Producteur, Antoliano Toldos avait pris le pari fou de fonder un label de jazz dans une Espagne encore franquiste. De 1967 à 1972, le label Calandria a donc aligné des singles de jazz funk qui n’ont rien à envier aux disques qui sortaient chez les géants américains comme Verve et, dans une moindre mesure, Blue Note. Les treize morceaux réunis sur cet opus émanent de six formations différentes dont le groupe de Toldos, logiquement baptisé Toldos y su Grupo. Le menu est simple : un mélange d’instruments acoustiques et électriques où la batterie et les percussions tiennent le haut du pavé. La qualité sonore est irréprochable ; et, même si elles ne se démarquent en rien de leurs illustres modèles, ces improvisations endiablées et funky plairont aux fans de Wes Montgomery, Jimmy Smith, Cannonball Adderley ou encore Julian ‘Cannonball’ Adderley.
Originaire de Philadelphie, Stinking Lizaveta évolue sous la forme d’un trio. Mais pas n’importe quel trio ! Le combo se distingue en substituant un bassiste à un contrebassiste et un batteur à une batteuse ! Plutôt insolite dans un groupe de metal. Complètement décalé, l’ensemble surprend par ses atmosphères jazzy, doom et psyché. Mais l’absence de chant constitue un sérieux obstacle pour apprivoiser totalement ce « Sacrifice and Bliss » qui devient sérieusement ennuyeux après 10 minutes d’audition. Il serait inopportun de ne pas rendre justice au savoir-faire du virtuose Yanni Papadopoulos, dont le principal mérite est de ne jamais sombrer dans les clichés ringards du guitar-hero qui en fait des tonnes. On épinglera la pertinence des breaks, parfaitement en place, sur « Trouble Mountain » et « We will See », un intermède acoustique plutôt réussi ; mais l’ensemble reste terriblement linéaire et la production approximative. L’esprit évoque un peu Karma To Burn, mais on est loin du génie de ce groupe culte, un des rares metal band qui soit parvenu à signer des pièces totalement instrumentales d’anthologie. Cet elpee éponyme de Stinking Lizaveta s’avère donc plutôt dispensable.
Cinq ans après la fermeture de leur petit théâtre des horreurs, les énigmatiques Phantom Limbs nous reviennent sous la forme d’une compilation Dd / Dvd, histoire de calmer sans doute Jelio Biafra qui n’a de cesse d’hurler à propos du groupe et de leur dissolution : ‘For crying out loud, wake up, people! Look what you missed!’ Pour celles et ceux qui ne connaissent absolument pas l’univers déjanté des Américains, ce disque constitue une belle occasion de pallier à cette lacune.
Véritable ramassis de sonorités punk et gothiques, cet opus est susceptible de faire frémir les plus ‘dark’ d’entre nous. Il se concentre sur la période sise entre 1999 à 2004, années fastes pour le groupe. Au sein d’un univers semblable à un cabaret, l’inimitable Loto Ball et sa bande inoculent leur parfum maléfique en 19 actes. Possédé et complètement schizophrène, Loto Ball joue un rôle semblable à celui du maître de cérémonie Dr Frank-N-Furter, campé par Tim Curry dans « The Rocky Horror Picture Show ». Androgyne vicieux et macabre, Ball n’hésitera pas à vous planter un coup de couteau entre les omoplates, dès que vous aurez tourné le dos ; et ce, avec la plus grande désinvolture.
Les prestations scéniques immortalisées sur le Dvd corroborent ce point de vue. Peinturluré et vêtu de bas et jarretelles, cet énergumène vient pimenter le tableau en se démantibulant comme s’il était hanté par on ne sait quel vampire. Boosté aux substances les plus acides, il vocifère dans un micro ses textes maudits. Il incarne même l’essence du dérangeant et du mal-être. « Accept The Juice / Whole Loto Love » est le dernier cadeau à offrir à sa maman ; car elle n’aurait de cesse de prier pour votre âme, la pauvre. On espère juste aussi que Biafra se consolera un jour.
