Ce sera le dernier concert limité à 50 spectateurs au Zik-Zak, à Ittre. Bientôt, il ne faudra plus rester assis par bulles, présenter un CST pour accéder à la salle et porter un masque lorsqu’on se déplace.
C’est la sixième fois que votre serviteur assiste à un concert de Thomas Frank Hopper. Né à Bruges, Thomas Verbruggen, aka Thomas Frank Hopper, est également le chanteur le Cheeky Jack, une formation responsable d’un seul elpee à ce jour, « Black Sheep », paru en 2014. En solo, Thomas a gravé deux Eps, « No Man’s Land », en mars 2015, « Till The Day I Die », en 2019, ainsi qu’un premier elpee, en 2021, « Bloodstone ». Ce soir, Thomas Frank Hopper est soutenu par le guitariste Diego Higueras, le bassiste Jacob Miller, le drummer Nicolas Scalliet et, c’est une nouveauté, un préposé aux claviers.
Le set d’ouvre par le titre maître de son album, dont il va nous en réserver de nombreux morceaux. Mais également quelques compos qu’il n’a jamais interprétées en ‘live’. Il raconte qu’il a vieilli (comme tout le monde) et signale qu’il faut profiter du moment présent, parce qu’il est unique. Et qu’il ne faut pas oublier de prendre du bon temps.
Dans sa musique on ressent, parmi ses influences, celles du Led Zeppelin (et pas seulement à cause de sa voix qui rappelle celle de… Robert Plant) de John Butler et de Jack White. Faut dire que sa musique est fondamentalement blues/rock.
Thomas Frank Hopper prend de plus en plus d’assurance sur les planches. Il passe avec une facilité déconcertante de la gratte électrique à la steel guitar qu’il joue assis, à la manière de Ben Harper. Son bootleneck y glisse naturellement, que ce soit à la lap steel ou en slide. Quand il s’arme d’une sèche, c’est en solitaire ; le public est alors particulièrement attentif et on n’entendrait pas une mouche voler.
Sa musique est particulièrement ancrée dans les 70’s, et l’utilisation d’amplis vintage ainsi que de synthés qui reproduisent els sonorités d’un orgue Hammond ?) accentuent cette impression. Le lightshow devient aveuglant lorsque les guitares se chargent d’intensité maximale.
On épinglera quand même « Come Closer », un morceau qui, à la fois, remue vos tripes et caresse vos tympans. A vous flanquer des frissons partout !
Un excellent concert qu’il aurait été agréable de savourer dans la salle, pleine à craquer, dans l’esprit du blues/rock… A conseiller vivement, si vous êtes fans de Ben Harper.
Thomas se produira en supporting act d’Eiffel au Botanique, le 13 avril 2022. Si vous adorez Ben Harper, ne le manquez surtout pas ! D’autant plus que sur les planches, le groupe déménage littéralement. Votre serviteur, en tout cas, est convaincu de son talent…
Setlist : « Bloodstone », « Tales From The Rail », « Into The Water », « Crazy Mojo », « Cold Meat », « Change », « Mad Vagabond », « Dirtylicious », « Come Closer », « The Sinner », « Mississippi », « Bad Busines », « Savages », « Thousand Suns », « Whipping Boy », « SBMSB », « Till The Day I Die ».
Organisation : (Rock Nation et Zik-Zak)
(photos Philippe Ruelle ici)
Plutôt usine, vestiaires et blouses de travail ? Ou amplis, projecteurs et guitares ?
The Rapports répondent ‘les deux mon capitaine !’, et dans son nouveau clip « Wanna be » le groupe originaire de Brighton nous confesse son rêve de gloire style rock star au milieu de chariots élévateurs, tapis roulants et cartons, toujours sur fond de pur indie rock made in UK !
Le clip de « Wanna be » est à découvrir ici
Comme d’habitude, seul sur scène, une guitare poussée à fond et sa vieille GrooveBox Roland MC 909, Piero Quintana revient avec un nouveau single.
Depuis toujours grand amoureux des boîtes à rythmes vintage, il a voulu davantage de son organique pour ce titre afin d’accentuer son infatigable côté sauvage. Le résultat est plus rock et incisif ; ça frappe fort et surtout en pleine face.
Un nouveau single pour une nouvelle dimension, un ensemble qui accélère au fil des projets sans jamais changer de trajectoire.
