Bohren & Der Club Of Gore quitte délicatement l’obscurité pour se rapprocher de la clarté. La formation allemande de doom jazz nous avait habitués à une atmosphère suffocante et des mélodies à la fois puissantes et angoissantes. Le quatuor revient aujourd’hui avec « Dolores », un disque qui marque un nouveau départ. Et quel départ ! Ce sixième opus dévoile un Bohren & Der Club Of Gore comme on ne l’a encore jamais entendu. Si le côté sinistre des compositions constituait la richesse de la discographie des Teutons, il a laissé place à un positivisme salvateur qui n’est pas sans rappeler certaines des meilleures commandes Lynchiennes de Angelo Badalamenti. Affirmer que des morceaux tels que « Schwarze Biene », « Karin », « Orgelblut » ou « Welk » sont hypnotiques relève pratiquement de l’euphémisme.
Sur « Sunset Mission » (2000) Bohren & Der Club Of Gore était déjà parvenu au sommet de son art. Deux ans après, paraissait « Black Earth », une merveille surpassant son prédécesseur. Le « Geisterfaust » de 2005 n’avait pas véritablement réussi à convaincre. En cause, une suite de morceaux un peu trop nonchalants ainsi qu’une certaine stagnation dans le style. Cet épatant « Dolores » relance donc la formation dans l’arène. Par ailleurs, il se dégage de certaines compositions, comme « Still am Tresen », « Faul » ou « Karin » pour ne citer que ceux-ci, une sorte de sensualité inopinée très susceptible d’amplifier l’attrait de la plaque. Unentbehrlich !
Anne Clark est une figure majeure de la scène new wave des eighties. Très exactement depuis la sortie de son premier elpee, « The Sitting Room », en 1982. Dans le domaine de l’electronica/new wave, il faut reconnaître qu’elle est une pionnière. Elle nous revient donc après plus de dix ans d’absence. Textes poétiques empreints d’une grande sensibilité et d’amertume qu’elle récite d’une voix monocorde, ondes de piano vibrantes, cordes et beats minimalistes sont à nouveau au menu de « The Smallest Acts Of Kindness », une œuvre qui nous plonge au plus profond de la mélancolie. Enrichis de tablas, d’accords d’accordéon, de violons et de violoncelles, la solution sonore navigue entre rêves obscurs et réalisme sincère. Une solution sonore qui oscille entre folk électro acoustique et trip hop réminiscent de Massive Attack. La Londonienne est manifestement ici au sommet de sa forme et termine l’opus par un morceau remarquable : « If » ; un titre dont les beats électro m’ont littéralement laissé sur le cul. Et le mot est faible !
« The Smallest Acts Of Kindness » est un disque étonnant ; mais surtout renvoie à leurs études tous ces hypes péninsulaires qui risquent de disparaître aussi rapidement qu’ils ne sont apparus…
“4:13 dream” constitue le 13ème album studio de la formation insulaire en 30 années d’existence. En fait, si le groupe existait déjà sous les patronymes The Obelisk et Easy Cure, il n’a opté définitivement pour The Cure, qu’en 1978. Première info, la saga des allées et venues au sein du line up continue. C’est Porl Thompson, le guitariste, qui est revenu au bercail, après une absence de 14 longues années. Oui, mais l’elpee, alors ? Ben, c’est du Cure ! Qui n’a pas reçu de très bons échos, outre-Manche. En fait, le disque est partagé entre deux types de compos. Tout d’abord, il y a les pop songs. Dont la plus réussie est manifestement la très contagieuse « The reasons why ». Dans ce style, les autres chansons reposent très souvent sur un refrain mélodique, mais le couplet ne parvient jamais à accrocher. Par contre les morceaux les plus expérimentaux tiennent beaucoup mieux la route. Depuis le très noisy presque post rock « Underneath the stars » (Mogwai ?), s’il n’y avait les vocaux démoniaques de Smith au tourmenté « It’s over », une finale dont le psychédélisme aventureux, groovy, imprimé sur un tempo soutenu, est tramé sur un crescendo implacable, en passant par le très sombre mais complexe (Peter Hammill ?) « The real snow white », le ténébreux, très cold wave, caractérisé par ses riffs en boucle, « The Scream », au cours duquel Smith finit, comme le titre l’indique, par hurler sa douleur et enfin le bref mais intense et convulsif « Freakswhow », qui renoue manifestement avec le post punk.
Sans quoi, vu le retour de Porl, les guitares (surtout électriques, parfois acoustiques) sont donc beaucoup plus présentes. Et l’électronique ainsi que le piano plus discrets. « 4:13 dream » n’est manifestement pas un elpee incontournable de Cure. Mais il a le mérite d’essayer d’ouvrir de nouveaux horizons sonores. En souhaitant qu’il ne s’agisse que d’une œuvre de transition. Et surtout que la bande à Robert Smith ne soit pas au bout du rouleau…
Né en Caroline du Nord, Ben Folds est le leader du trio excentrique Ben Folds Five (NDR : on s’en serait douté !) Parallèlement au groupe, il multiplie les projets en solo. Et « Way to normal » constitue déjà sa sixième œuvre en solitaire. Ben est pianiste. Un virtuose ! Mais il possède également un don inné de mélodiste. Il ne faut d’ailleurs pas plus de trois écoutes de cet opus, avant de commencer à reprendre ses refrains en chœur, tant ils sont contagieux. En écoutant ses chansons, on ne peut que choper la bonne humeur. Si on ne comprend pas trop les lyrics. Car leur contenu sarcastique est susceptible de vous mettre mail à l’aise. Un humour noir, drôle et acerbe qu’il mêle à une forme de romantisme assez proche d’un Elton John. C’est-à-dire un romantisme déchiré entre tristesse et enjouement. Alors, sommes-nous en présence d’un caricaturiste pour nerd ? Ben Fold serait-il devenu un nouveau Randy Newman ? A vous de juger ! Ainsi, sur « Bitch went nuts » (NDR : il vient d’ailleurs de se marier pour la quatrième fois) il règle ses comptes avec ses ex-partenaires. « Effington » pose un regard critique sur les banlieues américaines, alors que « Free coffee » tourne en dérision son statut de nouveau riche. En fait, ce clown-pianiste est en colère contre la terre entière. Même si parfois, on se demande si ce qu’il raconte est vraiment bien sérieux. Et l’illustration de sa pochette en est la plus belle démonstration. En fait, le personnage est atteint d’une forme de folie douce qui alimente une imagination débridée. Parfois tellement débridée qu’elle dessert ses nombreuses bonnes idées.
« Way to Normal » récolte déjà un énorme succès populaire. Comparable à « Whatever and Ever Amen », paru en 1994, au sein de Ben Folds Five. Un disque fort agréable à écouter, même si certains titres donnent l’impression de ‘déjà entendu’. J’épinglerai quand même le single très ‘catchy’ « You don’t know me », une compo qu’il partage en compagnie de Regina Spektor.
