Sept années déjà que Chris Isaak n’avait plus enregistré de nouvel album. Bien sûr, il ne s’est pas tourné les pouces, puisqu’il a sorti une compile, un ‘live’ et un disque de Noël ; mais surtout présenté un talk show à la TV, baptisé ‘The Chris Isaak hour’. « Mr. Lucky » fait donc suite à « Always Got Tonight », publié en 2002. Il s’agit de son neuvième opus studio. Un disque au cours duquel il partage deux duos vocaux. Tout d’abord « Breaking apart », en compagnie de Trisha Yearwood », une ballade romantique enrichie d’arrangements symphoniques. La version originale figurait déjà sur l’album « Speak of the devil » en 1998. Et puis de Michelle Branch, sur la ballade mid tempo « I lose my heart », une compo dont le sens mélodique me rappelle curieusement Abba. L’elpee recèle d’ailleurs plusieurs ballades mid tempo, interprétées dans l’esprit d’un Roy Orbison. Pas pour rien que le Californien soit considéré comme son fils spirituel. Ce ne sont pourtant pas les compos qui me bottent le plus. Et encore moins « We let her down », un tube hymnique qui pourrait figurer au répertoire de Simple Minds. Les plages plus country & western s’avèrent déjà plus intéressantes. A l’instar de « We’ve got tomorrow », enrichi d’une section de cuivres très néo-orléanaise. Ou encore du bluegrass teinté de charleston, « Take my heart ». Mais quand l’artiste laisse vagabonder sa guitare, les compos prennent une toute autre dimension. Que ce soit sur des tonalités surf, reverb ou tout simplement décapantes. Et je pense tout particulièrement à « My lonely man », imprimé sur un tempo rockabilly, à l’uptempo « Best I ever head », une composition très sudiste, qui lorgne manifestement vers Lynyrd Skynyrd. Sans oublier les intenses « We lost our way » et « Very pretty girl », deux titres qui suintent d’électricité vivifiante. L’elpee s’achève même par un blues saignant intitulé « Big wide wonderful world ». A 52 balais, Chris en a encore sous la pédale ; le tout, c’est qu’il n’oublie pas d’appuyer dessus…
A l’instar de dEUS, Admiral Freebee, Das Pop ou encore Goose, The Hickey Underworld a pris son envol en gagnant le concours organisé par le magazine Humo. Le prestigieux Rock Rally. C’était en 2006. Il faudra cependant attendre trois longues années pour que la formation anversoise commence enfin, à susciter un certain intérêt de l’autre côté de la frontière linguistique. Pourtant, tout au long de cette période, le combo a joué en première partie de grandes pointures telles que Dinosaur Jr, The Bronx ou encore MC5. Il a même assuré le supporting act de la bande à Tom Barman. En France. C’était lors de la tournée destinée à promotionner l’album « Vintage Point ». Un gage de confiance et de potentiel qui augure peut-être l’éclosion d’un nouveau talent, dans le Nord du pays. Mais seul l’avenir nous l’apprendra.
L’univers sonore de The Hickey Underworld évolue quelque part entre le stoner, le disco et la pop. L’elpee s’ouvre par « Zero Hour », une compo qui donne immédiatement le ton. Puissante, mélodique, elle trahit déjà de petits relents disco. Des accès nettement plus présents sur « Futur Words » ainsi que « Blonde Fire », deux tubes en puissance. La formation bénéficie également de la présence d’un excellent chanteur : Younes Faltakh. Tantôt limpide, tantôt écorché, son timbre vocal est tout à fait remarquable. Il évolue même parfois dans un registre proche du Gallois Kelly Jones, le chanteur des Stereophonics. L’opus s’achève par « VRMNSMR », probablement le meilleur morceau de l’elpee. Les vocaux baignent dans une solution sonore riche en vagues de synthés. La rythmique est solide et les riffs stoner percutants. Produit par Das Pop, cet opus ne dure néanmoins que 39 minutes. Mais elles ne souffrent d’aucun temps mort. Quant à imaginer si nous sommes en présence d’un futur grand groupe belge, il vous appartiendra de juger vous-même lors des festivals d’été ; puisque The Hickey Underworld se produira à Dour, au Rock Werchter, aux Ardentes et au Pukkelpop.
Sous l’intriguant pseudonyme Finn. se cache un songwriter multi-instrumentiste allemand, issu d’Hambourg. L’homme complète sa carrière de musicien par un job de designer, sous son véritable patronyme, Patrick Zimmer. Il partage dès lors son temps entre Londres et Hambourg. Quelques années d’errances d’électronica lo-fi lui ont été nécessaires pour en arriver à ce magnifique troisième album sobrement (!) intitulé « The Best Low-Priced Heartbreakers You Can Own ».
Finn. a enregistré et produit cet album pendant 7 mois dans les catacombes d’une vieille église du XIVème siècle, sous les rues de St-Pauli en Allemagne. Il s’agit d’un album concept divisé comme au théâtre en cinq actes (NDR : en français dans le texte : ‘L’Anesthésie’, ‘La Sédition’, ‘La Mutinerie’, La Bonace et ‘La Pluie, L’Accord’). L’univers sonore de Finn. et son interprétation poignante colle à merveille à cette trame digne des tragédies grecques classiques. L’album s’avère être une éclatante réussite tout en fonctionnant à l’économie. Les orchestrations sont subtiles (violons, flûte et trompettes s’y croisent) ; et l’interprétation de cette folk décharnée est, elle, intense. Finn. nous livre un folk cinématographique et dépressif de haute volée.
La reverb sur sa voix de fausset rappelle Neil Young voire Ben Bridwell du Band of Horses, même si tout ici est plus noir et parfois quasiment malsain. L’album n’est pas à recommander à Madame ou Monsieur tout le monde. Suivant la formule : âmes sensibles s’abstenir. L’ombre de Sigur Rós et de Bon Iver planent sur la musique de Finn.. Mais son monde est quant lui à unique. Je vous conseille d’écouter l’intégralité de l’œuvre d’une traite, car elle forme un tout très cohérent même si elle recèle quelques sommets tel « Julius Caesar », caractérisé par son final apocalyptique et discordant. La mélodie de « In The Wake Of » est également addictive et « The Fourth, The Fifth » touchera l’auditeur attentif au plus profond de lui-même. L’album est découpé en 16 plages, mais ne traîne jamais en longueur, car plusieurs interludes permettent d’aérer l’ensemble.
L’écoute n’est donc pas aisée ; mais s’attarder sur cet album exigeant constituera pour l’auditeur un investissement rentable et lui procurera une grande satisfaction tellement il est riche, intense et tortueux. Les œuvres mélancoliques se révèlent bien souvent celles résistant le mieux aux années et aux modes. Ils nous suivent tout au long de notre existence. C’est le cas de cet elpee, Finn. nous offre en effet un album intemporel…
Peu connu à ce jour, Finn. a pourtant déjà assuré le supporting act pour José Gonzales et Stephan Eicher. Son explosion à l’instar de celle de Bon Iver en 2008, ne fait aucun doute ! L’artiste allemand prodigue en effet une belle leçon de dramaturgie musicale… triste et touchante à en pleurer.
