La Suède, terre bénie de la pop, n’en finit plus de nous sortir des nouveaux groupes. Et en parlant de fraîcheur, la transition est facile quand on connaît l’âge des protagonistes de Those Dancing Days. 18 ans à peine pour la plupart. Ce quintet féminin a donc la ferme intention de ne pas attendre les années de décantation pour nous faire boire jusqu’à la lie, le vin issu de leurs jeunes pousses. Pour un trentenaire (bien tapé) de mon acabit, c’est se prendre un coup de vieux supplémentaire, quand on entend avec quelle énergie les donzelles se lancent dans l’aventure.
Relativement bien arrangé, « In our space hero suits » possède ce petit charme innocent, ce cachet acidulé, comme le sucre au fond d’un sachet de bonbon. Par contre, dans le domaine de l’originalité, la différence de génération est très marquante. Le son est très eighties. J’avoue qu’à cette époque, j’éprouvais déjà beaucoup de mal à l’assimiler. En outre, l’elpee ne scie pas un barreau de chaise. Les compos légères et naïves répercutent cet écho répétitif comme celui qui résonnait à l’époque. Cette période ou le fluo était signe de bon goût et d’originalité ; et où le brushing masculin rendait beau Kajagoogoo. Il y a fort à parier que les cinq Suédoises ont dû réécouter de vieilles cassettes audio de leurs grands frères ; et y trouver l’univers à leur gré. La voix entraînante de Linnea Jönsson ressemble, à s’y méprendre, à celle de Kate Jackson, vocaliste chez The Long Blondes, un groupe encore influencé par les années fuseaux et jambières… Avouer que la galette est tannante serait un mensonge. Beaucoup de charme en émane ; et la volonté de vouloir faire rebondir l’auditeur est indéniable. Il plaira certainement aux plus jeunes auditeurs ; mais à des ancêtres comme nous, on ne la fait plus. Qui a dit vieux con ?
En se plongeant dans la musique électronique lors de leurs deux albums parus le même jour, c'est-à-dire ce 29 septembre (« Snowflake Midnight », sous une forme matérielle, et le second, « The Strange Attractor », uniquement téléchargeable via leur site), on se demandait comment Mercury Rev allait transposer cette nouvelle orientation en ‘live’. La réponse en Belgique était donc attendue pour ce 24 novembre. A l’AB de Bruxelles. Et honnêtement, après avoir écouté ces deux opus, j’imaginais un spectacle réduit à des synthés, des boucles, boîtes à rythmes et autres gadgets électroniques. Le tout, bien sûr balayé, par la voix de Jonathan Donahue. En fait, hormis les parties vocales assurées Jonathan, c’est le reste de mes préjugés qu’il a fallu balayer…
Un zeste d’électro à la Terry Riley envahit l’espace sonore, et le supporting act monte sur les planches : Howling Bells. Un quartet impliquant une très jolie chanteuse. A la chevelure couleur de jais : Juanita Stein. Douée d’une très belle voix, pure, cristalline, évoquant tantôt Karen O des Yeah Yeah, Yeahs, tantôt Polley Harvey, tantôt Nina Persson des Cardigans. Egalement préposée à la guitare rythmique. Le line up est complété par un guitariste, un bassiste et un drummer. La formation est de nationalité australienne, mais s’est établie en Angleterre. Eponyme, leur premier elpee est paru en 2006. C’est même le producteur de Coldplay, Ken Nelson, qui l’avait mis en forme. Le prochain opus est prévu pour l’an prochain. Plutôt britock, mais dans l’esprit shoegazing, leur musique ne manque pas de charme, même si les mélodies sont plutôt mélancoliques, voire ténébreuses et inquiétantes. Plutôt doué, le soliste s’autorise l’un ou l’autre périple dans un psychédélisme rappelant Wedding Present ; et en fin de parcours, la chanteuse vient apporter sa contribution percussive sur un tom basse. Régulièrement, le bassiste et le guitariste enrichissent la solution sonore de claviers (ou de synthés, selon !) ; quant au tempo il est souvent susceptible de se convertir à la new wave. On a même droit à une compo hypnotique, réminiscente d’« I want you (she’s so heavy) » des Beatles (NDR : si, si, le dernier et long morceau de la première face d’« Abbey road »). En une petite demi-heure, le quartet a ainsi démontré un potentiel particulièrement ample, même si les enchaînements manquaient parfois de fluidité. Probablement les risques inhérents à une première partie. Signe qui ne trompe pas, quand même, le combo assure ce supporting act pour toute la tournée mondiale du Rev…
20h55, les lumières s’éteignent et les premières images sont projetées sur l’écran, sis à l’arrière du podium. On annonce l’un ou l’autre test. Puis soudain, un film en noir et blanc (NDR : pas d’époque, mais bien imité), sonorisé par une musique charleston nous est proposé. Et dans la foulée, alors que les hauts parleurs diffusent le « Lorelei » de Cocteau Twins (NDR : qu’on a envie de reprendre en chœur), défilent devant nos yeux des reproductions de pochettes (Nico, Dylan, Drake, Cohen, Elliot Smith, etc.) ; mais également des images de maîtres de la littérature (Kerouac, Miller), de films culte (« Paris, Texas ») ou encore des clichés immortalisant le passé du groupe. Et sous les acclamations, Mercury Rev entre en scène. Outre le trio de base, on y retrouve la solide et très efficace section rythmique qui les accompagne en tournée depuis maintenant quelques années.
A première vue, en matière d’innovation instrumentale, on ne remarque la présence que d’une batterie électronique fixée au dessus des claviers. Jonathan porte une écharpe autour du cou et déjà lampe une gorgée de la bouteille de vin rouge qu’il a emportée avec lui, avant de la ranger soigneusement près des drums. Et à laquelle il viendra s’abreuver régulièrement. Le son et puissant. Très puissant même. Ce n’est pas nouveau, mais j’ai l’impression qu’il l’est encore plus que la dernière fois. Et je dois avouer que dès le premier morceau, « Snowflake in a hot world », un extrait du dernier opus, j’ai été littéralement scotché sur place. Et que dire de cette explosion presque atomique produite au milieu du set. Les murs de l’AB doivent encore en trembler. Pendant tout le show, les images vont défiler. Souvent relatives à l’univers, à l’atome, aux océans ou à la nature. Parfois ponctuées de citations. Entre autres d’Aldous Huxley, de Vincent Van Gogh et bien d’autres. Dès le deuxième titre, Jonathan empoigne sa guitare. Et vivifiante, l’électricité se met déjà à crépiter. Chaque fois qu’il va reprendre la râpe pour conjuguer ses échanges avec Grasshopper, les morceaux vont littéralement cracher des flammes. Une lueur brille constamment dans les yeux de Jonathan. Son falsetto fragile, caressant, limpide est susceptible de vous plonger dans un océan de mélancolie douce. Il allie le geste à la parole, caricaturant le rôle d’un chef d’orchestre, le vol d’un oiseau, d’une ballerine, d’un bodybuilder ou encore mime celui d’un humain qui aurait le monde dans sa main… Enfin, ce soir, c’est plutôt le public qu’il a mis dans sa poche… En outre, lorsque la foule applaudit, Donahue sourit. Aux claviers, Jeff Mercel se réserve l’une ou l’autre intervention jazzyfiante, plusieurs interludes ‘ambient’ et puis dynamise de ses interventions aux drums électroniques le percutant et hallucinant, « Dream of a young girl as a flower », un morceau sculpté sur un tempo post house/techno. Impressionnant ! L’ovation en fin de set l’est tout autant. Le groupe applaudit pour remercier son auditoire et quitte les lieux en laissant un fond sonore couvrir les acclamations.