Dave est un tout jeune musicien. Il vient de fêter ses 24 ans. Et pourtant, il suscite déjà le respect. Il en impose, si vous préférez. Il est parvenu à faire la fusion entre toute une pléiade d’influences, dont le blues, le jazz, le swing et le rock, pour se forger un style qui tient bien a route. "You don't love me", son premier opus, est paru en 2004. Il était déjà chargé de promesses. Deux années plus tard, "Take the gamble" montre de nets progrès. Pour son troisième essai, les médias l’attendaient au tournant. Et avouons-le le gamin n’a pas déçu. Sans pour autant renier la tradition musicale, sa maturité est étonnante. Et sa maîtrise instrumentale impressionne. Au fil du temps, les cordes vocales de Dave prennent de la bouteille. Et transpirent de plus en plus le vécu….
Une impression confirmée dès le premier fragment. Une ouverture royale ! La cover du "It's my life, baby" de Don Robey est enrichie par une section de cuivres imposante. Dave laisse libre cours à son inspiration sur les cordes ; et franchement, c’est un guitariste de première classe. Il chante "Rock in my shoe", un rock'n'roll pur et dur, très fifties. Son timbre vocal libère la même puissance et la même rage que celle de Little Richard. Préposé au piano, Mike Lattrell alimente et balise l’expression sonore. Dave en profite pour arpenter la scène de long en large. Il imite les pas de canard institués par Chuck Berry, au faîte de sa gloire. Les chœurs, auxquels participe la charmante Gina Sicilia, soutiennent la voix de Mr Gross. Signé Ike Turner, "Cubano jump" campe le premier instrumental convaincant. Le son de la gratte est pourri, légèrement rerverb, direct, franc, menaçant. Il domine les interventions des deux saxophones baryton assurés par Garry Niewood et Rob Chaseman. Une compo très solide. La plage éponyme émarge au jazz traditionnel urbain. Celui de la Nouvelle Orléans. Conal Fowkes égrène ses accords de piano érodés. La clarinette et la trompette dodelinent, alors que la section rythmique –composée de Scott Hornick à la basse et de Michael Bram à la batterie– soutient l’ensemble. Un titre admirablement exécuté, dans l’esprit de ce prestigieux passé. "Baby, wont you please come home ?" reproduit la même recette. Tout ce beau monde est épaulé par le banjo de Matt Munisteri et le sax baryton de Scott Robinson. Dave puise également son inspiration dans le R&B de la fin des années 40. A l’instar d’"Inspiration blues". Niewood est passé sans encombre de la clarinette au sax ténor. Un fragment percutant au cours duquel les notes succinctes de guitare s’enchaînent, mais sont abordées dans un esprit purement jazz… Slow blues cabaret, "You're not the one" est imprimé sur un tempo indolent. Un tempo assuré par la basse acoustique de Hornick. Les interventions des solistes, Kellso et Gross, sont majestueuses. L’elpee recèle deux plages ‘hénaurmes’. Très blues aussi. Tout d’abord "Don't take too long". Dennis Gruenling s’y révèle sémillant à l'harmonica. A cours de ce R&B vivifiant, Gross attaque ses cordes sèchement, dans un style fort proche de Jimmie Vaughan. Et puis "Find yourself another man", un merveilleux blues lent, contaminé par l'esprit du Chicago Southside. Plus de 5' de bonheur ! L’elpee est manifestement très éclectique. "It was born in the 20's" en est une nouvelle illustration. Une longue compo qui prélude le final. Plutôt manouche. Cette forme de jazz traditionnelle est même hantée par Django Reinhardt. A l’instar de "A little love, a little kiss", une plage instrumentale dont les accords classiques et hispanisants ne peuvent que se référer au maître. N’empêche, cet elpee reflète toute la maturité de ce futur artiste majeur. Enfin, c’est tout le mal qu’on lui souhaite…
Difficile d’écrire quelques lignes lorsqu’on n’est pas du tout inspiré par ce qu’on entend ou ce qu’on voit. Pourtant, j’apprécie l’œuvre de Gogol Bordello et de son leader charismatique Eugene Hutz. Mais rien n’y fait, ce Dvd me pompe l’air. Il s’agit, en fait, d’un ‘road movie’ consacré au voyage opéré par le chanteur, au sein de différents pays de l’Est ; un périple filmé par sa compagne Pavla. Cette tentative de retour aux sources aurait pu être passionnante. Les paysage filmés nous extasier. Les moyens de transport utilisés nous mettre l’eau à la bouche. C’est loin d’être le cas. Principale raison : les prises de vue sont lamentables. Et les prises ‘live’ beaucoup trop rares. En fin de parcours, on a quand même droit à quelques minutes de spectacle de rue, qui nous sortent enfin de notre torpeur.
Il ne me reste plus qu’à vous communiquer le sypnosis de ce Dvd, si, d’aventure, vous souhaitiez gaspiller votre temps, votre patience et votre argent. ‘Eté 2004, Pavla Fleischer est tombée amoureuse d’Eugene Hutz, chanteur du groupe new-yorkais gypsy-punk Gogol Bordello. C’était lors d’un road trip accompli en Europe de l’Est. Captivée par son énergie et sa verve musicale, et cherchant un moyen de mieux le connaître, elle a décidé de saisir son énergie sur pellicule et de documenter son voyage.’ Il ne vous reste donc plus qu’à suivre les aventures des membres du groupe lors de leur pérégrinations qui les ont conduits, jusqu’en Ukraine, la patrie de Hutz…
Magnetics est le résultat de la fusion entre deux styles musicaux diamétralement opposés. David flirte avec l’électronique depuis sa plus tendre enfance tandis que les nuits de Gérald sont hantées par les cordes électriques et acoustiques. Malheureusement, le résultat de la rencontre entre les deux artistes n’est guère concluant. A la limite, il aurait peut-être mieux valu qu’ils ne se rencontrent jamais. Il y a bien quelques beats qui sont susceptibles d’attirer quelque peu l’attention ; mais au bout de quelques minutes, on se rend compte de la banalité de l’expression sonore. Edulcoré par des vocaux stériles, leur électro/rock n’a de magnétique que le patronyme. Maintenant, à force de travail et de remise en question, il y a toujours moyen de redresser la barque. En s’inspirant peut-être d’une manière plus judicieuse des formations qui relèvent des labels Kompakt ou encore BPitch Conrtol, auxquelles les deux Chtis reconnaissent comme influence majeure. (NDR : c’est mentionné sur leur page MySpace). Et comme on dit par là-bas : ‘Bon’ chince hein, biloute !’.
Quatre ans auparavant, These Arms Are Snakes, une formation d’Art-punk et post-hardcore originaire de Seattle, publiait « Oxeneers or The Lion Sleeps When Its Antelope Goes Home », un premier recueil détonant. Celui-ci laissait présager le meilleur pour l’avenir du quatuor qui, deux ans après, récidivait. En concoctant « Easter », un cocktail de mélodies tout aussi explosif que son prédécesseur. Après avoir impressionné deux fois de suite, These Arms Are Snakes tente le sans faute en changeant de direction. « Tail Swallower And Dove » est le recueil le plus direct et le plus fourni de la discographie de la formation. De la maturité également.
