Au vu de l’affiche de cette sixième soirée du festival Domino, l’AB était manifestement décidée à nous envoyer des décibels plein la tronche. Au programme: Tiny Masters Of Today, Mi Ami, Health, Handsome Furs et Mono. Début des festivities: 17h.
Malgré toute l’énergie déployée par Tiny Masters Of Today, la formation relève quelque peu de l’anecdote. Un frère, Ivan, et une sœur, Ada, respectivement 15 et 13 ans, s’agitent sur la scène, guitare à la main, comme des grands. La formule pourrait faire sourire mais le duo assure un set mature et cohérent. Reste à voir si la petite famille sera toujours qualifiée de prodige d’ici quelques années…
18h. Au tour de Mi Ami d’entrer sur scène et, surtout, de tout fracasser sur son passage. Mi Ami, né des cendres de Black Eyes, est, personnellement, la meilleure découverte de cette édition du Domino. Les guitares se lâchent, les grosses caisses font trembler la salle et Damien Martin McCormick, leader de la bande, ponctue les morceaux d’incantations tapageuses extraites de l’album « Watersports », un disque à ne manifestement pas rater !
19h. Alexei Perry et Dan Boeckner débarquent sur les planches. Elle, derrière son synthé, lui, armé de sa guitares. Après un show comme celui de Mi Ami, le set des Handsome Furs semblent un peu pâlot. Un concert de 25 minutes entremêlant riffs bateau, coups de synthés académiques et vocalises insipides. Erreur de casting ?
Health change la donne à 20h. Le combo de Los Angeles, qui avait offert un spectacle moyen aux Nuits Botanique l’an dernier, revient taper du poing dans un cadre plus adapté. En effet, aux Nuits, ils étaient entourés de Yelle, Bunny Rabbit et Friendly Fires, autant d’artistes qui sont à milles lieues de l’univers du quatuor. Ce soir, Health est dans leur élément et le démontre en une bonne demi-heure de Noise bien envoyé. Pas un temps mort. La formation s’est surpassée en balançant un set à la fois chaotique, cohérent et visuellement impressionnant.
Mono clôture cette longue soirée en douceur. La transition entre Health et Mono est un peu difficile à digérer mais le combo post-rock japonais, qui venait présenter son nouvel ouvrage, « Hymn To The Immortal Wind », est parvenu à allier délicatesse et puissance. Une belle manière d’achever une sixième soirée riche en bonnes surprises.
Tiny Masters Of Today + Mi Ami + Health + Handsome Furs + Mono
Organisation : Ancienne Belgique.
Cinq noms se partageaient donc la troisième journée de l’édition 2009 du festival Domino. Si Blk Jks, Disko Drunkards, Hudson Mohawke et Rustie constituaient quelque part des découvertes, la présence du groupe mancunien A Certain Ratio nous replongeait quelque part à la fin des seventies/début des eighties.
Disko Drunkards est un nouveau projet imaginé par le drummer de dEUS, Stephane Misseghers, le chanteur/guitariste de Millionaire, Tim Vanhamel et le duo électro The Glimmers. Sur scène, le line up implique un bassiste et un claviériste. Ils sont surtout connus dans le Nord du pays pour leur hit « Physical », une cover d’Olivia Newton John, reprise qu’ils vont d’ailleurs interpréter au cours de leur set. Tim a opté pour une tenue de footballeur (NDR : il ne lui manque que les chaussures à crampons !) Pendant que Mo & Benoelie bidouillent derrières leurs tables, le quatuor tente de lier la sauce de cet urban jungle funk qui ne manque pas de groove. Le problème, c’est qu’il y a de gros grumeaux : en cause, un manque d’homogénéité manifeste entre les différents musiciens et une balance approximative. Trente minutes, c’était donc largement suffisant !