Quelques minutes plus tard, le quintet revient sur le podium et nous livre une fin de parcours somptueuse : « Diamonds », « Goddess on a hiway », le symphonique et intense « The dark is rising » ainsi que l’obsessionnel « Senses of fire ». Nouvelle clameur monstrueuse et nouvelle marque de gratitude de la part de la formation. Qui ne reviendra plus. Heureux, mais assommé, on décide alors de reprendre la route. Il est 22h20. L’horaire a été scrupuleusement respecté. Vu les conditions météorologiques, la prochaine fois, on pourra peut-être emprunter les services des chemins de fer…
Organisation Live Nation
On se les gèle. La Belgique a enfilé son manteau blanc pour la première fois depuis longtemps. Par conséquent, les transports de cette chère Stib sont encore plus à la bourre que d’habitude (un exploit !) A l’arrêt de bus donc, une horde de fans de l’ex-Moloko attendent impatiemment un transport qui n’arrivera jamais. C’est donc frigorifiés de la tête aux pieds que les compagnons d’infortune débarquent dans la grande salle bruxelloise, moins peuplée que de coutume.
A 20h précises, Hercules and Love Affair fait une entrée discrète mais acclamée par un public plutôt parsemé. La formation entame son set par « First Class », un nouveau morceau, et embraie par « True/False, Fake/Real », deux titres qui font très rapidement fondre la neige collée aux baskets de l’assistance. Andrew Butler enchaîne le meilleur du recueil éponyme, dont « Raise Me Up », « You Belong », « Athene » et « Blind » ainsi que quelques nouveautés interprétées par la petite Kim Ann Foxman et une Nomi Ruiz à la robe ultra-courte. C’est par ailleurs toujours un grand plaisir d’observer les machos de la sécurité baver devant le déhanché de la jolie créature dont ils ignorent probablement la biographie.
Il faudra attendre une bonne heure (décidément…) après la fin du set de Hercules And Love Affair pour voir enfin débarquer sur le podium l’extravagante Róisín Murphy. Dissimulée derrière de larges tentures blanches, l’ex-interprète de Moloko entame son set par « Overpowered », affublée, comme de coutume, d’un chapeau original. Celui-ci va glisser le long du visage de la star. Ce qui ne va pas l’empêcher de s’égosiller, comme si de rien n’était. Bien que la salle ne soit pleine qu’aux trois quarts de sa capacité, le public est manifestement motivé et danse de toutes parts. D’autant que la demoiselle aligne d’une traite ses morceaux les plus entraînants, tels que « Let Me Know », « You Know Me Better » ou « Checkin’ On Me ».
Quelques changements de costumes et une petite session acoustique plus tard, Mademoiselle Murphy se permet un entracte (si si !) d’une petite dizaine de minutes. Le temps de reprendre son souffle et de revenir en force. Elle balance alors un « Movie Star » extraordinairement bien remanié qui transforme définitivement la salle en une discothèque géante. La transcription ‘live’ du morceau renvoie même la version faiblarde du disque au rang de démo. Durant près d’1h40, Róisín Murphy est parvenue à ravir aussi bien les fans de son dernier opus que ceux de la première heure. Elle n’a, en effet, négligé ni son « Ruby Blue » ni sa période Moloko, puisqu’elle a interprété quelques titres tirés du répertoire de son ancienne formation.
Si vous n’avez pas pu assister à cet exceptionnel défilé chapeauté, rendez vous sur son site officiel. Le concert a été filmé et sera proposé en streaming sur son site officiel d’ici quelques jours !
Organisation : Live Nation
Vive La Fête travaille sur un nouvel album qui devrait paraître l’an prochain. Mais ce 8 décembre paraîtra un best of contenant 18 chansons dont un inédit, « Les artistes ». Il s’intitulera tout simplement « 10 ans de fête ».
Tracklisting :
1.Quatsch
2. Nuit Blanche
3. Touche Pas
4. La Vérité
5. Machine Sublime
6. Maquillage
7. Noir Désir
8. Liberté
9. Schwarzkopf
10. Hot Shot
11. La Route
12. Elle est là
13. Merde à l’amour
14. Tokyo
15. Je ne veux pas
16. AAA
17. Mon Dieu
18. bonus track : Les Artistes
Pour plus d’infos : http://www.vivelafete.be et http://www.myspace.com/VIVELAFETE1
C’est le 27 janvier que paraîtra le nouvel elpee de Bruce Springsteen. Intitulé « Working on a Dream”, il a été enregistré en compagnie de E Street Band et a ne nouveau bénéificié (NDR: c’est la quatrième fois!) du concours de Brendan O'Brien, à la production et au mixing. IL s’agit de son 24ème opus.
Tracklisting :
1. Outlaw Pete
2. My Lucky Day
3. Working On a Dream
4. Queen of the Supermarket
5. What Love Can Do
6. This Life
7. Good Eye
8. Tomorrow Never Knows
9. Life Itself
10. Kingdom of Days
11. Surprise, Surprise
12. The Last Carnival
Bonus tracks:
The Wrestler
A Night with the Jersey Devil
Pour plus d’infos : http://www.shorefire.com et http://www.brucespringsteen.net
Triggerfinger a remporté le premier Red Bull Soundclash qui s’est déroulé ce 22 octobre au Democrazy à Gand. Il a vaincu son adversaire du jour, Absynthe Minded. Ce prix a été décroché grâce à une première manche fracassante de la bande à Mario du "Mercy" de Duffy. Pour la circonstance, Triggerfinger avait invité Selah Sue à les accompagner. En voici la vidéo : http://www.youtube.com/watch?v=GdgBPM2ram0
C’est ce 24 novembre que paraîtra le nouvel album de Doc Gyneco alias Bruno Beausir. Intitulé « Peace Maker » il touche aussi bien au hip hop, funk, rock, trip hop, ragga, reggaeton qu’à la pop, pop. Le Doc a été influencé par le Monde qui l’entoure et sait parler avec justesse et humour de toutes ces tranches de vies qu’il a pu observer au gré de ses déambulations.
(d’après communiqué de presse)
Tracklisting
1 · A cœur ouvert
2 · Ma route
3 · L'incompris
4 · A mes côtés
5 · Céleste
6 · Comme d'hab
7 · Numéros
8 · Ma bourgeoise
9 · A nos héros
10 · La Rue (avec Johnny Hallyday)
11 · Toxico
12 · Le Souffle
13 · Changer le monde
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/docgyneco
Prévue pour le 27 octobre, la sortie du nouvel Ep d’Isobel Campbell & Mark Lanegan, “Keep me in mind sweetheart” a été repoussée au 15 décembre.
Tracklisting:
1. Keep me in Mind Sweetheart
2. Fight Fire with Fire
3. Asleep on a Sixpence
4. Violin tango
5. Rambling Rose
6. Hang On
http://www.myspace.com/isobelcampbell
« Soleil du soir », le nouvel opus de Dick Annegarn, est dans les bacs depuis ce 3 novembre. Il est le fruit de sa rencontre avec le guitariste Freddy Koella, un Alsacien émigré en Californie qui a accompagné Bob Dylan et Willie Deville. Il s’agit du 18ème elpee en 35 ans de carrière.