Mais seulement voilà, à l’écoute de la plaque, on ne peut s’empêcher de penser que certains artistes devraient se contenter d’éviter les risques et se cantonner à exécuter ce qu’ils font le mieux. Car la mutation de These Arms Are Snakes fait l’effet d’un pétard mouillé et la majorité des plages de ce nouvel opus est à mourir d’ennui. Les quatre gaillards sont à la limite d’une imitation ratée de Fugazi et autres Les Savy Fav. Quant aux vocalises de Steve Snere, elles deviennent carrément pénibles au bout d’un moment. Certains arrangements efficaces parviennent à sauver le recueil de la noyade (« Long And Lonely Step », « Lucifer », « Briggs »), mais « Tail Swallower And Dove » ne sera pas probablement pas le disque de la révélation. En attendant son successeur, que l’on souhaite supérieur, mieux vaut se contenter de se (re)plonger dans le plus excitant « Oxeneers or The Lion Sleeps When Its Antelope Goes Home ».
Quand on observe le look des musiciens (NDR: regardez la pochette!), on pense immédiatement être en présence d’un obscur combo de garage né au beau milieu des sixties. C’est faux ! Sauf pour la musique. Qui est bien psyché/garage et inspirée de cette décennie. Et notamment de 13th Floor Elevators, The Sonics, The Chesterfield Kings, The Count Five, ? and The Mysterians ou encore les Standells. Bref, les classiques quoi. Pour le reste, il s’agit d’un quintet irlandais. Issu de Dublin exactement. Né en 2003 et dont le « Psych Ward » est le premier véritable elpee. Un disque enregistré, mixé et masterisé aux studios Vintage Recordings de Circo Perrotti, à Gijon, en Espagne. A l’aide d’un matos analogique. Pour rendre le son plus d’époque. Quand on entend les harmonies vocales, on ne peut d’ailleurs penser qu’aux Yardbirds et leur « Heart full of soul ». Et puis ponctuellement, il y a ce hammond rogné, ‘manzarekien’. C’est sauvage, revivaliste et pour le reste pas besoin de vous faire un dessin. Enfin, si vous aimez les Fuzztones et les Fleshtones, vous ne pouvez passer à côté de ce disque…
Formation de harcore, LeATHERMOUTH sortira son premier album ce 26 janvier 2009 chez Epitaph. Il s’intutlera « Xo ». Au sein du line up de ce groupe du New Jersey, on retrouve Frank Iero de My Chemical Romance (chant) et Rob Hughes (guitare). A l’origine, c’est-à-dire en 2007, le projet se limitait à jammer entre amis pour exécuter une forme de punk rock conflictuel. Mais depuis, il a mûri…
Tracklisting
1) 5th period massacre
2) Sunsets are for muggings
3) Leviathan
4) Catch me if you can
5) I am going to kill the president of the united states of america
6) Murder was the case that they gave me
7) Body snatchers 4 ever
8) My love note has gone flat
9) This song is about being attacked by monsters
10) Your friends are full of shit
http://www.myspace.com/leathermouthlives
Le premier opus de William Elliott Whitmore paraîtra ce 16 février 2009. Il s’intitulera « Animals In The Dark February ». Comme dans le passé, ses lyrics sont toujours aussi engagés politiquement. Dans l’esprit du Reverend Gary Davis ou encore de Bruce Springsteen. Lors des sessions d’enregistrement, il ne s’est plus contenté de s’accompagner au banjo ou à la sèche, mais y a ajouté des instruments comme les cordes, l’orgue ou la pedal steel ; des arrangements aussi. Et puis, il s’est entouré d’un groupe, pour la toute première fois.
Tracklisting:
Mutiny
Who stole the soul
Johnny law
Old devils
Hell or high water
There's hope for you
Hard times
Lifetime underground
Let the rain come in
A good day to die
Pour plus d’infos : http://williamelliottwhitmore.com et http://www.myspace.com/williamewhitmore
Dans le cadre du festival Coup de Cœur francophone à Montréal, Madame Christine Saint-Pierre, ministre de la Culture, des Communications et de la Condition féminine du Québec a remis, le 10 novembre 2008, le Prix Rapsat-Lelièvre 2008 à BALOJI pour son album « Hôtel Impala » et ce, en présence de Messieurs Charles Houard, Délégué Wallonie-Bruxelles au Québec (dr.), et Alain Chartrand, Directeur général et artistique de Coup de Cœur francophone (g.). Baloji était en spectacle à Montréal le jeudi 13 novembre 2008.
(communiqué de presse)
Vidéo de la remise du Prix : http://www.dailymotion.com/video/x7dtrd_remise-prix-rapsat-lelievre-2008-ba_music
Pour plus d’informations : http://www.prixrapsatlelievre.org et http://www.baloji.com
Le premier album de Sophie Hunger paraîtra ce 26 janvier 2009. Il s’intitule « Monday’s Ghost ». De nationalité suisse, Sophie est née le 31 Mars 1983 à Bern. Elle a également vécu en Allemagne et en Angleterre. Autoproduit, cet elpee a bénéficié du concours de Stephen Eicher pour un titre, du groupe de l’artiste et de Marcello Giuliani, complice d’Etienne Daho, de Jane Birkin et du trompettiste Erik Truffaz, à la mise en forme.
Tracklisting
01. Shape
02. The boat is full das boot ist voll
03. A protest song
04. Walzer fuer niemand
05. Birth-day
06. Sophie hunger blues
07. Round and round
08. The tourist
09. Teenage spirit
10. Rise and fall
11. Drainpipes
12. Monday's ghost
13. House of gods
14. Spiegelbild (feat. Stephan Eicher)
Pour voir le clip de Sophie Hunger en Concert à Emporter jouant « The Boat is full »
http://fr.youtube.com/watch?v=hEtiEVloqgU
Pour voir le clip de Sophie Hunger en Concert à Emporter interprétant « Rise and Fall »
http://fr.youtube.com/watch?v=Cob10vdCP6E&feature=related
Pour voir Sophie Hunger en Concert à Emporter interprétant « Beauty above All »
http://fr.youtube.com/watch?v=S8C63wYoyxs&feature=related
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/sophiehunger
Le nouvel elpee de Tom Jones est dans les bacs depuis ce 24 novembre. Il s’intitule « 24 hours ». Lors des sessions d’enregistrement, l’interprète du hit interplanétaire "Sex Bomb" a reçu la collaboration de grosses pointures, et notamment de Bono et The Edge. La production a été assurée par Future Cat, dont la carte de visite mentionne des collaborations auprès de Lily Allen ou Kate Nash.
Tracklisting
1. I'm Alive
2. If He Should Ever Leave You
3. We Got Love
4. Feels Like Music
5. Give A Little Love
6. The Road
7. In Style And Rhythm
8. Sugar Daddy
9. Seasons
10. Never
11. The Hitter
12. Seen That Face
13. 24 Hours
Pour plus d’infos : http://www.tomjones.com
Enregistré le 19 janvier 2003, à Philadelphie, “Live From The Relapse Contamination Festival” est un testament de la puissance manifestée ‘live’ par High On Fire. On y retrouve les classiques « Hung, Drawn, & Quartered », “Blood From Zion” et le seul enregistrement officiel du groupe reprenant le standard de Venom, “Witching Hour! ». Ce disque paraîtra ce 26 janvier 2009.