C’est assez rare pour ne pas le souligner, mais Blk Jks est un quatuor qui nous vient d’Afrique du Sud. De Johannesburg, pour être plus précis. Tshepang Ramoba est un drummer exceptionnel. Dès le premier morceau, je ne puis m’empêcher de penser à Billy Cobham ! A cause de son jeu influencé par le jazz et la fusion. En outre, les différents articles consacrés au combo ont beau parler d’avant-noise rock (NDR : parfois les étiquettes…), manifestement, il y a des références prog dans leur musique. Mpumi Mcata, le soliste a une tignasse de… zulu. Linda Buthelezi, le chanteur/guitariste et Molefi Makananise, le bassiste portent un ‘spotty’ sur le crâne ou si vous préférez, un bonnet de laine (NDR : faisait pas assez chaud ?) Arborant de magnifiques Dreadlocks, Thepang est torse nu dès le second titre. Une chose est sûre ce sont de remarquables instrumentistes. Et tant la voix falsetto de Linda que de Ramoba est impeccable. Mais après une bonne vingtaine de minutes, les performances instrumentales finissent par lasser. Pourtant, le leader a beau empoigner une sèche de temps à autre, pour essayer d’accentuer l’aspect mélodique des compositions, on cherche vainement le fil conducteur du set pour pouvoir accrocher. Conclusion : direction le bar !
A Certain Ratio est une formation née en 1977. Elle compte donc aujourd’hui plus de trente années d’existence. Bien sûr, du line up initial, il ne subsiste plus que trois membres ; c’est-à-dire le chanteur/bassiste Jeremy Kerr, le guitariste/trompettiste Martin Moscrop et le drummer Donald Johnson, même si ce dernier est arrivé un peu plus tard (NDR : en 1979 !) pour remplacer la boîte à rythmes. La formation est aujourd’hui complétée par deux claviéristes, dont Tony Quigley, également saxophoniste mais aussi bidouilleur (NDR : encore un vétéran !) et Liam Mullan (NDR : le plus jeune de l’équipe). Sans oublier l’ex-vocaliste de Primal Scream, Denise Johnson (NDR : elle avait aussi milité, à une certaine époque chez Gay Dad). Cette dernière ne participe cependant, sur scène, qu’aux deux tiers du tracklisting, et en particulier sur les morceaux les plus r&b. Apportant alors aux compos une touche sensuelle, chaleureuse, parfois gospel, à vous flanquer des frissons partout.
Parce que ce fameux tracklisting va alterner morceaux atmosphériques et punk/funk. Les premiers presque cold, hypnotiques, envoûtants, laminés par les accès de basse dispensés par Jeremy et hantés par son timbre morose ou/et les interventions jazzyfiantes (NDR : à la Herbie Hancock ou Miles Davies) de Tony au sax. Les seconds, davantage soul, presque dansants. Derrière, lorsqu’il ne troque pas sa gratte contre la trompette, Martin (NDR : il en faudrait deux !), découpe les compos dans le funk blanc. Véritable métronome, Donald fédère toute la solution sonore, y compris les aventures électronica-bidouilleuses des deux derniers arrivés. C’est un avis personnel, mais lorsque le duo de cuivres entre dans la danse, on pénètre alors dans une autre dimension. Elle est même magique. Et alors qu’on aurait pu espérer prendre une véritable claque lorsque le groupe achève sa prestation par « Shack up », on se rend compte qu’il existe un dilemme. En fait, il manque une trompette pour faire claquer le morceau. Et sans la guitare, ce classique aurait eu un goût de trop peu. C’est un des rares regrets rencontrés au cours de ce set. Parce que franchement, non seulement la qualité était au rendez-vous, mais aucun spectateur ne remuait pas au moins un orteil.
Lors du rappel, le combo s’est lancé dans un long exercice de style latino. L’ensemble du groupe s’est mis aux percus. Et même, à un certain moment, exclusivement aux percus ! Ambiance brésilienne, sifflets y compris. Le drummer devenu bassiste, le guitariste passé à la batterie ou à la caisse claire, quand il n’appuyait pas Donald sur son kit. Un Donald qui chante également et partage même les vocaux en compagnie de Denise sur un autre morceau du rappel. Le public est chaud, très chaud et en veut encore et toujours, malgré les lumières qui se rallument et la sono qui couvre les acclamations. Au bout de cinq bonnes minutes, le soufflé retombe et la foule se rend compte que le combo ne reviendra plus. Un pur bonheur, car il ne faut pas oublier que A Certain Ratio ne se produit en concert que six à huit fois par an. Et après ce spectacle on comprend mieux l’influence que le band exerce et a exercé sur des ensembles contemporains comme !!! ou Radio 4.