Rossometile est un groupe de rock progressif italien fondé en 1996. En 2008, il recrute une nouvelle chanteuse (Angela Grassi) et enregistre son second album « Terranica ». Le combo reconnaît pour influences Dream Theater, Rush, PFM, The Gathering et Klimt 1918. A l’écoute du premier titre : « Terranica » on imagine être tombé sur la perle rare. Une musique progressive, certes, mais aussi atmosphérique. Un The Gathering aux sonorités latines. Les textes, chantés en italien, donnent un charme sensuel et exotique aux compositions. La seconde chanson « In Viaggio » enfonce un peu le clou en sonnant comme l’ancien groupe d’Anneke Van Giesbergen, période « Nightime birds ». Des guitares plus typiquement prog metal font leur apparition sur l’excellent « L’inizio di una catastrofe », moins atmosphérique, qui fait monter l’intensité de l’album d’un cran et vous envoie sur un petit nuage. La chute est donc dure quand arrive « Novembre », la quatrième plage. Une ballade sirupeuse qui aurait très bien pu représenter l’Italie à l’Eurovision cette année. On en déduit cependant qu’il s’agit probablement d’une erreur de parcours ; mais « La strade di Zoràn », le morceau suivant, est du même calibre. Il faut attendre « La grande Piramide » pour voir Rossometile se ressaisir en proposant un magnifique morceau épique de metal progressif. Plus question ici de rock atmosphérique. C’est cette fois vers le metal alambiqué des premiers albums de Dream Theater que le combo italien se dirige en nous réservant de longs duels guitare/clavier du plus bel effet. « L’uomo della preistoria », du même acabit conforte dans l’idée que Rossometile est un groupe au potentiel énorme. Malheureusement, les Italiens nous gâchent tout le plaisir en terminant l’album par « Come stai » et « Domani » qui auraient plus leur place sur un CD de Laura Pausini que sur une galette de rock progressif. En conclusion, Rossometile s’éparpille un peu trop sur cet opus. Entre rock atmosphérique, metal progressif ou pop italienne, ce « Terranica » –quoique bourré de bonnes idées– aura bien du mal à se trouver un public.
Apparemment obsédé par la ponctuation (‘loney, dear’ devient ‘loney dear.’) Emil Svanägan pose, au sein « Dear John », le trait d’union entre une carrière ultra discrète et l’envolée de cette dernière. Il aura donc fallu au grand timide pas moins de cinq travaux avant de mobiliser l’attention des critiques de tous bords. Normal, « Dear John » étant probablement le disque le plus abouti du Suédois.
Svanägen jongle entre mélopées magnétiques (« Airport Surroundings », « I Was Only Going Out »), retenues (« Violent », « Harm/Slow », le splendide « Distant Lights ») ou exaltantes (« Dear John », « Under A Silent Sea »). Andrew Bird, fan du bonhomme, y apporte une touche personnelle de violons sur l’excellent « I Got Lost ». Loney Dear prend le parti de la simplicité avec une telle justesse que ce « Dear John » en devient touchant. Sa pop tranquille brise les cœurs en mille morceaux avant de recoller délicatement les morceaux, comme si de rien n’était. Une belle réussite.
Plus de quatre ans après avoir publié « Pawn Shoppe Heart », le disque de la révélation, The Von Bondies revient sur le devant de la scène, un nouvel opus sous le bras: « Love, Hate And Then There’s You », un disque dont la conception a été parsemée d’embûches. Non content d’avoir fait les beaux jours des tabloïds ricains en croisant le fer avec son meilleur ennemi, Jack White, Jason Stollsteimer a réussi à faire fuir deux des membres initiaux de la formation. Warner enfoncera le clou quelques mois plus tard en se débarrassant du contrat qui le liait à la bande.
Recueilli par le label Fierce Panda, les quatre Von Bondies démontrent qu’ils n’ont rien perdu de leur hargne et signent un recueil exemplaire entre garage nerveux et pop exaltante. « Love, Hate And Then There’s You » est parcouru de mélodies à la fois simples et accrocheuses ; des mélodies survolées par une décharge de chœurs contagieux. Les refrains de « Blame Game », « Pale Bride », « Chancer » ou « Shut Your Mouth » sont de ceux qui s’agrippent au cortex cérébral et décident de s’y nicher pour des semaines, bon gré mal gré. Le son de Detroit a encore de beaux jours devant lui…
Larkin Grimm est bien plus qu’une femme. Véritable entité spirituelle, elle se produisait ce 18 mai à l’ABClub, en première partie de DM Stith, pour y présenter son dernier pamphlet, « Parplar » paru récemment chez Young God Records.
D’une beauté intrigante, la jeune femme à la biographie atypique (NDR voir chronique de « Parplar ») a littéralement envoûté le peu de monde qui peuplait l’AB ce soir là. D’abord seule, Larkin Grimm démarre son set assise timidement sur sa chaise plongeant le public dans une douce torpeur. Mais il ne faut pas plus de dix minutes à la jeune femme pour enfin se détendre et dévoiler son côté excentrique en enchaînant les plaisanteries pour un parterre très réceptif. Soutenue ensuite par trois musiciens, Grimm parcourt son opus en long et en large, passant des graves aux aigus avec une aisance déconcertante. Elle dédicacera une chanson à Paris Hilton, aux habitant de la planète Parplar (NDR : of course !) ou encore à ses divinités imaginaires. En 40 minutes, la belle a conquis l’ensemble du public qu’elle rejoindra en toute humilité pour assister à la prestation de DM Stith, son compagnon de tournée.
Organisation : Ancienne Belgique
Nous n’allons pas revenir ici sur ces tumultueuses dernières années au cours desquelles Stratovarius faisait plus parler de lui dans les potins mondains que dans les rubriques musicales. Pour résumer l’affaire en quelques lignes, le combo finlandais, embourbé dans une procédure légale contre son guitariste et compositeur principal, Timo Tolkki, était dans l’impossibilité de sortir un nouvel album. En avril 2008, ce dernier quittait le groupe pour fonder Revolution Renaissance, permettant ainsi aux autres membres de faire ce qu’ils voulaient de Stratovarius. En automne 2008, après avoir recruté un nouveau guitariste en la personne du jeune Finlandais Matias Kupiainen, le groupe s’attelait à la composition de son treizième opus : « Polaris ».
La perte de son compositeur principal ne semble pas avoir affecté le groupe ; bien au contraire. Il semblerait que ces années de disette musicale aient même boosté l’énergie créative du groupe qui nous sort ici son meilleur album depuis longtemps.
Les compositions, sans être progressives, se veulent toutefois moins immédiates que ce à quoi Stratovarius nous avait habitués jusque là. Comme si le gang, libéré de la dictature musicale de Tolkki, pouvait enfin laisser libre cours à son imagination. Finies les compositions speed relativement linéaire, place aux changements de rythme et d’ambiances. Le style de Kupiainen, radicalement différent de celui de Tolkki et rappelant notamment les escapades solo de Jason Becker, se marie à merveille aux claviers de Jens Johansson.
Bien sûr, la ‘patte’ de Stratovarius est toujours reconnaissable et des morceaux comme « Forever Today » ou « Higher we go », caractérisés par leur double grosse caisse, leurs riffs speed et leurs refrains mémorisables, pourraient sans problème figurer sur les anciens opus du groupe. L’ensemble de l’album est cependant plus mid-tempo et donne souvent la part belle aux ballades (« Somehow Precious », « Winter Skies », « When mountains fall ») sur lesquelles la voix exceptionnelle de Timo Kotipelto fait toujours mouche. Mention spéciale aussi pour le superbe et ambitieux « Emancipation Suite Part I & II » un morceau quasi-progressif au rythme lourd et arabisant. Magnifique !
Signalons pour terminer, la superbe pochette du Cd, signée Gyula Havancsák (NDR : déjà responsable, notamment, de plusieurs pochettes de Grave Digger et Destruction) et la production toujours impeccable de Mikko Karmila.
Un disque hautement recommandé aux amateurs de heavy metal mélodique.
Même si le Cirque Royal n'affichait pas complet samedi soir pour le concert de Christophe, la salle était bien garnie ; et il suffisait de compter les photographes accrédités pour se rendre compte qu'un concert de Christophe, malgré l'âge du bonhomme, demeure un évènement populaire.
Séparés par un entracte d'une bonne demi-heure, les deux chapitres du spectacle ont montré des visages radicalement différents du personnage.
