Auréolée de méga-tube « Smile » et du très bon recueil introductif, « Alright Still… », Lily Allen cristallisait en 2006 le renouveau de la britpop. Depuis, la petite s’est créé un solide personnage médiatique, marquant ainsi les mémoires et s’assurant une place au soleil dans l’enfer du showbiz british. Ce qui, a contrario de certain(e)s, ne l’a pas empêchée de se concentrer sur sa carrière musicale qui s’enrichit aujourd’hui d’un réjouissant « It’s Not Me, It’s You ». Initialement prévue pour l’an dernier, la sortie ce second essai a été retardée par la restructuration d’EMI. Un mal pour un bien, la jeune Anglaise ayant joliment peaufiné son nouvel opus.
« It’s Not me, It’s You » fait la part belle aux éléments électroniques comme l’annonce « Everyone’s At It », la plage d’ouverture et le carton radiophonique, « The Fear ». A défaut d’innovation, Lily Allen reste fidèle à sa plume incisive et sa pop estivale délurée et ultra accessible. Chacune des douze plages de l’elpee sont, sans conteste, des hits en puissances et l’ensemble est cohérent sans nécessairement être homogène. Une contradiction qui sert plutôt bien la plaque dont, justement, la versatilité mélodique est l’atout principal. « It’s Not me, It’s You » est donc un joli pied de nez aux critiques qualifiant Lily Rose Beatrice Allen en 2006 de ‘One-Hit-Wonder’.
Exit Saddle Creek. Pour son troisième essai, Maria Taylor a décidé de quitter les eaux calmes de son label pour sillonner les plaines verdoyantes de Nettwerk. Ce changement marque un tournant dans la carrière de l’interprète des inoubliables Azure Ray. Abandonnant la dream-pop et les éléments synthétiques qui caractérisaient son excellent « 11 :11 » (2005) et le moins excitant « Lynn Teeter Flower » (2007), Maria Taylor se livre désormais à un exercice pop aux accents folks ; balayant ainsi toute la douce mélancolie à laquelle la jeune femme nous avait habitués jusqu’ici.
Bien que la majorité des textes soient inspirés d’une récente rupture, « Ladyluck » est une œuvre de saison, étonnamment chargée d’allégresse. Sans compter la poignante ballade « My Favourite… Love », Maria Taylor joue la carte du détachement. Elle invite même Michael Stipe à se joindre aux réjouissances (« Cartoons And Forever Plans »). Mais la formule ne fonctionne pas aussi bien que prévu. Aux premières notes de « Ladyluck », la chanteuse nous balade gentiment à travers un nouvel habitat, apparaissant solide à première vue. Mais, tandis que l’on analyse méticuleusement les fondations de la demeure, on réalise soudain que l’on s’est fait rouler dans la farine. Le plancher se met alors à grincer, les murs s’effritent et la façade s’effondre. Ne reste alors plus qu’un grand vide. La jolie ‘Ladyluck’ a laissé passer sa chance de nous surprendre, une fois de plus.
Paul Jones a vécu les balbutiements du blues anglais. Dans le sillage des Rolling Stones, Animals, Yardbirds et autres Pretty Things. Il était le chanteur/harmoniciste de Mandred Mann, une formation qui, à l’origine, pratiquait du R&B. Répondant ensuite à des sirènes plus rémunératrices, elle va cependant virer vers une pop commerciale. Et même décrocher plusieurs hits. Avant d’embrasser un style prog. En 66, Paul quitte le milieu musical pour se consacrer au théâtre et au cinéma. Mais en 1979, alors que la vague punk bat son plein et que le blues se forge une nouvelle popularité, il décide de revenir à la musique. Il fonde alors le Blues Band, en compagnie notamment de Dave Kelly et de Tom McGuinness. Cette formation va réussir à traverser le temps et les modes en concoctant la bagatelle de 17 albums. Paul est également animateur radio depuis de nombreuses années. Chaque lundi, il présente une émission consacrée au blues, sur la BBC2.