La subtilité n’a jamais été le point fort de Merrill Nisker, plus connue sous le nom de Peaches. Mais à 40 ans, la provocante grande gueule semble vouloir changer la donne. La Canadienne a donc gentiment nettoyé devant sa porte, placé ses textes interdits aux moins de 16 ans sous scellés et soigneusement rangé sa collection de guitares au placard. Afin d’inaugurer son salon désormais immaculé et son nouveau départ, Peaches a donc organisé une petite pendaison de crémaillère, l’occasion d’un petit bœuf ‘en famille’. Et quelle famille ! Soulwax, Digitalism, Simian Mobile Disco, Drums Of Death, Shonda K (Yo Majesty) et Gonzales ont tous répondu positivement à l’invitation de la demoiselle.
« I Feel Cream », le résultat de cette petite réunion, est probablement le meilleur ouvrage de Peaches à ce jour. Portée par le single « Talk To me » (produit par les frères Dewaele), la plaque est manifestement taillée pour les dancefloors, de son hypnotique titre-maître (coécrit par Simian Mobile Disco et Drums Of Death) aux énormes « Mommy Complex » (Digitalism) et « Relax ». A mi-parcours, Peaches s’entretient avec sa pote Shonda K sur un « Billionaire » aux accents hip-hop qui, étonnamment, ne dénote pas de cette œuvre 100% electro. « I feel Cream » ou comment passer de l’electro-clash à l’electro-classe en une leçon.
Enormissime dans sa natale Australie, The Living End digère autant l’influence des Clash que des Stray Cats ou d’AC/DC. « White Noise » constitue un excellent cinquième chapitre dans une discographie pour le moins inégale. Plus punk rock que metal, The Living End enchantera davantage les oreilles des fans de Green Day et de Alter Bridge que celles des fidèles de Rose Tatoo et de Angel City, autres pointures graisseuse du pays des kangourous. Mixé par le célèbre Brendan O’Brien, coupable du son gigantesque du dernier AC/DC et autre Pearl Jam, « The Living End » s’inscrit dans la veine des groupes punk/garage qui possèdent le sens de la diversité et un côté accrocheur plutôt prononcé. Vous avez dit commercial ? Peut-être sur ses terres, mais en Europe, le combo n’est pas encore arrivé à décrocher le moindre hit. Pourtant, « White Noise » recèle quelques tubes potentiels. Le combo s’exprime de bien des façons ; tantôt agressif « Waiting for the Silence », parfois sirupeux « Make the Call », et histoire de faire bien les choses, un solide clin d’œil à AC/DC lors de l’intro d’un « Loaded Gun » calquée sur le fameux « Thundestruck » du célébrissime groupe des frères Young. On relèvera également la présence de « Sums like Us », une plage bouclant cette sympathique galette sur des tonalités pop-rock et surtout dub-reggae. The Living End s’offre ici un opus pas prétentieux pour un sou, mais susceptible de devenir un classique du rock pour les moins de vingt ans !
Un mellotron, des notes éparses de piano, des ‘drones’ électroniques, quelques cuivres, une reprise du “Clair de lune” de Debussy... Ces quelques éléments constituent la bande son minérale et fascinante composée par Kazumasa Hashimoto pour illustrer les images de « Tokyo Sonata ». Un film de Kiyoshi Kurosawa qui a reçu le prix du jury dans la section ‘un certain regard’ du festival de Cannes 2008.
Il est rare d’accrocher à une musique de film sans l’avoir visionné préalablement ; mais c’est le cas ici. La musique mystérieuse de Hashimoto recèle un pouvoir de fascination tel que l’écoute de ce disque s’apprécie et se goûte indépendamment des images. Les 22 thèmes (dont plusieurs versions du principal) illustrent à merveille la quête d’une famille à la recherche d’une unité perdue. Mélodieuse et expérimentale à la fois, mélancolique et apaisée, cette belle partition devrait ravir les amateurs de musique classique contemporaine. A découvrir!