Tracklisting
1. Blood From Zion
2. To Cross The Bridge
3. Nemesis
4. Razorhoof
5. Speedwolf
6. Eyes & Teeth
7. Hung, Drawn, & Quartered
8. Witching Hour
Pour plus d’infos : http://www.highonfire.net
Ce jeudi 27 novembre, c’est l’effervescence face au 110 du Boulevard Anspach. L’enceinte de l’Ancienne Belgique est prise d’assaut, une heure déjà avant le concert de ce soir. Ni la pluie, ni le vent qui vient nous glacer jusqu’aux os, ne semble décourager la meute impatiente. Pourtant, immobile depuis quelques minutes, je décide de me dégourdir les jambes. Impossible de rester sur place sans se me sentir happé par l’hiver dont la rigueur commence déjà à frapper. Je lance un regard circulaire vers la masse. J’essaye de retrouver Bernard Hulet, avec qui je partagerai la soirée. Il sera les yeux de Musiczine, je serai la plume. Introuvable ou noyé dans la foule, je sais qu’il doit être sur les lieux depuis un bon moment. Les photographes ne disposeront pas de couloir réservé ; c’est Monsieur Bashung lui-même qui l’a souhaité. Il devra donc se battre pour se creuser un trou stratégique, d’où il regardera le concert à travers l’œilleton. Je quitte le boulevard pour m’engouffrer chez un bouquiniste voisin.
45 minutes plus tard, je me dirige à nouveau vers la salle. Les vendeurs de places au marché noir grelottent ; mais il y a fort à parier que leur petit business sera lucratif. La soirée est en effet ‘sold out’ depuis belle lurette. Un arrêt au stand presse, un sourire ravi à l’hôtesse qui me remet mon sésame, une fouille en bonne et due forme et un détour par les vestiaires plus tard, je pars à la recherche d’un coin agréable pour ne rien louper de la soirée. Pas simple. Je suis même forcé de monter au deuxième balcon pour dénicher ce petit angle de vue, plus ou moins sympa. Je pose le bloc note sur le rebord de la rambarde. Ok, pour moi c’est bon les gars ! Je n’ai toujours pas retrouvé Bernard, mais ce grand gaillard se débrouillera, c’est une certitude. (NDR : Je vous invite d’ailleurs à aller jeter un œil sur ce lien pour confirmer mes propos : http://www.musiczine.net/fr/index.php?option=com_datsogallery&Itemid=47&func=viewcategory&catid=622)
Le public est composé en grande partie de quinquas. On y croise tous les looks : du classique au vieux rockeur. Quelques ados accompagnent leurs parents. Ils portent des tee-shirts dont l’effigie ne trompe pas sur leurs goûts musicaux. Pas mal de trentenaires aussi. Tout ce petit monde affiche une mine ravie, et prouve l’étendue des générations touchée tour à tour par la tête d’affiche. Il faudra que tout ce petit monde patiente encore. Fred, la première partie n’a pas encore commencé son set Il est annoncé pour 20 heures.
20 heures tapante, la salle s’obscurcit. Le premier Français de la soirée débarque guitare à la main. Son set est tendre. Sa voix se pose agréablement sur des accords simples et envoûtants. Les textes parlent d’amour ou de relations humaines. D’écologie ou de prise de conscience. Il se sample lui-même, le pied sur la pédale, pour permettre des croisements d’accords. Il reçoit les acclamations du public. Il en recevra encore plus lorsqu’il se permettra une reprise de Noir Désir « A l’Envers à l’Endroit ». En 25 minutes Fred est parvenu à capter notre attention, et préchauffer nos cœurs. Un bien beau défi quand on connaît le pedigree de l’artiste suivant ; pas mal s’y seraient cassés les dents.
La salle continue à se remplir. Dans mon pigeonnier on commence à se sentir à l’étroit. Un couple vient juste de se coller (et c’est peu dire) à ma gauche, essayant au fil des minutes de grappiller un peu plus d’espace. Même les flagrances insupportable de ce parfum dont les ‘vieilles’ se tartinent en général, ni les dialogues complètement vides qu’ils m’obligent à écouter n’auront raison de ma ténacité. Je reste bien à ma place, je bombe le torse. Tout le monde veut le meilleur confort pour tout voir, on n’est pas prêt de me déloger.
20h50, l’AB a respecté ses engagements de ponctualité. Les musiciens font leur apparition. Alain Bashung arrive à son tour. C’est l’hystérie dans la salle. L’accueil est d’une puissance telle, qu’il doit insuffler une bonne dose de motivation à l’artiste. Coiffé d’un chapeau noir, vêtu d’un costume de la même couleur et les yeux cachés par de lunettes fumées, l’homme est beau. Il a la classe du dandy, et un charisme à couper le souffle.
On essaye un instant, d’effacer de sa mémoire les mots ‘maladie’, ‘cancer’, ‘chimiothérapie’ qui sont souvent associés au chanteur. On essaye de se persuader que c’est uniquement la timidité qui le pousse à se dissimuler derrière ses lunettes et son couvre-chef. On oublie le mal qui le ronge pour ne se consacrer qu’aux émotions positives. Un petit pincement au cœur surgit malgré tout, de temps en temps. Assis sur un tabouret, il remercie son public pour l’accueil réservé. Il ouvre les festivités par une phrase qui va tout embraser : ‘Ce soir, je vous propose des chansons, des chansons… et encore des chansons’. Comme au Cirque Royal au mois de mai dernier, il ouvre son set par « Comme un Lego ». La sobriété, est de mise. Le violoncelle et la guitare viennent élever l’instant. Les premiers frissons n’ont aucune peine à vous envahir. C’est l’échine électrisée qu’on est plongé au sein d’un univers sensuel et délicat. Il embraie par « Je t’ai manqué ». Le jeu de lumière vient découper les différents protagonistes ; mais on ne voit que le chanteur. Il avale littéralement la lumière. Il se lève du tabouret que les roadies viennent discrètement déplacer pour entonner « Hier à Sousse », accompagné de son harmonica. Le deuxième clin d’œil de la soirée adressé à Bertand Cantat, apparaît sous le costume de « Volontaire » qui est proposé de manière beaucoup plus rock que la version originale. « Mes Prisons » précède « Samuel Hall ». Une adaptation plus soutenue que celle opérée sur l’elpee « Fantaisie Militaire ». Les lumières transfigurent l’instant, en embrasant la scène de ses milles feux. Complètement bluffé, et sous les coups de butoir du solo de guitare, on frise le sublime quand démarre « Vénus ». Un silence complet dans la salle traduit le respect accordé par l’audience à l’artiste. La peau se couvre d’émotion. Les poils se hérissent. « La Nuit je Mens » est accueilli de manière soutenue. Le public est complètement acquis à la cause, et le fait savoir. L’intro est à nouveau enrichi par le violoncelle et la guitare. Bashung lève les mains. Il enrobe, de ses mouvements lents, la moindre parcelle d’amour que les spectateurs lui accordent. « Je tuerai la Pianiste » et « Légère Eclaircie » sont des compos que l’auteur semble vivre de l’intérieur. « Mes Bras », un extrait de l’album « L’Imprudence », approche la perfection. ‘Sauve toi. Sauve moi, et tu sauras où l'acheter le courage’ : ces quelques mots suscitent à nouveau la révérence. Une leçon de courage que tout le monde se prend en pleine poire. La salle est subjuguée. Elle est encore sous l’emprise des paroles prononcées, juste avant, par l’artiste. Mais il devra se ressaisir en écoutant « Happe » ; histoire de ne pas en louper une miette. Ballade mélancolique, « J’passe Pour une Caravane » déclenche une salve d’applaudissements. Le groupe s’accorde une pause, quelques instants. Le chanteur a ainsi tout le loisir de s’exprimer en solitaire. Il interroge les spectateurs. Leur demande si quelqu’un connaît le film « Macadam Cowboy ». Un hurluberlu ignare hurle : ‘C’est un film de pédé !!’ Bashung manifeste un flegme exemplaire dans sa réponse : ‘Non, c’est un film d’amour’, et entonne « Everybody’s Talkin » de Harry Nilson, une adaptation de la BO du film de John Schlesinger. Et il embraie par un morceau dont l’intro a été volée à Bob Dylan : « Blowing In The Wind ». Cet interlude ouvre une version percutante du célèbre « Osez Joséphine ». Le light show est vraiment superbe et danse autour des musiciens. Sans le savoir, nous entamons le dernier morceau de la soirée. « Fantaisie Militaire » achève la prestation, une compo démantibulée par un solo de guitare énergique qui doit en étonner plus d’un. Il est 22h15.