Sublimé par le clip réalisé par Jessy Nottola, "Go Ahead !" libère une puissance surprenante et il est disponible là
Enfin un concert sans masque ni distanciation sociale. Le CST est encore de rigueur, mais il ne devrait bientôt plus être réclamé à l’entrée. Ce soir, l’AB accueille Whispering Sons, et la salle est bourrée comme un œuf.
Whispering Sons (trad : les fils chuchotants) sont issus de la Province du Limbourg. Les lauréats enfumés de l’édition 2016 du Humo’s Rock Rally ont publié, l’an dernier, un second album. Excellent par ailleurs. Un opus qui nous replonge dans les cryptes musicales sombres des eighties. Son cocktail de cold wave, post punk et shoegaze est pimenté par le baryton ténébreux de Fenne Kuppens. Au fil du temps, la formation s’est forgé une belle notoriété sur la scène indie ; ce qui lui a permis de se produire à Paris, et notamment au défilé de Raf Simons. Naomi Campbell est même venue féliciter les musiciens. Nominé en 2018, pour trois MIA, le combo s’est produit dans le cadre de l’édition 2019 du Rock Werchter, et il est de nouveau à l’affiche, cette année…
Le supporting act est assuré par Teen Creeps, un power trio gantois responsable de deux Eps et de deux albums, à ce jour, dont le dernier « Forever », est paru l’an dernier.
Le set est particulièrement énergique. Manifestement, sa musique est influencée par la scène alternative américaine ; depuis, Dinosaur Jr à Sonic Youth, en passant par Nirvana (donc Foo Fighters) et Metz, même si ce dernier band est canadien. Mais il le bon goût de traiter l’ensemble, sous une forme contemporaine. L’efficacité du drumming, le bourdonnement enivrant de la basse et les envolées de la guitare se fondent en une expression sonore à la fois intense et percutante. Dommage que le public soir resté aussi statique…
A revoir dans le cadre d’un festival, et pourquoi pas aux Lokerse Feesten… (voir notre section photos ici)
Les cinq musicos de Whispering Sons grimpent sur l’estrade. Outre Fenne Kuppens, la chanteuse, il implique un guitariste, un bassiste, un drummer et un claviériste. Fenne est vêtue d’une chemise bleu ciel, à longs pans, ainsi que d’un pantalon et d’une veste de couleur bleu pétrole, adornés de motifs ésotériques.
On remarque la présence du logo du dernier elpee, projeté sur un écran, à l’arrière-plan, alors que constitué de leds, le light show va passer régulièrement du rouge au bleu, et inversement.
Ce qui frappe d’abord, c’est ce baryton sombre, caverneux et envoûtant de Fenne, qui semble parfois sortir des rives du Styx.
A deux reprises, le guitariste s’installe derrière les ivoires pour soutenir sa voix, lors de chansons plus paisibles, mais déchirantes. Des claviers qui semblent d’ailleurs bien plus présents dans la musique de Whispering Sons.
Dès le début du set, la musique baigne au sein d’un climat gothique.
« (I Leave You) Wounded » fascine et intrigue à la fois. Sauvages, les riffs de gratte électrisent « Heat » et « Visions ». Fenne hurle sa « Vision » tourmentée de l’existence. « (I Leave You) Wounded » adopte un profil davantage électro, alors que « Screens » s’enfonce dans l’indus.
L’ambiance devient carrément sépulcrale tout au long de « Satantango », alors que plutôt brefs, « Surface » et « Aftermath » sont relativement dépouillés.
Dernier titre de la prestation, « Surgery » monte progressivement en intensité et entre alors dans une sorte de frénésie
En rappel, le band attaque « Tift », le dernier single sorti il y a quelques jours. Une compo dont le climat oscille de Joy Division à Portishead en passant par Placebo, Idles, Fontaines D.C. et Shame, démontrant que sa musique a évolué depuis 2013, année de sa formation.
Un excellent concert auquel le public s’est montré un peu trop mou, au goût de votre serviteur. Bon, maintenant, il est vrai si Fenne a de la présence sur scène, elle manque encore de pétulance. Et puis, le style musical, ne s’y prête probablement pas. C’est un choix ! Mais quand même, certains morceaux auraient mérité de voir se déclencher des pogos ou même du crowdsurfing. L’ombre du Covid planait peut-être encore sur l’AB… (voir notre section photos là)
Setlist : « Dead End », « Heat », « Got A Light », « White Noise », « (I Leave You) Wounted », « Performance », « Vision », « Seasons », « Flood », « Surface », Hallow », « Aftermath », « Santantango », « Surgery ».