Grosse surprise, Jones vient de graver un elpee en solo. Enfin, plus exactement sous son patronyme. Un disque dont la mise en forme a été opérée par la chanteuse/productrice américaine, Carla Olson. La plupart des collaborateurs impliqués lors des sessions d’enregistrements sont issus d'outre-Atlantique ; et notamment le guitariste Jake Andrews, guitare, le bassiste Tony Marsico, le drummer Alvino Bennett et le claviériste Mike Thompson. On était donc curieux d’entendre le résultat de cette réunion, pour le moins inattendue…
"Lover to cry" ouvre l’elpee. La production est très américaine. Jones chante de son timbre très caractéristique ce blues rythmé aux accents texans. Il sort de sa poche son harmonica ; et c'est tant mieux. Sereine, l’'atmosphère est balayée par l’orgue Hammond de Mike Thompson (NDR : ce musicien a régulièrement participé aux tournées des Eagles). Jake Andrews signe cette plage. Originaire d’Austin, ce jeune Texan (NDR : il a moins de trente ans) incarne une belle promesse pour le futur. Il est ici très inspiré sur la guitare. Subtil, son premier solo dialogue en permanence avec la musique à bouche du leader. La cover du "If you love me (like you say)" de Johnny Taylor est sculptée dans un R&B style Memphis. Enrichie par les cuivres des notoires Joe Sublett et Darrell Leonard, la solution sonore est particulièrement dense. En intro, les cordes sont manifestement inspirées par le grand Albert King. Thompson jouit d’une totale liberté sur ses claviers. A l’instar d’un Booker T au sommet de son art, ses interventions sont divertissantes. La voix de Paul domine les débats, même s’il laisse circonstanciellement libre cours à ses incursions à l’harmo. Issu de la plume de Jones "Choose or cop out" est une bien jolie ballade qui bénéficie de la participation d’un certain Eric Clapton, venu épauler son vieil ami anglais. Paul a toujours aimé le R&B jazzyfiant, abordé dans l’esprit de Ray Charles. C’est manifeste tout au long de "Sundown", une plage balisée par le saxophone et le piano, au cours de laquelle il partage les vocaux en compagnie de l’ex-Hollies Mikael Rickfors. Il ne néglige pas pour autant les ballades. A l’instar du majestueux "Starting all over again". La voix se détache clairement face à l'orgue Hammond et les cordes de Clapton, responsable d’un solo de haute facture. Paul se met également dans la peau d’un crooner, pour susurrer "I'm gone", un morceau de jazz voluptueux rehaussé par la présence des cordes acoustiques de Rickfors et la trompette de Darrell Leonard. La reprise du "Philosopher's stone" de Van Morrison a pris les accents d’un blues classique imprimé sur un mid tempo. La voix domine ce titre ponctué de courtes phrases à l'harmonica. Les accords du piano et la rythmique soutenue d'Andrews participent à ce bonheur dans la simplicité. Indolent, "Gratefully blue" est imprégné de jazz et de blues. Une douceur extrême émane de cette compo. Et en particulier à cause de ce solo original, bouleversant, minimaliste à l’harmo. "Still true"' est probablement la meilleur plage de cet elpee. Face à une section de cuivres au complet et des chœurs féminins, Jones chante ce Memphis blues très lent, en manifestant une présence, une délicatesse et une autorité digne d'Otis Redding. Enfin celui qui était au sommet de son art. C’est-à-dire chez Stax. Superbe! Paul à l'harmo et Rickfors à la guitare s’échangent un duo acoustique rafraîchissant et dépouillé tout au long de "When he comes", morceau au cours duquel Jones pose délicatement sa voix. Instrumentale, la finale réunit le quintet de base. Intitulée "Alvino's entourage", elle est littéralement portée par les percussions d'Alvino Bennett (NDR : fallait s’en douter !) De très bonne facture, cet opus recèle encore un bonus track : "Big blues diamonds". Imprimé sur un tempo plus enlevé, ce fragment est issu d’une session immortalisée en 2004. Elle a été réalisée en compagnie d'autres musiciens ; et en particulier Percy Sledge (NDR : absolument, l’auteur de "When, a man loves a woman"!) qui partage les vocaux avec Paul…
Patrick écume les scènes du blues et du R&B américain depuis une vingtaine d’années. Peu d’infos sur ce musicien au crâne rasé. Apparemment, à ce jour, il a commis quatre albums dont "Released" en 2006 ; encore que ce dernier disque semble être une réédition américaine d’un elpee paru en 1999, sur le label anglais JSP. Probablement les sessions d’enregistrement de "Ready right now" remasterisées. Produit par Jimmy Morello, cet opus avait alors reçu le concours de musiciens issus de Los Angeles ; et en particulier Kirk Fletcher et John Marx aux cordes, Rick Reed et Paul Fasulo à la section rythmique ainsi que Johnny Viau et Troy Jennings aux cuivres. En 1998, il avait concocté "Blues with bite" en compagnie des Blue Sharks, chez Ichiban.