Il était donc 23h30, et vu la route qui me restait encore à effectuer ainsi que le style proposé par le beatmaker écossais Hudson Mohawke (NDR : du hip hop expérimental et instrumental dans l’esprit de Flying Lotus) et Rustie (NDR : son Myspace le tague de Tropicale / Grime / Trance ), il ne m’est pas possible de vous relater la qualité de leurs prestations. De toutes manières, celle d’A Certain Ratio m’avait suffisamment comblée ce soir…
Tracklisting A Certain Ratio
Skunk
Do the du
Flight
Mind made up
Way to escape
Forced laugh
Rialto
I feel light
Wonder Y
Wild Party
Be what you wanna be
Shack up
Si Firmir O Grido
Down Down Down
Blk Jks + Disko Drunkards + Hudson Mohawke + Rustie + A Certain Ratio
Organisation AB
Pour la deuxième soirée du festival Domino, l’Ancienne Belgique a réussi l’exploit d’extirper Tom Jenkinson alias Squarepusher, de sa tanière. L’ermite, aussi rare sur scène qu’un Aphex Twin, s’est produit devant une foule surexcitée en compagnie de Venetian Snares et de son collègue Tim Exile.
Récemment signé chez Warp, Tim Exile ouvre les hostilités en présentant son dernier bébé, « The Listening Tree ». Perdu derrière ses platines, Exile semble encore plus paumé lorsqu’il s’empare du micro. Bien que la formule fonctionne de temps à autre, le chant du bonhomme, marié à des beats electro déconstruits, est assez approximatif. Ce qui n’empêche pas le public, parsemé, à se dandiner gentiment. Un ultime morceau drum’n’bass remonte le niveau et vient clôturer en beauté un set un peu trop inconsistant.
Tim Exile est immédiatement suivi par Aaron Funk, alias Venetian Snares, qui s’attable presque instantanément devant ses platines. Pas de place pour ses travaux les plus atmosphériques. Le chevelu envoie une déflagration de beats IDM ravageurs. Une partie du public se prend au jeu mais le set, un peu trop longuet, aura raison de nos petites oreilles et de l’envie d’en voir davantage…
Devant des grosses caisses surélevées, Squarepusher fait son apparition sur scène à 22h30. Attendu comme le messie, Jenkinson s’empare de sa basse, manipule ses platines et balance des extraits de son ouvrage récent, « Just A Souvenir ». Le public se déchaîne et le set, à peine entamé, provoque un pogo qui ne cessera qu’en fin de parcours ! Après quelques morceaux, un batteur s’installe derrière l’artiste. Les compositions de Squarepusher, comme « Hello Meow » ou l’énorme « Come On My Selector » prennent alors une autre dimension. Plus puissante, surtout. Le Britannique va recevoir une belle ovation, à l’issue de son spectacle. D’une durée de près d’une heure, il était, selon certains, bien supérieur à celui accordé en compagnie de Nathan Fake au Vooruit, quelques semaines auparavant. On ne s’en plaindra pas !
Squarepusher + Venetian Snares + Tim Exile + Voodoo Trance Sound System
Organisation : Ancienne Belgique
Cette obscure collection nous plonge plus de cinquante ans en arrière, à l'époque où le blues s’était amplifié. Une période exaltante, véritable creuset du futur. Dr Boogie a puisé dans l'inépuisable vivier du sud des USA. Pas moins de trente artistes différents sont ici épinglés, dont certains allaient devenir célèbres ; mais d'autres ne jamais rencontrer la moindre reconnaisse ou le moindre succès. Ils n'en demeurent pas moins des témoignages authentiques.
L’opus s’ouvre par la plage la plus percutante. Celle qui donne son nom à l'album. Un morceau de l'inénarrable Champion Jack Dupree, chanteur, pianiste et boxeur de la Nouvelle Orléans. Le son est incroyablement actuel. Le guitariste (NDR : Stick McGhee?) déménage en diable.
Parmi les artistes qui se forgeront une notoriété, le recueil ne pouvait ignorer Joe Hill Louis, le ‘one man band’ de Memphis. Pourtant, il est ici impliqué au sein d’un groupe pour attaquer l’excellent "She's taking all my money". Trop tôt disparu (NDR : à l’âge de 36 ans), il avait enregistré au sein des studios Sun.
Autre homme-orchestre, Doctor Ross a également recueilli un certain succès. Il avait aussi enregistré à Memphis, pour Sun. Ses interventions à l’harmonica étaient très offensives. Et il le démontre tout au long de son "Texas hop".
Texan, Albert Collins est sans doute celui qui a acquis la plus grande popularité chez nous. Un tout grand ! Surnommé ‘The Ice Man’, il appréciait les références au froid. Pas étonnant, que ce soit son tout premier enregistrement, l'instrumental "Freeze", qui ait été choisi.