Pour voir le clip vidéo de « D’abord un verre »
http://fr.youtube.com/watch?v=hyh-j0GbOUE
http://www.dailymotion.com/jeansanteuil/video/x7bmxw_dick-annegarn-dabord-un-verre_music
http://www.wat.tv/video/dick-annegarn-abord-verre-12ahe_iedf_.html
Pour voir le clip vidéo de « Jacques »
http://fr.youtube.com/watch?v=dtuZYPf3KtA
http://www.dailymotion.com/jeansanteuil/video/x7bmjs_dick-annegarn-jacques_music
http://www.wat.tv/video/dick-annegarn-jacques-129fz_iedf_.html
Pour voir le clip « Soleil du Soir », dernière réalisation de Michel Gondry, fan avoué de Dick Annegarn :
http://www.dailymotion.com/relevance/search/soleil%2Bdu%2Bsoir/video/x7ilxc_dick-annegarn-soleil-du-soir-par-mi_music
http://fr.youtube.com/watch?v=N1S3TC7ElMA
http://www.wat.tv/video/dick-annegarn-soleil-soir-147bw_e5le_.htm
Tracklisting :
1. D'abord un verre
2. Jacques
3. Quelle poule pond tant
4. Le dernier village
5. Soleil du soir
6. Bluesabelle
7. Sans famille
8. Le blues de Londres
9. Théo
10. Soldat
11. Décadons
Pour plus d’infos : http://annegarn.free.fr
Le 16 mars 2009, paraîtra l’album le plus ambitieux à ce jour de Bonnie ‘Prince’ Billy. Intitulé « Beware », il a reçu la participation d’une multitude de collaborateurs, dont Josh Abrams, Jennifer Hutt, Emmett Kelly et Michael Zerang et d’invités prestigieux comme Dee Alexander, Leroy Bach, Jim Becker, Robert Cruz, DV DeVincentis, Jon Langford, Greg Leisez, Rob Mazurek, Nicole Mitchell and Azita Youseff.
Pour plus d’infos : http://www.myspace.com/princebonniebilly et http://www.bonnieprincebilly.com
A 63 balais, Marianne Faithfull vient de sortir son 32ème opus. Un album de reprises dont vous trouverez le tracklisting ci-dessous. Enregistré à New York, sous la houlette du fidèle Hal Willner, il a bénéficié du concours de grosse pointures telles Keith Richards, Marc Ribot, Cat Power, Nick Cave, Anthony Hegarty ou encore Rufus Wainwright.
Disque 1
Down From Dover (Dolly Parton)
Hold On Hold On (Belitsky - Case - Dean - Good & Good)
Solitude (Ellington - De Lange & Mills)
The Crane Wife (Colin Meloy)
Easy Come, Easy Go (W. Jackson - E. Brown)
Children of Stone (Espers)
How Many Worlds (Brian Eno)
In Germany Before The War (Randy Newman)
Ooh Baby Baby (Smokey Robinson - Pete Moore)
Sing Me Back Home (Merle Haggard)
Disque 2
Salvation (Hayes - Turner & Jago)
Black Coffee (Paul Webster & J. Burke)
The Phoenix (Judee Sill)
Dear God Please Help Me (Morrissey)
Kimbie (Traditionnel - arr. Jackson Frank & Marc Ribot)
Many A Mile To Freedom (Winwood & Capaldi)
Somewhere (A Place For Us) (Leonard Bernstein - Stephen Sondheim)
Flandyke Shore (Traditionnel - arr. Gil Goldstein)
Exclusive Audio Comment by Marianne Faithfull
Pour plus d’infos : http://www.mariannefaithfull.org.uk, http://ww.myspace.com/mariannefaithfullofficial et http://www.easycomeeasygothealbum.com
Orange Goblin a enregistré son prochain album en live, lors du Roadburn Festival, ce 14 novembre 2008. Il paraîtra le 23 avril de l’année prochaine en vinyle et sous une édition limitée. Cet elpee fera suite à "Healing through Fire", sorti en mai 2007.
Pour plus d’infos : http://www.orange-goblin.com et http://www.myspace.com/theorangegoblin
Quelques mois après avoir effectué un premier passage à Forest National, dans sa mouture Club, Kanye West s’est arrêté une seconde fois au même endroit. Pour être précis, ce vendredi 21 novembre. Le rappeur le plus ‘humble’ des Etats-Unis a pris d’assaut la salle ‘forestoise’, dans sa configuration originelle, afin d’y présenter un nouveau show annoncé comme spectaculaire.
Et pour ne rien gâcher à la fête, le businessman a emmené dans ses bagages une première partie de taille. En l’occurrence Santogold. Accueillie tièdement par un public manifestement venu pour assister au spectacle de Kanye West –et personne d’autre– la jeune femme s’est démenée dignement. Soutenue par ses deux inséparables danseuses, elle a ainsi interprété une large partie de son disque éponyme. De quoi faire vibrer la salle de ses tubesques « You’ll Find A Way » dans la version remaniée par Switch & Sinden, « Unstoppable », « Shove It », « Say Aha », les vrombissants « Creator » et « Starstruck » ou l’incontournable « L.E.S. Artistes ». Bien que son set soit totalement identique à celui présenté au Pukkelpop l’été dernier, Santi White peut se targuer d’avoir réussi à chauffer un auditoire qui, au départ, semblait peu enclin à apprécier son mariage des genres.
A 20h40, les lumières se rallument et un large rideau noir coulisse de manière à dissimuler les préparatifs sur scène. La salle est pleine à craquer et le public, surexcité. Si bien qu’il est impossible d’accéder à la fosse. Quelques groupies poussent des hurlements au moindre pixel apparaissant sur les écrans ornant les extrémités du podium. On aura même droit à un bon quart d’heure de ‘Ola’ dans les gradins. Mais il faudra une bonne heure aux roadies, pour tout mettre en place.
21h40. Le show peut enfin commencer. L’ouverture des tentures dévoile lentement une installation impressionnante mais moins spectaculaire qu’imaginée. Trois écrans ornent la scène. L’un, gigantesque, décore l’arrière-scène. Le second, mobile, se tient juste au dessus du rappeur, allongé tranquillement sur le troisième. Le parterre, en relief, est incliné de manière à permettre à toute l’assistance d’admirer le ‘grand’ Kanye. Après tout, si les gens ont payé, c’est pour le voir, lui... Les premières notes de « Good Morning » s’échappent des baffles et, déjà, c’est la folie. Même le public assis dans les gradins se lève comme un seul homme…
Kanye West invite l’assistance à un voyage à travers la galaxie. L’écran mobile, seul élément à interagir avec le rappeur, constitue son système de géo-positionnement intergalactique. Il est animé par une voix féminine suave. L’homme aimerait faire du cinéma et ça se voit. Très théâtrale, la mise en scène le propulse à travers des contrées arides et menaçantes, au son de ses trois premiers opus, « The College Dropout », « The Graduation » et « Late Registration », sans oublier des extraits de « 808’s & Heartbreak », son tout dernier elpee, paru officiellement le jour de ce concert. Les terribles « Heard ‘Em Say », « Diamonds From Sierra Leone », « Love Lockdown », « Welcome To Heartbreak », « Jesus Walks » s’enchaînent lors d’un show renvoyant ceux de P. Diddy aux oubliettes.