Patrick s’est établi en Georgie. Ce qui explique le titre de son dernier long playing, "Atlanta boogie". Vining a toujours apprécié les stars du blues et du R&B. Et en particulier les shouters. En l’occurrence BB King, Big Joe Turner, Roy Brown, Little Milton, Louis Jordan et aussi un certain Elvis Presley. Ce qui explique pourquoi sa musique campe un savoureux cocktail de jumpin' blues, de swing et de boogie woogie, épicé d’une pointe de rockabilly. Pour la circonstance, il bénéficie de la participation d’un excellent backing band ; c’est-à-dire le guitariste Mike Bourne, le bassiste Mookie Brill, le drummer Pete Maier et le claviériste Matt Wauchope. Ce dernier jouit d’une certaine notoriété. Il drive son propre quartet de jazz à Atlanta. Il a également collaboré à la confection de deux albums de Sean Costello : "Cuttin in", un disque paru en 2000 et "Moanin' for molasses", en 2001 (NDR : sur Landslide). Et cet "Atlanta boogie" est justement dédié à la mémoire du regretté Sean Costello. Vining et Mike Bourne forment un solide tandem à la composition ; Patrick signe les textes et Mike les met en musique.
L’elpee démarre sur les chapeaux de roues par "Everybody knows". La guitare juteuse de Bourne introduit la plage. Il est vraiment doué sur ses cordes. La voix de Vining est solide et autoritaire, mais dès qu'il en a le loisir, Bourne en profite pour mettre le nez à la fenêtre ; et ma foi, il est capable alors de se révéler l'égal des meilleurs adeptes du west coast jump. Le piano de Wauchope ouvre "Last night". Caractérisée par ses accents syncopés, la musique baigne dans le style de la Nouvelle-Orléans. Très soudée, la section rythmique soutient les autres musiciens. Très affûté aux ivoires, Matt est largement inspiré par le jazz. Agé de 78 ans, Tommy Brown est un vétéran de la scène blues d'Atlanta. En 1949, il avait composé "Atlanta boogie". Il a été invité pour chanter ce titre en compagnie de Patrick. Cet échange entre un vocaliste noir et un vocaliste blanc est un véritable régal. L'ambiance très rock'n'roll et boogie est entretenue par le piano sautillant et omniprésent de Bourne. Ce dernier est loin d’être un débutant. Nourri au blues à Kansas City, il a rapidement émigré à Chicago où il a été recruté par Delmark. Il a côtoyé Barkin' Bill Smith, Abb Locke (NDR : l'ancien saxophoniste de Howlin' Wolf), le pianiste Barrelhouse Chuck. Il avoue pour inspiration majeure, T-Bone Walker, BB King, Tiny Grimes et Pee Wee Crayton! "I'm so glad" trempe toujours dans le rock'n'roll. La cohésion entre les musicos frôle la perfection. Vining chante d’un timbre passionné ; mais ce sont les cordes de Mike qui emportent les suffrages. Impressionnant ! Pas de temps mort sur cet elpee. "30,000 dollar millionnaire" aurait pu être écrit par la paire Leiber et Stoller. Les musiciens s'attaquent à trois reprises. Tout d’abord le très swing "Money's getting cheaper" de Jimmy Witherspoon. Ensuite "Someday", une autre composition signée Tommy Brown. Et enfin une adaptation sublime du "Last meal" de Jimmy Rogers en mode Chicago shuffle. Un seul blues lent sur la plaque : "Late at night", une compo dont le motif de guitare est quasi hypnotique. L’œuvre se referme par le merveilleux "Man of clay", un dernier rock'n'roll qui casse la baraque. Superbe!
