A ce jour, il faut avouer que l’Italie ne nous avait pas vraiment gâtés. Eros, Laura, Umberto, Zucchero et consorts ont envahi les ondes radios au grand dam de nos nerfs et tympans. Aujourd’hui, la grande botte compte bien changer la donne en nous envoyant The Banshee. Quatuor originaire de Gênes, The Banshee pratique un post-punk influencé par XTC et Gary Numan. Sans le moindre accent, le combo délivre une série de dix déflagrations à la Shitdisco ou The Rapture circa « Mirror Mirror », un côté new-wave en sus. Produit par Luke Smith des regrettés Clor, « Your Nice Habits » parvient aisément à leurrer l’auditeur qui, après s’être envoyé ce condensé d’énergie, jurerait que The Banshee est un pur produit briton. D’une durée dépassant à peine la demi-heure, ce second recueil pourrait octroyer une dimension toute autre à la scène italienne telle qu’on la connaît. Ce qui est déjà un exploit en soi.
Zucchero, Pavarotti, Umberto Tozzi, Andrea Bocelli, Adriano Celentano et Toto Cutugnou. Ce sont des artistes devenus incontournables sur la scène internationale. Pour la plupart, à cause de leurs voix. D’opéra ou issues de la variété (NDR : parfois un peu des deux), elles reflètent une sensibilité transalpine très caractéristique. Romantique, surtout. Par contre la scène rock italienne est rarement parvenue à s’exporter. Il y a bien eu Litfiba, Premiata Forneria Marconi et Uzeda ; mais je doute fort que le mélomane lambda en connaisse même l’existence. Oui, mais existe-t-il encore une scène rock aujourd’hui dans la botte ? Absolument ! Metal également. Mais sa notoriété dépasse rarement ses frontières. Distribué par Mandaï, le label Wallace tente de compenser cette lacune. Et nous permet de découvrir aujourd’hui X-Mary ; une formation qui nous vient directement de San Calembano, quelque part dans le Nord de l’Italie. Après avoir écouté cet elpee, on se rend compte que ces musiciens ont dû beaucoup écouter les Ramones, les Sex Pistols et autres groupes punk des années 70, pour concocter une semblable solution sonore. Encore que les quelques traces de bossanova et de salsa (NDR : c’est tout à fait évident sur « Ospedale Maggiore ») trahissent leur racines latines.
Fondé en 1995, le combo a dû attendre neuf longues années avant de sortir son premier elpee. Intitulé « A Tavola con il Principe », il est découpé en 24 morceaux, dont la plupart ont une durée moyenne de 2 minutes. A l’instar de tout album de punk qui se respecte. Même la qualité du son est médiocre. Et comme la voix nasillarde du vocaliste, qui chante tantôt en anglais ou en italien, et le temps d’une chanson, en français, devient rapidement énervante, on se demande si le combo n’aurait pas dû encore attendre 9 ans avant de sortir ce disque. D’autant plus, que le ton monocorde des morceaux n’éveille jamais en mon fors intérieur, la moindre sensation particulière. Ce n’est pas ce X-Mary qui va redorer le blason du rock ‘vert, blanc, rouge’, c’est une certitude…
Merci Alela ! Si la jolie et talentueuse folkeuse n’avait pas embarqué William Elliott Whitmore dans ses bagages le temps d’un petit tour en Europe, peut-être serait-on passé à côté de ce grand prêtre de l’Americana. Et il y a de quoi pâlir de honte lorsque l’on apprend que cet « Animals In The Dark » est en fait le quatrième ouvrage du bonhomme. Originaire d’un petit comté d’Iowa, Whitmore appose une voix intense, pénétrante et étonnamment pleine de soul sur des arrangements vidés de tout artifice, quasiment à la quintessence du blues. Sans parler d’un talent d’écriture que Johnny Cash aurait certainement approuvé de ses deux pouces levés.