Ian Gillan demeure un éternel insatiable. Toujours charismatique, il s’impose un break entre deux tournées de Deep Purple, et nous offre un album solo pour le moins éclectique. Celui qui fait partie des légendes du hard rock seventies, au même titre que Sabbath et Led Zep, reste une référence pour bon nombre de nouveaux combos en revendiquant l’influence de ces monuments du rock lourd. En concoctant « One Eye to Morocco », Gillan s’éloigne bien judicieusement des racines purpleliennes et nous balance douze titres entre rock bluesy et pop exotique, lui permettant de chanter dans des registres différents. Mais son timbre de voix est immédiatement identifiable et il faut bien reconnaître que notre homme, contrairement à un Coverdale en déliquescence, a gardé toutes ses capacités vocales. Mais après avoir écouté cet elpee, on se demande où il veut en venir.
Taillé pour les ondes, le titre maître est imprimé sur un mid tempo sympathique et emprunte un refrain forcément ensoleillé. « No Lotion for That » semble plus rock, mais il faut attendre la plage suivante, « Don’t stop », pour enfin taper du pied. A cause du fameux jeu de congas dispensé par le chanteur de Deep Purple. Mais on reste perplexe. Souvent mélancolique, parfois dansante, l’œuvre ne tarde pas à nous faire tomber dans un ennui profond et à nous faire regretter le Gillan de « Toolbox », de « Dreamcatcher » et surtout de l’incontournable « Glory Road », son chef d’œuvre (solo) absolu sorti en pleine New Wave of British Heavy Metal au début des eighties. Certes Mr. Gillan a voulu se faire plaisir et il est vrai que l’homme n’a plus rien à prouver. Et devant la légendaire humilité de ce grand personnage il serait indécent de baver sur sa production et de faire la fine bouche. En conclusion, « One Eye to Morocco » n’est pas un album séduisant ni irrésistible ; le résultat est même mitigé. Mais il possède au moins le pouvoir de nous faire prendre conscience de l’immense talent vocal d’un chanteur dont on parlera encore lorsque les membres de Tokyo Hotel rejoindront la maison de retraite.
Quatre années se sont écoulées entre la sortie de « Some Cities », le troisième opus de Doves, et ce « Kingdom Of Rust ». Quatre longues années. Même s’il passe plutôt inaperçu de ce côté de la Manche, le trio a jusqu’ici toujours tapé dans le mille et ce nouvel elpee ne fait pas exception à la règle. Depuis « Lost Souls », une première œuvre parfaite publiée en 2000, les Mancuniens ont toujours exécuté un travail impeccable, si bien que la discrétion de leur succès en devient frustrante. Car Doves est l’une de ces formations qui transporte l’auditeur de la première à la dernière note et l’envoie délicatement virevolter au-delà de la grisaille.