Deuxième volume de la série, “Groovadelia” s’attache à présenter la nouvelle scène latin/funk/soul/jazz espagnole. Les vingt-quatre titres répartis sur deux rondelles rendent un hommage appuyé à tous les grands maîtres des genres susmentionnés (Jimmy Smith, Sly Stone, Zapp, Eddie Bo…) Si vous privilégiez l’originalité, vous pouvez d’ores et déjà passer leur chemin ; car bien que ces titres aient été enregistrés dans les années 2000, le cachet sonore reste pour le moins passéiste. La compilation aurait aussi gagné à être plus concise, certains morceaux ne dépassant pas le stade de l’anecdotique, malgré une indiscutable dextérité musicale. Mais tout n’est pas à jeter pour autant dans ce tracklisting majoritairement instrumental. L’électro funk ‘à la Zapp’ des Soul Vigilantes fait mouche, tout comme le funk rap efficace de Campeon & Calagad ou encore le bel instru planant d’Octopus. Sur l’autre rondelle, on pointera le deep funk d’Afro Soul Toating et l’impérial « Doin’ It » de Glen Anthony Henry, véritable tube en puissance. Cette dernière plage nous fait finalement comprendre ce qu’il manque vraiment à cette double compilation : des compos vraiment marquantes.
Jeune mélomane, Steve Jones commence à jouer de la guitare vers 6 ans. Ce touche-à-tout boulimique enchaîne très rapidement au piano, au violon et à la batterie. Il accorde son premier concert à l’âge de 8 ans au sein d’un orchestre local.
C’est armé de sa guitare et un master en Music Composition en poche que Steve Jones décide de quitter son Angleterre natale (Wolverhampton). En 1999. Il rêve d’autres horizons. Destination : Bruxelles. Ville où ce jeune auteur-compositeur, chanteur, guitariste et claviériste écume les cafés-concerts de la capitale. C’est précisément lors d’un concert acoustique dans un pub irlandais, un soir de novembre 2000, que sa route croise celle de Philippe Havelange. Olivier Demeyer (Batterie) et Laurent Stelleman (Guitare) le rejoindront plus tard pour former le Steve Jones band désormais devenu Saint. Happé par d’autres projets (Monsoon…), Laurent Stelleman quitte le groupe avant l’enregistrement studio du deuxième opus Medusa. Le trio est alors rejoint sur scène par Geoffrey Lesire à la guitare.
Très vite remarqué par Classic 21, le trio belgo-britannique devra cependant attendre 3 ans avant de sortir son second elpee. Pourtant, la presse soulignait déjà les talents de compositeur du leader charismatique et la qualité musicale du premier album, « Bones and Telephones », un disque autoproduit, paru en 2005.
Autre rencontre importante pour le groupe, Michael Lunt (producteur et éditeur de Marie Warnant) qui les signe sur son nouveau label Pico Grande Productions. Réalisé au Synsound Studio par Dan Lacksman (Lio, Hooverphonic, Vive La Fête…), « Médusa » prend la direction des bacs fin 2008.
L’univers musical de ce deuxième elpee évolue quelque part entre Coldplay et Travis sans jamais renoncer à sa singularité créative.