Le premier a fait la part belle aux compositions récentes, dont de nombreuses issues du dernier album, assez électronique et très surprenant. Je confesse que je n'avais pas pris le temps d'écouter cet opus avant le concert ; je l'y ai donc découvert. Je le savais fort électronique ; ce sera bien le cas en ‘live’. Pour preuve, l'Ensemble Musiques Nouvelles, venu apporter sa touche symphonique à la prestation, est souvent retourné en coulisses, le style musical adopté par le noctambule se prêtant mal à cet accompagnement. Après trois-quarts d'heure, notre hôte de la soirée nous invite à aller prendre quelque rafraîchissement et/ou fumer une cigarette, lui-même en ayant apparemment ressenti le besoin.
De retour sur le podium du Cirque, Christophe va offrir une vision diamétralement opposée de son répertoire proposé en début de parcours. Plus proche de ce qu’on attendait de lui. Alors que ses interventions, lors du premier acte, trahissaient un côté mécanique (NDR : ou automatique, si vous préférez !), c'est en manifestant davantage de spontanéité qu'il va se concentrer exclusivement sur les titres de son ancien répertoire. Au sein duquel on aura droit aux inévitables "Mots bleus" et autre "Marionnettes". Et c'est flanqué du groupe andalou Los Flamencos, qu'il nous réserve une version digne de la meilleure bodega de "Señorita". Ce morceau sera d’ailleurs été repris une seconde fois, tant cette version était émouvante. Il n’a bien sûr pas omis d’inclure "Les paradis perdus" dans son répertoire de la seconde moitié de la soirée ; et après avoir présenté ses collaborateurs au grand complet, dont la superbe Ellena Noguera, invitée à chanter le premier titre de chaque tranche du show, la soirée s’est achevée par une version d'"Aline" qui aurait arraché des larmes à un rocher, tant l'émotion dégagée par Christophe et ses musiciens était intense.
Le personnage se fait rare, les occasions de le voir sur scène également ; et même si comme votre serviteur, on n'est pas un fan absolu de Christophe et de ses chansons, le voir sur scène est un moment unique qu'il serait dommage de ne pas partager au moins une fois, dans sa vie. A bon entendeur...
Bernard Hulet
Christophe
***************************************************************************
Pour clôturer cette édition 2009 des Nuits du Botanique, l’Orangerie accueillait Akron/Family, Sharon Von Etten, The Acorns ainsi que Great Lake Swimmers.
A 20h00, Sharon Von Etten ouvre le bal. Issue de Brooklyn, cette jeune Américaine avait déjà assuré le supporting act pour Beirut et Shearwater. On espère donc une bonne surprise, afin de commencer cette soirée en beauté. La salle est loin d’être comble. Les spectateurs préfèrent siroter leurs dernières consommations dans les jardins tout en profitant des derniers rayons de soleil. Ils ont raison. Et pour cause, la songwriter enchaîne ses chansons, en s’accompagnant à la guitare, sans grande passion. Faute de rythme et de vitalité, son set en solitaire devient rapidement ennuyeux. Elle achève sa prestation à 20h35. Bien vite Akron/Family !
L’Orangerie est à présent pleine à craquer. Le concert est même sold out ! Les musiciens d’Akron/Family débarquent sur les planches. Je me demandais quand même comment le trio américain allait se débrouiller pour reproduire la folie présente sur leurs disques, depuis le départ de Ryan Vandehoof, un des quatre membres fondateurs. En une bonne demi-heure, les gars de New-York nous invitent à voyager aux quatre coins du globe, en explorant tous les recoins du spectre musical. Leur set commence par une compo percussive. Le bassiste a délaissé sa quatre cordes pour rejoindre le drummer afin d’entretenir des rythmes afro-tribaux particulièrement excitants. Le public est à deux doigts de commencer à danser. L’expression sonore nous entraîne également sur les îles océaniennes, dans un style proche des Néo-Zélandais de Ruby Suns. Une multitude de genres sont revisités, depuis le rock progressif à la country en passant par le métal. En outre, les harmonies vocales du trio sont de toute beauté. Mission parfaitement accomplie pour Akron/Family. Un bémol ? Le manque de réaction du public.
The Acorns nous vient du Canada. La formation a joué en première partie de la dernière tournée de Bon Iver. Le line up réunit trois guitaristes, un bassiste, un percussionniste et un batteur. Le son est nickel. Les arrangements irréprochables. Les mélodies fort bien ficelées ; et le timbre vocal du chanteur rappelle un peu celui de Bruce Springsteen. Rien de bien exceptionnel, mais un set fort agréable à voir et à écouter. Sans plus. Mais il vrai qu’il n’était pas facile de succéder à Akron/Family et de précéder Great Lake Swimmers.
A 23h00, Great Lake Swimmers monte sur le podium. Très attendu, Tony Dekker est soutenu par un drummer, un guitariste ainsi que d’une claviériste/vocaliste. Après deux morceaux, ils sont rejoints par le contrebassiste. Dès les premiers mots chantés par le natif de Toronto, on est émerveillé. Le son est aussi nickel que celui de l’elpee. L’ambiance est également parfaitement retranscrite. Et c’est un fameux défi quand on sait que le combo canadien prend un malin plaisir à enregistrer dans des endroits aussi insolites que des églises ou des silos à grains.
L’atmosphère est détendue. Le temps semble s’être arrêté sur le Botanique. Great Lake Swimmers nous offre une grande leçon de simplicité. Dekker pioche dans l’ensemble de ses quatre albums. Il se réserve également l’interprétation de quelques compos en solitaire, uniquement flanqué de sa guitare. Il ne reste plus qu’un quart d’heure. Le groupe est à nouveau au complet pour attaquer « Your Rocky Spine ». Les dernières notes de guitare retentissent déjà… les spectateurs quittent peu à peu l’Orangerie. Les Nuits du Botanique se clôturent d’une bien belle manière. Vivement l’année prochaine !
Béber
Sharon Von Etten + Akron/Family + The Acorns + Great Lake Swimmers
***************************************************************************
Dernière soirée d’un festival à la programmation respectable et dernière affiche plus qu’alléchante sous le chapiteau. Malgré un temps frais et une météo capricieuse, les marches du jardin sont bondées et l’ambiance est au beau fixe. Mais trêve de bavardage relatif à la pluie et au beau temps ; ce soir les occupants du chapiteau ne réclament qu’une seule chose, des beats, des beats et rien que des beats !
C’est donc un Thunderheist ponctuel qui ouvre la soirée. Le public s’avance timidement vers le podium sur lequel se produit le duo canadien, avant de finalement succomber aux flows énergiques de la féline Isis. Bien que leur hip-hop ‘bateau’ aux sonorités ‘dance’ laisse perplexe, on retiendra surtout le charme et le dynamisme de la emcee plutôt que le travail fictif de son acolyte, responsable d’un bidouillage circonstanciel de ses machines. On reste sur sa faim mais le public est manifestement en jambes !
Kap Bambino monte à son tour sur les planches. Son style est radicalement différent. Le duo frenchy punk trash est à la hauteur de sa réputation. Ses beats ravageurs font monter la température de quelques degrés. La rythmique tourne à plus de 140 BPM. Faut dire aussi que la chanteuse (NDR : imaginez une Els Pynoo, la vocaliste de Vive La Fête, sous ecsta) y est pour quelque chose. Les cris perçants et à la limite hystérique de la blondasse, conjugués à une mise en scène exceptionnelle, excitent tous ces mâles en manque de testostérone. Kap Bambino était bien, ce soir, un signe fort d’électro trash !
Pas le temps de s’en remettre qu’autoKratz monopolise la scène. Dans un autre état d’esprit mais en assénant des beats bien lourds et percussifs. Le set du duo anglais me laisse néanmoins un sentiment mitigé. Pourtant découvert par le label Kitsuné, autoKratz est une véritable révélation sur disque. Mais sur les planches, rejoints de temps à un autre par un chanteur à l’allure malade tripotant sa guitare, les deux ‘plantons’ restent figés derrière leurs laptops. Un seul titre parviendra réellement à faire décoller le show, celui qui les a propulsés : « Pardon Garçon ». Une déception !