Le rappel est incroyable, les applaudissements et les cris s’entrechoquent pour former un brouhaha incroyable. Bashung ne s’en sortira pas ainsi. Il en faut une dernière, une ‘sublime’, comme si les 85 minutes précédentes n’étaient qu’une mise en bouche. Bashung revient interpréter « Madame Rêve ». Il en profite pour présenter ses acolytes. Et nous laisse comme deux ronds de flanc, complètement sur les genoux. D’un pas lent et imprécis, il quitte la scène, remerciant la main sur le cœur le témoignage d’amour qu’il vient de vivre. Et que nous venons de vivre. Il se retourne, s’en va dans l’embrasure du côté de la scène. Il y laisse un grand vide. Dans nos cœurs aussi. Sûr, c’est la véritable clôture de la soirée ! Les lumières réapparaissent. Les roadies commencent à démonter le matos. Rien n’y fait, le public continue de hurler. Sans doute résignée, la foule se décide finalement à quitter les lieux. Cette soirée du 27 novembre était magique, et me laissera, longtemps encore, de superbes souvenirs. Je vais par contre tenter d’oublier le parfum de ma voisine de soirée… Quelle horreur !
Organisation Ubu
Certains orfèvres œuvrent sur un bijou, pour le placer, une fois sa beauté accomplie, sous une cloche de verre. Ceci, afin que l’air ou l’œil destructeur et envieux n’en détache l’éclat. Ou que les éléments assemblés ne se disloquent avec le temps. D’autres, démontent pièce par pièce leurs créations finies, pour placer chaque élément autour d’un nouveau noyau. Et dans la foulée, étendre la beauté obtenue. C’est plutôt le cas de The Week That Was. Non content de mettre tout le monde d’accord avec Field Music et leur très très remarqué « Tones Of Town », sorti en 2007, les frères Brewis ont décidé d’embrasser différents projets. Et, il faut l’avouer, avec un certain talent. Peter Brewis est la preuve vivante que le succès de leur fratrie originale n’est pas juste dû à une certaine émulsion familiale. Il cherche à démontrer, que chaque membre de la tribu est né avec un talent énorme ; et qu’il peut le mettre au service de toute formation capable de s’en servir. Son frère David militait au sein de School Of Language. Il laissait déjà entrevoir la richesse dont les Brewis disposent.
« The Week That Was » ne doit afficher aucune modestie. Il ne peut subsister de doute quant à l’extraordinaire interprétation des textes et la qualité des mélodies qu’il dispense. Composé dans la grâce et l’élégance, tout y est fonctionnel et bien à sa place. En effet, sans en faire trop, huit plages suffisent pour nous mettre à genoux. Détourné d’une pop/rock traditionnelle, c’est démonté à l’arrache et reconstruit à l’aide de fibres nobles, dans un écrin confortable, que l’album semble créé. On reconnaît dans le fond, une influence eighties puisée chez Kate Bush voire Peter Gabriel. Notamment lorsque les claviers clinquants affrontent l’énergie diabolique élaborée par l’excellent drumming. Il ne reste donc plus qu’à laisser la magie à opérer. On pense alors aux cordes de violons, dont les interventions ne sont jamais lassantes. Tout, dans cet album, fleure bon l’honnêteté, sans ambages superflus, sans explosion tape à l’œil. Tout, dans « The Week That Was » mérite le silence à son écoute, la contemplation des artistes et le salut mérité d’une presse unanime. Passer à coté de cet album équivaudrait laisser échapper sa chance. Celle d’être touché en plein cœur…
« The Motherman » constitue le troisième album en sept ans de cette formation nivelloise. Le thème de cet opus nous plonge dans l’histoire d’un sombre personnage sorti tout droit de leur imagination foisonnante… The Motherman ! Il s’inspire des masques mexicains utilisés lors de la fête des morts. A travers lui, le chanteur, Fabrice Detry, peut exprimer ses idées les plus noires. The Motherman devrait les accompagner sur scène et orne, en outre, fièrement la pochette, tout en enfourchant son vaillant poisson.
Austin Lace n’a pas perdu (ou a bien assimilé) les ingrédients d’une pop-song directe et mélodique. Comment ne pas parler de single quasi-parfait à l’écoute du déjà très hertzien « Katz ». Composé aux Pays-Bas, il a bénéficié du concours des Tellers. Un morceau qui fait mouche dès sa première écoute et risque de vous trotter dans la tête toute la semaine… pour votre plus grand plaisir d’ailleurs !!! Et en fin d’elpee, figure une seconde petite bombe mélodique : « Uptight ». A ne manquer sous aucun prétexte !