Malgré la présence vocale de Steve Jones, « Medusa » s’ouvre, malheureusement, sur quelques morceaux pop-rock classiques sans grande originalité. Nuançons néanmoins ce ‘malheureusement’ car la deuxième partie de l’album nous présente fort heureusement un tout autre profil. Dès la septième plage, un monde musical bien différent s’entrouvre et s’offre à nous. Steve Jones y imprime pleinement son talent de mélodiste et d’auteur-compositeur. D’une voix singulièrement puissante et fragile, il raconte la vie sur des morceaux sensibles et intelligents. La qualité des arrangements studio opérés par Dan Lacksman est également remarquable. L’album se referme lentement par « All In Good Time ». Une compo douloureuse, généreuse et merveilleusement écrite. Sans oublier la voix aux inflexions ‘buckleyennes’. Et ce piano. Un final magnifique.
Excepté ce léger faux pas initial, un album réussi. A conseiller à un large public.
Guillermo Scott Herren aka Prefuse 73 est un producteur newyorkais particulièrement prolifique. Chez Warp, il est certainement celui qui affiche la discographie la plus impressionnante. Pourtant, depuis quelque temps, il faut reconnaître qu’il était en manque d’inspiration. Et ses dernières productions en sont la plus belle démonstration. Prefuse 73 est incontestablement un projet original. Parfois même parfois génial. Mais sur la longueur, il peut se révéler, pour le mélomane lambda, uniforme.
Le bidouilleur semble enfin avoir retrouvé sa patte magique en concoctant cet « Everything She Touched Turned Ampexian ». Tout d’abord, son septième opus studio est habillé d’une pochette au graphisme de bon goût. En outre, il est riche et savoureusement décalé. Il serait d’ailleurs dommage de passer à côté de cette œuvre découpée en 29 titres ! Pas de panique, la longueur n’influe pas négativement sur le contenu. Les compos sont en général ingénieuses, habiles, vivifiantes, efficaces, percutantes et surtout novatrices. Boucles et harmonies supplantent même les distorsions. Prefuse 73 semble avoir mis sa phase expérimentale pompeuse au placard. Pourvu que ça dure…
Attention, il s’agit bien du groupe Now, Now Every Children responsable d’un premier album intitulé « Cars » et non l’inverse. Pour mémoire, The Cars était une formation issue du Massachussetts. Devenue mythique, elle a sévi entre 1976 et 1988. Elle était drivée par Ric Ocasek, reconverti depuis en producteur notoire. Now, Now Every Children nous vient de Minneapolis dans le Minnesota. A l’origine, il s’agissait d’un duo partagé entre le drummer Brad Hale et la chanteuse/guitariste/claviériste Cacie Doloya. Ils se connaissent depuis les bancs du lycée et passaient leur temps libre dans leur cave, à enregistrer des démos. Ils postent quelques chansons sur leur MySpace et commencent lentement et sûrement à fidéliser un modeste public. Le label Afternoon les remarque quand même et leur permet de sortir deux Eps. Ce n’est qu’en 2008 que paraît leur premier album, « Cars » ; mais sur une autre maison de disques : Tapete Records. Depuis, le line up du combo implique, pour assurer leurs tournées, une claviériste/bassiste et un claviériste/pianiste.
La voix de Cacie Doloya est limpide, éthérée. Les mélodies simples mais efficaces. La musique est minimaliste mais intense. « Headlights » en est probablement la plus belle illustration. Soutenu par un orgue, « Have you tried » lorgne davantage vers la pop atmosphérique. Certaines compos de l’opus me rappellent Cat Power à l’époque de son superbe elpee, « You are free » ; mais en plus rock. Un bémol, le manque de relief des compos. En effet, les mélodies se ressemblent parfois un peu trop ; et des titres comme « Everyone you know » et « Friends with my sister » sont tellement proches, qu’on pourrait presque les confondre. Ce qui ne veut pas dire que le groupe manque de potentiel. Au contraire. Ce qui explique sans doute pourquoi il est déjà encensé par la presse indie au pays de l’Oncle Sam…
Ce projet résolument artistique est né de la rencontre entre Joël Grignard, co-fondateur et bassiste de Monsoon et Amaury Massion, chanteur d’Attica. C’est à l’occasion de la création de « Convulsions », spectacle à la frontière du rock et de la danse contemporaine, que les deux hommes se rencontrent à Berlin et accouchent du projet My TV Is Dead. Une série de six représentations s’ensuivra au célèbre « Taloches », squat artistique situé dans l’ancien Berlin Est.