Un godet pour écouler les vingt minutes d’attente et Yuksek, tête d’affiche de la soirée, fait son apparition. Nouveau chouchou et producteur en vue de la ‘French Touch 2.0’, le Français assure tout simplement ! Seul derrière ses claviers, l’électronicien vacille de droite à gauche en y ajoutant ses interventions subtiles au vocodeur. Il a à peine entamé les premiers accords de « Tonight » que le public est déjà conquis. Un light show efficace et le tour est joué. Bref, Pierre-Alexandre Busson n’a dû faire qu’acte de présence pour satisfaire son public. C’est sûrement ça ce que l’on appelle l’effet hype !
Le Chapiteau se vide progressivement de ses spectateurs. Certains d’entre eux en profitent pour passer un dernier moment dans les jardins, alors que les autres foncent vers le Recyclart ; car cette nuit, Kap Bambino donne une after party. Déchaînement garanti ! Et la nuit sera longue…
Antoine Verhoeven
Thunderheist + Kap Bambino + autoKratz + Yuksek
(Voir aussi notre section photos)
Organisation Botanique
En me rendant au Botanique ce jeudi 14 mai, j’espérais passer une autre soirée que celle –en demi-teinte– vécue lors des Nuits québécoises. La déception provoquée par la prestation de Malajube me trottant encore en tête. Mais malgré le temps exécrable, je n’ai pas regretté mon déplacement. En effet, l’affiche proposée s’est révélée plaisante, riche en découvertes et agréable en surprises.
20h30, la programmation s’ouvre par le set de A Hawk & A Hacksaw, devant une assemblée déjà bien fournie. Drivé par Jeremy Barnes, l’ex-batteur des fantastiques Neutral Milk Hotel, le groupe du Nouveau-Mexique dispense une courte prestation inspirée du folklore de l’Europe de l’Est. Le look ‘farmer’ des musiciens colle d’ailleurs parfaitement à leur musique pastorale. L’esprit de Beirut, en compagnie desquels ils ont d’ailleurs tourné, n’est jamais loin ; même si leurs influences plongent encore plus profondément dans les racines slaves. Les cinq musiciens, apparemment ravis d’être présents sur les planches, nous emmènent sur les terres chères à Kusturica, pour un dépaysement garanti. Un violon, un banjo, un cor, une trompette et un accordéon suffisent. Pas besoin d’un orchestre au grand complet pour concocter cette délicieuse musique ; mais tout simplement d’une fanfare presque balkanique, même si la trompette était, à mon goût, un peu trop mise en avant. N’empêche, on peut affirmer qu’ils ont accordé un show de toute bonne facture. Dommage que Jeremy Barnes ne chante pas plus souvent. Car il a une superbe voix. Et lorsqu’il la pose, le résultat est magnifique. Leur nouvel album, « Delivrance » est à découvrir d’urgence.
Petite surprise de programmation ensuite. Alors que je l’imaginais en tête d’affiche, Troy Von Balthazar monte sur les planches d’une Orangerie toujours honorablement peuplée. Notre ami hawaïen est seul. Ce qui explique pourquoi, tout au long de son concert, il va tirer le maximum de ses pédales. Parfois, il s’investit tellement dans l’interprétation de ses compos (NDR : ce n’est pas inhabituel, c’est vrai, dans son chef) qu’il a tendance à en remettre une couche. Ses lyrics sont douloureux. Sa musique reflète également cette souffrance. Ce qui ne l’empêche pas, lors de ses pauses de manifester une décontraction et une bonne humeur paradoxales. Son timbre est toujours aussi expressif et torturé qu’à l’époque de Chokebore, ensemble dont il a été le leader pendant de nombreuses années. D’ailleurs au beau milieu du tracklisting, il nous réserve deux compos issues de cette époque. En fin de show, l’intensité monte encore d’un cran. Notamment, lors de l’interprétation du magnifique « Heroïn Little Sister » et d’une nouvelle chanson. Intitulée « Wings », elle accroche instantanément l’oreille. Sans cesse en équilibre instable entre le ridicule et le superbe, Troy Von Balthazar est parvenu à conquérir une grande partie de l’assistance, alors présente.
Troisième groupe au menu, les Wild Beasts sont britanniques. Honnêtement, je ne les connais que de nom. Et pourtant, ils vont constituer une autre bonne surprise de cette soirée, malgré les problèmes techniques rencontrés. Cette formation est promise à un bel avenir, tant leurs compos sont autant de tubes potentiels et irrésistibles. Ces jeunes gens sont probablement occupés de suivre la piste tracée par Vampire Weekend, l’année dernière. Et s’ils n’y parvenaient pas, ce serait une énorme injustice ! Les musiciens communiquent constamment avec le public. Le falsetto surprenant du chanteur apporte une dimension lyrique à leur musique. Il y a même quelque chose de Queen dans leur solution sonore. Leur pop mélodique est tellement convaincante, que dès lundi je me procure leur dernier elpee, « Limbo, Panto ».
Il revenait à la formation suédoise, Nervous Nellie, de clôturer cet excellent programme. Et le combo s’est mis au diapason des autres artistes. Peu connu chez nous, le groupe est drivé par les frères Johnson, deux personnages qui ont longtemps vécu aux States. Ce qui explique sans doute pourquoi leur musique s’inspire autant du rock yankee. Celui des seventies, pour être plus précis. Un style fort classique, mais qui a le bon goût de ne pas sombrer dans le revivalisme. En extrapolant, on pourrait imaginer une rencontre entre Wilco voire Uncle Tupelo et Neil Young, légèrement pimentée de punk. Bref, leur prestation a été franchement éloquente. Pourtant, la salle était à moitié déserte (NDR : ou à moitié pleine, si vous préférez) ; mais le public a beaucoup apprécié le set accordé par les frangins Johnson et de leurs acolytes. L’estimant même trop court ! Responsable d’un nouvel opus intitulé « Ego and the id », paru il y a peu, Nervous Nellie est à suivre de très près. Le combo ne manque pas de talent et mériterait de sortir de l’anonymat au sein duquel il est confiné pour l’instant.
Retour au bercail vers 1h du matin. Un peu crevé mais heureux d’avoir passé une très bonne soirée ! Vivement l’année prochaine…
A Hawk & A Hacksaw + Troy Von Balthazar + Wild Beasts + Nervous Nellie + Nervous Nellie
Organisation Botanique
Un Botanique noir de monde accueillait les désormais incontournables ‘Nuits belges’ ce mercredi 13 mai. Le cru 2009 nous illustre de nouveau l’étendue et la diversité des artistes de notre plat pays. Une myriade de styles musicaux s’y confond. La salle nous offre à voir des groupes de qualité dont la notoriété ne dépasse, malheureusement, que trop peu souvent nos frontières.
L’édition 2009 présentait 12 groupes belges : Sharko – Daan – K-Branding – Les Vedettes – Jeronimo – The Experimental Tropic Blues Band – Balimurphy – The Bony King of Nowhere – Major Deluxe – Balthazar – Lionel Solveigh – Lucy Lucy (anciens Vagabonds).
Trois salles et un chapiteau aux saveurs distinctes. Le confort mélodieux du grand salon (Jeronimo, Balimurphy et Lucy Lucy), l’énergie électrique et la folie douce de l’Orangerie (The Experimental Tropic Blues Band, Les Vedettes et Balthazar), la très folk et acoustique Rotonde (Lionel Solveigh, The Bony King of Nowhere et Major Deluxe) et la sulfureuse chaleur tropicale du Chapiteau (K-Branding, Daan et Sharko).
