Pratiquant de la roots music, Big Low est un trio établi aux Pays-Bas. Sa musique est essentiellement exécutée à l'aide d'instruments acoustiques, très souvent insolites. Dan Tuffy en est le leader. D’origine galloise, il a résidé de nombreuses années en Tasmanie pour y étudier la botanique. Ce qui ne l’a pas empêché de s’immiscer au sein de la scène musicale locale et de former les Wild Pumpkins At Midnight. Il y a quelques années, il a décidé de revenir sur le Vieux Continent. En compagnie de sa femme et ses deux enfants. Et de vivre chez nos voisins du Nord. Toujours contaminé par la musique, il fonde Big Low. Dan joue de la guitare acoustique, électrique, du banjo/basse et chante. Marc Constandse du bandoneon, des percus (NDR : conventionnelles ou pas). Et Michiel Hollanders se focalise sur la guitare resonator, le velophone, la scie et les bidouillages. Dépouillé mais atmosphérique, l’essentiel de leur répertoire est issu de leur plume.
"I won't let you down" nous invite à pénétrer dans un monde étrange. Le vélophone de Michiel entretient ce climat. Dan se réserve les vocaux, tout en tapant du pied. Une scie à bois propage quelques bruitages. On est en plein minimalisme. Susurrés, les mots de "Brother Joe" sont empreints d’une grande sensibilité. Le vélophone apporte une touche résolument orientale. Marc opère son entrée pour "Hang on to that last ray oh hope". Le tempo accélère. Le climat y est davantage optimiste et serein. « The junction of the two rivers » baigne au sein d’une atmosphère étrange. Un climat idéal pour disserter de la philosophie existentielle et de l’esprit humain. Parfois, le concept acoustique est légèrement et délicatement amplifié par des cordes électriques. A l’instar de la savoureuse cover du "Dark as a dungeon" de Merle Travis. L’atmosphère est souvent ténébreuse. Faut dire que les inflexions déclamatoires de Tuffy sont susceptibles d’évoquer Nick Cave voire Tom Waits. Une instrumentation à la fois majestueuse et savoureuse illumine "Delirately free". Instrumental de toute beauté, "Sweet rain" est une plage bouleversante. Constandse chante "One kind favour", une adaptation très réussie d’un thème traditionnel de folk blues, en s’accompagnant au bandonéon. Les interventions de Dan aux cordes électriques sont très subtiles, pendant que Michiel s’aventure dans des sonorités synthétiques disparates. Investie par le vélophone, le zithze et une guitare résonator, la plage maîtresse clôt le cinquième elpee du trio, dont la naissance remonte au début de ce siècle. Et pour que votre info soit complète sachez que Tuffy est également le manager et le bassiste de Parne Gadjes, un combo responsable d’une musique à forte connotation balkanique…
Cinq années déjà que le Montois Jérôme Deuson (aka aMute) mène sa barque. Parus sur le label montréalais intr-Version, ses deux premiers albums lui avaient permis d’acquérir une certaine notoriété sur la scène internationale ; mais surtout de tourner un peu partout dans le monde. Fort de cette expérience, le Belge décide de développer le concept aMute et de le transformer en un véritable collectif. En 2008, le line up d’aMute s’enrichit donc du bassiste Samuel Volan, du guitariste/claviériste Thomas Venegoni et du drummer Stéphane Fédèle, Jérôme se concentrant dorénavant sur la gratte, le laptop et le chant.
Première constatation, « Infernal heights for a drama » met davantage en évidence les six cordes. Electriques et acoustiques. S’enfonçant dans un univers sonore sis quelque part entre psyché folk (NDR : « Begone » en est le plus bel exemple !) et électronica rock. Un univers fait d’une succession de paysages rudes, mélancoliques, passionnants, véritable antidote contre la monotonie. Construit sur un crescendo, l’excellent « Enclosed movements/ Inner you » s’étale sur dix minutes, et s’achève dans un chaos totalement apocalyptique. Mais le sommet de cet elpee est atteint sur « Spread ». A cause de ses envolées somptueuses. Mais surtout de la superbe voix de Deuson, qui communique une palette d’émotions particulièrement ample.