Toutes les plages de « The Motherman » libèrent la fraîcheur caractéristique des opus précédents. Des chansons pop bien sages abordées dans l’esprit sixties. Un tracklisting partagé entre morceaux doux comme « The Coral » ou « Absurd » (pour lequel la formation a bénficié du concours de Lio Van Cauwenbergh, un des chanteurs de Girls In Hawaï) et petits hymnes pop plus musclés, à l’instar de « Song for the Male » ou « Checkers ». Pour un groupe formé en vacances, composer des mélodies à écouter sur la route semble naturel…
Cet elpee risque de devenir rapidement votre disque de chevet… Mais pour une période qui ne dépassera pas la quinzaine. Malheureusement ou heureusement (NDR : biffez la mention inutile), vous ne le ressortirez alors qu’une fois tous les dix ans, pour en écouter les singles… Quoique mieux produit que les précédents opus, « The Motherman » ne changera pas, non plus, l’histoire de la pop (même belge) ; mais il vous rend de bonne humeur… Et ça, c’est déjà une belle réussite…
Quintet issu de Seattle, The Girls dévoile sur « Yes No Yes No Yes No », son second opus, un condensé de power-pop à tendance punk et garage curieusement familier. Normal, puisque la formation puise largement son inspiration chez une formation répondant au doux nom de The Hives. « Edit The Actor », « Anthropomorphic » ou « Not I » semblent d’ailleurs tout droit issus de la discographie de ces derniers. The Cars et autres Wire en prennent également pour leur grade, de manière flagrante. L’ensemble est peu engageant et lasse assez rapidement. Un exploit pour un disque dont la durée dépasse à peine les 25 minutes. L’originalité n’est donc pas le fort de cette formation comme en témoigne son nom, déjà usité par une demi-douzaine de groupes. Pour la peine, cette chronique sera aussi longue et innovatrice que la plaque…
De la ‘hype’ et ses limites… C’est un bon sujet d’étude soulevé par Heartbreak. Un duo saugrenu partagé entre le chanteur argentin Sebastian Muravchik et Ali Renault, petit génie des claviers. On soupçonne Heartbreak de vouloir titiller les tétons des critiques blasés en annonçant en grande pompe la naissance d’un nouveau mélange improbable : l’italo disco et le métal !! Justement intrigué, on jette une oreille sur ce qui est annoncé comme une machine à faire bouger les dancefloors. Mais hormis la franche rigolade provoquée par l’écoute de « Lies », il serait bien malhonnête de vous conseiller l’achat de ce disque pour enflammer vos surprises-parties. Sauf si vous avez envie d’amuser vos convives. Car les délires vocaux de Sebastian Muravchik valent effectivement le détour. Plutôt que d’un groupe de métal, il a plutôt l’air de s’être échappé d’un groupe de reprise des Scissor Sisters. Les paroles sont d’une débilité profonde (‘Heroes of the night, nothing to disguize, living just for fun !’) ; mais elles sont interprétées avec une telle conviction qu’on a l’impression que sa vie en dépend. Le tapis sonore est tissé dans les fibres ‘eighties’. Ali Renault emprunte (pompe ?) autant à la new wave électronique du début des années 80 (OMD) qu’aux gimmicks de l’italo disco de la même époque ; à un tel point que « Don’t Lose My Time » lorgne résolument vers le vieux tube « Tarzanboy », un morceau ayant rencontré son petit succès, il y a bien longtemps. « Robot’s Got The Feeling » touche même le fond. A cause de ce break horrifique qui rappelle (pastiche) le « Thriller » de Michaeël Jackson; mais un "Thriller" au cours duquel Vincent Price se serait chargé des parties vocales. L’imitation est certes parfaite, mais pour l’originalité et les bons morceaux, il faudra revoir la copie.
Les Hot Club de Paris sont des margoulins ! Et pour plusieurs raisons. Prenez le titre de l’album par exemple : « Live at Dead Lake ». Il n’est ici, nullement question d’un quelconque enregistrement live. Toute la plaque a été réalisée en studio. C’est un leurre ! Le nom du groupe ensuite : Hot de Club de Paris. Si ces jeunes gens viennent de Paris, alors je suis originaire d’Ouagadougou. Quand on apprend qu’ils sont issus de Liverpool, on comprend mieux mon teint de peau blanchâtre, dû au soleil bruxellois. La pochette ensuite. Elle traduit tout autant l’arnaque. En affichant un cercueil. Nous n’avons pourtant reçu, aucun faire-part de décès. Ou alors, la pochette fait office d’annonce nécrologique anticipée, suite à une longue maladie déclarée ultérieurement lors de la sortie du premier elpee « Drop it Till it Pops », que le combo nous avait déjà courageusement balancé. A cette époque, nous étions en droit de penser qu’il leur suffirait d’acquérir un peu d’expérience, pour atteindre leurs objectifs. Sans oublier d’affûter les médiators. Dans ces conditions, les albums suivants allaient tout naturellement se bonifier.
Vaste blague et coup fourré à nouveau, ce deuxième elpee est une mascarade à l’état pur. Plutôt que d’avancer en expérimentant des sons nouveaux, on tombe dans une facilité sonore très ‘cheap’. On éprouve même le sentiment que l’on se fout de notre gueule. Vide de toute émotion, et financé à l’aide de trois sous, six centimes, « Live at Dead Like » n’arrive jamais à nous accrocher. Il nous laisse même en plan, évaporant les derniers espoirs que nous mettions en lui. Après écoute, c’est donc le sourire en berne, que nous rangerons cette triste galette sans saveur. Ni fleurs, ni couronnes : nous passerons d’ici peu, faire la quête pour les veuves éplorées.
On pensait le rap-rock enterré en même temps que les formations du genre, Limp Bizkit ou Papa Roach en tête. On croyait même, dur comme fer, que Crazy Town avait fini d’achever ce style méprisé. Et bien non. Iglu & Hartly le ravive de ses cendres et le met au goût du jour. Effectivement, finies les grosses guitares. Le quintet opte pour des grattes et autres sonorités très eighties. Un genre que la presse ricaine nomme d’ores et déjà ‘rap-synth’. Mené par un Jarvis Anderson, le quintet, et non pas duo –comme le nom de la formation le laisserait imaginer– déploie sur « & Then Boom » une artillerie de morceaux casse-couilles aux textes aussi peu inspirés que les mélodies. D’ailleurs, certains extraits, tels que « Tomorrow », « Out There » ou les terriblement affreux « Dayglo » et « Jump Out Of The Car », frisent le ridicule et la pléthore de textes rappés est prompte à une incontrôlable éruption d’urticaire.
« & Then Boom » est, certes, léger et propice à animer gaiement les meilleures boums de vos petits frangins mais l’ensemble est d’une telle imposture qu’il est impossible de prendre la formation au sérieux. Précurseurs d’un style pseudo-musical dont les jours sont comptés, les cinq gaillards de Iglu & Hartly ne sont rien d’autre qu’une bande de petits branleurs dont le projet est voué à l’échec. Du moins, espérons-le. Pour le bien de nos tympans.
Ladyhawke est le projet solo de Pip Brown, jeune Néo-Zélandaise francophile. Son aventure démarre durant l’été 2007 lorsque son single « Paris Is Burning » envahit la blogosphère. Comme tous les phénomènes issus de la toile, Ladyhawke enchaîne rapidement par un second titre, « Back Of The Van », moins efficace que son prédécesseur mais qui lui permettra de décrocher un contrat juteux au sein de Modular, petit mais consistant label relevant de Universal. Quelques mois plus tard, elle publie un troisième single, « Dusk Till Dawn » accompagné d’une vidéo ‘kitschissime’, remémorant le meilleur (et le pire) des eighties. Et l’esprit des années 80, la donzelle l’exploite à fond sur son premier recueil éponyme. Peut-être même un peu trop.