Venus nous présenter leur premier Ovni, les extraterrestres de K-Branding envahissent le chapiteau planté dans le jardin Botanique. L’explosion sonore produite par la formation bruxelloise envahit rapidement nos oreilles et imprime notre cerveau au fer rouge. Cette expérience musicale bouscule et ne laisse pas indifférent. Indus tribale ? Noise urbaine ? Art-rock brut ? Un voyage, en tout cas, entre passé et présent, entre rock primitif et musique contemporaine (expérimentations sonores et bidouillages électroniques). Globalement, les ‘noise addict’ sortent sourire aux lèvres de cette aventure.
Après avoir touché à de nombreux styles musicaux et sorti deux albums électrotrash (« Vicory » et « The Player »), Daan change de cap et nous présente son cinquième elpee (« Manhay ») aux airs plus intimistes et chaleureux. Un son moins organique et sans machine. Il renoue avec son héritage Dead Man Ray. ‘J’aurais voulu un ton plus intimiste encore, mais il se fait que la réalisation est finalement assez habillée. Le point de départ était juste piano et voix. […] Je voulais travailler de façon inverse : mettre une bonne voix devant et puis des instruments autour. Pour cela, il me fallait des morceaux qui tiennent la route mélodiquement à l’état dépouillé, sans arrangements’.
Le Daan Stuyven auteur est de retour et ressemble davantage à un film de Chabrol qu’à un Tarantino. Cette transition se ressent terriblement sur les planches. Il nous offre à entendre une setlist contrastée, brouillonne et une prestation scénique plus introvertie. ‘Le plus violent à côté du plus doux’. Un artiste en pleine mutation qui se cherche encore dans ce nouveau style proche de l’univers de Léonard Cohen, Lou Reed ou Johnny Cash.
L’ancien et le nouveau Daan s’affrontent, s’entrechoquent, alternant des morceaux pop électro puissants et des airs plus intimistes. La transition est étonnante. La bête de scène habituellement drôle et ironique s’éclipse et laisse place à un artiste plus effacé. Il s’affiche soudainement en vieux crooner blasé. Le contact avec le public s’est désormais éteint et les fans du chanteur charismatique s’en étonnent. Il reste cependant l’essentiel : sa voix. Caverneuse et chaleureuse, elle inonde le chapiteau et caresse les oreilles du spectateur.
« Radio Silence » apparaît alors telle une grenade et rompt cet aspect introspectif. Les guitares s’énervent, la voix hausse le ton et le concert monte en puissance. Douzième morceau et les musiciens disparaissent subitement. La lumière revient et met brutalement fin au concert. Aucun rappel ! Il y a des jours et des lunes. Daan Stuyven devait certainement être dans une phase lunaire ce mercredi soir à Bruxelles. Il nous avait habitués à mieux. Cette petite révolution dans le monde musical de Daan devra certainement mûrir encore pour atteindre un accord parfait avec la scène. La symbiose appartient désormais au temps.
Les Nuits belges se clôturent par le show des talentueux Bruxellois de Sharko. Après 10 ans de carrière et 5 albums, David Bartholomé, Teuk Henri et Charly De Croix (nouveau batteur) célèbrent la bête et nous invitent à découvrir leur dernier album « Dance on the Beast ».
Sharko revisite les quatre derniers elpees (« Meeuws », « Sharko III », « Molecule » et « Dance on the beat ») et nous propose un set cohérent et dynamique. Le dernier opus s’ouvre à des sonorités electro-dance et se veut plus dansant. On ne s’ennuie jamais !
D’un air décalé, désabusé, David Bartholomé, côté jardin, montre son profil au public et explore fixement et longuement le mur. Il ouvre lentement le concert par trois morceaux du dernier album (« Cinema Tech », « Mouse/Animal/Facebook/Danger » et « Rise Up »). Le décor est sobre et s’illumine de quelques lights rouge vif. Progressivement, l’animal qui incarne le chanteur se réveille. Il finira par faire face au public pour interpréter le merveilleux « Motels » (« Molecule »).
Le chapiteau suinte et s’électrise. La toile noire accrochée au plafond s’illumine et se couvre d’étoiles qui se fanent en fleurs et redeviennent étoiles. Sharko, sous un ciel artificiellement constellé, prend une dimension presque magique. L’introversion initiale s’estompe peu à peu. Il communique enfin et communie. La convivialité monte graduellement. Savamment crescendo. L’excellent « I Went Down » viendra porter le coup fatal. Les planches, sous nos pieds, se mettent à vibrer et c’est du pur bonheur !
Le trio bruxellois tient le public en haleine jusqu’à la fin, alternant anciennes et nouvelles compos. Deux perles pop suivront : « Yo heart » issu du dernier album et l’indémodable « Sweet protection » de « Molecule ». Sharko revient pour deux rappels. Assis à la batterie, David Bartholomé interprète « Spotlite » (« Sharko III »). Il s’empare ensuite du ukulélé pour clôturer cette Nuit belge en émotion.
Sharko a bel et bien joué avec nos cordes émotives. Talentueusement. Un grand moment de musique qui s’éteint sous le ciel étoilé du plus grand chapiteau du monde.
Eric Ferrante
***************************************************************************
C’est un Jeronimo simple et chaleureux qui se produisait ce soir. La fraîcheur du Grand Salon du Botanique est parvenue à nous faire oublier la lourdeur et l’humidité ambiante de ses beaux jardins. D’une entrée théâtrale, suivi d’un ‘Bonjour mesdames et messieurs !’, Jérôme Mardaga apparaît, suivi de ses musiciens. Oublions le grand spectacle où l’on en met plein la vue, car ce soir, car on aura droit à une version ‘acoustique’ de son set, ballade sur les mers paisibles de nos océans.
C’est par « Elle s’en va tuer un homme », seul, à la guitare, que Jeronimo nous embarque dans son monde d’ironie douce-amère, teintée de vérité, parfois de tristesse et d’humour. Le Grand Salon, de ses fauteuils rouges dédiés au repos intemporel est parfait ! Le groupe nous invite à partager son envie de déconnection, de ce monde extérieur, par sa simplicité communicative. A partager également ce qu’il aime. Un bien-être vient de s’installer dans l’antre de cette salle aux lumières tamisées, rougeoyantes. Nous sommes embarqués vers un voyage que nous n’avons guère envie de quitter.
Les titres, comme « L’argent c’est bien » du dernier opus et « Moi je voudrai », égayent la salle ; qui d’ailleurs, entretemps, c’est bien remplie. Même le balcon est noir de monde et danse sous le rythme de la guitare. Jérôme n’oublie pas de nous remercier chaleureusement. Le public est réceptif. Il apprécie cette session comme si nous étions des privilégiés.
Dommage que les titres s’engagent un peu trop vite, les uns après les autres. On en voudrait plus, qu’il laisse ses sens emporter ses mélodies dans le temps, sans y prêter importance. Mais comme il nous le fera remarquer, il y a un timing à respecter… ‘Money, money !’, nous balance-t-il d’un ton ironique… « Rendez-vous dans ma loge » est suivi de « La chienne de Baikonour », présentée comme la future chanson de l’Eurovision 2010. De quoi s’esclaffer en chœur ! Ce rendez-vous s’achève, malgré les problèmes techniques, par la merveilleuse mélodie d’« Irons-nous voir Ostende ». Le son lâche soudainement. Ce qui n’empêche pas Jérôme de poursuivre son set, comme si de rien n’était ; seul, avec sa guitare, sous les applaudissements du public.
Ce concert d’une douceur printanière exhalait des senteurs parfumées de textes qui nous concernent tous, traitant d’événements que l’on côtoie chaque jour. J’aurais voulu ne plus quitter mon fauteuil qui m’absorbait. Un dernier titre n’aurait pas été de trop… accompagné, pourquoi pas, d’un bon verre de blanc. A déguster avec sagesse mais sans modération.
21h10 tapante, le trio se met en scène après les derniers réglages sonores. Le changement de la salle du Grand Salon vers celle de l’Orangerie est assez brutal. Je passe du coton au béton. Pas difficile d’imaginer que le groupe va nous en mettre plein les oreilles. Et c’est bien le cas !