Larry Dale jouit également d’une fameuse réputation. Il est toujours vivant ! Inspiré par BB King, ce chanteur nous propose "You better need my warning", un morceau datant de 1954. Il est interprété en compagnie d’un Big Band, au sein duquel figurent Mickey Baker aux cordes et Jack Dupree aux ivoires.
Sam Myers nous a quittés en 2006. Un musicien remarquable et un personnage attachant. Heureusement, il a pu goûter au succès de son vivant. On le retrouve en 1957 ; il avait alors 21 ans, en compagnie d’Anson Funderburgh et des Rockets pour le stupéfiant "Rhythm with me", un instrumental au cours duquel il démontre qu’il avait du souffle et de la classe.
Papa George Lightfoot est un autre harmoniciste magique. Issu de Nachez, dans le Mississippi, son jeu était fascinant. Il est malheureusement décédé à 47 ans, alors qu'il avait opéré un retour à l’avant-plan.
On en vient maintenant aux illustres inconnus. Dont certains méritent franchement tout notre intérêt. Et je pense tout d’abord à Ramblin' Hi Harris responsable d’un swamp blues indolent, reproduit sur "I haven't got a home" ou encore Bobo Jenkins dont le séduisant "Nothing but love" évolue dans un registre proche d’un bon Jimmy Reed. Les échanges vifs, vibrants, opérés entre les cordes et le piano sur le "Good woman blues" de B Brown & MC Vouts emportent aussi nos suffrages. Chanteur/pianiste, Cecil Gant est considéré comme le grand-père du rock. Enregistré peu avant sa mort, son "We're gonna rock" date de 1950 " ; et il est bien saignant. Claviériste originaire de Memphis, Eddie Snow a côtoyé BB et Albert King. Son "I'm off that stuff" est fort intéressant. Tout comme le "I'm gonna kill that hen" de Blue Charlie Morris. Charles Sheffield chante d’un timbre puissant, mordant, âpre, "Isabella", soutenu par d'excellentes parties de piano et de guitare. Issu de Detroit, Baby Boy Warren a reçu le concours de Sonny Boy Williamson II sur "Santa Fe". Le souffle de la légende est aussi puissant que prodigieux. Louisianais, Morris Pejos avait émigré à Chicago. Il était marié à la chanteuse Mary Lane. Il est responsable d’une multitude d’enregistrements. Sa guitare alerte et primaire déménage tout au long de "Screamin' n'cryin", un morceau au cours duquel le pianiste Henry Gray lui apporte son concours. Epinglons encore la présence de Willie Egan, un illustre chanteur/pianiste de R&B ainsi que deux guitaristes novateurs pour leur époque. Tout d’abord Pat Hare. Pas seulement pour avoir côtoyé les plus grands, mais parce qu’il était parvenu à maîtriser la distorsion. Ce qui ne l’a pas empêché de finir ses jours derrière les barreaux. Et enfin et surtout Lonnie Johnson. Un personnage vénéré par ses pairs, auquel le "Can't sleep anymore" lui est réservé. Une merveilleuse collection!
Ce recueil n’est pas consacré au blues, mais au rockabilly. Un style qui a fait fureur entre 54 et 59, aux States. Une multitude d’artistes s’y sont frottés. Et la plupart n’ont jamais dépassé le stade du juke-box, alors en vogue. Mais ces anonymes ont parfois commis de petites perles. Et c’est ce que ce « Dr Boogie presents : 26 deranged and smokin' Cool Cats » nous permet de découvrir. Pas question, donc ici, d’artistes notoires ou même de légendes.
Le rockabilly est né très tôt au cours des fifties. Une musique plutôt blanche, sudiste, qui allait préluder la naissance du rock'n'roll à Memphis, en 1954. Un style qui allait progressivement disparaître à la fin des 50s. Ce qui n’a pas empêché toute une série de vagues revivalistes. Et aujourd’hui encore, de nombreuses formations américaines se reconnaissent dans cette scène musicale énergique et excitante. Dr Boogie a eu l’excellente initiative d’exhumer ces 26 plages rythmées, rockabilly ou tout simplement rock'n'roll. Si la compile affiche une certaine homogénéité, elle autorise des approches différentes. Et bien que la guitare soit reine, d'autres instruments clé, comme le sax hurleur et le piano ont également droit au chapitre.