Pour enregistrer son troisième opus, Jérôme Deuson a reçu la collaboration de musiciens qui partagent une vision musicale plus ou moins semblable. Et notamment le guitariste d’Apse, Robert Toher (« Break »), Bryce Kushnier (VitaminsForYou) ainsi que Mitchell Akiyama (Désormais). Tiens, tiens, des Canadiens. On comprend mieux ainsi pourquoi la presse spécialisée compare de plus en plus AMute à Apse, Barzin, ainsi qu’à la majorité des groupes issus du label Constellation.
De toute évidence, les membres du groupe Taliesyn ont dû écouter en boucle les albums d’Ange et de son mentor Christian Descamps pour enregistrer un elpee de cette trempe. Le quatuor belge vient en tout cas de sortir un premier opus éponyme recelant toutes les qualités pour charmer les amateurs de prog ‘à la française’.
Fin 2005, le combo signe un contrat de coproduction chez Rox Records, la maison bruxelloise dirigée par le tandem Guccio/De Greef (Machiavel). Dix titres on été mis en boîte au studio Hautregard de Battice ; et c’est aujourd’hui le célèbre label prog Musea qui assure la distribution de cette première plaque aux accents médiévaux.
Théâtral et emphatique, « Taliesyn » aborde des thèmes décalés sur une structure musicale complexe, caractérisée par le son divin de l’orgue Hammond, mais aussi tapissée de chœurs et accessoirement balayée d’interventions de flûte et de cordes. Des titres comme « Le Dragon », « L’homme aux Sandales », « Sorcières » ou « Les galériens » reproduisent indéniablement l’ambiance mystérieuse, tantôt tragique, tantôt comique, de « Au-delà du Délire », chef-d’œuvre incontestable du père Descamps et de ses laquais d’Ange. Ici encore, les paroles s’enchaînent et coulent paisiblement. Si les lyrics baignent au sein d’un univers de contes et de légendes, ils ne sont pas toujours aussi inoffensifs qu’ils n’y paraissent. Quant à la musique, elle s’inspire autant du rock que du jazz, trahissant même des accents empruntés à la Renaissance. Le tout est enrichi de trouvailles absolument ingénieuses au niveau des arrangements. A l’heure où vous lirez ces lignes, les titres du deuxième CD de Taliesyn seront probablement déjà enregistrés. Un concert au Spirit ou à l’Auberge de jeunesse de Tournai ne serait pas pour nous déplaire.
En prenant connaissance, au sein du booklet, de la liste des invités prestigieux qui ont participé à la confection de cet opus, on est en droit d’attendre une œuvre de qualité. La présence de Ryan Adams, Sean Lennon, de membres de Wilco et de musiciens de Sufjan Stevens, ainsi que du producteur Mark Ronson et celui de The Walkmen a quand même de quoi laisser pantois. Bref, il faut croire que Richard Swift était sûr de son coup.
Toujours établi dans son Oregon natal, Richard Swift a aussi convié quelques spectres. Notamment ceux de Randy Newman, Paul McCartney ou encore son idole de toujours Prince. En fait, s’ils ne sont pas présents, ils hantent constamment cette œuvre. Echafaudée sur un axe batterie/piano/basse, sa musique courtise également un zeste de banjo, du mellotron ainsi que des claviers susceptibles de déraper dans le délire (« Hallelujah, Goodnight ! ») ou dans l’espace galactique. Sa force mélodique est intacte. En extrapolant, ces chansons auraient peut-être pu être composées par les Beatles, si le quatuor existait encore en 2009. Ce cocktail de classique, d’étrange et d’émotion permet à la musique d’atteindre une autre dimension. Bref, revenons donc sur terre pour le point d’orgue de cet elpee, « The Atlantic Ocean » une ballade enregistrée à New-York sous la houlette de Mark Ronson. Autre perle, « Ballad of Old What’s Name » a reçu la participation de Sean Lennon et de membres de Wilco. Le label Secretly Canadian n’en n’est plus à une merveille pop près. Après avoir propulsé les ultra-doués Jens Lekman, Damian Jurado et Scout Niblett, il continue de prendre soin de nos oreilles. Et on ne peut que le remercier.