A peine le temps de se mettre en place, les guitares déchirent au son du rock-boogie-blues. « Disco inferno » ouvre les festivités. Les trois gaillards se lâchent d’une traite emportant tout sur leur passage. Pas le temps de prendre du repos dans cette course. Ca bouge, ça swingue comme sur de bons vieux morceaux des sixties et seventies. Pas besoin d’une machine à remonter le temps, Woodstock est devant nous ! Si vous aviez besoin de vous recharger les batteries, c’est définitivement eux qu’il fallait voir. Cocktail détonnant tant par la batterie, martelée à merveille par Devil D'Inferno, que par les deux guitaristes, Dirty Wolf et Boogie Snake. Même la basse manquante n’est pas une nécessité, tant les interprètes nous absorbent tout au long du show.
Captivé par ce trio hors norme, le public n’a guère besoin d’en redemander. Les riffs sont puissants. Ils libèrent une telle source d’ondes que l’on ne peut rester indifférent. Incroyable ! Chaque morceau a la pêche. L’opus « Hippidy hop » est une autre grenade que The Experimental Tropic Blues Band ne tardera pas à dégoupiller. L’Orangerie explose littéralement ; et il y a des dommages collatéraux. Le rock’n’roll dans tout ses états. Et je ne parle pas des fans, au passage, criant un ‘à poils’ en chœur à Dirty Wolf. Il ne lui faudra que peu de temps avant de nous accorder un strip-tease pour le bonheur de ces dames ! Il avait pourtant, dès le début du concert, prévenu qu’il en était hors de question. ‘Trop de problèmes’, avait-il justifié. Mais c’était plus fort que lui.
Finalement, j’ai éprouvé un grand plaisir à partager ce délirium espace temps. Un groupe qui mérite d’être entendu de par le monde, par son originalité, par son culot et son rock complètement déjanté. Un melting pot d’influence de plusieurs décennies de rock-boogie-blues. The Experimental Tropic Blues Band vous laisse des stigmates à vie…
Patrizia Firrera
Les Nuits belges : Sharko + Daan + K-Branding + Les Vedettes + Jeronimo + The Experimental Tropic Blues Band + Balimurphy + The Bony King of Nowhere + Major Deluxe + Balthazar + Lionel Solveigh + Lucy Lucy
(Voir également notre section photos)
Maxïmo Park nous vient du Nord-est de l’Angleterre. De Newcastle, très exactement. C’est-à-dire le fief d’Alan Shearer. Né en l’an 2000, son patronyme est inspiré du Maximo Gomez Park de La Havane à Cuba. Un lieu de rencontre entre révolutionnaires cubains. Leur musique n’a, elle, rien de révolutionnaire ; mais possède en elle l’étincelle nécessaire pour mettre le feu aux poudres… Pour la petite histoire, Paul Smith a été découvert dans un bar par la petite amie du batteur, Tom English, alors qu’il chantait "Superstition" de Stevie Wonder. Cette rencontre sera le véritable point de départ du groupe ! Un de leurs potes finance les 300 exemplaires de leur 7 inches (NDR : un vinyle !) En furetant, du côté de Fenham, Steve Beckett, un des responsables du label de musique électro Warp, tombe sur le disque. Epaté et probablement sevré de guitares au sein de son écurie, il décide de les signer.
En 2005, le groupe commence à jouir d’une certaine notoriété dans le monde indie-rock. Et pour cause, leur premier album, « A Certain Trigger », est bien reçu par la critique. Certains magazines n’hésitent d’ailleurs pas à le considérer comme une des meilleures sorties de l’année. Produit par Paul Epworth (Babyshambles et Bloc Party !), ce coup d’essai est transformé en coup de maître. L’elpee est même nominé pour le prestigieux Mercury Prize. Quoique d’honnête facture, leur deuxième opus, « Our Earthly Pleasures » est une petite déception. Paru en 2007, il passe même presque inaperçu…
En engageant cette formation d’Art-rock, Warp avait surpris beaucoup d’observateurs. Et les mauvaises langues parlaient déjà de ‘One shot’. Mais sur ce coup, Steve Beckett a eu le nez creux ; car le groupe ne le décevra pas une nouvelle fois. « Quicken The Heart » est à mes yeux leur album le plus réussi et le mieux inspiré. Maxïmo Park suivrait-il un chemin parallèle à leurs confrères de The Rakes ? C’est une question que l’on peut se poser. Car sur ce disque, la bande à Paul Smith a retrouvé la pêche ! Bien acérés et angulaires comme chez Gang Of Four, les riffs de guitare font mouche. Les chœurs sont contagieux. Sculptés dans le post punk, les morceaux sont entraînants et dansants.
« Wraithlike » est paru en single. Un morceau irrésistible, au cours duquel, le groupe joue le pied au plancher dès les premières notes. Et la sirène est sans doute présente pour nous avertir du danger. Danger du refrain irradiant « Cloud Of Mystery », dont il est quasi-impossible d’effacer de votre mémoire avant lavage de cerveau. « Calm » est, selon le groupe, leur chanson la plus triste jamais écrite à ce jour. Disons mélancolique, mais surtout bien ficelée. J’épinglerai encore le morceau très cool « The Penultimate Clinch » ainsi que l’autre single « The Kids Are Sick Again », caractérisé par sa belle intro atmosphérique. Sans oublier « I Haven’t Seen Her In Ages », profilé sur une ligne de basse très dansante. « In Another World » également. Une plage sur laquelle on reconnaît la patte du producteur Nick Launay (Talking Heads, Yeah Yeah Yeahs), sur la rythmique. Et enfin, tout au long de « Let’s Get Clinical ». A cause des lyrics à la fois recherchés et drôles. Un humour qu’on retrouve d’ailleurs à travers l’ensemble des lyrics. Un chouette elpee, même si en fin de parcours, l’une ou l’autre compo est moins percutante voire même dispensable.
Maxïmo Park est une formation injustement méconnue chez nous. Et passer à côté de « Quicken The Heart », leur troisième album, serait une injustice. Dois-je vous rappeler ce qu’il vous reste à faire ?
La soirée commence mal. Englué dans les bouchons pendant presque deux heures, je débarque au Botanique vers 21h00. De quoi entretenir la mauvaise humeur. Je fonce vers la Rotonde pour assister à ce qui devait rester de la prestation de Karkwa. Malheureusement leur show est déjà terminé. La découverte de ce groupe, pourtant acclamé par la critique, est donc postposée. Dehors, le temps est maussade et le crachin n’incite pas à mettre le nez dehors ; afin de prendre une consommation dans le parc, par exemple, comme le veut la tradition des Nuits…
Heureusement, la suite de la programmation est alléchante. Ce qui me rend quelque peu le moral. Tombé sous le charme de leur album « Trompe l’œil », un opus sculpté dans une pop originale, ce concert de Malajube devait donc sauver ma soirée. Le quatuor monte sur les planches en toute discrétion. Le set s’ouvre par quelques chansons extraites de leur dernier opus « Labyrinthes », paru il y a quelques semaines. Le son est puissant et se révèle de bonne qualité. Mais les balances sont mal réglées. Difficile de saisir les paroles de Julien Mineau. Et on n’entend pratiquement pas les interventions aux claviers de Thomas Augustin. Sous cette forme, les morceaux ne parviennent pas à fédérer. Et c’est une petite déception. Caractérisé par son crescendo irrésistible, « Etienne d’Août » reprend du poil de la bête ; mais décidemment, la guitare et la batterie jouent tellement fort, qu’ils étouffent l’aspect pop et frais de leur musique. Or, ce sont ces singularités qui font le charme de leur solution sonore. Et le show va souffrir de ce déséquilibre tout au long de la soirée, malgré les plus réussis « La Monogamie », le single imparable « Montréal -40° » ou encore un morceau plus récent comme « Porté disparu ». Ce qui devrait m’inciter à écouter leur nouvel opus d’une manière plus approfondie. En privilégiant la puissance, Malajube devient un groupe de rock comme il en existe des milliers d’autres. Heureusement, sur disque, le combo est toujours capable de montrer un tout autre visage. Bien plus savoureux. C’est suffisamment rare pour ne pas le souligner. D’ailleurs on ne peut pas dire que leur présence scénique soit enthousiasmante. Bref, j’avais peut-être placé trop d’espoir dans ce concert, finalement assez anecdotique. Une grosse déception pour ce que je considère pourtant comme une des révélations discographiques de 2007.