Outre les trois morceaux précités, l’œuvre d’introduction de Ladyhawke regorge de petits délices auditifs immédiats, rassemblant en un seul et même lieu le gotha de la pop féminine des années ’80. On y croise ainsi Bananarama et les Bangles (« Another Runaway », « Love Don’t Live Here Anymore », « Morning Dreams »), Cindy Lauper (« Manipulating Woman ») ou encore Kim Wilde (« Crazy World », « Back Of The Van ») à laquelle miss Brown emprunte énormément de tics vocaux. Cependant, « Paris Is Burning » et « Dusk Till Dawn », ses titres les plus contemporains, sont probablement les plus belles réussites d’un disque qui manque parfois de consistance. En effet, certains extraits paraissent forcés (« Morning Dreams », « Back Of The Van », « Professional Suicide », « Crazy World ») et manquent d’atteindre leur objectif. Amputé de ces passages dispensables, « Ladyhawke » s’avère néanmoins hautement addictif. Du moins, pour l’instant…
Enregistré dans l’urgence entre deux tournées, « We Are Beautiful, We Are Doomed », le second bébé de Los Campesinos! éclot quelques 9 mois à peine après la naissance de « Hold On Now, Youngsters… », le premier opus des Gallois. Cette urgence, le septuor la transpose sur l’entièreté d’un disque qui s’inscrit dans la continuité de son prédécesseur. Los Campesinos! ne cherche manifestement pas à innover ou à se réinventer mais tente simplement de ne pas se faire oublier. Le résultat de « We Are Beautiful, We Are Doomed » est plutôt attendu. Très peu de morceaux se distinguent du reste de la discographie du groupe. L’étincelle se fait attendre mais bien que certains extraits s’avèrent supérieurs aux autres, il y manque un single de la trempe de « You! Me! Dancing! », ce tube immédiat qui invitait ses auditeurs à faire des bonds sur leur matelas en chantant à tue-tête son refrain. Il faut d’ailleurs craindre que le combo ne puisse jamais reproduire une semblable perle…
« We Are Beautiful, We Are Doomed » se rapproche largement plus du petit caprice d’une bande de joyeux lurons que d’une œuvre achevée. Seuls « The End Of The Asterisk » et le joli « Heart Swells/Pacific Daylight Time » permettent à l’auditeur de différencier les deux ouvrages de la bande. Les fans seront probablement ravis de l’ensemble, mais Los Campesinos! devront produire un troisième recueil sensiblement différent s’ils veulent rester dans les bonnes grâces des autres.
Manifestement, cette Californienne (NDR : elle est issue de Los Angeles) a déjà parcouru du chemin. Elle a décroché deux années consécutives le ‘Blues Award’ comme meilleure artiste féminine contemporaine. Bien qu’ayant dépassé le cap des 50 balais et quoique devenue grand-mère, c’est toujours une très belle femme. Elle est née à Detroit. Sa jeunesse n'a pas été rose. Et pour cause, encore gamine, ses parents ont mis successivement fin à leurs jours. En outre, alors qu’elle était encore adolescente et vivait dans le Midwest, du côté de Minneapolis, elle devient fille-mère. Elle n'avait que 14 ans lorsqu'elle assiste à un concert d'Otis Rush. Il deviendra son premier guide musical. Bien avant Ma Rainey et Bessie Smith. Elle commence à se produire de plus en plus souvent sur les planches. En 1980, elle se fixe à Phoenix, en Arizona. Elle y fonde les Mojomatics. Une aventure qui s’étalera sur six années, avant qu’elle n’émigre vers L.A. Son premier essai, "More than live", paraît en 1991. Ce n’est encore qu’une cassette audio. Son futur époux, Jeff Turmes, elle le rencontre sur la côte ouest. Il faudra attendre 1997, pour la voir sortir son tout premier album, "It takes one to know one". Dans la foulée, elle signe encore trois productions indépendantes avant de se lier au label canadien Northern Blues Music. Elle y consacre "Bury him at the Crossroads" en 2004 et "Do I move you?" en 2006. Pour “What love will do”, son nouvel elpee, elle a atteint le panthéon du blues. Celui de la cité des vents. C’est-à-dire l’écurie chicagolaise Alligator…
L’opus s’ouvre par "That's what love will make for you" de Little Milton. L’intro trempe dans le funk/ R&B le plus pur. Cette compo fait la part belle à la voix puissante de l’adorable Miss Magness. Zach Zunis se charge des parties de guitare. Stephen Hodges frappe ses fûts sur un tempo métronomique. Il pousse tous les acteurs vers l'avant. Teresa James opère un travail impressionnant sur "I want a love". Janiva chante au cœur d’une atmosphère volontairement dépouillée. La rythmique est sèche et saccadée, malgré les battements de main. Les sonorités de la guitare dispensées par Turmes sont complètement pourries. Dave Darling se charge des chœurs vocaux. La production est très soignée. Darling coproduit cet opus en compagnie de Janiva. Dans le passé, il a bossé pour des pointures comme les Stray Cats, Tom Waits, Dan Hicks ou encore Def Leppard. La cover du "I'm glad you're mine" d'Al Green trempe dans le R&B sanguin. L’auditoire est invité à se trémousser sur la piste de danse. Le soutien aux cuivres de Jeff Turmes et Lee Thornburg est décisif. Janiva procure une nouvelle vie au "Bitter pill" d'Ann Lennox. Sans se forcer, elle adopte un profil funk à son interprétation dévastatrice. Le son est sale. Le sax baryton de Jeff est bien présent. L’orgue Hammond d’Arlan Schierbaum vibre. Miss Magness consacre tout son cœur et injecte toute sa sensibilité pour attaquer "Fool me again". Elle y administre tellement de passion, que sa respiration entre deux phrases est très perceptible. Les interventions de Schierbaum à l’orgue sont délicieuses. Si cet opus fait la part belle à la musique dansante, il faut reconnaître que les adaptations sont magistrales. Le génial et talentueux Junior Watson illumine la cover du "Get it get it" d’Ike Turner. Blues pur, alangui, "One heartache too late" véhicule des accents dramatiques. Elle domine son sujet de la voix. Une voix tellement expressive ! Les cordes de Zach Zunis sont bien présentes. Une claque! Issu de la plume de Bill Withers,"I don't want you on my mind" affirme sa doctrine blues. Le tempo est plus marqué. Très blues aussi. La passion et l'émotion sont omniprésentes. Son mari lui a consacré deux de ses compositions. Mais ce sont de véritables joyaux. Tout d’abord "You sound pretty good". Jeff y cumule le banjo, la basse et le sax baryton. Evoluant dans l’esprit du meilleur d'Ike & Tina Turner, la puissance du son ravage tout sur son passage. "I won't be around" replonge dans un univers amène. Le timbre de Janiva est doux, caressant, sensuel. Et le trouble dans nos esprits commence à s’installer. Faut dire que le dépouillement correspond parfaitement à son profil. Cette œuvre s’achève dans la douceur contagieuse de "Sometimes you got to gamble". La voix de notre déesse libère une pureté absolue face aux accès de basse dispensés par Gary Davenport et le piano de son tendre Jeff. A travers cet opus, Janiva a voulu écire un testament consacré à la puissance de l'amour. Elle y reflète son combat pour défendre et protéger les enfants qui vivent dans les cellules familiales en crise. Une grande dame, assurément !