L’univers de My TV Is Dead s’inspire lourdement de celui de « Convulsions » qui réside en l’exploration de l’atmosphère des grandes villes. On retrouve cette influence lors des projections en concert et sur le très bel objet CD dont les illustrations et les photos sont asphyxiées par l’air urbain. Ce qui explique pourquoi l’ombre de Berlin est omniprésente dans le décor…
Voilà pour la jolie petite histoire et le contenant. Revenons maintenant à l’essentiel : le contenu ! Découvert le 18 février 2009 lors de la Boutik Rock de Bruxelles, le jeune groupe ne modère pas ses influences. On reconnaît, sans faire preuve de trop d’imagination auditive, une musique hybride, issue du croisement entre Ghinzu et Venus, teintée néanmoins de quelques beats timides et d’influences berlinoises mièvres. Le duo passe complètement à côté de l’expérience électronique et ne parvient jamais vraiment à convaincre.
On aime découvrir les groupes belges aux ambitions artistiques et innovatrices ; mais ce premier elpee manque cruellement d’âme et d’épaisseur. L’originalité du groupe procède moins du contenu musical que du projet lui-même. « Freedomatic » ne vibre pas de ses ambitions.
Les morceaux pop-rock les plus classiques et mélodiques (« Riding horses », « Awake », « I wish ») sont aussi les points forts de l’album. La deuxième partie de l’opus offre plus d’espace d’expression à la chaleureuse et séduisante voix d’Amaury Massion. On retiendra également l’intéressant « As fast as you can ».
On émerge de « Freedomatic » entre fiel et miel… A présent, à vous de zapper ou non ! Mais, malheureusement, mon lecteur CD fonctionne toujours…
Derrière Grampall Jookabox se cache David ‘Moose’ Adamson, un ancien membre d'Archer Avenue et de Bigbigcar. Originaire d’Indianapolis, ce curieux personnage est passionné par les phénomènes paranormaux. Pour cet Américain, le monde actuel n’a d’ailleurs aucune importance. A chacun sa philosophie ! Par contre, musicalement, le personnage ne manque pas d’idées. Influencée à la fois par le blues, le folk, le hip hop, l'electro et le rock hip-hop, sa musique est même particulièrement originale.
Après un premier opus intitulé « Scientific Cricket », Grampall Jookabox remet le couvert en signant « Ropechain » sur le label Asthmatic Kitt, écurie appartenant à Sufjan Stevens. A première écoute, cet elpee peut paraître inconsistant ; mais après plusieurs auditions, on se rend compte qu’il est bien plus élaboré qu’on imagine. Et spirituel, dans le sens le plus abstrait du terme. Rien que sa voix gonflée à l’hélium semble venir de l’au-delà. Elle est même carrément fantomatique sur « Ghost » (NDR : of course !) Ce qui n’empêche pas Adamson de manifester son intérêt pour la musique africaine (« Black Girls », « Old Earth, Wash My Beat »), de se lancer dans l’une ou l’autre expérimentation habile (« Let’s Go Mad Together » « Strike Me Down ») ou encore de s’abandonner dans une forme de pop/folk dérangée (« Ropechain »). Bref, ne soyez pas étonnés, en découvrant ce disque, de rencontrer des spectres aussi illustres ou surprenants que ceux de Daniel Jonshston, Beck, PIL, Beach boys, Panda Bear, Yeasayer ou encore Black Dice. Bienvenue dans l’univers irrationnel, sis quelque part entre la vie et la mort, de Grampall Jookabox. Divagations garanties. Envoûtement envisageable. Mysticisme garanti, mais sur facture. Bref, un opus qui sort de l’ordinaire sans jamais se révéler extraordinaire. Allo la terre !