En près de deux heures, Kanye West est parvenu à parcourir l’entièreté de la voie lactée, allant jusqu’à combattre une espèce de ver des sables géants aux yeux rouges –un monstre mécanique un peu ridicule mais amusant– sur un « Can’t Tell Me Nothing » surpuissant. Et un concert de rap n’en étant pas un sans la présence de ‘biatches’ sur scène, la gentille voix du GPS propose à l’interprète de lui donner un coup de main lorsque celui-ci s’exclame être en manque. La forme mécanique déployée sur l’écran mobile laisse soudain apparaître virtuellement les formes voluptueuses d’une sulfureuse jeune femme au corps enduit de peinture dorée. Très vite rejointe par une ‘copine’, elle se met alors à faire valoir ses charmes sur un « Gold Digger » qui mettra définitivement le feu aux fesses du public.
Incontestablement, Forest National a accueilli un des meilleurs concerts de rap de son histoire, même si le show de Kanye West a tout de même souffert de l’ego du bonhomme. Et pour cause, il a gentiment relégué son orchestre au devant de la scène mais un niveau plus bas, même si un système d’élévation a permis à son band de montrer le bout du nez une ou deux minutes. Et la choriste n’a pas davantage été mise en évidence. Si elle a pu s’égosiller quelques secondes au vu de tous, aucun spot ne lui a permis de profiter de son instant de gloire avant que 'l'ascenseur ne la refasse disparaître, en même temps que l'orchestre. « Touch The Sky » constituera l’un des meilleurs moments d’un concert que le public ne risque pas d’oublier de sitôt. Kanye West a beau avoir le melon, sa réputation de showman-prodige se confirme tranquillement…
Organisation : Live Nation.
« The Swell Season », c’est le titre de l’album éponyme composé et interprété par Glen Hansard et Marketá Irglová. C’est également le patronyme choisi par ce duo. Ainsi que la BO du film « Once », parue en 2007. Un film musical dans lequel nos deux musiciens sont les protagonistes. Ma première écoute de cet album remonte à cet été. Un ami attentif m’avait alors envoyé un lien pour écouter « When Your Mind’s Made Up », morceau qui m’a littéralement scotché à l’écran de mon portable!
J’ai repassé le clip au moins trois fois. Quand la musique vous submerge et vous procure de telles sensations d’envoûtement, on a cette impression d’avoir des ailes qui vous poussent dans le dos. A ma surprise, en écoutant les autres plages de l’opus, le plaisir s’est prolongé. Il ne se limitait pas à un seul single susceptible de me faire vibrer ! Non, parce que la majorité des plages sont un appel à la douceur et à la relaxation de l’esprit.
Quel enchantement ! Quelques clics plus tard, je me procure donc une place pour le concert. L’opportunité de me rendre au Handelsbeurs à Gand. Salle splendide, propice à la rencontre de Glen et Marketá.
Juste avant de m’y rendre, j’appréhendais un peu ce concert. Peur d’être déçue et que le concert soit court. Qu’ils s’en tiennent uniquement aux plages de leur album. Il revenait à Mark Geary de chauffer la salle. Ce troubadour dégage un sacré ‘capital sympathie’, sans même devoir gratter sa guitare ! Quelques enchaînements, une belle dose d’humour et 40 minutes plus tard, la salle n’attend qu’une chose, l’arrivée du binôme tchéco-irlandais.
L'entrée en scène de The Swell Season est discrète. Les titres s’enchaînent facilement. Glen prend soin d’introduire chacun d’entre eux. Il est plutôt bavard et aime l’échange avec son public. Un public qui, au fur et à mesure, se lèche les babines de plaisir… Le mélange des deux voix caresse nos oreilles… Assise derrière son piano, Marketá envoûte. Sa guitare autour du cou, Glen captive et anime.
Evidemment, ils n’ont pas oublié d’interpréter les inévitables « When Your Mind’s Made Up et « Falling Slowly », ainsi que d’autres titres de l’elpee. Membre du groupe The Frames, Glen nous a également réservé quelques tubes issus de leur répertoire. Un set qui, rappel compris, aura duré 2h.
Rares sont les concerts aussi longs ! Ce soir, j’ai pris une dose de folk-rock de qualité premium. C’était du très bon ! D’ailleurs, la soirée s’est terminée au bar, où Mark, Glen et le batteur sont venus se mêler aux assoiffés que nous étions tous.
Organisation Handelsbeurs
Il y a déjà un bout de temps que le concert de Bullet For My Valentine était annoncé à l'AB. Je suis toujours sous le charme de leurs deux albums. Et j’avais eu la chance d’assister à leur set accordé à Paris. A l'Olympia, très exactement. Aussi, comme je les avais loupés au Graspop cette année, il n’était pas question de manquer leur prestation de ce mercredi, en Belgique. Au départ l’affiche était libellée ‘Bullet For My Valentine (AKA B4MV) + Lacuna Coil & guests’. Lacuna Coil est une formation dont je ne connaissais que le nom. Et en mon for intérieur, je craignais fort devoir me farcir un ensemble du style Within Temptation ou autre Nightwish, deux combos dont les envolées lyriques des chanteuses et les riffs plutôt lents et basiques ne me bottent pas trop.
Organisation AB
Le 6 juin 2004, Charlotte Maison et David Baboulis publiaient un « Stop Talking » qui imposera instantanément Soldout comme la formation d’électro à la belge incontournable. Le message était simple : ‘Ta gueule et danse’. Un ordre que l’on se faisait un plaisir de suivre au son des imparables « I Don’t Want To Have Sex With You » ou « Man On The Radio ». Le duo aura ensuite délaissé le micro et les platines pendant un peu plus de quatre ans, laissant derrière lui un vide relatif. En 2008, Soldout se réinvite enfin aux réunions électroniques nocturnes.
Toujours résolument tourné vers le dancefloor, « Cuts » marque le retour d’une formation manifestement plus sûre d’elle et ancrée dans le moment présent. Ce second ouvrage est sans conteste le disque « adulte » de Soldout. A la fois riche, professionnel et réfléchi ainsi qu’un chouïa plus sombre que « Stop Talking », « Cuts » contient autant de pépites que son prédécesseur. « One Word And The Next », « Come On (Part 1) », « Mysteries », « The Call » ou le second single « Build Ip Up / Knock It Down » sont autant de tubes aux inéluctables poussées d’adrénaline propices à des nuits blanches interminables. Pas nécessairement évident à apprivoiser lors des premières écoutes, « Cuts » s’avère être, à long terme, une jolie réussite.
La grande bestiole brésilienne Cansei de ser sexy, plus connue de ses initiales CSS, montre les crocs au reste de la planète pour la seconde fois. Lors de sa première apparition, celle-ci avait injecté une bonne dose d’adrénaline dans le sang de ses proies et disséminé sur son passage une foule de corps frénétiquement remués. Depuis, l’animal fabuleux a perdu un membre, ses couleurs et quelques dents. Moins menaçant, il n’est plus aujourd’hui que l’ombre de lui-même.