Responsable de quelques elpees déjà très réussis, à ce jour (NDR : notamment « The Novelist », « Walking Without Effort » et « Richard Swift as Onasis »), Richard Swift vient de réaliser son œuvre la plus aboutie à ce jour : « The Atlantic Ocean ». Qu’on se le dise !
Depuis quelque temps, la musique des 70’s est remise au goût du jour. Mais le plus intéressant, c’est que le résultat tient la route. Il est même souvent excellent. Sans doute parce que ce sentiment d’intemporalité a refait surface. Et que les artistes cherchent à nouveau de décrocher un ‘classique’. ‘Let the record go on’ comme le chante si bien Richard, au sommet de sa forme, sur « Ballad of Old What’s Name »…
‘Démos signifie que ces chansons ne sont pas officielles’ (sic). Olivier Estille, forgeron de The Meeting Room, annonce la couleur sur la pochette. Nous sommes soulagés. Bien que les sept titres de ce disque regorgent d’idées, ils mériteraient, en effet, un approfondissement. Et certains d’entre eux devraient carrément être abandonnés. Les trois premiers morceaux, « Turn Around », « Lens » (en hommage à la ville d’origine de la formation) et « The Best Friend » constituent la meilleure fournée de la plaque.
Deux grosses erreurs s’ensuivent, « Photograph » et « Clean », évoquant des BB Brunes qui auraient décidé de chantonner dans la langue de Shakespeare. Le titre suivant, « In Benefit Of Love » est tout à fait anecdotique. Caractérisé par son rythme entêtant, « Lily Blows » limite les dégâts, clôturant ainsi les démos de manière plutôt positive. Un bilan mitigé donc. Il ne reste plus qu’à attendre les versions définitives pour pouvoir se faire une idée exacte du potentiel de l’ensemble…
La sortie de ce double live concocté par le prolifique Ian Gillan est étonnante. Non pas à cause de sa nouvelle livraison solo « One Eye to Morocco » qui ne propose que du nouveau matériel. Mais parce qu’en 2006, « Gillan’s Inn » compilait déjà toutes les périodes de la carrière du chanteur de Deep Purple. Ce « Live in Anaheim » s’inscrit exactement dans la même démarche et fait donc office de doublon. Outre cet aspect récidiviste, on se réjouit toujours autant de retrouver le grand Ian interpréter des œuvres de Deep Purple moins connues dans des versions live. « Into the Fire », « Wasted Sunsets », « Not Responsible », et autre « When a Blind Man Cries » prennent ici une toute autre dimension, même s’il manque incontestablement la touche magique d’un certain Blackmore. Moins réjouissant, le solo de batterie de Randy Cooke. Il ose, mais sa prestation est de piètre facture. C’est Ian Paice qui doit se tordre de rire dans son coin. Gillan s’éclate, il communique avec son public, plaisante et se remémore de bons souvenirs. Parmi les très bonnes surprises, il y a bien entendu les grands classiques de Gillan (solo) : « Men of War », « Bluesy blue Sea » et surtout le très heavy « Unchain Your Brain », une bombe dont l’original figure sur le somptueux « Glory Road », point d’orgue de la carrière de Gillan hors Purple ! Parmi les moins bonnes, on évitera la jam terriblement ennuyeuse de « River’s of Chocolate » et la reprise tout à fait dispensable de « Smoke on the Water » qui n’apporte rien. Et une fois de plus, la période Black Sabbath de Ian Gillan est complètement occultée. Un « Zero the Hero » ou un « Trashed » extrait du terrifiant « Born Again » du Sab aurait été bienvenu. Bref, un résultat un peu ‘light’ pour un opus sensé représenter l’ensemble de sa carrière ; cependant, « Live in Anaheim » reste tout à fait agréable à écouter, si l’on est bon public. Signalons pour les amateurs d’images, que la version bonus est enrichie d’un Dvd anecdotique recelant les traditionnelles interviews et galeries de photos. Sans grand intérêt !