Rappel : « Tift », « Alone », « Waste »
(Organisation : Ancienne Belgique)
Après avoir publié six albums au sein du groupe The Delano Orchestra, dont il est le leader et le chanteur, accompagné l’aventure ‘Babel’ de Jean-Louis Murat, Alexandre Delano se livre à l’écriture d’un second album en français.
Alexandre Rochon est compositeur, musicien et vidéaste. Après des études de droit du patrimoine historique et culturel, il fonde en 2006 le label Kütu Folk Records (rebaptisé Kütu Records début 2015), dont il devient le directeur artistique.
De 2006 à 2013, il publie cinq albums avec son groupe The Delano Orchestra, formation folk/rock clermontoise et raffinée, aux compositions d’une telle élégance qu’elles seront aisément rapprochées des maîtres du genre comme Elliott Smith, Sparklehorse, Sigur Rós ou encore Flotation Toy Warning.
En janvier 2012, un article du Monde place Alexandre Rochon parmi les ‘50 faiseurs de culture en France’ et lui dédie un portrait. Parallèlement à son activité musicale, il développe un goût prononcé pour la vidéo et réalise des projets d’envergure. Il tourne et monte une vingtaine de clips, remarqués en sélections de festivals de films.
Après une première expérience individuelle dans la langue de Molière sur l’elpee “Eau” (2015) qui a reçu une excellente critique dans la presse, un nouveau chapitre s’ouvre aujourd’hui grâce à “Ven ven ven”, toujours en français dans le texte. Un disque intimiste, souvent chanté à deux voix, délicatement arrangé par les musiciens du Delano Orchestra. Dans ce recueil de chansons, les ambiances et les paysages s’ancrent et captivent, tandis que les ondes et rythmiques électroniques s’invitent au creux de cet univers traditionnel, champêtre et folk. On retrouve avec plaisir quelques éléments de la palette Delano (notamment les parties de cuivres et de cordes, toujours captivantes), mais en y découvrant de nouvelles couleurs, plus intimes et spontanées, qui confèrent à ces chansons une fraîcheur inédite.
Avant de reprendre le sentier des plages, une occasion de raviver le souvenir des premiers émois sur le sable chaud. Sous son « Parasol », extrait aussi sensuel qu'ensoleillé, Alexandre Delano nous berce d'une vague de douce nostalgie en super 8.
A découvrir ici
"Desert Eyes", chanson-titre du dernier LP de "(Thisis) Redeye", a été ré-imaginée à la fois musicalement (jouée live, en groupe, sans retouches, énergique et psychédélique) mais aussi visuellement, les bobines super 8 du clip original tourné dans le désert de l’Ouest américain ayant été confiées à Simon Guiochet pour une relecture poétique et onirique du film.
Reprenant l’histoire de ce personnage qui va se perdre au sein du désert dans une quête intérieure, à la manière du Edward Abbey de "Désert Solitaire", Simon a recréé des images traduisant ce voyage intérieur, assemblant comme un puzzle son ‘remix’ du film, en suivant la montée hallucinatoire du morceau.
En appliquant de la peinture directement sur de la pellicule et en manipulant en direct plusieurs projecteurs, il a effectué des surimpressions, ajouté des objets devant les objectifs, ralenti certaines images, etc. pour communiquer une vision irréelle et sensible à la version ‘vivante’ du morceau.
Le titre inédit “Lay Me Down” a été composé comme une dérive sensorielle, une rêverie musicale, qui laisse le groupe s’exprimer et explorer de nouveaux territoires, tant dans la mélodie voix guitare du début du morceau que dans son crescendo inexorable de fin. Ce morceau donne son titre à l’Ep. Et la prise ‘live’ de ce titre est à découvrir là
Auteur-compositeur-interprète, chanteur et multi-instrumentiste autodidacte, Olivier Rocabois est né du côté de la Bretagne, terre musicale s’il en est ! Élève plutôt doué mais turbulent, il abandonne ses études de droit et d’histoire pour se consacrer à sa passion : la pop anglo-saxonne des Beatles et de leur descendance.
Il monte une myriade de groupes à Rennes puis à Paris, dont le projet ALL IF, en 2008.
