bruxelloise s’était incontestablement gardé la meilleure part du gâteau. C’est le moins que l’on puisse dire.
It Hugs Back ouvre le bal devant un parterre dispersé. Inspiré par Stereolab voire Belle & Sebastian, le rock plutôt commun du quatuor britannique ne parviendra jamais à faire avancer un public tapi dans l’ombre ou adossé au bar, à l’arrière de la salle.
Ils n’auraient pas pu trouver meilleur patronyme. Chez les Canadiens de Holy Fuck, les onomatopées fusent, les bouches sont grandes ouvertes et les pupilles se dilatent. Le quatuor débute à peine son set que l’on est happé par la puissance de leurs bidouillages inclassables. L’énergie déployée au sein de leur éponyme et du splendide « LP » est ici décuplée par 100. Derrière ses claviers ‘cheap’, le combo ne s’essouffle pas une seule seconde, gratifiant l’assistance de grandioses et frétillants « Super Inuit », « The Pulse », « Safari », « Milkshake » ou encore un « Royal Gregory » alimenté d’un light show à faire exploser la cervelle d’un épileptique ; et, surtout, ponctué d’un climax carrément orgasmique. Sans parler des nouveaux morceaux. Une succession de gifles en pleine poire qui annonce un prochain recueil au-delà des espérances. Holy Fuck s’est livré ce soir à un set exemplaire, car parfait en tous points. Tout simplement magistral.
Organisation ABClubcircuit
La première fois que le joli minois de Priscilla Ahn nous était apparu en ‘live’, c’était en première partie de Ray LaMontagne au Cirque Royal. Depuis, la jeune femme s’est émancipée et se lance, seule –ou presque– dans une toute petite tournée européenne qui s’est arrêtée au Witloof Bar du Botanique, ce 23 avril.
Peu de monde s était donné rendez-vous dans le sous-sol du Botanique. Le public est assis en tailleur sur le sol du Witloof Bar tandis que Willoughby, singer-songwriter officiant en première partie, se lamente sur sa guitare-basse. Ses chansons se suivent et se ressemblent. Et la fin de sa prestation est un véritable soulagement. Or le jeune homme réapparaît 5 minutes plus tard sur les planches… Heureusement, c’est pour accompagner Priscilla Ahn, de son double instrument.
Parée d’un joli T-shirt à l’effigie de Tokyo, la demoiselle originaire d’un petit village du Minnesota venait présenter son premier ouvrage, « A Good Day », publié en mars par le prestigieux label Blue Note. La voix de Priscilla Ahn est de celles qui transportent instantanément. Mais, ce soir, le voyage est de courte durée. Engageant à premier abord, le set s’essouffle à mi-parcours. La chanteuse au rire contagieux irradie de sympathie mais n’arrive pas à se renouveler, proposant un show quasi identique à celui dispensé en première partie de Ray LaMontagne. Elle parcourt l’entièreté sa première œuvre, l’entrecoupant des mêmes anecdotes racontées précédemment. Au bout d’une demi-heure, sa pop gentillette devient quelque peu lassante. Malheureux pour un spectacle d’1h20. Qui aura cependant plu à celles et ceux qui découvraient Priscilla Ahn pour la première fois sur scène.
Organisation : Botanique.
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