C’est ce 24 octobre que paraîtra le cinquième album studio de Snow Patrol. Il a été enregistré cet été dans le studio Hansa à Berlin, là où David Bowie a enregistré ses albums ‘Low & Lodger’. L’album a été écrit par Snow Patrol et produit par Jacknife Lee (Bloc Party, REM, U2, etc.) Snow Patrol est un des groupes britanniques qui s’est le mieux vendu cette décennie. ‘A Hundred Million Suns’ est le successeur de ‘Eyes Open’, sorti en 2006, un album qui s’est vendu à plus de 4,5 millions d’exemplaires dans le monde. L’album sort en deux formats dont une édition limitée avec un DVD reprenant 4 titres live + interview + extraits du ‘making of’ de l’album.
(d’après communiqué de presse)
Tracklisting :
1. If There's a Rocket Tie Me To It
2. Crack The Shutters
3. Take Back The City
4. Lifeboats
5. The Golden Floor
6. Please Just Take These Photos From My Hands
7. Set Down Your Glass
8. The Planets Bend Between Us (For You)
9. Engines
10. Disaster Button
11. The Lightning Strike
Pour plus d’infos : http://www.snowpatrol.com
En intitulant leur nouvel album « Butterfly », Azymuth a voulu rendre un hommage à Herbie Hancock. Et pour cause, « Butterfly » est une des compos du célèbre musicien de jazz, qu’ils reprennent d’ailleurs sur cet opus.
Azymuth est l'un des groupes les plus influents du Brésil et ils ont donné des concerts dans le monde entier. En mélangeant du funk, de la soul et du jazz avec la samba, Azymuth propose un son très personnel qu'il appelle “Samba Doido” (la samba folle). Les membres du groupe incluent José Roberto Bertrami (né le 21 février 1946, à Tatui) aux claviers, Alex Malheiros (né le 19 août 1946, dans Niteroi) à la basse et Ivan Conti (né le 16 août 1946, au Rio de Janeiro) aux percussions.
Influencé par des pianistes tels que Bill Evans et Luiz Eça (du Tamba 4), José Roberto Bertrami travaillé avec Flora Purim et Robertinho Silva avant rencontre avec Ivan Conti dans un night club de Rio. Lors d’une visite au club Bowling Alley en 1972, ils ont rencontrés Alex Malheiros et ont décidé de former Azymuth. Leur premier album, la bande sonore pour le film O Fabuloso Fittipaldi, est sorti au Brésil en 1973. Après un certain nombre d'années comme musiciens de session pour les studios d'enregistrement de Rio et des tournées en Amérique du Sud, une apparition fructueuse au Festival de Jazz Montreux 1977 les a menés à une tournée américaine 1978 avec Airto et Flora Purim. Un contrat avec le Milestone en 1979 a abouti à une longue série d'albums éclectiques qui a fait connaitre le groupe aux marchés américains et européens. Tous les trois membres ont aussi enregistré des albums de solo pour Milestone.
Le groupe se reforme dans les années 90. Depuis ils ont enregistré six nouveaux albums: ‘Woodland Warrior’ (1998), ‘Pieces of Ipanema’ (1999), ‘Before we Forget’ (2000), ‘Partido Novo’ (2003) ‘Brazilian Soul’ (2004) et ‘Butterfly’ (2008). Ils ont également été remixés par des artistes de talent comme 4hero, Jazzanova, Mark Pritchard, London Elektricity and Roni Size.
Aujourd’hui avec leur nouvel album ‘Butterfly’ chez Far Out, Azymuth s’inscrit comme un des groupes légendaires qui aura su faire vivre la scène musicale de Rio sur trois décennies depuis leur début pendant l'ère de bossa-nova. Coproduit par David Brinkworth (Harmonic 33), ce disque parvient à une synthèse des éléments jazz, funk et samba que le groupe a cherchés tout au long de sa carrière. De l’aveu de David, tout l’enregistrement s’est déroulé naturellement : “ils ont tellement d’expérience, ils prennent chaque idée et la transforment en quelques secondes en une piste exploitable. Ils ont acquis une telle connaissance d’eux-mêmes qu’ils se comprennent à la seconde quand ils improvisent.”
(d’après communiqué de presse)
Pour voir la vidéo du groupe en concert cet été à LA avec Madlib en guest
http://www.youtube.com/watch?v=jPpnYHOkH68
et une autre vidéo dans un club de jazz (ambiance surchauffée)
http://fr.youtube.com/watch?v=6W9wrDsCcU4
Tracklisting:
1. Butterfly
2. Os Cara La
3. Meu Doce Amigo
4. Caititu
5. Avenida Rio Branco
6. New Dawn
7. Triagem
8. Hole in One
9. Morning
10. Next Summer in Rio
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/azymuth
En perdant le chèque pour payer ses cours de piano, la toute jeune Mélissa Laveaux s’est forgé un destin. Elle apprendra la musique en autodidacte. A l’oreille et dans les livres. Heureusement, sa mère écoute de la chanson à texte et du jazz haïtien en la coiffant, et son père, musicien à ses heures, a l’idée de lui offrir une guitare d’occasion à 13 ans.
Métissée la musique de Mélissa Laveaux ? Sans doute, comment pourrait-il en être autrement ? Née à Montréal en 1985 de parents haïtiens fraîchement immigrés, elle grandit à Ottawa, Ontario, dans un univers majoritairement anglophone, et doit tenter de s’intégrer à ce nouvel environnement, sans rien abandonner pour autant de sa culture d’origine, créole et francophone.
Au carrefour de ces multiples identités, Mélissa prend très vite conscience de son « décalage » avec le monde alentour. Elle dénote. Adolescente créative, elle se réfugie dans la musique et passe son temps à préparer des mixtapes de chansons à la radio, au grand dam de ses parents, tous deux professeurs, qui la rêvent médecin. Elle découvre pêle-mêle, et dans une sorte de boulimie, le folk indépendant canadien (Joni Mitchell, Feist), le trip hop britannique (Martina Topley-Bird), la musique brésilienne alternative (Adriana Calcanhotto, Os Mutantes), les stars du hip hop et de la nu-soul (Erikah Badu, Common, The Roots, The Fugees…), les grandes voix de la tradition afro-américaine (Billie Holiday, Nina Simone, Aretha Franklin) et les étoiles lointaines de la World Music (Rokia Traoré, Lhasa…).
Brassant toutes ces influences en un mélange de naïveté et d’instinct, travaillant quotidiennement sur sa guitare, Mélissa s’invente très tôt un style d’accompagnement personnel, très rythmique, et se met à écrire ses premiers textes, composer ses premières chansons. De là ce songwriting résolument contemporain, qui intègre tous ses croisements identitaires, mais au lieu de les afficher en un geste militant, choisit la voie de l’intime, de la confidence - l’aventure d’une parole définitivement libre.
Mais la musique n’est pas tout. Comme ses frères et sœurs, elle veut faire des études, avec l’ambition de travailler dans le domaine social, tout en ressentant l’extrême nécessité de s’exprimer artistiquement. « L’un ne va pas sans l’autre. J’ai besoin de musique pour vivre et de vivre pour inspirer ma musique », affirme-t-elle volontiers, avec une sacrée détermination. Etudiante à l’Université d’Ottawa, elle passe et obtient son diplôme de Bachelor en Éthique et Société.
Parallèlement elle participe aux soirées « open mic » organisées dans le pub du campus. Un jeune percussionniste, Rob Reid, la repère, l’encourage à persévérer. Assidue à l’université durant la semaine, elle part sur la route avec Rob chaque week-end et sillonne le Canada pour jouer dans les clubs. A 21 ans, elle autoproduit un album qu’elle diffuse sur myspace. Début 2007, le label No Format! la rencontre à Montréal et la prend aussitôt sous contrat. La même année, elle obtient la bourse Lagardère Jeunes Talents. Elle enregistre dans la foulée son véritable premier album, “Camphor & Copper”, construit sur les fondations de l’album autoproduit deux ans auparavant.
Exceptées deux reprises magistralement réinventées (« Needle in the hay » d’Elliott Smith et « I Wanna be Evil » d’Eartha Kitt) qui posent en quelque sorte les bornes imaginaires de son univers musical, le répertoire de cet album n’est composé que d’œuvres originales, impressionnantes de ce mélange de maturité et de fraîcheur qui n’appartient qu’aux plus grands. Dans cet album, Mélissa libère d’un coup toute l’énergie créatrice accumulée au long de ces années d’apprentissage et trouve d’emblée le ton juste. Les arrangements minimalistes privilégient l’énergie et l’impact poétique de ses mots. Sa voix surtout se déploie, majestueuse et fragile, profonde, sensuelle et délicieusement juvénile, creusée de remous intérieurs sous la séduction immédiate, comme travaillée par ce trilinguisme qui marque sa vie, la fluidité rythmique de la langue anglaise, la syncope nonchalante du Créole, la sophistication harmonique du Français.