Le fan de Deep Purple est un collectionneur. L’industrie du disque l’a compris depuis longtemps et les cordons de la bourse des amateurs du Pourpre Profond n’ont jamais l’occasion de rester serrés bien longtemps. e.a.r music/edel a cependant décidé de traiter les inconditionnels du groupe anglais avec le plus grand respect en leur proposant des produits de qualité, agrémentés de nombreux bonus. Après le Cd/Dvd live acoustique « Live in Australia » de Glenn Hughes et le fantastique Cd/Dvd « Live in Anaheim » de Ian Gillan, le label allemand sort fin juin « Danger, White Men Dancing » le premier album studio de The Hoochie Coochie Men Featuring Jon Lord. Cerise sur le gâteau, le Cd est accompagné d’une réédition du premier Dvd du combo : « Live at the Basement » filmé en Australie le 7 février 2003.
Pour ceux qui avaient manqué l’affaire, The Hoochie Coochie Men est un groupe de blues fondé par le bassiste d’origine australienne Bob Daisley (ex. Rainbow, Ozzy Osbourne, Vow Wow, Black Sabbath, Dio, Uriah Heep...) et le guitariste/chanteur Tim Gaze (ex. Rose Tatto, Pete Wells Band, Jimmy Barnes…) En 2003, lors de sa tournée australienne, Jon Lord rejoint le combo, le temps de quelques concerts, pour interpréter des standards du blues. Leur prestation enregistrée au célèbre club « The Basement » à Sydney est filmée et sort en Dvd.
Celui-ci se vend si bien, que Daisley, Lord et leurs compères décident de continuer l’aventure et d’enregistrer un album studio.
Si « Live at the Basement » était principalement composé de reprises, « Danger White Men Dancing » comporte une grande partie de nouvelles chansons composées par le groupe.
Le titre d’ouverture : « The Blues just got sadder », donne le ton général de l’album. Du blues, transcendé par l’orgue Hammond de Jon Lord. Cependant, certains titres comme « Gotta find me some fire » et « Tell your story walkin » sont de petits joyaux de hard rock anglais classique, dans la lignée de ce que propose encore Thunder aujourd’hui. Si la plupart des plages sont chantées par le Tim Gaze, on note cependant la présence d’invités prestigieux : Jimmy Barnes, la star du rock australienne à la voix râpeuse reprenant « Heart of stone » des Rolling Stones et « The Hoochie Coochie Men » un morceau de Willie Dixon qui fleure bon les marécages et les hôtels de passe du Mississipi. Un tout grand moment de l’elpee.
Ian Gillan prête, lui aussi, sa voix à deux titres, « If this ain’t the blues » et « Over and over », une des plus belle ballades que le chanteur de Deep Purple ait jamais interprétées, mais qui aurait plus sa place sur son dernier album que sur celui des Hoochie Coochie Men.
Que vous soyez inconditionnels de Deep Purple, fan de blues, de classic rock ou même de hard rock, « Danger White Men Dancing » est un album incontournable. Et enrichi du Dvd « Live at the Basement », il en devient indispensable ! Vous savez ce qu’il vous reste à faire.
En 2006, profitant d’un break de Deep Purple, Ian Gillan sort « Gillan’s Inn », un album réunissant des réenregistrements de divers morceaux choisis au sein de sa prolifique discographie. Dans la foulée, il s’embarque dans un tour-bus, accompagné de 5 musiciens de haute volée pour défendre son nouveau bébé sur les routes des États-Unis.
Enregistré lors de cette tournée, le double Cd « Live in Anaheim », mis en boite au célèbre ‘House of The Blues’, atterrit chez les disquaires en avril 2008. A peine un an plus tard, e-a-r- music/edel nous offre un magnifique cadeau en ressortant l’objet, agrémenté d’un Dvd reprenant l’intégralité du show d’Anaheim. Ceux qui avaient acheté la version Cd l’année dernière en sont pour leur frais tant la version Versatile et Digitale est indispensable.