Effrayée par les terres ardentes qu’elle a pourtant un jour parcourues spontanément, la bête limite ses allers et venues aux espaces les plus peuplés et les moins aventureux qui se présentent à elle. Autrefois prisée, elle provoque désormais l’indifférence générale et se fond progressivement dans le décor. Pour retomber sur ses pattes, on lui conseille donc vivement un petit tour chez le dentiste et une bonne leçon de courage.
Elle en a fait du chemin la fillette aux cheveux roses qui faisait ses armes au sein de la scène R’n’B sans rien n’y apporter. Alecia Beth Moore alias Pink (ou P!nk pour les intimes) s’est depuis tournée vers le Pop-Rock, à nouveau sans rien n’y apporter de plus sinon un groove indéniable et une sacrée dose de fun. Aujourd’hui, la Rock Chick publie un cinquième ouvrage intitulé « Funhouse » s’inscrivant dans la continuité de « I’m Not Dead », son prédécesseur. Le recueil s’ouvre sur « So What », le premier des singles de la jeune femme à avoir atteint la pôle position des charts américains. Elle y clame haut et fort un « So What ? I’m Still A Rock Star… » que confirment les sympathiques morceaux « Sober », « Funhouse », « It’s All Your Fault », « Bad Influence » et d’autres plus accessoires tels que « Ave Mary A », « Mean » et « This Is How It Goes Down », un duo en compagnie de Travis McCoy (Gym Class Heroes).
Fidèle à elle-même, Pink entrecoupe ses délires à la guitare de ballades gentillettes aux textes marqués par son récent divorce. Faute d’innovation, Pink s’amuse et communique agréablement sa bonne humeur à travers ses mélodies légères et hautement radiophoniques. « Funhouse » n’est certainement pas le produit du siècle ou même le meilleur ouvrage de la donzelle mais il vaut toujours mieux qu’un déchet d’Avril Lavigne et consorts.
De son véritable nom Ben Jacobs, Max Tundra est un multi-instrumentiste. En outre, il n’a de leçons à recevoir de personne lorsqu’on parle de claviers ou autres machines électroniques. C’est Warp qui l’a lancé en 1998. En gravant son single « Children At Play ». Mais cet Anglais est considéré comme un artiste un peu trop perfectionniste et visiblement pas assez rentable. Il change donc d’écurie. Et rejoint alors Domino, pour lequel il concoctera trois albums, dont ce « Parallax Error Beheads You ». Un opus qui démontre étrangement que l’ère du 8 Bits n’était pas aussi archaïque que l’auditeur lambda pensait…
Max Tundra déborde d’énergie. Mais il se révèle surtout un merveilleux conteur pop. Et il en fait la plus parfaite démonstration tout au long des 10 plages de ce troisième elpee. Mais tel un sauvage, le Briton prend un malin plaisir à déstructurer un peu trop souvent la fin de ses morceaux, même si cette déstructuration est souvent subtile. Ce qui a le don d’agacer. Adepte du ‘revival 8 Bits’, l’artiste s’en donne à cœur joie lorsqu’il s’agit de composer des hymnes ‘Pacmaniens’. « Will Get Fooled Again », titre phare de l’elpee, constitue ainsi l’exemple parfait de cette dégradation ingénieuse. Après une intro parfaitement pop, Max Tundra vient progressivement planter des beats saccadés et inoculer des claviers ‘vintage’. L’opus souffre quand même de quelques passages à vide. On a ainsi l’impression qu’après avoir fourni un énorme travail, l’artiste cherche son second souffle.
« Parallax Error Beheads You » n’est pas un disque facile d’accès. L’univers sonore de Max Tundra est peuplé de sonorités complexes mais précises. Un univers très personnel qui s’adresse d’abord aux mélomanes avertis. Pour les autres, je comprends leur réticence à accepter l’invitation au voyage, car il est long et fatiguant.
Il y a quarante ans que Julien Clerc caresse des textes à subtilité variable, de son timbre caractéristique. « Où s’en vont les avions ? » était –une fois de plus– annoncé comme l’album du retour aux sources, à l’inspiration originelle. Mais si des plages comme « Apprendre à lire » ou « Sous sa grande ombrelle» font un peu décoller le disque, le douze pistes vole à basse altitude.
Loin d’être médiocre, l’album précédé sur les ondes par l’efficace « La jupe en laine » est surtout décevant. Il est frustrant parce qu’il y avait du beau monde à l’embarquement : Bénédicte Schmitt, Benjamin Biolay, Gérard Duguet-Grasset,… et parce que le dernier voyage –l’intime « Double enfance »– nous avait laissé d’agréables souvenirs…
S’il manque un peu de légèreté et d’impact dans son dernier opus, Julien Clerc joue par contre la carte de l’audace. Pas de révolution mais des surprises. Dont l’introduction, entre autres, de passages parlés (« Forcément ») et de sonorités classiques sous couvert d’une berceuse (« Dormez »). Il est également rare qu’auteur et compositeur affichent tous deux la paternité d’un titre sur leurs albums respectifs. C’est le cas ici pour « Restons amants ». Une perle ! Et le poétique « Déranger les pierres ». Deux titres enregistrés, il y a quelques mois, par Maxime Le Forestier et Carla Bruni. Le pari est risqué, la comparaison inévitable et peu flatteuse. La proximité des sorties confère aux morceaux l’allure de reprises à la réinterprétation peu convaincante que seule une écoute prolongée parvient à atténuer. Dommage !
Quand on découvre le patronyme du groupe sur la pochette, les premières interrogations surgissent. Qui sont-ils ? Jamais entendu parler, en tout cas. D’où viennent-ils ? De Clermont Ferrand ? Ah bon ! Quand ensuite, se dessine le titre de l’album, « A Little Girl, a Little Boy, and All the Snails They Have Drawn », c’est carrément perdu dans les interrogations que l’on enclenche la plaque. Un œil sur la bio ; et on apprend que c’est par la naissance de leurs propres histoire d’amour, que les auteurs ont composé les 14 titres de cet elpee. Les oreilles bien dressées, on craint devoir pénétrer dans un univers mièvre. Et bien pas du tout. Il est tout bonnement cosy. La voix susurrée de Derek Delano vient immédiatement se poser sur les cordes subtiles de son orchestre. Les accords précis libèrent puissance et émotion. La délicatesse du timbre de voix sublime les différents éléments qui viennent s’y associer. Piano, trompette, clavier : jamais la bulle de confort n’est mise en danger ; elle ne cesse d’ailleurs de croître. D’entrée de jeu, la qualité de leur folk pop s’impose. Elle ne trahira jamais la galette, s’efforçant brillamment de susciter constamment rêves et voyages. Evoluant au sein d’un univers coincé entre Mark Oliver Everett et sa bande (Eels), Sam Beam (Iron & Wine) et Ben Cooper flanqué d’Alex Kane (Electric President), l’accroche s’opère naturellement, sans même que l’on se sente happé ou forcé. Ce Delano Orchestra est une véritable énigme. Mais elle nous accueille spontanément dans son mystère. Les bras grands ouverts et le cœur sur la main. Le cœur étant vraiment, la cible stratégique des Français, il ne vous faudra pas longtemps pour les autoriser à y pénétrer. Un groupe à suivre, assurément !