Nul doute qu’avec un tel album, cette jeune canadienne d’origine haïtienne de 23 ans, fait une entrée fracassante dans le petit cercle des auteurs compositeurs interprètes les plus prometteurs de notre époque.
(d’après communiqué de presse)
L’album paraîtra ce 3 novembre
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/melissalaveaux
Révélation britannique pour l’année 2005, les Kaiser Chiefs nous proposent un troisième opus. Il est dans les bacs depuis ce 17 octobre. Lili Allen est venue apporter son concours aux vocaux pour l’une ou l’autre compo.
Tracklisting :
1. Spanish Metal
2. Never Miss A Beat
3. Like It Too Much
4. You Want History
5. Can't Say What I Mean
6. Good Days Bad Days
7. Tomato In The Rain
8. Half The Truth
9. Always Happens Like That
10. Addicted To Drugs
11. Remember You're A Girl
Pour plus d’infos : http://www.kaiserchiefs.co.uk et http://www.myspace.com/kaiserchiefs
Le nouvel opus de Ryan Adams & The Cardinals s’intitule “Cardinology”. Il paraîtra ce 24 octobre et sera précédé par le single “Fix It”.
Tracklisting:
1. Born Into A Light
2. Go Easy
3. Fix It
4. Magick
5. Cobwebs
6. Let Us Down Easy
7. Crossed Out Name
8. Natural Ghost
9. Sink Ships
10. Evergreen
11. Like Yesterday
12. Stop
Pour plus d’infos : http://www.davidryanadams.com et http://www.myspace.com/ryanadams
Depuis la sortie de « Love Is A Schizophrenic Hungry Monster », Elvis’ Ghettoblaster est de plus en plus présent sur la scène rock belge. Critiques élogieuses à leur égard, présence à quelques festivals dont celui de Dour : il semblait donc évident pour le trio bruxellois de planter leur décor dans l’arène de la Rotonde du Botanique. Une soirée à l’ambiance particulièrement décontractée, très cool si vous préférez, reflétant l’attitude des musiciens aussi habiles un verre en main que sur leurs instruments.
Avant le gros moment rock’n roll de la soirée, Hey Yeah ! tente tant bien que mal de chauffer la salle. Pas facile, car il n’y a pas foule ; même si on peut qualifier l’audience d’encourageante. Le rock de ce jeune trio bruxellois ne manque pas de subtilité. L’influence des Libertines est assez marquée. Leur show souffre quand même d’une carence en relief et se complaît dans une certaine naïveté. Ce qui n’empêche pas une frange de l’assembler de marquer sa satisfaction.
Les trois trublions d’Elvis’ Ghettoblaster débarquent enfin. Ils sont plutôt loquaces et multiplient les traits d’humour. En outre, leur nonchalance leur colle bien à la peau. Visiblement quelques bières ont suffi pour leur assurer une sérénité certaine. Et la formation brise d’entrée un silence embarrassant en balançant une intro instrumentale, histoire de remettre les esprits en place et puis aussi d’entamer le show. « Rockus Porkus », « Stoner » et « Die » préludent une soirée rock en puissance. Il y a bien quelques petits problèmes techniques, mais vu l’expérience des musicos, ces détails ne semblent pas les perturber. Orphelin de leur chanteur, le combo éprouve quand même quelques difficultés à trouver le bon équilibre au niveau des vocaux. Heureusement, le trio compense ces imperfections par un aplomb digne de chevronnés ; et puis affiche un réel plaisir à se donner à fond, propension qu’il va s’évertuer à entretenir tout au long du set. Et comme tout baigne, le groupe n’hésite pas à expérimenter quelques nouvelles variations ; à l’instar d’une version reggae surprenante de « Champagne and Wine ». Un petit bonheur ! Bien sûr, on pourra leur reprocher l’absence de boucles électro qui jalonnent le second opus du trio. Mais difficile d’en demander davantage à notre ami Enzo qui cumule chant, guitare et claviers. Et il faut le souligner, son art à jongler entre les différents instruments est stupéfiant. Au sein de la setlist, j’épinglerai cependant quelques petites pépites comme une superbe adaptation du « Feel Alright » des Stones et puis un nouveau morceau, encore sans titre, bourré d’énergie et d’électro ! Live, Elvis’ Ghettoblaster est sans doute moins pêchu que sur disque ; cependant, au cours de cette soirée il a manifesté un état de forme et une efficacité qui font plaisir à voir et à entendre…
Applaudissements nourris mais sincères de l’assistance peuplée de fidèles aficionados. Dommage qu’il n’y ait pas eu un peu plus de monde. Un bel exemple à suivre ! Chapeau les gars !
Organisation Botanique
C’est le 5 novembre que paraîtra le premier Ep de Mongrel (NDR: ne pas confondre avec la formation de metal du même nom). Au sein du line up, on retrouve Andy Nicholson (l’ex bassiste des Arctic Monkeys), Drew McConnell des Babyshambles, Joe Moskow et Jon McClure de Reverend & The Makers ainsi que Lowkey, une légende du hip hop britannique. En outre, les sessions d’enregistrement se sont déroulées aux célèbres On U Sound studio du mythique Adrian Sherwood. C’est d’ailleurs lui qui s’est chargé du mixing. Et vous vous en doutez du son dub
Tracklisting :
1. 'The Menace' (feat Lowkey and Matt Helders)
2. 'Barcode' (feat Pariz 1, Tor Cesay, Mpho, Saul Williams and Matt Helders
3. 'The Menace (Adrian Sherwood On-U Sound Dub)’
4. 'Barcode (Adrian Sherwood On-U Sound Dub)’
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/wearemongrel
« Go fast », c’est le titre du nouvel elpee d’Agoria. Particulièrement notoire dans l’univers de la musique électronique, ce DJ français s’est attaqué à un projet particulièrement ambitieux, puisqu’il a décidé de s’inspirer du long métrage du même nom, réalisé par Olivier Van Hoofstadt (réalisateur du fim culte 'Dikkenek') et au sein duquel on retrouve notamment pour interprètes Roschdy Zem et Olivier Gourmet… Ce disque fait suite à "Blossom" paru en 2003 et "Green Armchair" en 2006. La sortie de l’elpee est prévue pour ce 20 octobre.
Tracklisting :
01. Tender Storm
02. Altre Voci
03. Memole Bua
04. Dust
05. Pending Between Two Worlds
06. Eden
07. Solarized
08. Last Breath
09. Around The Corner
10. Go Fast
11. Run Run Run
12. Diva Drive
Pour voir son nouveau clip vidéo : http://agoria.differentrecordings.com
Pour enregistrer leur nouvel album, les Rakes sont partis à Berlin. En ex-Allemagne de l’Est, très exactement. Dans des anciens locaux de radio soviétique aménagés en studio. Mais surtout dans un environnement industriel. Un peu comme si les musiciens voulaient marcher sur les traces de Bauhaus. Ambiance ! Apparemment l’elpee sera éponyme. Il a été enregistré sous la houlette d’un nouveau producteur, Chris Zane (Les Savy Fav, The Walkmen) et sa sortie est prévue pour le printemps 2009.
Pour plus d’infos : http://www.therakes.co.uk et http://www.myspace.com/therakes
Le groupe de rock expérimental The Sedan Vault sortira son nouvel album « Vanguard » le 3 novembre. Ce nouvel opus est annoncé comme allant bien au-delà des influences habituelles du punk et du rock. Un beat plus dur, des guitares plus recherchées et des arrangements oscillant de l’électronique aux cuivres ténébreux en passant par des cordes aux teintes de l’Europe de l’Est sont au menu. « Vanguard » chercherait donc à y combiner les influences passées du groupe à celles d’autres artistes. Aussi bien du passé comme Philip Glass et The Residents. Que plus contemporains comme The Mars Volta, Battles et Klaxons…
Comme nouvel artiste en résidence de l’AB, The Sedan Vault présentera « Vanguard » en live le 3 novembre dans l’AB Club. Le single « Unidentified flying subjects » est à l’écoute sur leur MySpace et sera en vente à partir du 20 octobre exclusivement sur leur download shop.
(d’après communiqué de presse)
Pour plus d’infos : http://www.thesedanvault.com et http://www.myspace.com/thesedanvault
Le troisième opus de Franz Ferdinand paraîtra ce lundi 26 janvier 2009. Il a été coproduit par le groupe et Dan Carey.