« Animals In The Dark » fait figure d’anachronisme dans le paysage folk actuel tant ses guitares, banjos et autres chœurs renvoient l’auditeur sous le soleil du Sud ricain circa années 20. Assis sous le porche d’une bicoque en bois, William Elliott Whitmore, telle une vieille âme, exorcise les démons de cette époque de ses fascinants psaumes, une bouteille de whisky aux pieds. Un voyage dans le temps à ne manquer sous aucun prétexte…
Comment expliquer la parution d’un tel album ? Comment ces musiciens sont-ils parvenus à ne pas faire foirer un projet aussi ambitieux ? Pourquoi est-il si difficile de mettre des mots pertinents sur ce que je ressens après avoir écouté « The Spirit Of Apollo » ? Tout simplement, parce qu’au départ, un tel concept relevait du mirage. Rien que la liste des invités laisse pantois et à de quoi nous faire perdre la tête. On se pince, mais non on ne rêve pas. Tom Waits, David Byrne, Karen O et j’en passe, viennent croiser le fer avec RZA, The Cool Kids, George Clinton, Method Man, KRS One, DJ Q Bert et la liste est loin d’être exhaustive. C’est comme si on faisait du patin à roulettes sur de la glace. Mais c’est alors que le miracle se produit, car « The Spirit Of Apollo » massacre sa race à tout point de vue. Béni soit N.A.S.A., les pères fondateurs de l’exploit. Quand des invités aux répertoires classiques se décident à postillonner en chœur avec des rappeurs ou DJ’s, c’est la vilaine claque qui chauffe qu’on se mange pleine face. N.A.S.A. l’a bien compris, en réussissant à maîtriser le cap de l’engin de bout en bout. Mais qui sont ces énergumènes qui parviennent à déhancher noc corps sur des beats electro/rap au parfum tantôt salsa, tantôt funky ? Derrière le pseudo se cachent Squeak E Clean et DJ Zegon. Deux producteurs américains particulièrement doués, responsables de la mise en forme de différentes productions personnelles concoctées par de nombreux acteurs qui ont collaboré à la confection de cet elpee. Facile donc de prendre dans sa propre écurie, les quelques pur-sang assoiffés de long galops, et de les lâcher en les excitant sur de vastes plaines verdoyantes. Même s’il n’y a pas grand-chose à jeter sur cet opus, restons quand même honnête en précisant que tout n’est pas parfait… Faut dire que vu le cocktail de styles et de genres… Mais quand la fusée est sur la bonne trajectoire, on lève les yeux au ciel pour ne pas manquer la moindre seconde de son parcours. « The Spirit Of Apollo » constitue déjà un des meilleurs albums de 2009 ; et je vous conseille de l’acquérir de toute urgence !
The Appleseeds serait le plus grand groupe de tous les temps. De la région Nord/Pas-de-Calais, il faut le préciser. Enfin, c’est ce que leur bio tente ne nous faire croire. Bon, évidemment, comme je connais très mal cette scène locale, et que dès lors il m’est difficile d’opérer des comparaisons, on ne peut que leur laisser le bénéfice du toute. Et puis ce sont les premiers à avoir autoproclamé ce statut !
Trêve d’autodérision, qu’est-ce que cet Appelseeds a vraiment dans le ventre ? Leur mélange de pop, de rock et de folk est propre, harmonieux et correctement torché. Les instruments sont bien en place. On est en présence, manifestement, d’un ensemble homogène. Bref, la démo est d’honnête facture. Pour la critique, il faut regretter le manque de prise de risques. Peu de mélodies novatrices. A la limite, elles sont même redondantes. Des arrangements un peu trop lisses. Et une voix parfois un peu trop stressante qui dénote dans l’ensemble. Pourtant, la formation hexagonale a du potentiel. De la fraîcheur et de la bonne humeur communicative. C’est vrai leur solution sonore n’est pas géniale, mais elle tient la route. Et je reste persuadé qu’en éliminant leurs point faibles et en manifestant davantage d’audace, ces lascars pourraient surprendre agréablement…
Mais qui se cache donc derrière un pareil patronyme ? Ceux Qui Marchent Debout (CQMD) est un collectif de six musiciens qui démontre que le funk n’est pas seulement l’apanage des Américains. En fait, ces franchouillards s’amusent et se plaisent à créer une atmosphère positive et joyeuse.