Jacques Duvall est surtout connu pour avoir écrit le fameux « Banana Split » pour Lio. Originaire de la région bruxelloise, ce parolier de l’ombre a aussi alimenté la prose des chansons d’Alain Chamfort, des Sparks, de Jane Birkin, de Lisa Ekdahl ou encore d’Etienne Daho. Entre autres. Certains de ses textes sont cependant restés sur le carreau. Et en 2006, il s’est décidé à récupérer certains d’entre eux pour concocter l’album « Hantises ». Elaboré dans le même esprit, « Le cowboy et la call-girl » constitue donc son deuxième opus. Un disque habillé d’une superbe pochette inspirée par la bande dessinée (NDR : on a presque envie d’entrer dans la bulle de ce ‘comics’ !)
Pour enregistrer cet elpee, Jacques a reçu le concours de toute une série de collaborateurs. Tout d’abord le Newyorkais Kramer. A la production (NDR : sa carte de visite épingle notamment Butthole Surfers, Half Japanese, Daniel Johnston et Perverted By Desire) ; mais également aux claviers et au mellotron. L’inévitable Benjamin Schoos. Surtout aux guitares. Normal, puisque ce disque est paru sur son label Freaksville. Et parmi les plus connus, on retiendra encore la présence de Thiery Commen à l’harmonica sur le blues lancinant, abordé dans l’esprit d’un Mark Knopfler, « Ougrée » ; ainsi que Jérôme Mardaga (Jeronimo !) à la steel guitar tout au long de « Marquise ». Vu le titre de l’album, on pourrait croire que la musique proposée lorgne essentiellement vers la country. Pas du tout. Elle privilégie surtout le psyché/blues/garage sixties. Guitares fuzz, torturées, vibrato, stax (« Ta main ») ou surf, claviers rognés, fluides, r&b, voix de crooner, caverneuse (NDR : une sorte d’hybride entre Bashung et Renaud), harmonica hanté (NDR : sur « Comme le font les femmes », un pastiche du « Just like a woman » de Bob Dylan), un zeste de chœurs doo-wop féminins (« La poupée borgne »), du yé-yé (NDR : la ritournelle « Raconte-moi ») et même un slow crapuleux, caressé par le souffle d’une trompette langoureuse, en finale (NDR : le titre maître). Une plage radicalement psychédélique : « Marianne Renoir », tramée dans un style proche de Galaxie 500 (NDR : tiens, tiens, n’est-ce pas Kramer qui avait mis en forme le premier elpee de ce trio mythique ?) Bref, un disque qui tient la route, même si ce décalage entre la solution sonore et les lyrics dans la langue de Molière pourrait heurter les puristes…
Artiste complet, Juan d’Oultremont est surtout connu pour l’émission culte, « Le jeu des dictionnaires », qu’il présente sur la RTBF. Pourtant, il est également responsable de quelques clips et textes pour des tubes qui ont marqué les hit-parades. « Cœur de loup », entre autres. Il est également auteur de romans, de nouvelles et d’une pièce de théâtre ; et puis il a aussi dessiné des pochettes pour le label Blue Note. Enfin, en 2006, il avait commis un premier album, « Bambi is dead », déjà à l’initiative de Miam Monster Miam
Pour enregistrer ce second elpee, Juan a de nouveau bénéficié du concours de Miam. A la composition et à la production. Et on suppose, occasionnellement à la guitare acoustique. Des beats du Dj de Starflam, Mig One. Des vocaux de la comédienne Isabelle Wery sur le titre maître, un pastiche morbide de l’Eurovision (« Suicide one point ») et sur l’argotique « Putain/Purée ». Les textes, vous vous en doutez, sont de la plume de d’Oultremont. Et croyez-le, c’est un fameux jongleur de mots. Cette prose s’avère même périlleuse lors des numéros-phares du spectacle, « Ma trapéziste » et « Cowboy », un drôle de mambo-électro. Un