Edwards Williams est peut-être petit par la taille mais grand par le talent. Ce neveu du légendaire J.B Hutto a monté son quartet, il y a plus d'un quart de siècle : les Blues Imperials. Et en ce début du XXIème siècle, il nous propose encore et toujours la crème du Chicago West side blues. A l’instar de son oncle, jadis, son arme la plus redoutable est le bottleneck. Un petit tube en acier qu’il glisse au doigt pour le frotter le long des cordes, afin de produire un son métallique, immédiatement perceptible. Lil' Ed n'a que 31 ans lorsqu'il est repéré par Bruce Iglauer, le patron du célèbre label de Chicago, Alligator. Il l'invite en compagnie de son groupe dans son studio. Il ne leur faudra que trois heures pour immortaliser une trentaine de titres. Bruts de décoffrage. Sans le moindre artifice. Du ‘live’ quoi ! Ces morceaux serviront de base à la confection du premier elpee "Roughhousin". Un disque qui paraît la même année, soit en 1986. Le band accomplit des tournées interminables et réalise deux autres opus avant de décider de se séparer, au cœur des années 90. Ed concocte alors deux albums personnels, flanqué de son ami Dave Weld, chez Earwig. Mais en 1998, il a le blues de son ancien groupe. Et remonte l’équipage. Dans la foulée, il signe un nouveau contrat chez Alligator.
« Full tilt » constitue le cinquième chapitre de cette nouvelle aventure. Pour la circonstance, Lil’ est soutenu par Michael Garrett à la seconde gratte, son frère James ‘Pookie’ Young à la basse et Kelly Littleton à la batterie. Caractéristique du line up : il est multiracial. La majorité du répertoire est cosignée par Ed et son épouse Pamela.
Tonitruante, la slide ouvre le feu sur "Hold that train". Elle libère de bonnes vibrations. Au départ, le chant de Lil’ domine le sujet ; mais rapidement, il cède la place aux cordes explosives et furieuses. Le bottleneck glisse le long du manche et produit déjà une forme d’envoûtement. Lil’ étale tout son savoir-faire sur "Housekeeping job". Ses phrases agressives sont dignes de la palette d'Albert King. Soutenue par les saxophones d'Eddie McKinley et David Basinger, la rythmique s’avère très dansante. La même recette est reproduite pour "Woman, take a bow". Le climat est à nouveau volcanique. Imprimé sur un tempo très rock'n'roll, "Don't call me" est entretenu par le riff slide de circonstance et le piano sautillant de Johnny Iguana. Ed est évidemment capable de changer de registre. Et de s’attaquer au slow blues. Comme sur le brûlant "Check my baby's oil" ou le superbe "Life got in the way". "Love don't live here anymore" évolue naturellement sur un tempo soutenu. La rythmique épouse un profil très Jimmy Reed. Ed accorde au piano de Johnny Iguana et aux cordes de son partenaire Michael Garrett, un billet de sortie. Mais ce dernier se montre sous son meilleur jour sur "My baby moves me". La slide ne tient guère en place tout au long du boogie vivifiant "Candy sweet"! Signé Pookie Young, "Every man needs a good woman" campe un blues lent généreux, dramatique, satirique, mais empreint d’une grande sensibilité. L’orgue Hammond tapisse cette plage au cours de laquelle Ed étale toute la richesse et la puissance de sa voix ; une voix qui vibre et épanche un océan de mélancolie. Pour conclure cet elpee, les Blues Imperials ont décidé de puiser au sein du répertoire de Hound Dog Taylor. Et tout particulièrement en adaptant le redoutable "Take five". Impossible de résister aux fourmis qui démangent tous nos membres. D’autant plus que cette attaque rythmique est implacable. Irrésistible même ! Très directe, cette musique reflète parfaitement la puissance de feu du quartet sur les planches. Il n'y manque que l’aspect visuel. Mais on l’imagine. Parce que l'image du leader est tellement colorée. Il n'hésite jamais à se vêtir de rouge flamboyant. Son crâne est toujours recouvert d'un couvre-chef. De manière, sans doute, à compenser sa taille. Il se produit très souvent chez lui. A Chicago. Au Buddy Guy's Legends. Chez Rosa's, au B.L.U.E.S.
Chanteur, guitariste et compositeur, JJ Grey est originaire de Jacksonville, en Floride. Il est soutenu par une formation répondant au patronyme de Mofro. Sa musique est personnelle. Et pour cause, il compose l’intégralité de son répertoire. De la soul teintée de funk, qu’il contamine d’accès de blues et de rock. Mofro avait commis son premier opus en 2001 : "Blackwater". Un disque suivit par "Lochloosa", en 2004. Constamment à la recherche de nouveaux talents et de nouvelles sonorités, Bruce Iglauer repère l’aubaine. Il signe JJ Grey chez Alligator. Ecurie sur laquelle paraît un premier opus en 2007 : "Country ghetto". Partagé en douze morceaux, « Orange blossoms » en est la suite logique. Au sein du line up, le guitariste Daryl Hance joue un rôle très important. C’est même le principal partenaire de Grey.
Le titre maître ouvre l’elpee. Le rythme est enlevé, mais sans excès. Une compo susceptible de rappeler l’univers swamp de Tony Joe White. La voix soul de Grey est délicate. Elle est soutenue de chœurs et de cuivres. Il concède un subtil solo sur son ‘clavinet’, avant de se consacrer aux cordes face à la slide de Hance. L’expression sonore baigne dans un r&b dansant et séduisant. Quoique rythmé, "The devil you know" emprunte des accents nonchalants venus directement des marais du sud profond de la Lousisiane. Voire de la Floride. Des sonorités rituellement qualifiées de deep southern soul. La guitare évolue constamment à l'avant-plan. "Everything good is bad" est la seule compo du tracklisting qui n’est pas issue de sa plume. Elle baigne dans une ambiance gospel et met en exergue le timbre vocal d’une grande pureté de JJ, même si la part belle est donnée à l'orgue Hammond B3 d'Adam Scone. Un clavier funèbre introduit "She don't know". La voix de JJ est d’une extrême douceur. Le climat dépouillé, malgré la présence d'un quatuor à cordes. "The truth" est une plage brillante. La mélodie mélancolique et tendre. Véhiculant une grande tristesse, la voix se détache de l’ensemble. Manifestement, l'artiste y reflète une peine de cœur. L'orgue Hammond, les violons et le violoncelle accentuent cette immense détresse peine. Cet épanchement de mélancolie envahit également "Dew drops". Changement de climat pour "On fire". Un morceau bien plus optimiste. Les cuivres sont en effervescence. Du pur funk made in Nouvelle Orléans. Un funk qui s’adapte et finit par se traîner paresseusement sur "Move it on". Grey y partage les vocaux en compagnie de chœurs féminins. Les interventions de Dennis Marion à la trompette sont feutrées. Ce funk traduit toute sa délicatesse sur "Higher you climb", un titre très participatif. Vocaux, cordes, cuivres et orgue collaborent une nouvelle fois, impeccablement, à l’architecture sonore. "Ybor city" nous replonge dans l’univers du "Swamp fox". Celui de Tony Joe White, très exactement même si le rythme est beaucoup plus soutenu. D’excellente facture, cet album s’achève par "I believe (in everything)", un cri d’espoir empreint d’une infinie douceur…
En France, on connaît David Guetta et son malheureux sourire de benêt. Désormais, en Belgique, il faudra compter sur Joss, un personnage aussi ringard et pathétique que son homologue Français. Carolo d’origine, il possède cependant un assez bon bagage technique en matière de deejaying (il a été finaliste mondial du Disco Mix Club à New York). On en ignore la raison, mais il s’est soudainement trouvé une vocation dans la chanson. C’est ce que l’on peut constater sur son single « Right Now », issu malheureusement d’un futur prochain album. On craint le pire !