Pour « Kingdom Of Rust », les Doves ont effectué un véritable travail d’orfèvre. S’en dégage des mélodies pures (ce « Spellbound »!), recherchées (« Jetstream », « House Of Mirrors ») et, parfois, surprenantes (« Compulsion », « 10:03 »). Une nouvelle fois, le trio exécute un sans faute. A l’heure où le « The Seldom Seen Kid » de Elbow fait un carton plein, il n’y a aucune raison que ce « Kingdom Of Rust », qui s’inscrit dans la même veine, ne suive pas le même chemin. Pour y parvenir, peut-être faudrait-il aux trois talentueux gaillards une approche marketing un peu plus agressive…
Aujourd'hui sexagénaire, Rick Derringer, de son véritable nom Richard Zehringer, a connu la fortune à l'âge de 17 ans. En décrochant un numéro 1, en 1965. Grâce au "Hang on sloopy" des McCoys. Il succédait alors au sommet des hit-parades, à l’incontournable "Yesterday" des Beatles! Il se forge une certaine notoriété au tout début des 70s, comme deuxième guitariste du Texan albinos, Johnny Winter. Ensemble, ils vont accorder des shows rock'n'roll et blues torrides que plus personne ne parviendra à égaler. C'est d’ailleurs Rick qui a composé le succès de Winter, "Rock'n'roll hoochie koo". En 1971. Il passe ensuite chez White Trash, la formation du frangin Edgar Winter, avant de se lancer dans une carrière en solitaire. Qui ne décollera vraiment qu’en 1993. Lorsqu’il signe sur le label Shrapnel. Et enregistre successivement les albums "Back to the blues", "Electra blues", "Blues Deluxe" et "Jackhammer blues". En 2001, il décide de monter D.B.A. (Derringer, Bogert & Appice) une section rythmique performante, dans l’esprit de ce que Jeff Beck avait créé bien avant lui. La suite de ses aventures musicales est plus intimiste et surtout religieuse, impliquant son épouse Jenda. Mais chassez le caractère et il revient au galop ; car notre Rick vient d’opérer un nouveau retour au blues. Et c’est une bonne nouvelle. Pour ce nouveau projet, il a reçu le concours de deux frères, Dave, aux drums et Ron Reinhardt aux claviers. Rick se charge des parties de guitare, de basse, du chant et aussi de la production.
L’elpee s’ouvre en force par "The mess around", une cover du regretté Ahmet Ertegun, fondateur et ex-boss du label Atlantic. Rick n'a rien perdu de ses qualités de gratteur. Ses interventions sont aussi limpides qu’efficaces. Ses inflexions vocales sont déterminées mais manquent de charisme. Soutenu par une rythmique menaçante, "Sometimes" nous rappelle qu’il a été un adepte du rockin' blues aux accents hard. Il prend cependant bien soin de ne pas tomber dans les excès du métal. "Give me some money" et "Time to go" sont des blues rock classiques et très efficaces. Instinctivement, Rick est susceptible de prendre un billet de sortie, afin de démontrer toute l’étendue et la versatilité de son registre. Derringer n'a retenu que deux reprises pour cet elpee. Tout d’abord "If 6 was 9", une composition de Jimi Hendrix datant de 1968 qui figurait sur le long playing "Axis : Bold as love". Manifestement une de ses idoles. Il y reproduit parfaitement les dérives psychédéliques de son maître. Un voyage sur les cordes tout à fait convaincant. Le titre maître (NDR : traduction ‘Fait chevalier par le blues’) campe un riff classique proche du "Help me" de Sonny Boy Williamson. Les vocaux sont empreints de douceur. Face à l'orgue Hammond, les cordes sont délicatement et subtilement ciselées. Il a écrit "Jenda" pour sa tendre épouse. Une plage directement inspirée par le grand Albert King. Plage instrumentale, "Cat on a hot tin roof" est couvert d’accents jazzyfiants. Ce qui permet à Rick d’étaler la subtilité et la vivacité de sa technique. "My gals kinda crazy" est un slow blues de circonstance. Très électrique, à première écoute conventionnel, il se révèle quand même un rien déjanté, comme se le permettrait Buddy Guy. L’elpee s’achève dans une ambiance cabaret, satinée et mélodieuse. Une autre plage lente empruntée à Ray Charles et intitulée "Funny I still love you". Sans grande surprise, cet opus est néanmoins de toute bonne facture…
‘Iuventus stultorum magister’. Ceux qui imaginaient Dave Gahan et sa bande égarés dans les méandres des courants musicaux, victimes d’une jeunesse sans cesse exploratrice, « Sounds Of The Universe » vient de leur tendre un vilain croche-pied. Ceux qui soupçonnaient le trio Gore / Gahan / Fletcher en panne d’inspiration, cette plaque va leur clouer le bec, et la tête, alouette. « Sounds Of The Universe » est certainement l’album le plus attendu de 2009. Plus ou moins quatre ans après avoir commis le sulfureux « Playing The Angel », on se demandait où nous conduirait le douzième opus studio du groupe de Basildon. A vrai dire, après avoir écouté ce disque, on ne sait pas encore très bien où l’on va ; mais les murs de la pièce au milieu de laquelle on est précipité, sont capitonnés et sombres.