Johnny Jay ouvre le disque par "Sugar doll". Les accords de piano sont sautillants. On en a des fourmis dans les jambes. Son backing group reprend en chœur les paroles. Faut dire qu’à l’époque, le doo wop était largement associé à ce style. La succession des plages est de très bon niveau. Sur "Love bug crawl", Jimmy Edwards est soutenu par des accords de guitare digne des bonnes productions Sun de Memphis. "Rockin' spot" est balayé par les cordes ravageuses de Curly Coldiron. Un sax hurleur bien graisseux nous adresse un clin d'œil sur le "Red hot car" de Danny Verne. Il est vrai que dans cet univers sonore, le thème de la voiture est rituel. Le "Doin' allright" d’Eddie Cash nous entraîne sur la piste de danse. Le piano est omniprésent tout au long de ce morceau que n’aurait pas renié Jerry Lee Lewis. Des ivoires qui dynamisent le fracassant "Country woman" des Cals, le redoutable "The joint's really jumpin'" de Jimmy Evans ainsi que le "Gee whee Liz" de Charles Sens (NDLR : avec ou sans plomb ?) On a aussi droit à quelques morceaux de bon rock’ roll. Et franchement on a l’impression que des plages comme le "Gonna be better times" d'Al Urban ou "I can't help it" de Bing Day n’ont pas pris une ride. Ils sont même proches d'Eddie Cochran et de Gene Vincent. Des sommets de l’album, il faut le reconnaître. Et "Bop a lena" de John Friis & the Valiants ainsi que "Money is the thing of the past" de Ronnie Haig n’ont rien à envier aux productions contemporaines. La dose de swing libérée sur le très jazz "Big dog little dog" de Harvey Hunt est très subtile. Le "Rockabilly Hop" de Bill Moss évoque le Bo Diddley beat. Caractérisé par une étonnante conjugaison de guitare et de basse, le blues "Little bitty boy" de TK Hulin est imprimé sur un tempo frénétique. Cette excellente rétrospective consacrée aux fifties s’achève par "Sledgehammer", un instrumental saignant signé par les Trashers.
La Britpop? C’est passé de mode! Et pourtant, certains groupes s’accrochent encore et toujours. Parfois avec succès. Comme Coldplay. Souvent sans. Pensez à Travis. Et Starsailor en est une autre illustration. « All the plans » constitue le quatrième elpee du quatuor de Wigan. Un disque qui a reçu le concours de Steve Osborne (New Order, B-52’s) à la mise en forme.
Sur les onze plages de cet opus, quatre parviennent à éviter le piège de la ballade sirupeuse et hyper léchée. Tout d’abord, le morceau d’entrée, « Tell me it’s not over ». Caractérisé par son piano sonore, il aurait pu figurer au répertoire de la bande à Chris Martin. Encore que parfois, il me fait davantage penser aux Veils. C’est d’ailleurs le cas également pour le morceau maître. Un titre enrichi de claviers fluides et bercé de guitares bringuebalantes (NDR : Ron Wood est venu donner un bon coup de gratte !) Reste encore le cinématique, ‘enniomorriconesque’ « The Thames » et l’étrange finale, aussi dépouillée que paisible, « Safe at home », au cours de laquelle James Walsh se fait crooner. A contrario, on ne s’étendra pas sur l’insipide « You never get what you deserve », au cours duquel il emprunte carrément les inflexions de Bono. Pas la peine de tirer des plans sur la comète, mais je crains fort que l’histoire de Starsailor s’achève à moyen terme ; à moins que le band n’accepte de descendre en seconde division… Seul l’avenir nous le dira…
Alias SJ Esau, Sam Wisternoff est originaire de Bristol. A l’âge de 10 ans, il militait déjà comme MC sur la scène hip hop locale ; et deux ans plus tard décroche l’accessit du championnat DMC. Il cherche ensuite sa voie à travers divers projets expérimentaux et apporte épisodiquement sa collaboration à d’autres formations, comme par exemple les Pixies ou encore Sonic Youth ; avant d’embrasser une carrière en solitaire. Il commet l’un ou l’autre Ep et un elpee de remixes, puis signe chez le label américain Anticon en 2007, écurie hébergeant –entre autres– 13 & God, Alias, Odd Nosdam, Sole, Themselves, et Why. « Wrong Faced Cat Feed Collapse », son tout premier opus, paraît la même année et marque une nouvelle orientation dans son style musical. Et l’année suivante, il embraie par « Small Vessel », plaque qui vient seulement de nous parvenir (NDR : elle a dû traverser l’Atlantique à la nage).