En voici le tracklisting :
1. Ulysses
2. Turn It On
3. Kiss Me
4. Twilight Omens
5. Send Him Away
6. Live Alone
7. Bite Hard
8. What She Came For
9. Can’t Stop Feeling
10. Lucid Dreams
11. Dream Again
12. Katherine Kiss Me
Pour plus d’infos : http://www.franzferdinand.co.uk
Déjà 3 ans que les Cranes ne s’étaient plus produits en Belgique. Qu’étaient-ils devenus ? La voix d'Alison Shaw était-elle toujours aussi pré-pubère? Et surtout, les ‘grues’ étaient-elles encore susceptibles de déplacer suffisamment de fans pour remplir le VK ?
Pour celles et ceux qui ne connaissent pas The Cranes, imaginez un peu la musique de The Cure période « Pornography » voire « Disintegration », si Robert Smith avait été de sexe féminin. Enfin, pas seulement, puisqu’il y a du Tolkien dans l'ambiance. Il y a de l’éther atmosphérique aussi. Bref, un trip au sein duquel il faut oser et être capable de rentrer. La salle de Molenbeek n’était qu’aux trois-quarts remplie. Et en majorité de trentenaires. Dommage ! En fait, à l’instar des Charlatans, qui s’étaient également produits au VK en février dernier, la formation issue de Portsmouth éprouve de grosses difficultés à renouveler son contingent de fans. Evidemment, en n’accordant plus de concert chez nous depuis 2005 (un crochet par le VK et une première partie de Cure à Lokeren), difficile de se rappeler au bon souvenir de ses aficionados.
Début de set, les morceaux manquent carrément de pèche. Et le son est tout à fait catastrophique. Mécontent, un spectateur dit même tout haut ce que tout le monde pense tout bas. Et dans la langue de Molière ! Déjà pas trop à l’aise en début de parcours, la brave Alison n’y comprend rien, imaginant que cette critique lui est adressée. Curieusement, à partir de cet instant –je ne suis pas ingé du son, mais bon je n’ai pas les oreilles bouchées– la qualité sonore est devenue, au fil du temps, de plus en plus nette. Bizarre... Enfin, passons… Bref, à cet instant, la prestation est encore trop inégale pour convaincre. Alison cherche ses marques ; et surtout à poser sa voix. A leur décharge on notera que cette date bruxelloise n'était que la seconde de leur périple (NDR : le combo avait joué à la Maroquinerie de Paris, la veille). Et leur dernière tournée date déjà de trois longues années.
Mais le show s’est bonifié en deuxième partie. Là, la magie a vraiment (et enfin) commencé à opérer. Carton plein pour "Far away", "Adrift", "Everywhere" et "Paris and Rome", avant une série copieuse de rappels. Soit plus de deux heures de concert. Générosité, tendresse, émotion... ce band est définitivement le genre musique à écouter en boucle pendant un gros câlin. Pas besoin d'un pétard. Leurs mélodies ont toujours eu la formule pour générer des hormones zen, destinées à atteindre directement le cortex reptilien (le plus primaire). Alors, oui, certaines tonalités sont un peu surannées, comme nous le reprochait l’un ou l’autre spectateur lambda. Mais ce côté vintage donne in fine tout son charme à la formation insulaire. Et puis, il y a Alison. Toujours d'une gentillesse, d'une attention rare vis-à-vis de son public. Nous sommes ses invités. Elle ne veut pas nous décevoir… Laissons les enchaîner les dates et rôder encore leur set (leur nouvel album sort cette semaine). Et si pour l’été prochain, des organisateurs de festivals ont suffisamment de flair pour les inviter, ils devraient (comme naguère) casser la baraque.
Setlist :
1 Clear
2 Jewel
3 Vanishing point
4 Future song
5 Worlds
6 Wires
7 Panorama
8 Feathers
9 Sunrise
10 Far away
11 Adrift
12 Here comes the snow
13 Flute song
14 Everywhere
15 Paris & Rome
NB : dans leur élan de générosité, les Cranes ont encore interprété trois titres qui ne figurent pas sur la setlist officielle.
Sous-titré "The songs of Robert Johnson", cet opus rend un nouvel hommage à l'œuvre du mythique guitariste. Et pour cause, les quinze plages sont issues de sa plume. Le line up de Possession implique six musiciens : Tucker Smallwood au chant, Arlen Roth aux guitares, Pat Conte à la guitare acoustique, T.C James aux claviers, Jerry Jemmott à la basse et Herb Lovelle à la batterie. L'enregistrement date de 1995. Il s’est déroulé à New York City. Il vient d'être remixé en 2008. Et c’est Fred James, un musicien notoire issu de Nashville qui s'est chargé de la production de ces bandes.
Smallwood s’est surtout illustré comme auteur et acteur. Notamment pour la télévision. Il est aussi musicien et chanteur intéressant à ses heures. Arlen Roth est un guitariste renommé. Respecté par ses pairs, il compte déjà une carrière de 35 années à son actif. Et huit albums. Dont le dernier, "Toolin' around Woodstock", a bénéficié de la participation d’invités tels que Levon Helm, Sonny Landreth et Bill Kirchen. Il vient d’ailleurs de sortir.
Possession débute par le populaire "Walking blues". La version est assez amplifiée. La voix passe bien la rampe, la guitare et la basse sont bien mises en évidence, mais le son synthétique du clavier gâche toutes les bonnes dispositions en présence. Je préfère nettement le traitement plus acoustique de "Stones in my passway" ; un traitement opéré par Roth au dobro dont la sonorité est très métallique. Cette ambiance traditionnelle est reproduite sur "If I had possession over judgement day" et "Crossroads blues". A l’instar de la plage qui ouvre l’elpee, la version plus électrique de "Terraplane blues" est loin d’être irrésistible. Seule la slide lumineuse de Roth sauve les meubles. Le timbre de Smallwood est assez puissant. Il me fait souvent penser à celui de Jack Bruce. Cette voix guide "Travelling riverside blues" avant de céder le relais aux cordes créatives d'Arlen. Il faut quand même reconnaître que le style de Possession est très personnel, et évolue manifestement à des années-lumière des Anglais Eric Clapton et Peter Green. Même à travers les hommages rendus au maître Johnson. On est ainsi souvent déconcertés, mais aussi déçus. Tout dépend de sa propre sensibilité. Et la manière d'aborder "Sweet home Chicago", quoique très originale, en est une nouvelle illustration. Personnellement, ce sont les adaptations les plus classiques qui me bottent le mieux. A l’instar des blues lents "Mean black spider" ou "When you got a good friend". Le traitement appliqué à "32-20" est plus jazz, quasi manouche ; alors que dynamisé par le piano honky tonk de T C James (autrefois leader du Fist-O-Funk Orchestra), "Phonograph blues" baigne au sein d’un jazz traditionnel. L’adaptation très dépouillée de "Me and the devil blues" nous plonge dans l'atmosphère très cool des cabarets de nuit. Au détour du chemin, une chanson de Robert Johnson est susceptible de se transformer en ballade à la mélodie accrocheuse. Et je pense tout particulièrement à "From fur until late" et "Love in vain", proches de l'ambiance New Orleans de Little Feat.