Un certain esprit revivaliste hanterait-il « In Chains », le morceau d’ouverture ? Une chose est sûre, ces sept minutes capiteuses qui ouvrent le bal sont susceptibles de vous communiquer une chair de poule fort agréable. Après cette expérience dermatologique, difficile de ne pas succomber au déjà incontournable « Wrong » ainsi qu’à « Hole To Feed », un des trois morceaux signés par Gahan ; Martin Gore ayant toléré une fois de plus, mais au compte-gouttes, les compositions de Dave. Intemporels, ces treize morceaux sont autant de parts de gâteau empoisonnées ; mais que l’on se ressert paradoxalement avec un appétit féroce. Toujours en avance sur le temps et les modes, les musiciens de Depeche Mode nous démontrent ici une fois de plus qu’ils sont les rois des studios. Si la relation DM / Ben Hillier n’est pas innocente en terme de résultat, on ne peut que marquer son respect vis-à-vis de « Sounds Of The Universe ». Même si les arrangements sont carrément époustouflants et que les mains de Hillier ont traduit ce que les consoles voulaient exprimer, l’honneur revient indéniablement au trio britannique, fervents laborantins du son depuis 28 ans déjà !
Sur le boîtier du compact, un autocollant annonce déjà la couleur : ‘This is not the new Yo La Tengo album’. Histoire de tempérer la bonne blague de potache causée par ce disque, Matador tient quand même à rassurer les fans du trio américain. Ce brûlot punk d’une demi-heure n’est donc pas le nouvel album de Yo La Tengo, mais une petite récréation sans prétention. On est loin du son habituellement cotonneux et hypnotique auquel les gaillard(e)s nous ont habitués. Ils se collent ici à une série de reprises (Richard Hell, Small Faces, Troggs, les Kinks…) entre punk et pop garage, jouées live (le son est très brut), toutes guitares devant et les voix noyées dans le malstrom sonore. On imagine que l’ambiance du CBGB dans les années 70 devait un peu ressembler à ça : beaucoup d’énergie, de bruit et une certaine naïveté musicale propre au courant punk. Le choix des morceaux est impeccable, mais ce disque insolite risque de ne pas intéresser grand monde, si ce n’est les fans du groupe curieux de découvrir leur groupe préféré sous une formule inhabituellement potache et foutraque.
Originaire de Chicago, Catfish Haven est un groupe pratiquant un rock à l’ancienne, mâtiné de touches de blues et de soul. La grosse voix rocailleuse de George Hunter domine ce troisième album apparemment inspiré par une histoire d’amour vécue en compagnie d’une certaine Valerie. Ce « Devastator » lui est d’ailleurs dédié. Un opus découpé en une douzaine de titres pas tellement mémorables dont l’originalité n’est pas le point fort ; mais des compos qui ont le mérite de la sincérité. Mais cette sincérité ne suffit pas, car le temps semble s’allonger à l’écoute de ces plages un peu monotones, surtout lors des ballades tire-larmes. L’écoute est plus agréable lorsque le tempo s’emballe ; le son rêche et l’énergie permettant à l’ensemble de ne pas sombrer dans la ringardise absolue. On conseillera donc cet elpee aux fans de photos de lingerie (allez voir la pochette), de Lynyrd Skynyrd ou encore de My Morning Jacket.