Ceux Qui Marchent Debout sont des troubadours aux personnalités différentes, tous amoureux du voyage et du contact qu’offre la proximité de jouer. Debout ! Car tout le secret réside justement dans cette position. Ils jouent et ne se contentent pas de dispenser ‘passivement’ leur musique en concert. S’ils restent debout, section rythmique y compris, c’est qu’ils se déplacent ! Au lieu de disposer d’un drummer traditionnellement assis derrière ses futs, Vitch & Tafani sont mobiles. Ils se partagent respectivement la grosse caisse et la caisse claire ; et tout comme leurs acolytes, quittent volontiers le podium pour rejoindre l’audience au cœur de la Rotonde (voir photos).
C’est ainsi qu’en deuxième partie de concert, ils se sont retrouvé au beau milieu des spectateurs, pour y jouer et partager cette ‘funky music’. Musicalement, on se laisse très vite emporter par cette solution sonore clairement inspirée du funk des années 70, même si on y recèle des traces de rythm & blues ou de reggae sur certaines chansons. De l’old-school des temps modernes dont le principal objectif, une fois le concert terminé, est d’inciter le public à continuer de faire la fête… à danser… et à boire un coup…
La formation parisienne n’a guère de notoriété en Belgique. Pourtant, elle bourlingue de tournée en tournée depuis le milieu des années 90. Elle s’est même produite dans le cadre du festival ‘Couleur Café’ en 2001’, et figure à l’affiche du Vivaola Festival, qui se déroulera à Saint-Nicolas le 14 août prochain. A bon entendeur !
(Voir également notre section photos)
Organisation Botanique.
Mais de quelle pub pour shampoing peut-il bien s’agir ? Est-ce pour nous rappeler qu’elle est née, il y a maintenant 42 ans, aux Bermudes, qu’Heather Nova pose de façon ridicule, nue dans la jungle, sur la photo illustrant la pochette de son dernier album ? Pendant une grande partie de son enfance, la petite Heather a en effet vécu et voyagé à travers les Iles Caraïbes, en compagnie de ses parents. Elle n’est retournée vivre aux States qu’à l’âge de douze ans. Pour y étudier à la Rhode Island School of Design. Ses premiers succès, elle va les rencontrer en Angleterre. A Londres, très exactement. Elle est toujours d’ailleurs relativement inconnue aujourd’hui aux USA. Et sa carrière va vraiment décoller après la sortie de l’album « Siren » et surtout de son tube « London rain », en 1998. Depuis l’artiste a publié quatre autres elpees, dont ce dernier en date, intitulé « The Jasmine Flower ». Un disque paru en octobre dernier, en toute discrétion. A l’instar de son contenu, par ailleurs. Si la voix est toujours aussi belle et maîtrisée, sa pop-folk est épurée à l’extrême. Et pour cause elle se limite à une guitare acoustique et une voix. Enfin presque. Un changement radical de cap après son plus orchestré « Red bird », un disque de piètre facture, gravé en 2005.
Faire une critique objective de cet album est un exercice périlleux. Personnellement, en tout cas. Tout semble parfait, mais tellement lisse. Les mélodies sont jolies. Il y a de l’émotion. J’épinglerai même l’hymnique et mélancolique « Out on a limb », une plage particulièrement réussie. Mais je ne parviens pas à accrocher. Certains médias spécialisés parlent de folk au féminin. Je ne corresponds donc peut-être pas au profil idéal pour analyser ce type de musique. Cette critique parle même d’un retour aux sources réussi. Pourquoi pas ? Si les fans de Miss Nova sont satisfaits, tant mieux pour eux. Mais si cette artiste ne manque pas de talent, ses chromosomes sont vierges (NDR : j’ai dit les chromosomes) de tout gène rock’n roll. Dans ces conditions, difficile de me convaincre…
Big Flame est un trio mancunien qui a sévi entre 1983 et 1986. Pratiquant un punk rock indie, il constitue une des influences majeures pour le Manic Street Preachers. Enfin, à se débuts. Lorsque Big Flame splitte, Alan Brown décide de former The Great Leap Forward. En 1987. En fait, il s’agit davantage d’un projet solo que d’un véritable groupe. Ce qui n’empêche pas le line up de s’étoffer lors des performances live.