Nourris au songwriting protéiné d’albums cultes ("Ram" de Paul McCartney, "Giant Steps" des Boo Radleys, "The Soft Bulletin" des Flaming Lips, "The Love Below" d’Outkast, etc.), ces sorciers du puzzle mégalo-pop, fans absolus du David Bowie transformiste des 70’s, délivrent alors leur set d’un classicisme insolent. Un orchestre de poche au service de compositions baroques sous influence Beatles / Beach Boys / Divine Comedy. Jamais avare de mélodies raffinées et d’arrangements luxuriants, le groupe offre également sur scène des prestations assez jouissives, mêlant grand élan populaire (on pense à Dexy’s Midnight Runners) et élégance. Le combo publie l’album "Absolute Poetry", en 2017.
Finis les pseudonymes et les prête-noms, Olivier Rocabois enregistre sous son propre nom, en 2019, un 45trs ("Ship Of Women / Somewhere In A Nightmare") de toute beauté, prélude à son premier LP solo, "Olivier Rocabois Goes Too Far"
Cet opus raconte l'histoire d'une vie en neuf chansons dont les thèmes se développent autour de la classique triangulaire amour-sexe-mort. D’autres sujets moins attendus (la sorcellerie, l’ennui provincial vécu comme une bénédiction, la coquetterie en médecine légale) sont aussi abordés. Volontiers autobiographiques, ces chansons, parfois sans refrain, regorgent de mythes et légendes suburbains (affabulations optionnelles). Les orchestrations sont fastueuses, les timbres polychromes. Il s'agit ici de restaurer le pouvoir suprême de la mélodie. La promesse d’un grand concept pop sera-t-il tenue ?
Pour vous faire une petite idée, le clip de « High is high » est disponible là…
Le vidéoclip de « Do you feel 9 ? » a été entièrement filmé, dessiné, monté par Julien Ribot et sa compagne Annabelle Jouot.
Des centaines de dessins et 2 mois de travail d'animation ont été nécessaires à sa conception.
La chanson est une variation délirante autour du chiffre 9 qui symbolise la naissance de Neon Juju, personnage imaginaire, inventeur de son propre langage et qui finit son existence, dispersé en milliers de particules dans l'univers.
A noter la présence du guitariste anglais Fred Frith (Brian Eno, Robert Wyatt, ...) qui a posé ses guitares excentriques sur ce titre.
A découvrir là
Hymning, c’est le titre du premier opus d’Annie Meredith Higgins. Elle y dissimule une réelle tentative d’écrire des hymnes modernes et pop qui se dévoilent à l’auditeur par petites touches, libérant des bulles d’émotion au fur et à mesure. 8 titres comme 8 moments de réflexion méditative tantôt légers et animés, tantôt profonds et mélancoliques, plongent l’auditeur dans un sentiment inexplicable teinté d’espoir lumineux.
L’album est le reflet d’une artiste dont la vie a radicalement changé lorsqu’elle a quitté sa vie ultra urbaine de Chicago aux Etats-Unis pour vivre à Najac dans l’Aveyron, une bastide du sud-ouest de la France située sur un promontoire isolé au milieu d’une nature sauvage.
Au travers de ces promenades (« Peaks & Plains »), l’artiste s’est laissée traverser par la puissance naturelle des éléments. Les forêts et les collines environnantes ont commencé à murmurer à son oreille le mystère des saisons (« Ode »), la disposition divine pour la création (« Anchors ») ou la tristesse qui survient parfois même, lorsque l’on est entouré d’une beauté éclatante (« All The Stars Are Out »). Ses paroles empruntent des thèmes chers aux poètes mystiques comme le moine français Thomas Merton ou encore l’Américaine Mary Oliver qui explorent les mystères de nos paysages intérieurs.
La chaleur de sa voix est une invitation au repos, elle nous conte des mystères sauvages ancrés dans la nature. L’orgue, le piano, la batterie et les sonorités électroniques cristallines alimentent sa musique.
L’album « Hymning » capture parfaitement la transition des premières années de ralentissement et d’adaptation à la vie rurale après une vie urbaine trépidante.
Issu de ce long playing, « Peaks & Plains » est disponible sous la forme d’un clip ici
L’alchimie de deux très grands amis d’armes passionnés par l’art musical permet en 2016 la création du groupe bordelais Yvard.
Auteur, compositeur et interprète, David M. Thurisaz revendique la chanson réaliste. Ce fervent patriote de la langue française et du rock pur ‘made in’ France décide de collaborer avec Kris Yera plutôt branché sur les sonorités électro dark.
L’encre coule si fort que Yera, touché et inspiré par le phrasé authentique et les riffs enivrants de Thurisaz, décide de contribuer à l'émergence du groupe.
En 2016, un premier Ep, baptisé « Vue d'ici » naît dans les studios de Kris Yera.