Le set est pimenté par l’humour typiquement british de Gillan et, dès les premières notes de « Second Sight », le magnifique morceau d’ouverture, la bonne humeur du chanteur et de ses compères saute aux yeux. Malgré ses 61 ans à l’époque de l’enregistrement, Ian semble toujours prendre autant de plaisir à monter sur scène. Un plaisir communicatif qui trouve son point culminant lorsque Michael Bradford, le producteur des derniers albums de Deep Purple et des albums solos de Gillan, rejoint le groupe, armé de sa guitare, pour une jam endiablée, curieusement intitulée « Rivers of Chocolate ».
La setlist fait évidemment la part belle aux extraits de « Gillan’s Inn », dont huit morceaux sont ici interprétés. Gillan en profite cependant pour revisiter, outre les classiques « Smoke on the water » et « Knocking at your back door », deux compos de Deep Purple jamais jouées sur scène par le Pourpre Profond : « Wasted Sunsest » et « Not Responsible ». La période la plus Heavy Metal de la carrière solo du chanteur n’est pas oubliée, puisque l’elpee recèle l’ultra puissant « Unchain your brain » de 1980.
Au total, 19 chansons pour 1h44 de plaisir intense. « Live in Anaheim » est sans conteste l’un des meilleurs albums live auquel ait participé Gillan. Un must !
Yuko compte parmi ces premières parties qui vous soufflent, vous renversent brutalement… Souffles qui vous plongent dans le magnétisme incontrôlable de tourbillons de douceur. Mélopées lentes et lugubres qui invitent à la lévitation. Un post-rock éthéré, vaporeux et hautement atmosphérique à la silhouette islandaise dans laquelle les fans de Sigur Rós se retrouvent tout naturellement.
L’affiche et la pochette de leur premier opus hissent les drapeaux sans détour. L’Islande et l’Allemagne sont au menu du jour. Impossible, du reste, de ne pas remarquer la troublante ressemblance entre la couverture de « Takk » (Sigur Rós) et les corbeaux de Notwist qui rôdent, non loin, perchés sur un arbre. Difficile, également, de rester insensible au charme désolé, abstrait et dépouillé qui rompt le cercle trop parfait de la ronde entendue, de l’ode concertée et tente une musique qui s’ouvre vers l’ailleurs…
A aucun moment, cependant, Kristof Deneijs, leader du groupe, ne renie pas sa muse (Mùm, Bernhard Fleischmann, Mogwai, etc.) et marche d’un pas inspiré sur les traces de ses aînés avec une naturelle distinction.
Sorti en 2008 chez le jeune label belge Debonair Recordings, l’excellent « For times when ears are sore » nous offre onze perles sonores inclassables. Complexité et diversité du son comparables à celles d’autres groupes comme Efterklang ou Notwist. Une voix passant de Markus Acher à Thom Yorke. Sans oublier des guitares shoegazing et des feedback loops à la Slowdive ou Ride. Bref, tout un programme proposé par le quatuor gantois qu’il restait à mettre en scène.
Première surprise : les quatre jeunes musiciens ne joueront que trois morceaux de leur unique elpee (« I Don’t Know What I Want But I Do Know It Won’t Come From You », « Don’t Drag Dogs Into Bed, They Carry Diseases », et « A Room For Two »). Preuve encore du potentiel créatif de Yuko et de la richesse de son répertoire à venir.
La seconde surprise procède du nombre et de la diversité d’instruments utilisés sur scène. Composé d’un chanteur-guitariste, d’un bassiste, d’une drummeuse et d’une bruiteuse (‘Madame Noise’), le quatuor mixte (deux femmes et deux hommes) bouscule son univers aux guitares aériennes, aux arpèges délicats et à la batterie léchée en y introduisant une multitude de sons insolites.