Duchess Says est un combo relativement inconnu en Europe. Il lui incombait de clôturer la soirée. Fondé à Montréal, en 2003, il a sorti son premier album, « Anthologie des 3 perchoirs », l’année dernière. Bienvenue donc dans leur univers déjanté. La présence scénique d’Annie-Claude Deschênes y est quand même pour quelque chose. Ses performances vocales sont plutôt limitées, mais ses pas de danse sont uniques en leur genre. L’énergie est omniprésente. La folie communicative. Malheureusement, l’assistance est clairsemée. Motif : les fans de Malajube et Karkwa ont déjà déserté les lieux. Le début de leur set est tout à fait convaincant, la formation profitant au maximum du confort sonore de la Rotonde. Malheureusement, sur la longueur, il devient irritant. A cause des cris d’Annie-Claude. Noyé sous ses vociférations, il devient de plus en plus difficile de distinguer les morceaux. D’autant plus que la méconnaissance de leur répertoire ne facilite pas la tâche. Les fans d’électro punk semblent quand même avoir pris leur pied et s’être même amusés. Faut dire que le groupe communique et ne se prend pas trop au sérieux.
Des Nuits québécoises un peu décevantes, donc. Tout d’abord, parce que j’ai raté la prestation de Karkwa, assisté à un show brouillon de Malajube et n’ai dû me contenter que d’un set qui a surtout valu pour son originalité, en fin de soirée. C’est déjà ça !
Taï
Nuit Québec : Malajube + Karkwa + Dutchess Says
Organisation Botanique
Soirée placée sous le signe de l’electro-pop ce mardi 12 mai aux Nuits Botanique. Le chapiteau accueillait une valeur sûre du genre, Metronomy, ainsi que deux nouveaux espoirs : les Français de Naïve New Beaters et les Canadiens de We Are Wolves (NDR : cette review ne concerne que sur ces deux derniers).
Aussi bien habillés et coiffés que des stars du hard rock circa années ’80, les Français de Naïve New Beaters sont apparus sur la blogosphère il y a près d’un an en commettant leur tube « Bang Bang ». Depuis, ils errent sur les scènes d’Europe en quête d’attention. Ils sont, en tout cas, parvenus à conquérir celle des Belges, grâce à leur mélange de nu-rave, de pop électronique syncopée, d’un peu de rap et d’humour implacable. D’ailleurs, pour amuser la galerie, David Boring, l’interprète de la bande, effectue quelques pas de danse qui ne sont pas sans rappeler ceux de Lovefoxxx (CSS). Le dénommé EuroBelix, chargé de la table de mixage, délaisse très vite son ‘instrument’ pour aller rejoindre à son camarade. Le public ne le verra toucher à sa console qu’une toute petite vingtaine de fois, pour des réglages très mineurs. Pratique, la bande son ! Apparemment conquis, l’assistance réclame un rappel, obtenu au bout de quelques secondes. Le temps d’un dernier morceau extrait de leur premier opus, « Wallace », le trio s’emballe en se lance dans une nouvelle chorégraphie ridicule mais hilarante.
C’est ensuite au tour des Canadiens de We Are Wolves de monter sur scène. Le trio porte une sorte de panneau étrange au-dessus de la tête. Imaginez une tête de mort de couleur noire décorée de petits triangles (NDR : jaunes !) Un visuel intriguant. Et leur musique l’est tout autant. We Are Wolves pratique un post-punk aux accents electro, survolé d’un rien de noise. Que l’on y adhère ou pas, le moins que l’on puisse dire est que le combo ne manque pas d’énergie et de puissance. La même que l’on retrouve sur leurs elpees « Non-Stop Je Te Plie En Deux » et « Total Magique ». Le set, agrémenté d’un petit cours d’expressions québécoises, s’achève d’ailleurs sur leur single en français dans le texte, « Magique ». Sympa, sans plus.
Redouane Sbaï
We Are Wolves + Naïve New Beaters
Organisation : Botanique.
***************************************************************************
Originellement programmé ce mardi 12 mai à la Rotonde, le phénomène francophone du moment, Cœur de Pirate, pousse les portes de l’Orangerie dans une salle comble et surchauffée.
Fille de la cyber-génération, Béatrice Martin fait partie de ces artistes qui ont bénéficié de l’explosion de la bulle internet. Les pionniers du genre étaient Arcade Fire et Clap Your Hands Say Yeah, faut-il vous le rappeler.
Phénomène hype/internet ou véritable artiste ? Il reste au « Jack Sparrow » du Saint-Laurent à démontrer son savoir-faire sur les planches. Qu’elle nous convie enfin à l’oubli salutaire de ce clonage inévitable de chanteuses québécoises gueulardes (Dion, Boulay, Lemay…) qui envahissent nos ondes et notre espace cathodique depuis trop longtemps.
A priori, le produit marketing tient la route. Un nom de scène ingénu, des textes (faussement) naïfs, une voix d’enfant, un visage d’ange. Des airs guillerets, libres et légers. Bienvenue dans le monde de Casimir !!! Cœur de Pirate véhicule désormais une image.
Etrangement, ce concept ingénieusement fleur-bleue fonctionne et touche le cœur des hommes et des femmes de 8 à 88 ans. Un vrai carton dès son arrivé dans l’Hexagone !!! Après un énorme buzz sur MySpace et une première partie de Benjamin Biolay aux Francofolies de Montréal, la jeune Canadienne de 19 ans signe sur le label indépendant québécois Grosse Boîte. Ensuite, très rapidement, chez Barclay/Universal Music France.
Internet propulse souvent trop rapidement les jeunes artistes sur le devant de la scène. L’expérience se révèle parfois douloureuse. Rappelons-nous les New-yorkais de Clap Your Hands Say Yeah qui, après avoir sorti une galette de qualité, nous livraient des prestations scéniques vides d’expérience et assez médiocres. Cœur de Pirate passe l’épreuve avec brio.
21h00 pétantes, le cœur de Béatrice Martin s’ouvre sur le long du large dans une Orangerie pleine à craquer. Accompagnée du guitariste/violoniste Manu Ethier, elle nous offre 13 fleurs sonores dont deux nouvelles compos (« Place de la République » et « Loin d’ici »). Une heure de concert pour exposer son talent d’auteur-compositeur et de pianiste.
Grâce à ses chansons à fleur de peau qui pleurent en émotions et à un sentimentalisme habilement simpliste, Béatrice Martin parvient à transmettre à la perfection ce spleen doux-amer de l’adolescence qui habite chacun de nous. Une ivresse contagieuse de folie et de légèreté qui nous parle au corps. L’espace d’un instant, elle entrouvre à nouveau l’âge ambigu de l’entre-deux où s’entremêlent et se succèdent, parfois sans transition, des abîmes d’angoisse et cette peur de soi, des autres et du vide si caractéristique. Puis cette insoutenable légèreté de l’être, cette spontanéité irrésistible de l’enfance. Et ça fait mouche ! Redoutable profondeur de la frivolité !