Première constatation, ce disque regorge d’idées. Que SJ puise aussi bien dans le folk, la pop, le néo-folk et parfois le rock. Se servant d’une multitude d’instruments comme les cuivres, les guitares, les drums, les percus et le violoncelle. Du violon aussi. Que se réserve la seule invitée sur le disque, Charlotte Nichols (NDR : elle a également participé aux sessions d’enregistrement du dernier elpee de Portishead). Elle apporte également son concours aux vocaux, de son timbre tendre, sur l’excellent « Under Certain ». SJ se charge évidemment des bidouillages électroniques et des collages, dans un style rappelant parfois Tunng. Et puis pose sa voix, d’une manière détraquée, dans l’esprit d’un Why ? Une constante : la préservation du sens mélodique. D’ailleurs certaines chansons se révèlent particulièrement élégantes. A l’instar des mélancoliques « Bastard Eyes » et « Bubble Head ». Et sans jamais pour autant être pris en défaut de manque d’enthousiasme. Des titres comme « Frustrating » ou encore « I threw a wobbly » en sont les plus belles illustrations. Une excellente surprise que l’on espère voir bientôt en concert, près de chez nous…
Ani Rossi n’a peur de rien. Elle plonge dans le vide, accompagnée d’une voix sur le fil du rasoir, de mélodies difformes, d’un violon dépouillé et de quelques percussions. Enregistré en un jour –dans le studio de Steve Albini– l’album ne cache pas son effet lo-fi, volatil et indécis. La tentative zigzague ainsi entre les gammes et les ébauches sans jamais vouloir prendre parti. Sa singularité : de subites montées dans les aigus, assumées certes, mais aussi légèrement grinçantes dans leurs ascensions vertigineuses. On sent de temps à autre les prémisses d’un style bohème et décousu qui rappelle agréablement Ani di Franco ; toutefois, le plus souvent ces moments restent suspendus dans les airs, désincarnés, dans l’attente d’un point final qui n’arrive jamais. On demeure perplexe devant ces portes qui ne mènent nulle part, devant ces mélodies un instant gracieuses qui finissent par tomber dans l’errance, se disperser, s’effilocher ou se perdre. Peut-être cette valeureuse essayiste estimera son implication incomplète. Peut-être valait-il mieux se tourner vers d’autres tentatives sans queue ni tête, mais un peu moins écorchées.
Originaire de San Fransisco, Miranda Lee Richards a su bien s’entourer. Ainsi, lors de sa terminale, elle fait la rencontre de Kirk Hammett (Metallica) qui la prend sous son aile et lui enseigne les bases de la guitare. Cette amitié permet alors à la Californienne d’enregistrer ses premières démos. Celles-ci atterrissent quelques mois plus tard entre les mains d’Anton Newcombe, tête pensante des Brian Jonestown Massacre. Elle accompagne ensuite au micro la formation pendant six mois avant de rendre son tablier, refusant d’accompagner le combo en tournée pour des raisons que ceux qui ont visionné l’excellent docu « Dig ! » peuvent facilement imaginer. Richards gardera contact avec Newcombe pour lequel elle coécrira quelques morceaux avant de lancer sa propre carrière. En 2001, la jeune femme signe chez Virgin Records et publie « The Herethereafter », qui fait un flop intégral et provoque, déjà, le terme de son contrat.
Huit ans plus tard, Miranda Lee Richards, désormais au sein du label Nettwerk, garde la tête haute et fait un retour en douceur. D’aucuns diront même ‘trop en douceur’. « Light Of X », entièrement écrit et composé par son interprète, est de ces recueils qui privilégient l’ambiance à la variété des mélodies. Peut-être aurait-il fallu que la demoiselle s’entoure un peu plus, comme c’est le cas sur « Early November », cosigné par un certain Rick Parker et seul titre de l’ensemble à s’apparenter à une relative réussite. « Light Of X » souffre également de longueurs inutiles, de vocalises parfois lassantes et d’une monotonie cruellement assommante. Miranda Lee Richards n’a manifestement pas tiré parti de son premier échec.