Bercé d'influences rock, le groupe fait ses premières armes en écumant les scènes locales de la région. Il marque clairement les contours de son identité musicale. ‘On fera du rock qui respirera la langue de Molière !!!’…
En 2020, Yvard affûte son univers électrisant et réussit le défi d’un mélange subtil alliant l’analogique et le numérique. Le duo casse ses codes et met en place une nouvelle structure musicale. L’évolution vers un rock ‘nouvelle génération’ et surtout dans l’air du temps. Une orchestration assumée et combinée à un rock puisé dans les tréfonds des noirceurs désiriennes des années 90. Un rythme soutenu, des riffs ravageurs, une voix puissante… Du punch ! Un rock qui permet une réelle mise en avant des textes profonds et réalistes de Thurisaz. Certains parleront même d'un rock parolier.
Le combo se recentre sur le travail de composition et élabore, à l'abri des regards son second Ep. Une fois encore, le style se peaufine. Riffs acérés, mélodies sobres, les ambiances sont efficaces et contrastées. C'est une vision à la fois engagée et désabusée de notre époque que dépeint Thurisaz.
Le second Ep, « Enraciné », sort finalement en 2021. Il est le fruit d'un long travail de maturation et reflet d'une belle amitié musicale.
Au fil des ans, la subtilité des textes et les arrangements se sont précisés, et peu à peu, Yvard s’est installé naturellement dans l'univers du rock français.
Pour découvrir la musique d’Yvard, c’est ici
Et si c'était le retour du groupe le plus sympa de toute la Fédération Wallonie-Bruxelles ???
Le quatuor brabançon Billions of Comrades a mis du temps avant de sortir un avec un nouveau titre, mais il en valait la peine !
Il est aujourd'hui de retour avec "Our Ours", chanson qui colle à notre époque où règne le manque d'unité, les injustices sociales et l'oppression que les citoyens doivent endurer outre la pandémie mondiale.
Une situation qui pousse la santé mentale et physique collective de la planète au point de rupture.
La vidéo de « Our Ours », réalisée par l'excellent Haris Pilton, est à découvrir ici
Un clip chaotique, on peut même pousser jusqu'à post-apocalyptique, qui dépeint à merveille les extrêmes, les dérives, les fantasmes malsains.
Un titre sur lequel se trouve aussi le flow de Mike Watt, figure mythique de la scène punk américaine et membre chaotique des non moins chaotiques Stooges.
La première rencontre avec Mike Watt s’est produite un soir ou celui-ci se produisait en trio dans une petite salle à Roubaix. Un échange de vinyle et une longue discussion à la table du merch plus tard, le contact est pris et Mister Watt passe régulièrement l’album sur sa ‘Watt from pedro show Radio’. Une amitié vient de naître.
Celui-ci avait également donné un sacré coup de pouce à Billions of Comrades pour boucler un tour de 8 dates en Californie accompli en 2020. Le Covid en a finalement décidé autrement.
Lors de la composition des nouveaux morceaux, l’idée d’un featuring fait surface. Mike accepte immédiatement la proposition et envoie ses parties vocales imaginée en spoken word par le groupe… vous connaissez maintenant la genèse de « Our ours » …
Après avoir publié les singles « Suivre le soleil » et « Les maux », Vanessa Philippe nous en propose un troisième extrait, toujours issu du nouvel album qui est sorti ce 21 janvier 2021. Il s’agit tout simplement du titre maître, « Soudain les oiseaux ».
Toujours à mi-chemin entre rêve et réalité, la musicienne Vanessa Philippe évolue dans une drôle de galaxie, s’interrogeant sur ce qu’est devenue sa grande sœur disparue soudainement.
Ce dernier volet de la trilogie consacrée à ce poisson rouge qu'elle a réalisée elle-même nous emmène dans un monde parallèle. Une fenêtre ouverte vers une eau volcanique à l'atmosphère étrange où gravitent un carassin doré et autres curiosités. En mouvement dans cet espace totalement surréaliste proche du quotidien, entre la cuisine, le salon et la salle de bain, Vanessa Philippe semble s’accrocher à une bulle intergalactique pour apercevoir soudain, les oiseaux.
Entre poésie et mélancolie, Vanessa Philippe impose, sur « Soudain Les Oiseaux », sa voix originale et son orfèvrerie pop dans le paysage de la nouvelle scène française.