morceau en anglais : « Judas Escariot », sorte d’acrobatie improbable entre les Cramps, Depeche Mode et Sisters Of Mercy. On épinglera également un lugubre « Dolly » qu’il interprète d’une voix déclamatoire, en empruntant des inflexions à Léo Ferré. Des inflexions qu’on retrouve quand même régulièrement tout au long de l’elpee, même si parfois on a l’impression qu’il cherche à moduler son timbre comme Gainsbourg à ses débuts. L’univers de Megaphone’s Judas ressemble à un cirque. Sur la piste, tous les artistes se produisent au même moment. Sauf les clowns. Ils ricanent dans leur coin. Brrrr…
Le concept d’“Inspiration Information” est simple. Le label Strut organise la rencontre entre un musicien et son modèle ou ‘héros’ artistique. L’association dispose alors de quelques jours pour accoucher d’un album. Un pari pour le moins risqué… Le premier volume de la série permettait à Sly & Robbie se frotter au clavier d’Amp Fiddler. Le suivant célèbre la rencontre entre la légende du reggae roots Horace Andy et l’Anglais Ashley Beedle, figure archi-respectée de l’acid house… et grand fan d’Horace.
Ashley Beedle et son collaborateur Mark Ralph ont préparé une dizaine de beats électro d’inspiration reggae et le vieux Horace a composé les parties chantées en cinq jours. Un timing assez court qui a provoqué quelques étincelles mais aussi, c’est inévitable, largué quelques pétard mouillés. Le bilan est cependant largement positif. « When the Rain Falls » et ses guitares acoustiques, la ligne de basse ronflante du dansant « Watch We », le ragga minimal de « Rasta Don’t » ainsi qu’une belle reprise de Bob Marley (« Hypocrite Dog ») : le début de l’album est tout simplement impérial ! Les choses se gâtent un peu sur le trop mielleux « The Light » et une calamiteuse reprise des Rolling Stones (« Angie »). On remonte –un peu– la pente à la fin, en compagnie de « Babylon You Lose », une ‘rootserie’ classique mais digne, et le chouette beat de « Festival Song ». L’écoute d’« Inspiration Information » est donc quand même conseillée, malgré la substantielle baisse de régime en fin de parcours.
Le mardi soir, il y a bien mieux à faire que subir les affronts musicaux du cru 2009 de l’émission ‘Nouvelle Star’. On peut, par exemple, se rendre à la Rotonde du Botanique pour assister à un petit concert chaleureux et sans prétention, comme celui accordé par Loney, Dear, ce mardi. Et ce n’est pas le public présent ce soir-là qui aurait pu prétendre le contraire.
Accompagné de quatre musiciens, le Emil Svanengen alias Loney, Dear, présentait son cinquième ouvrage sous une Rotonde bien remplie. Présent l’an dernier aux Nuits Botanique, l’homme, affichant un look banal et des chaussures vernies, en a manifestement gardé un bon souvenir et semblait ravi de se produire une nouvelle fois dans cette splendide petite salle. Pas avare en mots, Loney, Dear se connecte volontiers à un public qu’il n’hésite pas à solliciter pour des chœurs bien amenés. Il parcourt essentiellement son « Dear John », de la douceur de « I Got Lost » et « Under A Silent Sea » à l’étonnante electronica harmonieuse de « Airport Surroundings » et « Summers ». Le Suédois est tellement sympathique qu’on ne peut même pas lui en vouloir de ne pas s’attarder sur ses travaux précédents. De ces derniers, Emil et sa bande n’ont tout de même pas snobés les incontournables morceaux « I Love You (In With The Arms) » ou « Sinister In A State Of Hope », qui clôture un show admirablement bien ficelé.
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