La prose épurée de Jessica Lea Mayfield naît au creux d’une succession de hasards. Quelques accords de guitare appris en famille, enregistrés sans moyens dans une chambre et l’un des cent exemplaires pressés arrive aux oreilles de Dan Auerbach (The Black Keys). La voie salutaire du MySpace établit le contact et, presqu’aussi instantanément, un premier huit titres voit le jour dans le studio du mécène. « With Blasphemy So Heartfelt » est la consécration de cette suite fortunée, trop bien engrangés que pour s’être nourri exclusivement d’aléas. Il y a, en effet, chez la jeune Américaine ce petit quelque chose d’intimiste qui séduit dans l’ombre. Cette voix délibérément brute et enrobée de simplicité qui rappelle Alela Diane. Ces compositions uniformes et brumeuses qui patinent en douceur les aspérités de nos pensées. Une myriade de sons pour envelopper cet univers onirique : xylophone, orgue, batterie, banjo… Et enfin, des fils soyeux pour tisser finement les éléments entre eux. Mais il faut reconnaître que la lenteur et le stoïcisme peuvent à la longue émietter l’album. Comme de coutume, on peut en blâmer les 19 ans à peine accomplis et espérer que la maturité fera œuvre de volonté et détermination. En attendant, il faudra accepter que le temps glisse sans heurts sur ce disque un peu trop volatile pour s’affirmer ici-bas.
Le Singe Blanc nous vient de Metz. Un trio pour le moins atypique. Et pour cause, son line up implique deux bassistes, Thomas Coltat et Vincent Urbani, également responsables des vocaux (NDR : enfin, une sorte de mélange d’éructations et de yaourt que s’échangent la paire, l’un d’une voix rauque et gutturale, et l’autre d’un timbre aigu), ainsi que le drummer Kevin Lequellec. Fondé en 2000, ce combo a acquis une certaine notoriété sur la scène musicale indépendante, au fil des concerts. Jugez plutôt : ils ont accordé plus de 500 dates en moins de 7 ans, assurant même le supporting act de formations comme The Ex, Zu ou encore Melt Banana. En 2007, ils ont même eu l’opportunité d’effectuer un périple en Chine. Un Dvd retraçant cette épopée accompagne cet opus. D’une durée de deux heures, il est enrichi de quelques clips vidéo. Stéphane Ulrich a donc filmé ce voyage opéré avec les moyens du bord. Peu de prestations scéniques, mais surtout la vie d’un groupe et de son team, sillonnant l’Empire du milieu…
Réputé pour sa musique radicale, baroque et déstructurée, le groupe est totalement inclassable. Il y a du math rock, du jazz, de la noise, du punk et même du disco. Il doit y avoir autre chose, mais ne m’en demandez pas plus, c’est assez compliqué ainsi. Une chose est sûre on en prend plein les tympans. Les deux basses ronflantes vous rentrent dedans constamment. Rythmiques et boucles se croisent et s’entrecroisent. L’énergie libérée est permanente. S’il règne tout au long des dix titres de ce « Baï Ho » (NDR : qui signifie singe blanc en chinois), apparemment le septième opus du Singe Blanc, une frénésie digne de Mr Bungle, les arrangements et les enchaînements sont plus subtils et le groove coule davantage de source. C’est même parfois dansant. Enfin, suivant la philosophie du Singe Blanc. Vous êtes donc prévenus…
« Lost Channels », le quatrième recueil de Great Lake Swimmers, nous parvient un peu moins de deux ans après « Ongiara », l’œuvre qui aura définitivement permis aux Canadiens d’entrer dans la cour des grands. Sans efforts, le combo originaire de Toronto, et mené d’une main de maître par Tony Dekker, parvient une nouvelle fois à pondre une série de onze petites perles. « Lost Channels » s’ouvre sur un « Palmistry » plongeant instantanément l’auditeur dans une torpeur exquise dont il s’extirpera uniquement pour fredonner les engageants « The Chorus In The Underground », « Pulling On A Line » ou « She Comes To Me In Dreams ».
Dekker se livre ici dans un exercice encore plus personnel qu’auparavant, dévoilant un large pan d’une personnalité à fleur de peau. Une sensibilité avenante immergée en plein cœur de morceaux mémorables tels que « Still » et « Everything Is Moving So Fast », un titre parcouru de chœurs féminins et sublimement orchestré. Un nouveau carton plein pour Great Lake Swimmers.