Issu de la plume de Cosmic et enregistré par Fred Rister (compositeur du titre « Love Is Gone » de David Guetta) « Right Now » a tout pour booster vos mariages ou vos folles soirées étudiantes. Tout au long de ce titre aux beats bien lourds et dénués de la moindre subtilité, Joss pompe quelques riffs de guitares old school pour faire rock. En extrapolant, imaginez des Scorpions qui se seraient mis à la dance music ?
Bref, il faut se rendre à l’évidence, le Joss risque bien de cartonner à Ibiza, là où Milk Inc. ou encore ce bon vieux David Guetta se sentent le plus en verve ! « Right Now » est donc un titre qui n’est pas du tout à conseiller aux puristes de l’électro. Ils me comprendront, j’en suis sûr !
Double affiche ce samedi 15 novembre, puisqu’elle réunissait le chanteur/compositeur/guitariste nigérian Keziah Jones et Patrice Bart-Williams alias Patrice, un musicien de reggae né de mère allemande et de père sierra-léonais (NDR : pas n’importe qui, puisque c’est l’écrivain activiste Gaston Bart-Williams). Et c’est un concert sold out qui accueille les deux artistes à l’AB.
Place tout d’abord au phénomène Keziah Jones. La guitare claque immédiatement ; mais il faudra quelques accords avant de s’en rendre compte, tant le visuel accapare les regards féminins. Fascination incontournable face à l’éphèbe métisse, torse nu et tout sourire, nonchalant et sensuel. Le chapeau vintage et le pantalon ethnique taille (très) basse plus que suggestif, et voilà que tombent les dernières résistantes. Si la majorité est probablement venue avant tout pour Patrice, le spectacle visuel de cette première partie n’essuiera aucune déception. Les jeunes filles se déchaînent, la température grimpe, les musiciens sont en confiance et le reste suit sur des chapeaux de roues. Keziah Jones manipule sa guitare avec une dextérité qui laisse perplexe ; même portée derrière en aveugle, elle garde ce rythme franc et déterminé qui fait le charme unique du blue funk. « Blue funk is a fact » disait le premier album. Depuis, peu de choses ont changé. Malgré une discographie légèrement inégale, le style Keziah Jones est intact. Certes, les anciennes chansons trouvent plus d’écho. « Rythm is love » provoque d’ailleurs un raz-de-marée (justifié). Mais les compositions de « Nigerian Wood », si elles n’ont pas l’âme et la mélodie des débuts, sont accueillies sans réserve. Une critique plus en profondeur pourrait bien dénoncer l’allure brouillonne et bien d’autres imperfections ; mais l’heure est au bouillonnement incontrôlé. La critique tombe dans un gouffre béant et il n’y a plus qu’à se laisser envoûter.
La passion reprend de plus belle dès l’entrée en scène de Patrice. Là encore, les scepticismes ne trouvent pas à qui parler. Les sourires s’étendent jusqu’aux oreilles et chacun plonge corps et âme dans ces formes reggae chaloupées. Chaque morceau suscite l’ovation et le public est plus que réceptif. Aucune résistance sur les gestuelles lancées en modèles par les musiciens, qu’elles frôlent ou non le ridicule. Rien n’est de trop. « When I walk in my room » atteint les sommets de l’agitation ; même serrés, les corps se meuvent au possible, les mains applaudissent sans répit et le refrain chanté en chœur ne compte sans doute pas un dissident. Même dix ans plus tard, même plus orientées soul et hip hop, les compositions de « Free Patriation » ont force de conviction. Ce quatrième album serpente sans trop de problèmes parmi les tubes, forcément plus attendus. En somme, la conquête est totale ; voire indescriptible. Patrice est adulé et le rend au public. S’élève alors majestueusement un début légendaire « Everyday is gonna be alright », que Patrice reprend de sa voix tremblante d’émotion en lui substituant des paroles improvisées dans un français maîtrisé: ‘Je voulais vous dire que cette après-midi, j’avais la mélancolie, les soucis, mais là, vous me donnez toute cette énergie et je veux vous dire merci parce que je revis, merci, pour votre énergie, merci. Je suis heureux, merci’. On voudrait critiquer ces interludes fleurs bleues mais la sincérité est troublante. Plus l’emportement du public est manifeste, plus Patrice se laisse aller à des improvisations charmantes tant elles sont décomplexées. Pour terminer en feu d’artifice, le rappel s’achève par une percée dans la foule en sueur où, le micro à la main et accompagné d’un percussionniste, il achève de faire fondre les dernières neiges.
Org: Greenhouse Talent, Gand
Double affiche ce samedi 15 novembre, puisqu’elle réunissait le chanteur/compositeur/guitariste nigérian Keziah Jones et Patrice Bart-Williams alias Patrice, un musicien de reggae né de mère allemande et de père sierra-léonais (NDR : pas n’importe qui, puisque c’est l’écrivain activiste Gaston Bart-Williams). Et c’est un concert sold out qui accueille les deux artistes à l’AB.
Place tout d’abord au phénomène Keziah Jones. La guitare claque immédiatement ; mais il faudra quelques accords avant de s’en rendre compte, tant le visuel accapare les regards féminins. Fascination incontournable face à l’éphèbe métisse, torse nu et tout sourire, nonchalant et sensuel. Le chapeau vintage et le pantalon ethnique taille (très) basse plus que suggestif, et voilà que tombent les dernières résistantes. Si la majorité est probablement venue avant tout pour Patrice, le spectacle visuel de cette première partie n’essuiera aucune déception. Les jeunes filles se déchaînent, la température grimpe, les musiciens sont en confiance et le reste suit sur des chapeaux de roues. Keziah Jones manipule sa guitare avec une dextérité qui laisse perplexe ; même portée derrière en aveugle, elle garde ce rythme franc et déterminé qui fait le charme unique du blue funk. « Blue funk is a fact » disait le premier album. Depuis, peu de choses ont changé. Malgré une discographie légèrement inégale, le style Keziah Jones est intact. Certes, les anciennes chansons trouvent plus d’écho. « Rythm is love » provoque d’ailleurs un raz-de-marée (justifié). Mais les compositions de « Nigerian Wood », si elles n’ont pas l’âme et la mélodie des débuts, sont accueillies sans réserve. Une critique plus en profondeur pourrait bien dénoncer l’allure brouillonne et bien d’autres imperfections ; mais l’heure est au bouillonnement incontrôlé. La critique tombe dans un gouffre béant et il n’y a plus qu’à se laisser envoûter.