Deux ans après concocté « It’s a bit complicated », un album mi-figue mi-raisin, Art Brut nous propose « Art Brut vs Satan » ; et manifestement, le quatuor anglais semble avoir retrouvé leur fougue originelle. Mais si ce groupe est parvenu à résister à l’épreuve du temps (la formation est née en 2003), il le doit à la présence de son chanteur charismatique Eddie Argos. Trop de vocalistes insulaires chantent de la même manière. Et souvent d’un timbre cristallin, modelé après de longues heures de mixage. Ce n’est pas le cas d’Eddie. Le sien est naturel ; et il en assume les limites qui peuvent parfois se révéler discordantes, comme sur « Slap dash for no cash » ou encore « Twist and Shout ». A dire vrai, il ne chante pas, il scande ses textes en ne cachant pas son accent typiquement britannique. Et c’est ce qui en fait son charme. En outre, Argos aborde dans ses lyrics, les problèmes de tous les jours. Les siens et puis ceux de celles ou ceux qui l’entourent. Des morceaux de sa vie, de nos vies. Simplement, en y apportant sa touche d’humour personnelle. Qui ne s’est jamais réveillé avec une cuite mémorable en se demandant ce qui lui était arrivé la veille ? « Alcoholics Unanimous » nous le rappelle. Trouver un job d’étudiant en ces temps de crise, n’est pas une sinécure. « Summer job » s’en soucie. Et en final, au cours duquel le groupe élabore un formidable crescendo de plus de sept minutes, « Mysterious Bruises » se souvient d’une nouvelle nuit agitée d’Argos.
« Art Brut vs Satan » a été enregistré en à peine deux semaines sous la houlette de Frank Black. L’ex-Pixies les a emmenés au sein de ses propres studios, dans l’Oregon. Chaque titre est un tube potentiel. A travers son punk-rock, Art Brut ne cherche certainement pas à révolutionner la face du monde, mais tout simplement à prendre son pied et à inviter ses aficionados à faire de même, sans se soucier du reste.
Paru en 1982, “Nothing Can stop us” réunissait quatre singles et leurs faces B, enregistrés par Wyatt à la fin des 70’s et au début des 80’s. En fait juste après qu’il adhère au parti communiste. On y retrouve donc « Auroco », un chant chilien dénonçant l’extermination des Indiens par les Latino-américains et sa flip side « Caimanera », adaptation du fameux « Guantanamera » de Pete Seeger. Ecrite par Jose Marti, cette chanson est également devenue l’hymne national de Cuba.
Signé Billie Holiday, « Strange fruit » pleure les victimes des lynchages racistes perpétrés dans le Sud de l’Amérique, tandis que l’autre face révèle « At last I’m free », un des meilleurs morceaux de Chic, qu’il a adapté à son timbre vocal cassé pour en réaliser une version bien plus émouvante.
Il réserve « Trade Union » et « Grass » à une formation Bengali établie à l’Est de Londres. On a ainsi droit à des élans impétueux de tablas, shinai, balayés par ses vocaux impassionnels qui communiquent un besoin urgent de formes traditionnelles.
Pour Wyatt, la démocratie a toujours été un mensonge, même la démocratie fondatrice grecque, qu’il considère comme un oasis de paroles libres et un océan de misère réprimée. Au verso de « Stalin wasn’t stalling », chant de propagande pro-stalinien chanté à l’origine par l’ensemble gospel américain The Golden Jubilee Quartet, Peter Blackman vient réciter son poème « Stalingrad ».
La compile recèle néanmoins deux compos plus personnelles : « Born Again Cretin » et « Red Flag ». Deux titres bien dans l’esprit du recueil ; encore que la musique du second est inspirée du chant de Noël traditionnel « Mon beau sapin », alors que les lyrics ont été adaptés par Jim Cornell.
Etonnant, cette version cd ne reprend pas le bonus track « Shipduilding », petit joyau mélodique issu de la plume du tandem Elvis Costello/Clive Langer, qui figurait bien sur la compile de 1982. C’est le seul bémol de cet opus. (Réédition album paru initialement en 1982)
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