Le label Ruff a monté, voici quelques années, un projet fort intéressant : le Blues Caravan. Une initiative qui permet aux artistes de cette écurie d’opérer une tournée à travers le monde. En 2005 Ana Popovic, Candye Kane et Sue Foley y avaient participé. En 2006, Aynsley Lister, Ian Parker et Erja Lyytinen. Lors de l’édition 2007, la part belle a de nouveau été accordée aux ladies ; et en particulier à Sue Foley, Deborah Coleman et Roxanne Potvin. Enfin, en 2008, ce sont toujours les filles qui se sont taillé la part du lion. Pour la circonstance, on remarque le retour de Candye Kane et de Deborah Coleman ; mais également on assiste à la participation d’une nouvelle figure, Dani Wilde. La ronde californienne Candye Kane est la plus connue. Elle s’est souvent produite chez nous. Une véritable bête de scène à voir et à revoir en ‘live’. Miss Coleman ne jouit pas de la même notoriété. Mais elle n'en est pas moins talentueuse. Originaire de Virginie, c’est une guitariste féline. La surprise ou si vous préférez la découverte nous vient de la très jeune chanteuse/guitariste anglaise, Dani Wilde. Elle a chopé le virus du blues à l’écoute de ses consœurs féminines, Shemekia Copeland, Sue Foley et Susan Tedeschi. La Blues Caravan 2008 est un long périple qui s’étale de janvier à novembre…
Nous sommes à l'Harmonie de Bonn, en Allemagne. Le 27 janvier dernier. Le trio féminin est soutenu par un backing band dirigé par la solide gratteuse américaine, Lara Chavez ; c’est-à-dire la guitariste du Lara Price Band. En ouverture, nos gazelles sont à l’avant-plan pour attaquer une version funky du "Won't leeave" de Ray Charles. La gamine Dani Wilde prend le relais en solo pour interpréter quatre de ses compositions, issues de son elpee "Heal my blues". Sauvage et très offensive, Dani est manifestement très à l’aise sur les planches ; et en particulier lorsque le tempo est enlevé. Son chant est vigoureux, mais elle ne possède pas le potentiel de Miss Kane. Elle donne même l’impression de forcer ses cordes vocales en permanence. Elle est donc certainement perfectible à cet égard. Miss Wilde libère une intensité à peine contenue, permanente. C’est un autre jeune (26 ans), mais un Néerlandais qui se charge des parties d’orgue : Govert Van der Kolm. Dani arrache ses cordes un peu comme elle chante : à l’énergie. Une chose est sûre, cette très jeune britannique est à suivre! L’imposante et toujours souriante Candye Kane a du métier à revendre. Mais la pulpeuse californienne a aussi beaucoup de talent. Elle aligne cinq titres sur ce recueil. Rien que du bonheur ! Dès l’attaque de "You need a great big woman", le son irrésistible du jump blues de la West Coast transpire. Rapidement, une sonorité de guitare insolite s’élève. Légère comme l’air elle émane du doigté de Laura Chavez. Une diablesse, mais probablement la star de l’équipe. Dommage que la section rythmique, pourtant constituée de redoutables musiciens, ne soit pas taillée pour ce swing californien. Et pour cause, Michael Griot se réserve habituellement la basse dans le Blues Mob du New-yorkais Michael Hill tandis que Denis Palatin est un solide batteur lorrain qui bossé aussi pour Ana Popovic et Anthony Gomez. Saluons une nouvelle fois la sortie fulgurante opérée par Miss Chavez sur "I'm lucky". Deborah Coleman est la dernière à monter sur les planches. Elle concède un excellent "Bad boy", un blues très personnel, aux accents R&B. Sa voix profonde est très différente de celle de ses deux complices. Par contre, sa relecture du "I got to know" de Jimmy Morello me botte moins. A contrario de son adaptation du "Fight" de Luther Allison. Sa voix est majestueuse et prend ici toute sa dimension. En finale, toutes les filles reviennent en bloc pour libérer de la bonne énergie. En l’occurrence pour le très gospel "Somethings got a hold on me", "Whole lotta love" et en toute fin de parcours "Rocking on the Blues Caravan". Quelle ambiance!
La découverte de Fonda 500 s’est produite, un peu par hasard, en 2005, au cours du festival ‘D’Hiver rock’, à Tournai. Un set agréable, joyeux, parfois susceptible de glisser dans le délire. Et autant l’avouer de suite, ce nouvel opus réveille en mon fors intérieur, cette sensation.
Cette formation est donc britannique. Issue de Hull, très exactement. Et sa musique évolue quelque part entre Weezer et Belle & Sebastian. Une solution sonore surprenante, amusante même, atmosphérique, caractérisée par des accès d’électro vintage qui semblent sortir de nulle part. L’image qui illustre la pochette de l’album en est d’ailleurs le meilleur témoignage. Un vieux lecteur de cassette récupéré dont ne sait sur quelle brocante. C’est à la fois kitsch et vintage, tout comme le patchwork de photos du booklet.
Un conseil : lorsque vous introduisez le CD dans votre lecteur, zappez rapidement la première plage (« Music should always be played by the hands of the animals »). Son titre est interminable et son écoute plus que dispensable. Vous embraierez ainsi sur l’excellent « Je m’appelle Stéréo ». Un single potentiel ! Enfin presque, puisque Fonda 500 s’est également diverti à brouiller les pistes, en rallongeant le morceau, pour le porter à 6 minutes. Ce titre-phare s’élève en crescendo. Telle une cocotte-minute, elle se met à siffler, puis à imploser (NDR : la boîte à rythmes !), avant d’atterrir en douceur. Et j’épinglerai encore « Electronique Bee 101 », une autre plage qui cogne très sec ainsi que « Meet the bear », une invitation à rencontrer ce plantigrade. Un des membres du groupe prend ainsi un malin plaisir à se déguiser régulièrement en ours, sur scène… Un chouette album que je vous invite à découvrir également.
En consultant le booklet du septième album d’Oasis on ne peut que penser au célèbre « Sergent Pepper’s » des Fab Four. A cause du recours à ce pop art bien spécifique ; même si les moyens technologiques sont aujourd’hui bien plus conséquents. Et bien sûr, des références aux Beatles jalonnent tout l’album ; mais pas seulement. D’abord, il faut reconnaître que la bande aux frères Gallagher s’est rendu compte qu’en continuant dans la lignée de « Don’t believe the truth », elle allait droit dans le mur. On ressent donc, tout au long de cet opus, une véritable volonté de changement, même si c’est toujours Dave Sardy (Dandy Warhols, Marilyn Mansun, Slayer, Cold War Kids) qui se charge de la production. Et il faut reconnaître que le résultat est plutôt convainquant. Un disque qui a été enregistré aux mythiques studios Abbey Road (NDR : ben tiens !) et mixé au Village Recorder de Los Angeles.
Hormis la ballade à l’eau de rose « I’m outta time » et le trop moyen « Ain’t go nothin’ », le reste passe plutôt bien la rampe. Et baigne très souvent dans une électricité vivifiante. A l’instar de « Bag it up », morceau qui ouvre l’elpee et adresse déjà un premier clin d’œil au psychédélisme des Beatles. Ou encore « The turning », dont le groove insidieux, puissant et hypnotique n’empêche pas la mélodie d’être contagieuse. Et soudain, c’est le spectre du Plastic Ono Band qui se met à planer. Tout d’abord sur le swamp rock démoniaque « Waiting for the rapture ». A cause d’une des deux lignes de guitare, aussi cinglante que celle qui survoltait « Cold turkey », même si l’intro semble avoir été pompée au « Five to one » des Doors. Et puis tout au long de « (Get off your) high horse lady ». Un country blues réminiscent du « Double blanc », mais dont le tempo binaire est calqué sur celui du « Give peace a chance » du P.O.B. Quant à savoir si ce sont des portes de garde-robes qui ont été utilisées, c’est une autre histoire. Autre compo très électrique, le single offensif « The shock of the lightning » tisse une bien jolie mélodie, alors que les vocaux épousent des inflexions sinusoïdales. C’est une des rares fois où Liam hulule. Signé Andy Bell, « The nature of reality » campe un boogie ‘hénaurme’ sous tension constante. C’est encore Bell qui balise le groove presque house du raga « To be where there’s life », une plage issue de la plume de Gem Archer, cependant. Mais les deux titres les plus intéressants sont, à mon humble avis, « Falling down ». Une sorte de cocktail entre psychédélisme et new wave, élaboré en crescendo dans l’esprit de Talk Talk. Une sensation accentuée par ce mince filet de clavier vintage. Et puis tout au long du lancinant et tourmenté « Soldier on ». Un titre à l’atmosphère étrange, troublante, traversée par des oscillations de claviers presque floydiens. Et pour en revenir aux Beatles, sachez que c’est toujours Zak Starkey, le fils de Ringo Starr, qui siège derrière les fûts.
L’édition limitée de l’opus propose un bonus Dvd consacré au ‘making of’ de l’enregistrement du disque et à deux clips vidéo. Une excellente surprise !
La cinquième édition du Riffs n Bips a donc vécu un gros succès populaire. Plus de 6 000 personnes s’y étaient donné rendez-vous ! Pour parvenir jusqu’au site, pas de problème. Mais pour trouver l’entrée réservée à la presse, fallait une bonne boussole. Et à l’intérieur, on a l’impression de participer à un jeu du labyrinthe. Heureusement, les bénévoles sont extrêmement sympathiques et nous aident à retrouver notre chemin. Finalement, après avoir effectué le même parcours plusieurs fois, on a compris ; et on ne se retrouve plus par hasard derrière le podium.
Entrée en matière réussie pour The Von Durden Party Project, une formation dont les membres sont issus des quatre coins de la Wallonie. Un set musclé, pétillant, énergique au sein duquel les musiciens recrachent élégamment toutes leurs influences qui oscillent de The Subways aux Queens of the Stone Age, en passant par les Infadels, les Kinks et Blur. J’ai même envie d’y ajouter Franz Ferdinand pour le sens mélodique et les Arctic Monkeys pour l’attitude. En gros le combo joue une sorte de stoner/punk/garage balayé par un zeste d’électro, pour faire dansant. C’est bien dans l’air du temps, c’est sympa, mais ce n’est pas nouveau. Responsable d’un album à ce jour « Death Discothèque », la formation doit encore digérer ses influences pour se créer sa propre voie. Et ma foi, elle en a le potentiel.