A moins d’être né à Manchester, non loin d’un fish & ships, difficile d’apprécier un tel album. Condition un peu légère et trop catégorique ? Peut-être. Mais ce petit fossé culturel explique sans doute pourquoi, je ne suis pas parvenu à comprendre toutes les spécificités de cette musique typiquement anglaise…
Le contenu est engagé. Les lyrics doivent probablement toucher un public préoccupé par des questions sociopolitiques. J’imagine mal que ce soit leur musique. La lecture de différents passages semblent corroborer mon point de vue. Morceaux choisis : ‘Workers of the world/Unite/you have nothing to lose but your chains’ ou encore ‘We’ll grow on food mountain and manage our water/Control the resources that belong to the people/For these lands made for you and me’. Le message est donc clair et militant, mais il ne me concerne pas. Passe encore, si la musique était à la hauteur. Ce qui est loin d’être le cas. Les compositions d’Alan Brown rivalisent de banalité et d’insipidité. Et sa voix est plus que limitée, quand il ne chante pas carrément faux. Vingt ans que Brown n’avait plus sorti d’album pour son projet. Je doute fort qu’il ait manqué à grand-monde. Qui est, en effet, intéressé par cette pop eighties poussiéreuse ? Oui, c’est exact, l’art est difficile, la critique facile. Pourtant, suffit d’écouter les horribles « It’s your business to say NO » et « Calls to arms », morceaux qui figurent en fin d’album, pour être mis au parfum. Personne ne m’a obligé à me farcir cet album pour en faire une chronique ; aussi je ne pousserai pas le bouchon en vous invitant à vous taper l’audition des onze plages qui le compose…
Ghinzu marque, en ce début de printemps, l’un des retours les plus attendus de la scène rock belge. Cinq ans après avoir délivré l’incontournable « Blow », le quintet reprend les armes. Première constatation : rien n’a changé. L’énergie du combo est restée intacte et sa capacité à concocter des mélodies imparables risque à nouveau de faire des jaloux. « Mirror Mirror » est composé de douze morceaux taillés sur mesure pour les foules déchaînées et les radios. Les influences manifestes de Muse, Radiohead et The Strokes ne sont jamais loin (« Take It Easy », « Mirror Mirror », « Dream Maker », « The War Is Silent »…) même si Stargasm et ses potes tentent de les couvrir par un décalage et une décontraction propres à la formation.
Seconde constatation : quelque chose à changé. Les arrangements sont bien plus propres sur eux. Les chevaux de « Blow » ont laissé place aux pépiements des « Birds In My Head ». L’attaque cérébrale provoquée par « Til You Faint » est remplacée par les quelques salves synthético-spatiales inoffensives de « Interstellar Orgy ». « Mirror Mirror » tient essentiellement sa force des morceaux les plus puissants (« Cold Love », « Mirror Mirror », « Kill the Surfers ») mais se perd quelquefois dans une recherche mélodique un peu trop réfléchie (« Mother Allegra », « This Light »). Au Ghinzu posé, on préférera le côté obscur et crade du miroir, surtout lorsqu’il balance une tuerie comme « Je t’attendrai ». Un disque qui risque fort de prouver son efficacité sur scène, essentiellement.
Lien vidéo "Take it easy" : http://www.dailymotion.com/user/ghinzutv/video/x9jsl6_ghinzu-take-it-easy_music
Est-il encore nécessaire de présenter ces Ecossais dansants, après les succès fulgurants de leurs deux premiers albums ? La trajectoire parfaite de ces anciens étudiants, ayant fréquenté la Glasgow School of Art, est en effet quasiment connue de tout amateur de pop. Formé en 2001, à l’initiative de Robert ‘Bob’ Hardy et Alex Kapranos, le groupe a exécuté ses premières répétitions au désormais mythique ‘Château’. Franz Ferdinand y a d’ailleurs, depuis, installé ses quartiers généraux. L’endroit accueille même des soirées multiculturelles. Et c’est au sein de ce bouillon de culture ‘warholien’ qu’ont été concoctés les deux premiers albums : l’unanimement acclamé « Franz Ferdinand » ainsi que le très réussi « You could have it so much better », deux elpees finalement fort proches.