Le concert est parsemé de longs intermèdes musicaux au cours de laquelle elle s’amuse à dialoguer avec le public. Sereine, elle se livre à un show interactif qui déride rapidement l’audience bruxelloise. Béatrice s’amuse sur un ton folâtre et espiègle à raconter le fil de sa vie sentimentale d’adolescente. Croquignolet mais, somme toute, fort peu passionnant. Elle donne davantage l’impression de meubler pour faire oublier son pauvre répertoire. Elle avouera d’ailleurs lors des rappels, avec beaucoup d’autodérision, qu’elle se trouve à court de morceaux. Le public surchauffé de l’Orangerie pressera le valeureux petit pirate qui avait prévu un seul rappel à braver la foule. Elle poussera maladroitement la chansonnette pour 3 reprises (« Umbrella » de Rihanna, « Les bords de mer » de Julien Doré et « I kissed the girl » de Katty Perry).
Après un gros buzz MySpace et un passage sur l’émission de Frédéric Taddeï (‘Ce soir ou jamais’ sur France 3), Loane se fait connaître du grand public et rentre très rapidement dans la grande famille des nouvelles chanteuses françaises (Pauline Croze, Ariane Moffatt, Camille, Karen Ann…) La jeune Parisienne sera ensuite signée sur EMI France.
La première partie s’ouvre sur un décor sobre au fond de scène drapé d’un tissu rouge face à une Orangerie bien garnie et réceptive. Loane, accompagnée du guitariste Philippe Bégin, nous livre une poésie touchante. Textes glamour et sulfureux. Néanmoins, une certaine redondance rend l’ensemble langoureusement ennuyeux. Il y manquait un petit supplément d’âme.
Eric Ferrante
Cœur de Pirate + Loane
Organisation Botanique
Franchement, à 20h20, je me demandais si je n’allais pas rebrousser chemin. A l’instar de Taï, votre serviteur était donc également englué dans ces fameux embouteillages. En fait, il s’agit surtout d’un manque de jugeote des responsables de l’infrastructure autoroutière flandrienne, puisque l’autoroute A8, dans le sens Tournai-Bruxelles, avait été purement et simplement fermée juste avant Bierghes ; et les véhicules étaient invités à prendre la sortie pour emprunter la nationale avant de remonter sur la voie rapide à hauteur de Halle (NDR : un bon conseil, si vous devez emprunter cet itinéraire, renseignez-vous !) Jusque là pas de quoi polémiquer. Par contre, il n’y avait pas le moindre panneau de signalisation pour prévenir cette situation. Pourquoi ne pas avoir pensé à les inviter, par exemple, à sortir plus tôt de cette autoroute. Sabotage ? Résultat des milliers de voitures et de camions se sont retrouvés agglutinés dans des kilomètres de bouchon (NDR : vitesse calculée 3km/heure). On se serait cru à hauteur de Vienne ou d’Orange en pleine période estivale, sur l’autoroute du Soleil, en France…
Finalement, la raison l’a emporté. La qualité et l’originalité du spectacle ont également poussé notre obstination ; et malgré le retard enregistré, nous ne l’avons pas regretté. Arrivée donc au Cirque Royal vers 20h55, pour assister à la seconde édition du ‘Babel Live : Music Unlimited’, un projet musical dépassant les catégories et mettant en musique tous espaces géographiques et toutes périodes confondues en une perspective originale et séduisante (NDR : c’est dans la bio !)
On débarque donc alors que les dix-neuf chanteurs du groupe vocal montois Les Rolandins interprètent une œuvre de Roland Lassus. On retient son souffle face à ces polyphonies, même la quarantaine de musiciens issus de territoires musicaux aux antipodes les uns des autres. Veence Hanao vient alors déclamer son slam intimiste, mais aussi réaliste que douloureux, sur le Quintette à deux violoncelles de Franz Schubert. Place ensuite au tango argentin d'Astor Piazzolla, voyage musical sensuel et chorégraphique opéré dans l'Argentine des années vingt, interprété par Delphine Gardin, la vocaliste de Moonson. C’est alors que va se produire un des moments les plus forts de la soirée. Le groupe britannique Tindersticks investit les lieux. Et la rencontre entre le baryton profond de Stuart Staples et l’orchestre symphonique, enrichi pour la circonstance d’un trompettiste qui se mue ensuite en saxophoniste, fait absolument merveille. Gustavo Beytelmann improvise au piano et soutient de nombreux artistes dont la chanteuse d'origine berbère et touareg Hindi Zahra. Sa voix chaude et orientale, métissée de jazz et de folk est soutenue par les accords en picking de son guitariste. Pour lier la sauce, le compositeur et interprète mexicain de musique électronique Murcof balance ses intermèdes atmosphériques. Et puis entre les deux plateaux, quatre musiciens –un guitariste, un accordéoniste et surtout deux percussionnistes, dont un xylophoniste– participent, suivant l’orientation de l’expression sonore, à la fête. Ce sont d’ailleurs ces deux derniers qui vont déclencher l’hilarité de la salle en nous accordant un combat de percus particulièrement original et explosif. Juste avant que l’on entre dans la phase la plus classique du concert. Sous la houlette de Jean-Paul Dessy, l’orchestre va se lancer dans une interprétation du Concerto Brandebourgeois n°5, Premier mouvement de Jean-Sébastien Bach, absolument vertigineuse. Au beau milieu, la claveciniste japonaise Momoyo Kokubu, va nous donner un aperçu de son talent, avant de rejoindre l’Ensemble Musiques Nouvelles pour participer à ce final grandiose, en y apportant son concours sur un clavier aux sonorités insolites. Standing ovation ! Et franchement, c’est amplement mérité.
Un regret, n’avoir pu assister à l’ensemble de ce concert. La prochaine fois, on prendra le train. Si la SNCB n’est pas en grève…
Flashback : en 1998, Daniel Schell avait déjà mis sur pied un spectacle destiné à supprimer les barrières entre les différents styles musicaux : le ‘Clic music festival’. Sous une forme plus minimaliste, c’est vrai ; plus proche de la musique de chambre, de la world et du jazz, il faut le reconnaitre. D’accord, à cette époque, il y avait plus de monde sur les planches que dans la salle ; mais l’expérience tentée méritait d’être rappelée. Et quelque part ce ‘Babel Live : Music Unlimited’ en est un prolongement idéologique. Seule différence, mais elle est de taille, la formule fonctionne. A cet égard, on ne peut que féliciter tous les acteurs de ce projet qui a dû exiger un travail colossal pour aboutir à un tel résultat. Proficiat !
Babel Live : Music Unlimited
Bernard Dagnies
Org : une coproduction de l'Ensemble Musiques Nouvelles, de Musiq'3 et du Botanique.
(Voir également notre section photos)
La petite famille d’Akron a connu bien des changements en deux ans. Depuis le départ de Ryan Vanderhoof, chanteur et guitariste, survenu peu de temps après la sortie de « Love Is Simple », Akron/Family se devait de prendre un nouveau départ. Le désormais trio a donc décidé de quitter Young God Records, leur label de toujours, pour se joindre à l’écurie Dead Oceans. Réduite d’un quart essentiel, la formation allait-elle capable d’offrir une digne suite à ses excellents « Meek Warrior » ou « Love Is Simple » ?
« Set ‘Em Wild, Set ‘Em Free » répond à la question sans détour. Akron/Family se paie un véritable coup de frais. Les Animal Collective du prog-folk débutent leur nouvelle vie sur un « Everyone Is Guilty » aux accents funky écartelés par les inévitables bidouillages improvisés de la formation. Après avoir dévalé une pente rock, le titre s’achève sur une envolée inattendue de cordes. En un peu moins de six minutes, la nouvelle mouture d’Akron/Family a déjà remporté tous les suffrages. Le reste de la plaque, et plus particulièrement un « Creatures » psyché et un « Gravelly Mountains Of The Moon » impétueux, ne fait que renforcer ce sentiment. « Set ‘Em Wild, Set ‘Em Free » marque donc le retour d’une formation plus confiante que jamais et ce, à juste titre. Bien plus qu’un nouveau départ, une renaissance. En concert ce 16 mai 2009, dans le cadre des Nuits Botanique.
Nederlands 
Français 