Starving est un peu la formation locale, puisqu’elle est issue de Dour. Le line up implique un nouveau batteur et une nouvelle claviériste. Par contre, c’est toujours Claudia qui est sous les feux des projecteurs. Son timbre vocal limpide mais argentin continue d’apporter un vent de fraîcheur à une musique plutôt eighties. Faut dire que les synthés vintage n’y sont pas pour rien. Pourtant le groove proposé par le line up est solide. Mais on ne peut se détacher de l’attitude sexy de la vocaliste. D’autant plus qu’elle a opté pour une coiffure plus sobre. Moins chauve-souris. Les textes sont pour la plupart interprétés dans la langue de Molière. Finalement assez sombres. Et je ne sais pas pourquoi, mais j’ai l’impression que Claudia est occupée de marcher sur les traces de Jo Lemaire. Carrière en solo en vue ? Seul l’avenir nous l’apprendra.
Dès que White Rose Movement monte sur les planches, mes yeux se focalisent sur le leader/vocaliste, Finn Vine. Non seulement, il porte des lunettes, mais il ressemble à Jarvis Cocker, l’ex-leader de Pulp. Aussi, on imagine forcément se taper une musique très eighties. Pan dans le mille ! Issus de l’Est de Londres, ces jeunes dandys semblent avoir été nourris à la new et à la cold wave. Celle de New Order, tout particulièrement. Mais aussi de Simple Minds circa « Sons and fascination » et Depeche Mode. Synthé glauque. Batterie robotique. Univers plutôt sombre. C’est à la mode, mais quand on a vécu l’époque en direct, on reste perplexe…
Nada Surf est un combo que j’ai toujours beaucoup apprécié. Et il faut reconnaître que sur les planches, ils ne déçoivent jamais. Mais depuis février dernier, époque à laquelle ils s’étaient produits à l’Orangerie du Botanique, leur set n’a pas beaucoup changé. Seul détail, Daniel Lorca, le bassiste, joue assis. D’après les dernières infos, il se serait pété le genou. Ce qui rend leur prestation moins percutante. On aura quand même droit à quelques superbes titres, dont certains repris en chœur par le public, comme les inévitables « Popular », « Inside of love », « Weightless », « Hi-speed soul », « Always love » et « Fuck it », véritable moment de défoulement pour la foule. Et reconnaissons-le, Matthew Caws est toujours aussi sympa !
Formation gantoise, Arid jouit d’une grosse popularité. Aussi bien dans le Nord que dans le sud du pays. Premier atout, les musiciens sont loin d’être des manchots. D’ailleurs, personnellement, j’estime que c’est le groupe qui s’est fendu du meilleur set ce soir. Pas pour rien qu’un rappel lui a été réclamé. Mais instrumentalement parlant. Et pas seulement pour le succès récolté par ses tubes. Ou parce qu’ému par le romantisme ambiant, quelques vieux couples ont entamé un slow. Que ne chante pourtant pas Klaus Meine des Scorpions, même si à cet instant, la voix de Jasper Steverlinck m’y fait beaucoup penser. Pour certains, il possède un très beau timbre. Mais ses inflexions constamment dispensées dans le même registre finissent par agacer. Et la force du groupe devient alors une faiblesse. J’ignore si on lui a un jour reproché. Ou alors, s’il a écouté ces griefs. Car Jasper a suffisamment de talent pour marcher sur les traces d’un certain Jeff Buckley... Pas qu’on lui demande de se jeter dans l’Escaut, mais tout simplement qu’il module son organe vocal. Et Arid pourrait alors passer en division supérieure.
Cali est un extraordinaire showman. Et il l’a une nouvelle fois prouvé ce soir. Il monte sur les planches, coiffé d’une casquette (qu’il jettera dès le second morceau) et enflamme instantanément le public. Il arpente le podium de long en large et entame son premier morceau en criant dans un porte-voix. Ils sont sept sur scène dont deux cuivres : un tromboniste et un trompettiste. Il se prend tout à coup pour un Mc’s, mais surtout enchaîne les tubes et au beau milieu de son concert, nous balance un réquisitoire musclé pour nous rappeler la situation des sans-papiers. Il se souvient de sa famille persécutée par le régime franquiste (NDR : sa famille est d’origine catalane) et ose la comparaison. Moment très émouvant. Le show défile à du 200 à l’heure. Il invite régulièrement le public à participer à la fête. Et avant de reprendre le « Without you » de U2, rythme personnellement une compo sur une caisse claire, qu’on est venu lui apporter. Rappel inévitable. Cali descend dans le public. « C’est quand le bonheur ? ». Il fonce au bout de la salle. Monte sur une table et se laisse porter par la foule jusqu’à la scène. Cali a beaucoup transpiré. Les spectateurs aussi. Un spectacle ‘live’ d’exception. Accordé parfois au détriment de l’aspect musical… Mais c’est sans doute une question de goût…
La tête d'affiche de ce 5ème festival Riffs' n' Bips était bien le collectif bruxellois Front 242. Fondé en 81, ce groupe est une des sources de l'Electro Body Music ; et on pouvait donc rêver d’un show de rêve pour l'organisation. En outre, la formation peut toujours compter sur un contingent de fans fidèles. Tout comme lors du festival FeestInHetPark à Audenarde, leur set s’est révélé très dynamique. Le public a bien réagi à des titres comme "Take-one", "Welcome to Paradise" ou encore le morceau ‘trance’ "Moldavia". Enfin, des compos comme "Religion" et "Headhunter" ont permis de vivre un final étincelant. Côté regrets, on notera la brièveté de la prestation (une heure à peine) ainsi que l’absence de grands classiques. (J.M.)
Et pour clôturer le festival, Dr. Lektroluv était de la fête. Chemise blanche, masque vert, énormes lunettes, combiné téléphonique en main (en réalité un vieux cornet…) il assène ses beats techno et electro. Un pilonnage qu’il va opérer jusqu’aux petites heures pour le plus grand bonheur des nightclubbers… (J.M)
Ah oui, et je vous invite à rejoindre notre rubrique ‘Live photos’ pour y découvrir les superbes clichés réalisés par Sindy…
Tandis que nous affrontons les embouteillages coutumiers sur le ring d’Anvers, des centaines de headbangers se pressent déjà à l’entrée de la salle Hof Ter Lo pour un concert qui affiche sold out ! Une fois n’est pas coutume, c’est un double évènement qui est proposé aux fans de metal en cette soirée ensoleillée. Le club ‘Trix’, adjacent à la salle bien connue des amateurs de rock puissant, propose un mini festival de death metal. En tête d’affiche : les Hollandais de Goresfest. Maigre consolation pour les fans de Volbeat sans ticket ; mais vu le droit d’entrée à 5€, il aurait été inopportun de faire la moue…
Il est un peu plus de 19h30 lorsque les jeunots de Serum 114 investissent le podium de l’Hof Ter Lo, déjà envahi par les backdrops de Volbeat. Tatoué, chapeau visé sur le crâne, le chanteur blondinet campe un hybride entre Kid Rock et le leader de Green Day. C’est d’ailleurs dans le registre de ces derniers, et plus particulièrement celui de Sum 41 que milite la formation allemande. Anissa me fera d’ailleurs très judicieusement remarquer que si l’on rabote deux lettres au mot Serum, et qu’on bascule le 4 de 114, on obtient Sum 411 ! Il est vrai que le combo n’a rien inventé et qu’il devient vite très ennuyeux.
Même si le chanteur du groupe fusion hardcore Stuck Mojo est soutenu par d’excellents musiciens, nous préférons prendre un rafraîchissement et fouiner dans les bacs à CD’s de l’échoppe de Metalzone. Le chant ‘rapé’ n’est décidément pas notre tasse de thé.
En insufflant un brin de country façon Johnny Cash et quelques touches de rockabilly à son metal lourd, Volbeat est devenu le phénomène à la page ! Comment résister et rester de marbre face à ce cocktail détonnant. On parle même d’‘Elvis metal’ tant l’organe de Michael Poulsen évoque celui du ‘king’, dont il reprend les intonations pour exécuter un metal à la limite du thrash, particulièrement teinté de Misfits et de Metallica.
Dans la salle, l’ambiance est survoltée et ne faiblira pas jusqu’au monumental « Still Counting ». Si la recette était rôdée dès le premier album de ces Danois atypiques, elle est ici encore améliorée ; et le public s’enflamme dès les premiers accords de « Guitars, Gangsters and Cadillac Blood ». Belle entrée en matière ! Le son est monumental. Les lights sobres ; et il est incontestable que l’atout principal du band demeure le timbre vocal de Poulsen. Tandis que « My Believe » s’enchaîne à « Sad Man’s Tongue », le service de sécurité n’en finit pas de réceptionner les nombreux ‘stagedivers’ qui participent joyeusement à cette soirée endiablée aux allures de grande fête du rock’n’roll !