La passion reprend de plus belle dès l’entrée en scène de Patrice. Là encore, les scepticismes ne trouvent pas à qui parler. Les sourires s’étendent jusqu’aux oreilles et chacun plonge corps et âme dans ces formes reggae chaloupées. Chaque morceau suscite l’ovation et le public est plus que réceptif. Aucune résistance sur les gestuelles lancées en modèles par les musiciens, qu’elles frôlent ou non le ridicule. Rien n’est de trop. « When I walk in my room » atteint les sommets de l’agitation ; même serrés, les corps se meuvent au possible, les mains applaudissent sans répit et le refrain chanté en chœur ne compte sans doute pas un dissident. Même dix ans plus tard, même plus orientées soul et hip hop, les compositions de « Free Patriation » ont force de conviction. Ce quatrième album serpente sans trop de problèmes parmi les tubes, forcément plus attendus. En somme, la conquête est totale ; voire indescriptible. Patrice est adulé et le rend au public. S’élève alors majestueusement un début légendaire « Everyday is gonna be alright », que Patrice reprend de sa voix tremblante d’émotion en lui substituant des paroles improvisées dans un français maîtrisé: ‘Je voulais vous dire que cette après-midi, j’avais la mélancolie, les soucis, mais là, vous me donnez toute cette énergie et je veux vous dire merci parce que je revis, merci, pour votre énergie, merci. Je suis heureux, merci’. On voudrait critiquer ces interludes fleurs bleues mais la sincérité est troublante. Plus l’emportement du public est manifeste, plus Patrice se laisse aller à des improvisations charmantes tant elles sont décomplexées. Pour terminer en feu d’artifice, le rappel s’achève par une percée dans la foule en sueur où, le micro à la main et accompagné d’un percussionniste, il achève de faire fondre les dernières neiges.
Org: Greenhouse Talent, Gand
Le deuxième jour de cette édition des Inrocks 2008 se déroulait donc au Splendid. Toujours à Lille. Pas trop de monde lorsque le premier groupe monte sur le podium. Un public qui va cependant affluer au cours de la soirée, pour finalement bien remplir la salle lors de la prestation des deux derniers groupes. Faut croire que de nombreux spectateurs ne s’intéressaient qu’à Friendly Fires et à Foals. Et quelque part, ils n’avaient pas tout à fait tort.
Parmi les quatre groupes programmés lors de cette soirée, il revenait à The Wild Beasts d’ouvrir les hostilités. Une formation issue de Kendal, en Grande Bretagne. Un seul album à leur actif, « Limbo, Panto », paru en juin de cette année. Ce qui frappe surtout chez ce quatuor, c’est l’amplitude vocale du chanteur/claviériste/guitariste, Hayden Thorpe. Parfois mâle et rauque ; souvent falsetto, dans un registre fort proche de Jimmy Sommerville. En outre, les backing vocaux conjugués par le bassiste et le drummer accentuent la limpidité des harmonies vocales. Un bonnet de laine sur la tête, Hayden ressemble à un bûcheron canadien. Au début du set, il joue même de la gratte assis devant son clavier. Musicalement, leur pop, légèrement teintée de jazz, est un peu trop propre pour pouvoir communiquer une quelconque envie de remuer dans la salle. On a même l’impression que le drummer se décarcasse… pour ne pas trop heurter le sens mélodique. Bref, c’est sympa, mais un peu mou quand même.
Place ensuite aux Virgins. Un quartet new-yorkais manifestement influencé par le garage, le funk, le britrock et le r&b. Les plus jeunes penseront aux Strokes. Les vétérans aux Stones. En outre, c’est le bassiste, Nick Zarin-Ackerman (NDR : vu sa tête, il doit être d’origine amérindienne) qui balise toute la solution sonore de ses interventions très groovy et ma foi fort judicieuses. Quant au chanteur, Donald Cumming (NDR : il a aussi trempé dans le monde du cinéma), sa voix traînante et languissante a beau conter des textes terriblement urbains, elle manque quand même d’intensité pour parvenir à faire passer ses émotions.
On en arrive donc à Friendly Fires. La presse en parlait tellement, qu’on craignait devoir se farcir un hype. C’est tout le contraire que cette formation de St Albans nous a démontré. St Albans, c’est un patelin sis, dans le Hertfordshire, en Angleterre. Pas d’une quelconque banlieue de New York. Pourtant, leur punk funk est terriblement excitant. Un punk funk contaminé par le funk, la shoegaze et la pop. Une sorte d’hybride entre !!! et Radio 4. Le tout revisité par Franky Goes To Hollywood et LCD Soundsystem. Il y a de l’électro, mais c’est joué live. Du groove. Beaucoup de groove. Pour la scène, le trio de base est soutenu par deux mucicos dont un bassiste. On vibre aux rythmes des percus latino, dignes du carnaval de Rio. Les accès de guitare sont cinglants, pyrotechniques. Le public remue dans tous les sens, fait la fête. Et puis au centre de la scène s’agite Ed Marcfarlane. Il va même descendre dans le public. Le chanteur/danseur (à ses heures guitariste ou claviériste) a une bonne voix, mais elle se fond dans l’ensemble. Ses déhanchements sensuels, spasmodiques, chaloupés, communiquent un feeling voluptueux à la foule. On ne voit pas le temps passer. C’est la révélation du festival ! Et comme dirait, notre photographe préposé pour la circonstance, c’est ‘the next big thing’ !
Pas facile dès lors pour Foals de clôturer la soirée. Et pourtant, il y est parvenu sans aucune difficulté. En fait, Foals est avant tout un groupe de scène. Et au fil du temps, ses prestations deviennent de plus en plus convaincantes. Enfin, c’est ce que m’ont rapporté plusieurs spectateurs au cours d’une conversation impromptue relative à leur set. Le quintet d’Oxford pratique une forme de math rock mâtiné de post punk et de noise atmosphérique. Dans un style susceptible de rappeler The Rapture et TV on The Radio. Pas étonnant quand on sait que leur album, « Antidotes », paru en mars de cette année, a été produit par David Sitek. De petite taille, Yannis Philippakis est le guitariste/chanteur. Il virevolte d’un côté à l’autre de la scène. Monte même sur les baffles. Le second gratteur, Jimmy Smith, tient ponctuellement sa guitare très haute, comme si c’était un médaillon. Les musiciens sont hyperactifs et communiquent cette intensité à la foule, qui se met à danser. Yannis possède un timbre vocal volatil, versatile, épousant même parfois des inflexions ‘robertsmithiennes’. Mais ses interventions au chant sont parcimonieuses. Les rythmes dansants, hypnotiques. Les cordes de guitares staccato, contagieuses, rampantes. Les drums implacables. Les lignes de basse pulsantes. Il y une urgence dans leur musique qui nous fait tourner la tête. Yannis abandonne le temps d’un morceau sa râpe, pour se mettre à frapper sur une caisse claire. Puis disparaît dans la foule. On le cherche. Et puis soudain, il se retrouve juste en face de votre serviteur. Il a deux sticks dans les mains et me regarde d’un air hagard. Puis continue son chemin. Après avoir pris un bain de foule, il remonte sur le podium. Il avait sans doute envie de prendre la température de la salle. Tout le monde semble d’avoir perdu ses repères, d’autant plus que le groupe se lance dans une équation semi-psychédélique, semi-noisy. Puis tout s’arrête ; et il ne subsiste plus qu’une sensation de vide. Pas de rappel. Les lumières s’allument. La musique de fond reprend ses droits. Et on se décide, bon gré, mal gré, à quitter les lieux. Mais franchement, ce soir, le festival des Inrocks a vibré en compagnie de Friendly Fires et de Foals…
The Wild Beasts + The Virgins + Friendly Fires + Foals
(voir aussi notre rubrique Live Photos)
Organisation : A Gauche De La Lune et Aéronef (Lille)
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