Trésor Manuaku n’est pas un inconnu sur la scène world/R&B. Non seulement, il est bien présent sur les ondes radiophoniques françaises, mais il a participé à l’émission « Dancefloor » de TF1, une production présentée par Laurence Boccolini. Chanteur et danseur de hip hop, ce Congolais d’origine revendique sa nationalité française ; et la clame aussi fort que l’équipe de France ‘Black, Blanc, Beur’ ! Ce grand gaillard nous propose donc son premier opus. Rien d’excitant cependant sur ce « Destin » qui se contente de suivre des règles édictées par la scène hip hop hexagonale. Peu de lyrics vraiment construits. Etonnant quand on sait que cet artiste reconnaît comme influences majeures Passi ou encore Diam’s. Pire encore, au fil du temps, les textes finissent par susciter un profond ennui. Seule la musique, notamment lorsque les racines congolaises sont plus présentes, passe plus ou moins bien la rampe. Bref, si cet opus contient un trésor, il est vraiment bien caché. Et bonne chance pour le trouver…
Eugene McGuinness est à peine âgé de 22 ans. Un Londonien de LIPA, l’école des arts de la scène, fondée à Liverpool par Paul Mc Cartney. Il vient donc d’enregistrer son premier elpee. Mais il s’était déjà illustré au début de l’année en concoctant « The Early Learnings Of… », un mini elpee. Désormais soutenu par un groupe, Eugene McGuinness propose ici une œuvre très prometteuse. Traditionnelle dans la forme, mais un peu courte quand même, elle est découpée dans une pop anglaise élégante et soigne autant les paroles que la recherche mélodique. On pense à la pop des Kinks, même si la voix lorgne davantage vers Morrissey ; le tout en bien plus éclectique et détraqué.
Le disque démarre fort par deux titres de rock (« Rings Around Rosa » et « Fonz »), avant de céder la place à deux ballades romantiques à souhait, trahissant les origines irlandaises du bonhomme ; et en particulier une très belle compo intitulée « Moscow State Circus ». Désuet, « Those Old Black Movies Were True » rappelle une vieille comédie musicale. Rockabilly déglingué, « Nightshift » vient nous sortir d’une agréable torpeur en préalable à une fin de parcours plus intimiste. La pop ‘kinksienne’ d’« Atlas » cède ensuite la place à l’atmosphère hivernale de « Knock Down Ginger » avant de conclure par le joliment suranné « God In Space ». Un disque de toute grande classe que je vous conseille vivement.
Quelquefois, les choix les plus suicidaires peuvent se révéler salvateurs. Peut-être pas pour les finances, mais en tout cas pour l’âme. Prenez l’exemple de l’Argentine Juana Molina. Vedette à la télé pendant des années, la chanteuse a décidé de tourner le dos à une carrière lucrative pour enregistrer des disques originaux, entre électronique et folk. Ce cinquième album rompt totalement avec le format ‘chanson’ exploité sur ses disques précédents. C’est-à-dire une veine folk mélancolique et légèrement expérimentale. « Un Dia » se révèle une œuvre totalement audacieuse. Elle se concentre sur la répétition pure et explose les formats classiques de la chanson. Une œuvre qui se focalise sur la trance rythmique et l’onirisme. Une œuvre au cours de laquelle Molina et son complice, Alejandro Franov, superposent des boucles vocales et instrumentales (des guitares et des claviers surtout) pour imaginer des atmosphères tantôt lumineuses, tantôt enfantines, tantôt carrément inquiétantes. Les huit titres fascinants de cet opus rappellent les délires d’Animal Collective. Une différence : l’atmosphère d’« Un Dia » est bien plus intimiste. Un disque susceptible de récompenser celles et ceux qui ont qui auront l’audace de s’y plonger !
The New Year est une formation texane née sur les cendres de Bedhead. En 1999. Et cet opus éponyme constitue le troisième de sa discographie. Au cours de ces huit années, le gang des frères Kadane (Matt et Bubba) est parvenu à se forger un nom dans l’univers du rock contemporain. Et il le mérite. D’ailleurs, difficile de ne pas devenir fan d’un groupe aussi précieux…
La première écoute de cet elpee n’accroche pas instantanément. Plusieurs écoutes sont même nécessaires pour s’en imprégner. Pas de place pour les effets, les solos ou les refrains aguicheurs. Simplement de puissantes mélodies qui ne demandent qu’à vous apprivoiser. Une condition ? Leur ouvrir une petite porte. Innovation marquante : la présence d’un piano, instrument sur lequel toutes les chansons sont construites. Tout en apportant davantage de profondeur aux compos. Il complète magnifiquement les strates de guitares, marque de fabrique du groupe. Et « X Off Days » ou « My Neighborhhod » en sont les plus belles illustrations. Pas un morceau n’est ici superflu. Une ode parfaite à la mélancolie qui s’étale sur 35 minutes. Une formidable thérapie pour sortir d’une dépression. A moins que ce ne soit pour s’y enfoncer… Bref, ce disque est de la trempe du magnifique « The End is near » (sorti en 1994) ; et je vous le conseille vivement.
Après une longue période d’absence, ils sont de retour. Le visage encagoulé sur la pochette ne trompe pas, il y a de la révolution dans l’air pour Thievery Corporation et leur « Radio Retaliation ». Mais à quel niveau se situe-t-elle ? Rob Garza et Eric Hilton sont des habitués du texte et de l’engagement politisé. Dans ces conditions, ils n’ont plus rien à prouver. Pour les compos, là aussi, ils semblent vouloir garder la même forme. Pour son grand come-back dans les bacs ( ?!?!?), la maison Thievery (NDR : elle est née début des années 90) cherche à reconduire cette fameuse recette ‘lounge’ ; une recette qui faisait sa marque de fabrique depuis cette époque. Sur des beats langoureux et quelques remix efficaces, des basses poussées à leur paroxysme viennent conforter que les Américains n’ont rien perdu de leur savoir-faire. Leur ‘magic touch’. On repense vite à cette époque où ils étaient considérés comme des messagers du coocooning à outrance. Oui mais… ce style musical à pris aujourd’hui un sacré coup de vieux. Les souvenirs que nous en gardons ne devraient pas dépasser le niveau de la mémoire. Se remettre dans le mood ‘peace and beat for ever’ est un exercice oublié depuis belle lurette. Ainsi, l’écoute des 14 plages de cette œuvre ne peuvent que susciter une sensation d’ennui. On plonge assez rapidement dans une enveloppe de ‘déjà entendu mille fois’, dû au manque flagrant d’originalité dans les arrangements. Toute cette mixture d’aliments ultra connus développe donc le côté un peu ‘has been’ de la plaque.
Afin d’éviter la descente complète vers le désintérêt de l’album, Thievery Corporation a décidé de rameuter une volée de comparses. Ce qui explique pourquoi « Radio Retaliation » bénéficie de la collaboration de quelques featurings ; histoire de le rendre plus contemporain. Comprenez, les apparitions de Femi Kuti, Seu Jorge ou Anushka Shankar, pour ne citer qu’eux. La touche que ces invités propose parvient à sortir l’album de la noyade, mais de justesse. Nonobstant le respect réservé au groupe, on doit admettre que vu leur pedigree, difficile de crier au génie. En espérant que ce disque ne soit que le reflet d’une volonté de remise sur pied. Ainsi, après ces longues années d’absence, un futur album potentiel devrait enfin se révéler révolutionnaire. Enfin, c’est ce qu’on espère…
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