Ainsi, dès le deuxième morceau (« I don’t know what I want… »), on entendra le bruit d’un moulin à café. « Meal Mobil » s’accompagnera d’un verre à Leffe joué à l’archet. L’intro de « Lotte Bass » sera concertée par l’explosion minutieuse de papier à bulles pour inviter enfin une clarinette et un xylophone à entrer dans la danse. Le crissement d’un archet sur une boîte en carton viendra ouvrir et fermer « You’re better off ». Sans oublier l’utilisation de la scie et le merveilleux final à la latte. Tout support est prétexte à musique et les quatre musiciens arrivent à l’orchestrer de façon harmonieuse. Un désir irrépressible d’explorer le son habite les musiciens de Yuko et ils s’en donnent à cœur joie. L’architecture musicale résonne comme un défi : innovante et cohérente à la fois. Et c’est une réussite. Chapeau bas !
Le résultat ? Un inclassable mélange de genres qui se répondent et s’harmonisent à l’infini.
A écouter et à voir au plus vite !
Organisation Botanique
Ce samedi 23 mai 2009, l’ex-barbu de Grandaddy était l’invité d’honneur du Botanique à Bruxelles. Après 3 ans de retraite rurale, Jason Lytle s’évade des montagnes du Montana pour nous présenter son premier album solo « Yours truly, the commuter », sorti sous le label Anti-Records (Tom Waits, Nick Cave…) Très attendu par ses fans, le talentueux songwriter américain foule timidement les planches d’une Rotonde pleine à craquer. Le spectacle nous présentera, malheureusement, un artiste éteint et désabusé.
Personnage introverti, torturé, Jason Lytle n’aime pas jouer en public et ça se sent terriblement. Vous l’avez peut-être oublié, mais c’est la raison pour laquelle il avait prématurément quitté l’aventure Grandaddy. Sans remettre en cause son talent indéniable de musicien et sa voix formidable, le spectacle livré par les quatre musiciens souffre d’une éclipse d’âme et plonge le spectateur dans une profonde léthargie.
La formation enchaîne les morceaux avec une lassitude remarquable. Le groupe ne communique pas, ne communie pas. Le jeu de Jason Lytle est mécanique, désincarné, dépassionné. L’essence même du musicien est désormais exsangue ; ses qualités, sans âme. Jason Lytle s’ennuie, et cet ennui, il le communique très bien. Le spectateur a l’impression d’assister à une mauvaise répète de Grandaddy. Spectacle pitoyable pour un grand artiste qui, espérons-le, nous offrira un meilleur visage pour le futur.
Enfin, cette soirée aura quand même eu le mérite de nous faire découvrir une jeune et excellente formation gantoise : Yuko (voir review)
Organisation Botanique
« Keep It Hid », première escapade solo de la moitié chantante des Black Keys, n’a pas entièrement convaincu la presse. Dan Auerbach file donc sur les routes pour tenter de remporter les suffrages du public. Mission accomplie ce 22 mai à l’ABBox !
‘Mais qui c’est ce gars qui vient de saluer la foule ?’ Regards perplexes. Le public accueille timidement un Dan Auerbach rasé de près, donc méconnaissable. Mais à peine se met-il à fredonner les premières notes de « Trouble Weighs A Ton » que le public réalise enfin ce qui se passe et accueille dignement le bluesman. Il est accompagné ce soir des « Fast Five », un backing band composé de cinq musiciens ; et pas n’importe lesquels. Les quatre membres de Hacienda et, surtout, Patrick Hallahan, batteur de My Morning Jacket. Grosse surprise, ce qui paraît incohérent sur disque fait la force de ce live qui transporte l’assistance dans un Sud ricain accueillant.
Affublé d’une affreuse chemise bleue assez kitsch, Dan Auerbach et ses compagnons affichent une bonne humeur contagieuse et maîtrisent leur sujet jusqu’au bout des doigts. La prestation est intense, quasiment hypnotique. Si l’ancien barbu voulait se distancer quelque peu de la discographie des Black Keys, le pari est plus que réussi. Les titres blues, roots ou country de son « Keep It Hid », scéniquement bonifiés, s’enchaînent à une vitesse folle. The Fast Five fait littéralement vibrer la scène, si bien qu’un Patrick Hallahan déchaîné envoie involontairement valser tout ce qui se trouve autour de lui, du triangle au micro en passant par une cymbale. En 1h20, Auerbach déballe l’entièreté de « Keep It Hid », entrecoupée d’une reprise fracassante du « Oh Carol, I’m So Sad » de Rockin’ Horse. Un set tout simplement impeccable.