« Tonight : Franz Ferdinand » constitue donc leur troisième essai ; et le groupe ne semble pas souffrir de la moindre baisse de régime. Même si la plaque n’atteint pas le niveau du premier opus, elle vole un cran au-dessus de la mêlée de la discographie contemporaine. Et si à ses débuts, l’objectif d’Alex Kapranos était de faire danser les filles, force est de constater qu’il y parvient une fois encore tout au long de ce disque. Les douze compositions ont été enregistrées sous la direction du producteur Dan Casey (CSS et Hot Chip). Ce qui explique la présence de légers accents électro, pimentés tout au long de l’opus. Bref, une légère évolution dans leur musique, même si le combo ne renie pas ses racines. On n’en est pas cependant à un changement radical de cap, comme le groupe l’avait annoncé avant la sortie de la plaque. Car hormis la longue outro de « Lucid dreams », la métamorphose et plutôt discrète.
Bonne nouvelle, les singles sont à nouveau légion. Ces mini-hymnes, disponibles sur chaque album, constituent d’ailleurs la principale force des Franz Ferdinand. Saupoudré d’un subtil accent électro, « Ulysses » fait instantanément mouche ! C’est une certitude, les rois de la pop n’ont pas perdu leur sens mélodique et leur science des refrains pop fédérateurs ! Kapranos a déclaré s’être mis à l’écoute des ‘Ethiopiques’ et ça s’entend sur le très réussi « Can’t stop feeling ». Deux titres réminiscents de leur travail antérieur, les dansants « No you girls » et « Live alone », constituant, à mon humble avis, les meilleures plages de « Tonight ».
Mention spéciale également à l’image illustrant la pochette. Après s’être inspiré du Bauhaus et du constructivisme, le quatuor s’est ici plongé dans les photographies de Weegee, un artiste qui avait immortalisé sur pellicule les fameuses scènes de crime perpétrées dans le New-York des années 40 et 50.
Toujours signé sur l’excellente maison Domino, « Tonight » confirme tout le bien que l’on pense des Franz Ferdinand. L’œuvre est une réussite même si elle n’atteint pas la quintessence du tout premier elpee. Et je crains fort que le combo ne parvienne plus jamais à reproduire une telle performance. Serait-ce le coût à payer pour un chef-d’œuvre ? La question reste posée…
Plus jeune, Thomas Fersen furetait sur les brocantes. Parmi un lot de bric et de broc en tout genre, il acheta une valise. Il ne s’en doutait pas encore, mais c’était celle de Mary Poppins. Remplie d’ustensiles hétéroclites, elle dévoila assez rapidement ses pouvoirs surnaturels. Depuis cette époque, cette valoche ne le quitte plus ; et après sept albums, on se demande quand même s’il n’a pas abusé de ses pouvoirs. A chaque création, il l’ouvre et découvre de nouveaux compagnons pour parfaire son univers abracadabrantesque. Pour ce « Trois Petit Tours », Fersen y va à la grosse louche et nous balance de l’ukulélé gondolant, du banjo farceur, voire même une fanfare complète ou une batterie de casseroles. Tout est bon pour faire du bruit et l’homme n’est pas avare d’expériences à partager. Son univers sonore fleure bon le fantasmagorique, surtout que les textes pondus par le Français sont écrits à la lueur d’une chandelle magique. « Trois Petits Tours » est du Fersen pure souche, reconnaissable entre mille ; un opus qui devrait ravir ses fans et exaspérer ses détracteurs. N’étant ni l’un ni l’autre, il aura fallu que je tende une oreille distraite et manifeste un brin de naïveté pour parvenir à m’enfiler l’intégralité de l’elpee. Définitivement ‘too much’, Fersen dépasse les bornes, mais c’est apparemment sa marque de fabrique. A la limite il est saoulant. Les premières impressions d’ivresse sont cependant fort sympathiques, mais à force, provoquent des maux de crânes inopinés… Une bonne âme aurait-elle un alka-seltzer à me filer, par hasard ?
Jason Falkner n’a jamais vraiment brillé par un quelconque succès et sa discographie demeure un secret bien caché. « Can You Still Feel ? », son second recueil publié en 1999, aurait pu être celui de la reconnaissance mais, malgré de bons échos journalistiques, le public n’a pas suivi. Deux ans plus tard, Falkner délivrait « Bedtime With The Beatles », un album-concept reprenant quelques-uns des plus grands tubes de la bande à John Lennon (« Across The Universe », « Michelle », « Blackbird »…) retravaillés sous forme de berceuses instrumentales et dépouillées. Une œuvre d’Easy Listening écoutée et approuvée par McCartney mais auquel le public n’adhère toujours pas. Et l’histoire pourrait se répéter avec ce « Bedtime With The Beatles (Part 2) » dont les mélopées feront essentiellement les beaux jours des jeunes parents en quête de moyens pour assommer leur progéniture à l’heure du coucher.