Mais qui est donc John Shade ? En fait, c’est le héros de Vladimir Nabokov, dans son roman « Pale Fire », publié en 1962 ? Chez Fôl Chen, il en est également le personnage central. Ce qui explique le titre de leur opus, « Part I : John Shade, Your Fortune’s Made ». Impliquant notamment des ex-membres des Liars, ce sextet californien cultive un sens du mystère que ne renieraient pas les Residents. Suffit de regarder l’image reproduite au recto de la pochette, pour en être convaincus. Mais le plus intéressant procède de leur style musical. Un cocktail d’influences assez surprenant et ample, filtré à travers une pop teintée d’électronica. Une référence ? Hot Chip. A cause de la manière d’opérer les manipulations synthétiques et puis des beats proches du combo des nerds britanniques. Sans oublier ce recours audacieux aux synthés atypiques. Le groupe bénéfice, en outre, de la présence de différents vocalistes.
Parmi les 10 titres de cet elpee, j’épinglerai le diablement ingénu, à la mélodie faussement naïve, « Cable TV », la délicieuse ballade folk/electronica « You And You Sister In Jericho » ou encore « No Wedding Cake », une compo dont les rythmes sont susceptibles de vous faire voir toutes les couleurs de l’arc-en-ciel. Un signe annonciateur de ciel bleu et de soleil qui nous a tant manqués cet hiver. Et après avoir écouté ce disque, on a déjà envie de connaître la seconde partie, qu’on espère aussi ensoleillée. Comme la saison qui arrive !
Peter Doherty s’est racheté une conduite. Et aussi un prénom. Ne dites donc plus Pete, mais Peter. A 30 balais, aurait-il enfin atteint l’âge de la maturité ? C’est en tout cas, ce que la presse, dans son ensemble, laisse supposer. Spécialisée ou non. La came, l’alcool et les excès : ce serait du passé. On veut bien le croire. Mais personnellement, je demeure toujours aussi sceptique. Par contre, il faut reconnaître que son premier album solo est remarquable. Et le mot est faible. Un disque pour lequel il a notamment reçu le concours du guitariste de Blur, Graham Coxon, pratiquement sur toutes les plages. Ainsi que de Stephen Street, à la production. Sans oublier ses potes de Babyshambles. Peter signe ou cosigne tous les textes et s’est chargé de toutes les (superbes) illustrations du booklet.
Partagé en 12 plages, l’elpee est essentiellement acoustique. Ce qui ne veut pas dire qu’il soit minimaliste. Les arrangements et/ou les orchestrations sont même somptueux. A l’instar de « 1939 returning », de « A little death around the eyes », caractérisé par son refrain en mode tango et du cinématique et gracile « Salomé » (NDR : une référence biblique !) Trois titres pour lesquelles une section de cordes, au sein de laquelle on retrouve l’ex Durutti Column, John Metcalfe, apportent une dimension raffinée, digne de John Barry, à la mélodie. On a même droit à du mellotron et à de la guitare électrique sur le caressant et chaleureux « New love grows on trees », morceau légèrement psyché réminiscent de Luna. Et dans le même registre, « Palace of bone » lorgne vers un Guy Chadwick (NDR : cette voix !) échappé de House of Love. Plusieurs compos baignent dans le jazz et/ou le blues. Caractérisé par cette guitare en picking, presque manouche, et ses drums frottés par des balais, « Arcady », le morceau d’entrée, en est une belle illustration. Tout en adressant un clin d’œil au Kinks, « Sweet by and by », trempe carrément dans le dixieland. Et en finale, l’allègre « Lady don’t fall backwards » trahit constamment des accents syncopés, nonobstant cet orgue vintage (NDR : un farfisa ?), qui envahit progressivement l’espace sonore. Vous avez certainement déjà eu l’occasion d’entendre ou d’écouter le single « Last of the English roses ». Les références au reggae dub de Clash sont incontestables. Petite variante, la présence de ce mélodica fantomatique. Un instrument qui hante d’ailleurs la plupart des plages de cet elpee. Finalement seuls trois fragments épousent un profil essentiellement acoustique. Tout d’abord « I am the rain », malgré son interlude latino, « Sheepskin tearaway », dont Peter partage un duo en compagnie de la chanteuse écossaise Dot Allison et enfin le bouleversant et contagieux « Broken love song ».
Œuvre savoureuse, empreinte de romantisme et de poésie, « Grace/Wastelands » se pose déjà comme un des musts de l’année 2009. Quant à savoir si le gaillard respectera le calendrier de sa tournée, c’est une autre histoire…
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