Organisation : Ancienne Belgique
Salim Nourallah est un nom bien étrange pour un artiste texan. Originaire d’Alton, dans l’Illinois, c’est le fils aîné d’un couple d’immigrés afghans. A l’âge de 3 ans, sa famille déménage à El Paso. Sa maman est artiste et son père comptable. Les contraires peuvent parfois enfanter de bien beaux rejetons ! Surtout quand on sait que son jeune frère Farid (NDR : 18 mois séparent les deux naissances) a également été contaminé par la musique. Salim a commencé à écrire dès l’âge de 16 ans. Et c’est cette enfance qui inspire la plupart de ses lyrics. Les deux frangins vont alors se produire sous le patronyme des Nourallah Brothers, dès 1999, duo régulièrement mis en exergue par le magazine Magic. La tribu émigre ensuite à Denton, ville au sein de laquelle Salim ne se plaira jamais.
Salim Nourallah n’est guère connu aux States. Sa notoriété est d’ailleurs plus conséquente sur le Vieux continent qu’outre-Atlantique. Ses disques sont même signés sur des labels européens. Et le dernier en date, « Constellation » est paru chez Tapete, une écurie allemande.
Notre cowboy moyen-oriental cumule les fonctions de songwriter et de producteur (NDR : il est responsable de la mise en forme d’une multitude de disques enregistrés par des artistes issus de Dallas).
Influencé par les Beatles (NDR : et en particulier par le « Double blanc »), Salim est responsable de compos sculptées dans une pop/rock mélodique. Ce qui ne l’empêche pas de les tremper dans le power-folk ou de leur coller des sonorités vintage. Et il nous le démontre à nouveau tout au long de ce nouvel elpee. Son cinquième en solitaire. Son timbre vocal n’est pas exceptionnel ; mais il parvient néanmoins à injecter énormément d’émotion dans ses chansons. Et c’est ce qui accroche. Dans ses lyrics, il aborde des sujets comme le temps qui passe et les amours perdus ; mais il a le bon goût de teinter le tout d’une lueur d’espoir. Il aborde aussi le sujet de la mort. « Constellation » a ainsi été concocté suite au décès de son ami et chanteur, Carter Albrecht. Il évoque même cette disparition dans une des chansons les plus réussies de l’opus : « Blink Of an Eye ». On épinglera également le superbe « Western Hills », récit autobiographique cours duquel il étale les dysfonctionnements de sa propre famille ; ou encore la petite pépite pop « Saint Georges », qui clôt le disque. Au fil du temps, on a l’impression que la musique de Salim s’approche de plus en plus de celle d’Elliott Smith. Dommage que la production soit aussi lisse ; l’œuvre aurait ainsi pu atteindre une toute autre dimension…
Le cinquième élément de Mastodon constitue une œuvre majeure de la décennie, encore plus aventureuse que les opus précédents du combo qui est un peu au metal ce que King Crimson est au rock prog. Bien au-delà d’une ambition progressive déjà palpable sur « Blood Mountain », le quatuor concentre son énergie sur une construction qui réconcilie heavy metal, jazz rock et stoner.