Volbeat s’avère être un excellent remède contre la morosité. Il suffisait d’observer les mines réjouies des spectateurs qui ne sont pas près d’oublier cette prestation incandescente d’un groupe avec lequel il faudra désormais compter.
Geike Arnaert a décidé de quitter Hooverphonic d’ici la fin de l’année. La chanteuse assurera encore les concerts planifiés avec Alex Callier et Raymond Geerts. Ceci n’est pas la fin du groupe. Alex et Raymond ayant décidé de continuer l’aventure Hooverphonic.
(suivant communiqué de presse)
Le 1er juillet 1998, Ry Cooder permettait au monde entier de redécouvrir les joyaux de la musique cubaine et de son Buena Vista Social Club. Ce concert s’était déroulé au Carnegie Hall de New York. Ce 13 octobre paraîtra un double cd immortalisant cet événement exceptionnel. Un nouvel hommage, après le film réalisé par Wim Wenders, aux Compay Segundo (18 novembre 1907 - 14 juillet 2003), Ruben Gonzales (26 mai 1919 - 8 décembre 2003), Ibrahim Ferrer (20 février 1927 - 6 août 2005), Omara Portuondo et consorts
Tracklisting :
Disc: 1
1. Chan Chan
2. De Camino A La Vereda
3. El Cuarto De Tula
4. La Enganadora
5. Buena Vista Social Club
6. Dos Gardenias
7. Quizas, Quizas
8. Veinte Años
Disc: 2
1. Orgullecida
2. Y Tu Que Has Hecho?
3. Siboney
4. Mandinga
5. Almendra
6. El Carretero
7. Candela
8. Silencio
Pour plus d’infos : http://www.worldcircuit.co.uk et http://www.myspace.com/worldcircuit
Philip Fankhauser est suisse. Un chanteur/compositeur/guitariste responsable de onze elpees à ce jour. Son précédent, "Watching for the safe side", remonte à 2006.
Le titre maître ouvre l’opus. Cette plage somptueuse dévoile tout le talent de ce musicien. Compositeur original et créatif, il a un souci constant du sens mélodique. Sa voix est empreinte d’émotion. Ses orchestrations impeccables. Il est vrai que la présence de Dennis Walker, le producteur, y est aussi pour quelque chose. Dennis est également un compositeur prolifique. Mais aussi un solide bassiste. Il a mis en forme de nombreux elpees de Robert Cray, mais aussi le célèbre "Blues summit" de BB King. Et la liste est loin d’être exhaustive. Signée Walker, "I'm finished here" est une ballade soul blues contagieuse. Soutenue par des cuivres et des chœurs, la voix de Philipp est mise bien à l'avant. Les interventions de Michael Vannnice au sax ténor sont lumineuses. "I got a love" est une superbe ballade issue de la plume du regretté Johnny Copeland. Un personnage qui était très lié à Fankhauser. La profondeur et l'expression du chant sont mises en exergue. Son ami et compatriote Stéphane Eicher se charge de la guitare acoustique. "I didn't see" est une autre jolie ballade écrite par Fankhauser. "Lonely in this town" nous entraîne au sein d’un univers sonore coloré et percussif, enfiévré par l’orgue Hammond de Jimmy Pugh. On même parfois l’impression qu’il est hanté par un certain Carlos Santana. Une chose est sûre, il est particulièrement prisé par Philipp. "You caught me off guard" prend une dimension ‘big band’. Le son est très proche du Memphis blues de BB King. Les cuivres sont orchestrés par Tom Peterson. Le front de cuivres refait surface sur le rythmé "Are you outta your head?". "Rio de Janeiro blue" baigne au sein d’un climat cool jazz. Cette samba très cabaret est entretenue par le piano acoustique de Hendrix Ackles, les percussions de l'ami Luis Conte et le saxophone feutré de Vannice. Blues lent aux accents dramatiques, "One of them" est issu de la plume de Walker. Philipp y injecte une sensibilité extrême. Son chant transpire le vécu. Il est proche de la rupture. Le climat est dépouillé au maximum. On y perçoit ainsi davantage les gémissements qui s’échappent des cordes de la guitare d'Alan Mirikitani. Superbe ! R&B lent, "Easy for you to stay" s’appuie sur une mélodie imparable, très Stax de Memphis, proche du célèbre "I'd rather go blind", popularisé autrefois par Etta James et Chicken Shack. Jim Pugh double au piano et à l'orgue. Encore un coup de maître ! De très bonne facture, cet opus s’achève par un autre blues lent dépouillé à l'extrême : "The sundown". Le timbre vocal de Philipp est grave, brûlant, intimiste. Richard et Yosho allient simplicité et efficacité dans leurs interventions. L'orgue Hammond d'Ackles lie la sauce. Un album à découvrir absolument !
C’est déjà le troisième album de Tilly and The Wall, en seulement quatre ans d’activité. Sur « O », la formation d’Omaha s’éloigne quelque peu de la pop décalée qui était sa marque de fabrique. Il faut dire que les deux premiers disques de Tilly and The Wall ont emmené la troupe dans de longues tournées en Europe, au Japon et en Australie. Ces périples ont incité les membres à changer un peu leur style. Comment ? En cherchant à y insuffler un son beaucoup plus rock et agressif. Le percussionniste/danseur de claquettes est toujours présent, mais la rythmique a été solidifiée par des batteries très rock et quelques touches d’électro. « O » recèle son lot de réussites. Et en particulier « Cacophony », « I Found You », « Alligator Skin », « Chandelier Lake », « Dust Me Off » qui évoluent au cœur de la belle pop rêveuse et psychédélique explorée sur leurs deux opus précédents. On est moins convaincu par les tranches de rock à la Joan Jett (« Pot Kettle Back », « Too Excited ») ou la tentative ‘new wave’ de « Falling Without Knowing ». A oublier très vite, par ailleurs. On sent chez Tilly And The Wall une véritable envie de toucher un public plus large ; ce qui est compréhensible. Dommage cependant que cette volonté se fasse au détriment de la cohérence artistique de « O ». Et si le charme opère encore sur une bonne moitié du disque, on sent bien que le groupe s’oriente vers le ‘mainstream’. Bonne route à eux…
Vétéran de la musique populaire brésilienne, Marcos Valle est moins notoire que Jorge Ben ou Gilberto Gil ; mais pourtant, il a manifesté une grande créativité dans les années 60 et 70. Au cours des 90’s, il s’associe au label anglais Far Out pour réenregistrer quelques uns de ses classiques. Et concrétise cette collaboration par la confection de trois albums, enrichis par les sonorités électroniques des producteurs Roc Hunter et Joe Davis.
« Carioca Soul » résume ces quatorze années de coopération. Treize titres (dont quelques prises ‘live’) où l’excellent (« On Line », « Parabens », « Apaixonada Por Você », « Valeu ») côtoie le plus dispensable (« Nova Visual »), sans oublier les quelques impros bossa/funk/jazz un peu creuses. Des sons de claviers chauds, la belle voix de Marcos, des bons musiciens… Tous les ingrédients sont présents, mais il manque ce petit quelque chose qui rendrait le tout essentiel. Si vous souhaitez vous faire une meilleure idée de l’étendue du talent de Marcos Valle, on vous conseille de dénicher « The Essential Marcos Valle ». Ce recueil est un excellent condensé des premières années de carrière du bonhomme.
Randy Chorkoff a mis les petits plats dans les grands chez Delta Groove! Au même moment où des moyens conséquents ont été accordés aux nouvelles productions de BB King et de Buddy Guy, il s’est demandé pourquoi ne pas faire profiter ce bon vieil Elvin Bishop. Bientôt âgé de 66 ans, l'homme est une fameuse pointure et possède un solide pédigrée. Faut dire qu’il militait déjà au sein du Paul Butterfield Blues Band, auprès d’un autre gratteur de génie, Michael Bloomfield, au beau milieu des sixties. Bishop possède une discographie impressionnante. Ses débuts comme soliste, il les a accomplis en 1969. Il concocte alors "The Elvin Bishop Group". Puis "Feel it", l'année suivante. Né en Californie, Elvin a ensuite vécu dans l'Oklahoma avant de s’installer à Chicago. Entre 88 et 98, il signe quatre albums pour Alligator. Ses deux derniers opus sont parus chez Blind Pig : "Getting' my groove back" en 2005 et le live "Booty bumpin'", l'année dernière.