Falkner s’attaque ici aux inoubliables « Lucy in the Sky With Diamonds », « Yesterday », « Here Comes The Sun » ou « Penny Lane » sans leur apporter une quelconque valeur ajoutée. Bien au contraire, « Bedtime With The Beatles (Part 2) » réduit les tubes de la formation culte à de banales ébauches lobotomisantes. Une belligérance telle que ce « Hey Jude », parcouru d’un fredonnement ultra irritant, assure à lui seul l’échec éventuel de ce recueil. La gloire n’est pas encore prête à frapper à la porte de Jason Falkner…
Les mordus de drum’n’bass se souviennent certainement de Tim Exile, un personnage responsable d’un drôle d’album, intitulé « Pro Against », paru sur le label Planet Mu. Un disque qui a manifestement marqué les esprits. Faut dire que ce Britannique, désormais installé à Berlin, est… très versatile. A un tel point, qu’il est incapable de fidéliser le moindre fan, tant il change de style à chaque nouvelle réalisation. Son précédent elpee, « Nuisance Gabbaret Lounge », était encore sorti chez Planet Mu, en 2006. Depuis, le fantasque Tim a signé chez Warp et nous propose ce « Listening Tree ». S’il demeure quelques traces de drum’n’bass, ce disque baigne dans une électro-pop ténébreuse. Tim Exile chercherait-il le chaînon manquant entre Aphex Twin et Depeche Mode ? Une chose est sûre, la radicalisation de son concept sonore passe mal la rampe. Et il faut craindre que sa nouvelle orientation ne le dirige droit dans le mur. Bien sûr, la mise en forme est irréprochable. Mais sa voix ne colle pas du tout à ses compos déstructurées. On ne comprend d’ailleurs pas pourquoi il veut se la jouer au héros pop, alors que cet électronicien est bien plus doué derrière ses machines que dans les vocalises. La plaque recèle bien quelques moments electronica intéressants, dont « Pay Tomorrow », une des rares plages au cours de laquelle, le chant de Tim est correct. Mais pour le reste, la déception est à la hauteur de nos espérances. « Listening Tree » fait donc un peu tâche d’huile dans son parcours ; mais comme ce touche-à-tout retourne sa veste, dès qu’il sent que les circonstances ne lui sont pas favorables, il est bien capable de revenir en force dans un futur proche. Et pourquoi pas dès son prochain album. Enfin, je l’espère !
Cinquième album pour cette formation australienne fondée à Perth en 1998. En un peu plus d’une décennie, le line up a connu toute une série de changements ; le dernier en date remontant à 2006, lorsque Dan Luscombe a remplacé Rui Pereira à la seconde guitare. Parce de l’électricité, The Drones n’en est pas avare. Ce qui explique aussi certainement son patronyme. Gareth Liddiard est l’autre gratteur. Mais aussi le leader et le lyriciste. Et en général ses textes sont plutôt trempés dans l’acide, traitant aussi bien de Dieu, de la mort, du divorce, de l’interracialité (un thème récurrent), de la pornographie sur internet que de la politique. Des lyrics qu’il chante d’une voix nasillarde, abrasive, parfois déclamatoire, empruntant parfois des inflexions à Mick Jagger. L’intensité sonore de The Drones est, en général, très impressionnante. Tantôt on pense au Crazy Horse de Neil Young, aux Scientists, à Birthday Party, Sonic Youth, Green on Red, Leather Nun ou encore Died Pretty. Mais ce sont les compos les plus hymniques qui sont aussi les plus irrésistibles. A l’instar de « The minotaur », « I am the supercargo » et « Careful as you go », trois plages absolument remarquables et terriblement contagieuses. Et le reste de cet “Havilah” ne manque pas d’allure. Il y a bien un zeste d’acoustique, un chouia de festif (le final « Your aching’s like the end of the world »), histoire de reprendre son souffle ; mais le bain d’électricité est garanti. D’ailleurs si vous aimez la conjugaison vivifiante, venimeuse, épique, cinglante, sauvage, torturée des guitares, vous ne pouvez passer à côté de cet album…
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