Opus aux nombreux mystères, conçu peu avant la fulgurante tournée ‘Unholy Alliance III’ en ouverture de Slayer, « Crack the Skye » s’ouvre sur l’époustouflant « Oblivion ». Le ton est donné. Son limpide mais rugueux, production énorme, tempo plus lent qu’à l’accoutumée, pour un résultat plus en nuance. On note déjà un superbe solo évoquant, dès les premières mesures, David Gilmour. « Divinations », plus traditionnel, est aussi le morceau le plus court de l’album. 3’40 de heavy pure souche. « Quintessence » porte fichtrement bien son nom. Caractérisé par son refrain très aérien, l’utilisation de samples et de plans que ne renieraient pas Porcupine Tree ou Opeth, le groupe grave un titre passionnant, digne d’un kaléidoscope métallique. « The Czar », pièce maîtresse de la rondelle, s’étale sur 11 minutes. Son intro à l’orgue hammond et ses riffs lourds et fermes lorgnent résolument vers les seventies. On pense aussi aux développements du ‘Roi cramoisi’ et à la complexité du hard sympho de Rush. Le refrain est rendu encore plus efficace, toujours soutenu pas ce clavier délicieusement ‘purplelien’. La musique évolue crescendo et se dévoile, en finale, beaucoup plus agressive, nous aspirant dans un tourbillon de rythmes rigoureux. Une finale exécutée en forme de clin d’œil au Metallica de l’époque « Master of Puppets ». L’intro orientale de « Ghost of Karelia » trompe l’auditeur. Il s’agit du titre le plus caractéristique de la marque de fabrique Mastodon. Du gros heavy brut de décoffrage. Le titre maître de ce chef d’œuvre accroche dès les premières secondes. A cause de ses arpèges magnifiques auxquelles se marient des claviers. Ce n’est autre que Scott Kelly de Neurosis qui couche sa voie sur ce segment sombre, oppressant et qui maintient une tension proche de la transe au fil de ses 6 minutes sulfureuses à souhait. Dantesque, « The Last Baron » est le titre le plus contagieux et envoûtant. Bénéficiant de chœurs du plus bel effet en fin de course, l’œuvre, malgré sa durée (13 minutes) ne faiblit jamais et réinvente à elle seule tout l’univers d’un Mastodon au sommet de sa forme !
Noir et lyrique, hypnotique et déconcertant, « Crack the Skye » s’impose comme un futur album de référence.
Début des années 90, un nouveau style de metal émerge en Europe. Une musique doom, pachydermique et dépressive combinée à des vocaux death metal. Les fers de lance du genre répondent aux patronymes d’Anathema et de My Dying Bride en Angleterre, Tiamat en Suède ou encore Celestial Season chez nos voisins bataves. Hormis My Dying Bride, tous ces groupes ont depuis adouci leur musique ; cependant, le ‘doom/death’ s’est perpétué à travers de nouvelles formations comme Saturnus, Swallow The Sun ou encore November’s Doom.
Dix-huit ans plus tard et à huit mille kilomètres de là, Jacobo –sorte de Rémi Bricka du heavy metal mexicain– décide de rendre hommage à ces groupes cultes des nineties en formant, à lui tout seul, Majestic Downfall un projet doom/death imaginé dans la plus pure lignée de ses idoles européennes. Jacobo n’est pas un nouveau venu sur la scène metal. Il a joué plus de 10 ans au sein du combo mexicain Antiqua ; en outre, il avait déjà édité en 2008, « Man Made Paradise », une petite perle trash/death mélodique au sein de Ticket To Hell, son autre groupe personnel. (NDR : à vous procurer, si vous l’avez loupé).
S’étalant sur 56 minutes pour seulement 5 chansons, « Temple Of Guilt » entre tout à fait dans les canons du genre. La musique est lente et lourde, éclairée par la présence de claviers majestueux. Les vocaux sont proches de ceux de Darren J. White, le vocaliste historique d’Anathema. Les ambiances sont à la fois malsaines et mélancoliques. Si Jacobo aime bien travailler seul, il sait s’entourer de musiciens de session lorsque le besoin s’en fait sentir. Il a donc laissé le soin à Porncho, le cogneur du groupe death mélodique mexicain « The Ill Over Death », le soin de s’occuper des parties de batterie.
Il faut s’en douter, les compositions de Jacobo n’apportent rien de neuf au genre ; mais la production est excellente et surpasse de loin celle des premières œuvres d’Anathema ou de My Dying Bride. « Temple of Guilt » est un très bel hommage aux groupes cités ci-dessus. Vivement la suite.
A déconseiller cependant aux personnes suicidaires ou dépressives.
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