L’elpee démarre en force par la plage éponyme, une composition qui adresse un clin d'œil aux maîtres qui ont popularisé la musique qu'il aime. Il est soutenu par Kim Wilson à l’harmonica et Warren Haynes, un des gratteurs attitrés de l’Allman Brothers Band. Issu de la plume de Ray Charles, "Night time is the right time" est un classique du blues. Elvin nous en propose une excellente version. Faut dire que la voix de John Nemeth est prodigieuse. Sans oublier le concours particulièrement judicieux de la féline Angela Strehli. Elvin en profite pour démontrer tout son savoir-faire sur les cordes. "Yonder's wall" a été immortalisé live lors de la dernière ‘Legendary blues Cruise’, accomplie en octobre 2007. Ronnie Baker Brooks, le gratteur d'Eddie Clearwater, chante remarquablement. Bishop, Brooks et Tommy Castro en profitent pour participer à un véritable festival de guitares. De nouvelles sonorités illuminent le chant d'Elvin tout au long de son "Struttin' my stuff", le titre maître d’un elpee paru en 1975. Les deux guitares slide de Warren Haynes et Derek Trucks, empruntés à l’Allman Brothers Band, entretiennent un climat funky torride. Lorsque qu'une imposante silhouette noire pousse les portes du Digital Insight Studio de Las Vegas, Elvin est aux anges. L’immense BB King est venu apporter son concours à la cover du "Keep a dollar in your pocket » de Roy Milton. Un swing relaxant, caractérisé par le son BB immédiatement identifiable. John Nemeth chante encore trois plages : le "Who's the fool" de Smokey Robinson, au cours duquel on assiste à un échange royal entre les trois guitares de Bishop, Kid Andersen et du redoutable Mike Schermer (NDR : c’est également le deuxième gratteur d’Elvin en tournée). Une joute balisée par ses autres musiciens. En l’occurrence le pianiste Chris Burns, le bassiste Timm Walker et le drummer Bobby Cochran. L’adaptation du "I found out" de Junior Wells bénéficie de la présence de James Cotton et du saxophoniste Terry Hanck. La finale est paradoxalement instrumentale : "Honest I do". Un blues des swamps composé par Jimmy Reed. Nemeth est à l'harmo. Il échange ses phrases avec les riffs de Rich Kirch, un ancien gratteur de John Lee Hooker. La reprise du "Black gal" de Clifton Chenier est de toute bonne facture. Un zydeco indolent bercé par l'accordéon d'André Thierry. Bishop est seul sur scène pour interpréter "Oklahoma". Il chante en s’accompagnant à la guitare. Son pied est percussif. Le climat est agressif. Le son primaire, rugueux. Manifestement, pour cette compo, il a creusé jusqu’à ses racines : celles des fifties. La présence du très jeune combo Homemade Jamz Band est une surprise. Une formation prometteuse, responsable d’un tout bon elpee paru chez Northern Blues Music. Elle épaule Elvin sur "Come on in this house", un blues lent issu de la plume de Junior Wells. Quoique âgé de 14 ans, Ryan Perry est serein pour chanter cette compo qui nous entraîne à la croisée des chemins du Southside et du Westside de Chicago. Enfin, Elvin n'a pu résister à une solide tranche de rock'n'roll. En l’occurrence le "Send you back to Georgia" de Hound Dog Taylor. George Thorogood se réserve les vocaux. Et partage les parties de guitare avec son fidèle second couteau texan, Jim Suhler. Un tout bon opus signé Mr Bishop!
Il y a quelques mois la ‘hype’ s’est jetée sur les Cool Kids. Ils sont devenus célèbres, alors que leurs titres n’étaient disponibles que sur internet. Quid de l’album alors ? On ne va pas crier à la révolution ; mais il faut admettre qu’il tient la route. Le jeune duo de Chicago distille quelques rimes nonchalantes sur des beats électro minimalistes et efficaces. Sur « One Two », ils scandent ‘Check the Noise, It’s the black version of the Beastie Boys !’, mais on ne sent pas vraiment l’influence des blancs-becs new-yorkais sur les onze titres de ce court opus. Par contre, Chuck Inglish et Mikey Rocks (les pseudos des gaillards) rendent largement hommage aux icônes du hip hop old school : LL Cool J, Run DMC, Afrika Bambaataa. Heureusement, ils ne sombrent pas dans la nostalgie et injectent des styles contemporains dans leur hip hop : de solides doses de crunk (le style dominant dans le sud des Etats-Unis) et un minimalisme qui rappellent les meilleures productions des Neptunes. Une bonne dose d’innovations musicales qui projettent l’album dans le futur. Efficace et frais, on tient ici un disque créatif regorgeant de petits tubes pour les dancefloors (« 88 », « What It Is », « Bassment Party »), sans se prendre trop au sérieux. Pour s’en convaincre, il suffit d’écouter la frime bête et méchante qui s’échappe de leurs flows nonchalants : ‘If you’re ugly keep your hands by your side, but if you’re not, put them in the sky!’.
Issu de la Cité Ardente, Pierre Remy aka Fractional est un adepte convaincu de la musique électronique. Et plus précisément du gothic erotica. Un style qu’il pratique depuis 2004. Pour faire plus simple, disons que le trentenaire injecte d’énormes beats drum’n bass dans un univers sonore électronique plutôt cérébral, ténébreux, parfois même ambiant, surtout lorsqu’il nous inonde de ses couches à la Aphex Twin. Malheureusement, malgré les grosses claques assénées par ses beats meurtriers, un sentiment de monotonie finit par vous envahir. A cause d’une trop grande uniformité dans la construction des différentes plages. Parmi les 12 morceaux de cet opus, on retiendra surtout « Misute », « Leta » ou encore « Quigan » ; parce qu’elles provoquent de belles sensations. Mais pour le reste, tous les titres connaissent un creux. Comme s’ils étaient au bord de l’épuisement. Nous communiquant alors un sentiment de morosité. Maintenant, ce « Come Mierda » devrait plaire aux barbus-chevelus (NDLR : les babas-cool ?) ; et puis il faut reconnaître que cet artiste belge a du talent. Laissons-lui donc encore un peu de temps avant qu’il ne puisse pleinement l’exprimer. C’est tout le mal qu’on lui souhaite.
Il est désormais inutile de présenter Fela Ransome Kuti et la révolution musicale qu’il a initiée en créant l’Afrobeat en compagnie de ses compères d’Africa 70. Cette copieuse double compilation se concentre sur les jeunes années de Fela. On entend les premiers pas (dans une veine caraïbo/highlife) de la première mouture des Koola Lobitos, fondés à Londres en 1963, impliquant un Fela alors âgé de 24 ans à peine. Un quintet jazz formé au Nigeria l’année suivante trahit les passions ‘post bop’ d’un musicien n’ayant pas encore adopté le sax qui le rendra célèbre, mais maîtrisant déjà la trompette dans des digressions proches du grand Miles (« Amaechi’s Blues »). En 1965, on entre dans une veine plus soul/highlife sous la mouture nigériane des Koola Lobitos, un ensemble au sein duquel militait l’immense batteur Tony Allen, qui aidera à forger le style Afrobeat. Mais le jazz n’est jamais loin, comme en témoignent les nombreux solos qui traversent ces compos bondissantes, dotées d’une énergie viscérale.
Au fil du temps, le style de Fela s’affine. Le deuxième disque amorce une phase musicale plus menaçante, des morceaux plus longs et psychédéliques. Le tapis de percussions prend de l’ampleur. Fela adopte le sax. Sans oublier son style vocal inimitable. Six titres témoignent d’un concert enregistré à l’Afro Spot en 1966. Une prestation échevelée entre soul, jazz et highlife ; le tout joué avec une énergie rock’n’roll…
A de rares exceptions près, la plupart de ces titres sont plutôt rares en cd. Ils ont été récupérés sur des vieux vinyles ou des bandes endommagées. Ce qui explique certaines distorsions dans le son sur l’une ou l’autre plage. Mais c’est un détail, car la qualité des morceaux est sans failles et un pur plaisir d’écoute. Une compilation essentielle, idéale pour les fans transis et aussi pour ceux qui souhaitent pénétrer dans l’univers du rebelle nigérian.
Cet elpee célèbre une réunion au sommet entre trois guitaristes : le génial Duke Robillard, l'ancien leader du J. Geils Band, Jay Geils, et le moins notoire Gerry Beaudoin. Pourtant, ce dernier est un musicien réputé dans le monde du jazz. Il est originaire de New England, mais vit aujourd’hui à Boston. C’est un grand admirateur de Kenny Burrell. Il a milité au sein du Boston Jazz Ensemble. Jay Geils et Gerry se connaissent depuis 1994 et manifestent un profond respect, l’un pour l’autre
Ce concept de concerts accordés sous la forme d’un trio, dans le cadre d’un ‘New Guitar Summit’, date de 1997. Mais ce projet ne sera concrétisé qu’en 2000. Lors de la sortie de l’album "Retrospective", édité chez Francesca. En 2004, paraissent "New Guitar Summit" sur Stony Plain et un Dvd intitulé "Live from Stoneham Theatre". Enfin, il ne faut pas oublier "Jazzthing II", un elpee sorti sur Ranbach Canada, en 2007, et attribué à Randy Bachman et New Guitar Summit.
Les trois musiciens sont d’excellents instrumentistes, mais n’accordent guère de place aux vocaux. "Shivers" est donc essentiellement constitué de plages instrumentales au cours desquelles jazz et swing font bon ménage. "Little bitty pretty one" ouvre le disque. Une compo signée par le trio. Un prototype pour le combo. Les comparses se partagent les soli et il est assez difficile de mettre en exergue l’un ou l’autre personnage. Les interventions sont chirurgicales. La technique sans faille. Un backing group réservé mais efficace plante le décor. En l’occurrence les basses acoustiques de John Turner et Bob Nieske ainsi que les subtiles percussions de Les Harris Jr et Gordon Grottenhaler. De grands noms du jazz nous traversent l’esprit à l’écoute de "Flying home" et "Shivers". Et en particulier Benny Goodman et Lionel Hampton. Les parties vocales sont assurées par Randy Bachman, un chanteur canadien qui a notamment sévi au sein de Guess Who et Bachman Turner Overdrive, deux groupes fondamentalement rock. Sa voix est ici empreinte d’une grande retenue. Deux plages sont signées Mose Allison, "Your mind in vacation" et "Everybody's crying mercy". Le titre maître baigne au sein d’un climat délicieusement manouche. Il est alimenté par quatre fois six cordes, puisque Bachman est venu rejoindre le trio. Un remarquable exercice de style au sein duquel j’épinglerai le délicat "Blue Sunset" ainsi que le très beau et dépouillé "Honey suckle rose".
Sttellla a donc prévu de sortir un nouvel album en 2009. Mais en attendant, il nous propose un disque audio et un dvd consacré à la clôture de sa tournée ‘Prestidigitatour’. Un événement qui s’était déroulé les 5 et 6 décembre 2007, à l’AB de Bruxelles. Pour la circonstance, notre quinqua (NDR : il a 51 balais !) avait demandé au public de s’habiller ou de se déguiser en rose. Comme la formation, d’ailleurs. Ce qui explique le titre de son opus. Quoique ce titre adresse en même temps un clin d’œil au célèbre « Abbey road » des Fab Four. Il suffit de regarder la pochette pour s’en rendre compte. Et puis, il avait décidé de se mettre à la guitare et de s’entourer d’un véritable groupe.
Le cd est partagé en 20 plages et s’étale sur 70 minutes. Il recèle deux inédits (« Toujours partie » et « C’est comme ça »), mais surtout les classiques les plus populaires de Sttellla, dont « Parmesan autour de toi », « Aglae », « Torremolinos », « Années 80 », « Nagasaki ne profite jamais » ou encore « En week-end avec Emilie Dequenne ». Pas de version filmée de ce dernier morceau, ni des deux inédits, mais bien des autres titres sur le Dvd. Vingt-huit en tout ! Sans oublier les inévitable bonus (deux clips et une visite du Grand Saint-Nicolas). Un travail de réalisation, de montage et de post production qui a été opéré par Pascal Dauvillée. Et franchement, au vu du peu de moyens dont il a disposé (NDR : à cet égard, il remercie la télé locale tournaisienne ‘No Télé’), il a accompli un boulot de pro. Après 30 ans de carrière, Jean-Luc Fonck nous démontre ici en images, qu’outre son art à jongler avec les mots, il est un véritable showman…
Un cd et un Dvd ‘live’, consacrés à la formation mythique The Clash, sortiront ce 6 octobre. Ils s’intitulent respectivement “Live at Shea Stadium” et “The Clash Live – Revolution Rock”. Les compos de l’album ont été immortalisées au Shea Stadium de New York en 1982. Le Clash avait ouvert les concerts du Who les 12 et 13 octobre, il y a donc presque 26 ans. Enregistré par Glyn Johns, l’elpee restitue le second setr dans son intégralité.
Tracklisting cd
1. Kosmo Vinyl
2. London Calling
3. Police On My Back
4. Guns Of Brixton
5. Tommy Gun
6. Magnificent Seven
7. Armagideon Time
8. Magnificent Seven
9. Rock The Casbah
10. Train In Vain
11. Career Opportunities
12. Spanish Bombs
13. Clampdown
14. English Civil War
15. Should I Stay Or Should I Go
16. I Fought The Law
Pour plus d’infos : http://www.theclashonline.com
“All Together Now”, c’est le titre du nouveau Dvd qui sera consacré aux Beatles. Il sera disponible à partir du 20 octobre 2008.
Apple et le Cirque Du Soleil ont confirmé que le DVD documentaire “All Together Now” sera distribué, à partir du 20 octobre prochain, par EMI Music. Cette parution suit une série de projections événementielles dans des festivals de cinéma aux USA, saluée par l’ensemble des médias américains.
“All Together Now” a été programmé dans de nombreux festivals américains et canadiens en 2008, enthousiasmant le public et la presse. La première du documentaire a eu lieu au festival Silverdocs de l’American Film Institute à Washington, en juin dernier, et Rolling Stone a souligné la qualité visuelle du film et celle des interviews. Le documentaire a également été formidablement accueilli au festival Cinevegas de Las Vegas, où il a été qualifié de remarquable par le Las Vegas Magazine. Après sa projection au festival Hotdocs de Toronto, Variety a fait remarquer que “All Together Now” avait emballé le public.
Une projection du film aura lieu à Londres le 9 octobre prochain lors de la seizième édition du festival de cinéma Raindance.
Le documentaire revient en détail sur la genèse et l’histoire de la collaboration unique entre les Beatles et le Cirque Du Soleil qui a mené à “LOVE”, le spectacle vivant (toujours à l’affiche au Mirage à Las Vegas), et à l’album du même nom, une merveille atmosphérique à partir de chansons des Beatles, qui a valu deux Grammy Awards à Sir George Martin et son fils Giles. Le film est dédié à la mémoire de Neil Aspinall, PDG d’Apple Corps et producteur exécutif du DVD.
“All Together Now” raconte comment le projet “LOVE”, né de l’amitié entre George Harrison et Guy Laliberté, le fondateur du Cirque Du Soleil, est devenu réalité. George était convaincu depuis le départ que des talents conjugués des Beatles et du Cirque Du Soleil, ne pouvait naître que quelque chose de nouveau et de totalement original.
Le metteur en scène, Adrian Wills, a énormément voyagé entre Londres, Montréal et Las Vegas pour enregistrer les premières réunions d’Apple Corps Ltd et du Cirque Du Soleil, et filmé les contributions de Sir Paul McCartney, Ringo Starr, Yoko Ono et Olivia Harrison, en train de discuter de la façon dont la musique des Beatles pouvait être utilisée. Adrian Wills tient à souligner aujourd’hui le caractère humain de ces rencontres.
Ces étapes ont été filmées, tout comme les premières répétitions au Théâtre de l’hôtel Mirage à Las Vegas, qui a été complètement reconstruit avec un système de sonorisation unique créé pour le spectacle “LOVE”. Sir George Martin et son fils Giles ont joué un rôle déterminant au cours de ces étapes successives, en travaillant en étroite collaboration avec l’équipe créative du Cirque Du Soleil, les acteurs et les techniciens.
Tout s’est passé comme sur des roulettes et les problèmes concernant la manière dont certaines chansons devaient être représentées visuellement ont été abordés franchement. Ces différences créatives, logiquement inhérentes à la procédure qui a consisté à faire de “LOVE” une réalité palpable, attestent de l’amour et du respect des participants pour la musique et la vision des Beatles.
En plus de leur contribution au film principal, Sir George, Giles et l’ingénieur du son Paul Hicks interviennent dans “Changing The Music”, un mini-documentaire consacré à l’aspect purement musical de “LOVE” et aux difficultés rencontrées lors de sa confection. Ils expliquent notamment comment ils sont parvenus à extraire certains instruments et effets sonores, et insistent sur le fait qu’ils ont été encouragés à expérimenter.
(d’après communiqué de presse)
Contenu du DVD :
“All Together Now”, documentaire de 84 minutes.
Bonus :
“Changing The Music” (22 minutes) – Comment les décisions de retravailler sur les bandes et de remixer les Beatles ont été prises.
“Music In The Theatre” (9 minutes) – La conception du son du spectacle “LOVE” et ses spécificités.
“Making Love” (10 minutes) – Dans les coulisses de “LOVE” à travers l’exploration de tous les aspects techniques du spectacle (de la direction artistique à l’utilisation des voix des Beatles, en passant par les costumes, les accessoires et les projections)
Pour voir la vidéo d’« All together now »
http://www.youtube.com/watch?v=wNdkE5cnkj0
http://www.wat.tv/video/the-beatles-cirque-soleil-ywvl_iedf_.html
http://www.wideo.fr/video/iLyROoafY1S5.html
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