Pour découvrir le clip de « Soudain Les Oiseaux », c’est là
Spout Big Space est une formation issue de Bruxelles qui, à l’origine, répondait au patronyme de Sputnik Space, nom choisi en l’honneur du défunt satellite russe. Cette modification est intervenue suite à une interférence durant leur premier contact avec la Terre.
Si vous n’avez pas encore assisté à l’une de ses apparitions, préparez-vous à une rencontre du troisième type.
Préparez-vous aussi à être hypnotisé par ces créatures humanoïdes venues d’une planète à anneau dont le nom restera pour l’instant secret.
Sa recette pour infiltrer vos esprits ? Du rock, quelques météorites, une pincée d’alcool, un zeste de romance, une cuillerée de perversité et une bonne dose d’énergie !
Une obsession ? Que vous dansiez jusqu’à vous liquéfier en une flaque de sueur !
Ses influences terrestres ? Violent Femmes, The Cramps, Fidlar, Bob Log 3, The Stooges, Bonaparte, Allah Las, The Hives.
Spout Big Space serait à l’origine du Big Bang. Il ne vous reste donc plus qu’à rejoindre son univers, là
Coral Pink est né en 2018, de la rencontre entre Maxime et Victor. Nantais d’origine, ils se sont établis tout récemment à Paris, composent et enregistrent dans leurs chambres.
Après avoir publié deux premiers titres de bedroom pop sur la toile (“Daydream” et “Another year”) la paire décide de monter une formation pour le ‘live’.
Coral Pink aligne alors les singles. En 2019, “Once in a while” et “School boy”. En 2021, “People I’ve known” et aujourd’hui “As new days begin”.
Le line up est entretemps passé à un quintet…
Entre atmosphères feutrées et effusions pop, les morceaux de Coral Pink offrent une large palette d’ambiances et d’émotions, une chute latente dans une réalité qui s’étiole à la mesure de leurs mélodies.
« As new days begin » aborde l’ambivalence entre la perte des émotions, souvenirs et ressentis vécus et ce qu’il en subsiste en soi jour après jour. Une introspection d’une douce mélancolie. Des synthétiseurs ronds et scintillants et une rythmique enveloppante.
Enregistré en studio sur du matériel analogique et mixé par Raphaël d’Hervez (Futur), le nouveau single de Coral Pink mêle musique psychédélique, dream et synth pop, s’éloignant un peu de ses premières influences pour créer un son qui lui est propre.
« As new days begin » est en écoute là
Réunissant Théo Gosselin à la batterie et Thomas Baignères à la guitare et au chant, Gasoline est un duo parisien dont la musique oscille entre rock/folk et garage sixties, une musique qui carbure à l'essence à zippo et puise ses racines autant sur les routes américaines qu’au sein des rues de Londres. La voix de Thomas danse avec les riffs de guitare cinglants. Les interventions de drums sont lourdes.
Théo Gosselin s’est forgé une notoriété comme photographe, alors qu’avant de rejoindre Gasoline, Thomas Baignères a roulé sa bosse dans de nombreuses formations rock'n'roll (Le Spark, Flare Voyant, Darling) …
« The Orange Album » concentre une énergie rock'n'roll brute et primitive. Le tandem ne fait pas dans la dentelle, mais a le sens de la mélodie catchy, celle qui vous entête jusque dans vos rêves ou cauchemars les plus fiévreux.
Découvrez le clip de "Hey Boy" ici
Gami vous invite dans son univers onirique pour un voyage initiatique entre l’âme et le cœur d’une hypersensible. Glissez votre âme dans cette dimension pop-rock origamique se dépliant à chaque piste et laissez-vous bercer dans le monde de Capucine Trotobas, entre douleur et douceur, colère et rédemption.
Compositrice et multi-instrumentiste, Capucine est diplômée du conservatoire et dirige également des chœurs dans ses side-projets.
Elle milite notamment au sein du Bless it Quartet et collabore avec Martin Mey dans le Minimum Ensemble…
On retrouve à la guitare Remi Bernard, habitué des formations rock indie (Avee Mana, Kriegelstein...) et derrière les fûts, Judi Massonat, aka ‘Mister Ananas’, qui multiplie également les projets et les casquettes.
Funambule experte de ses contrées, la voix de Capucine Trotobas voltige dans son univers tissé de main de maître avec ses deux acolytes, à l’aide d’instruments organiques et synthétiques.
Un doux chaos qui touche l’âme et dont vous ne reviendrez peut-être pas indemne.
Découvrez le clip de « Dont know », réalisé en animation là
JaCOB, c’est l’acronyme de Jaypee & the Cannibal Orgasmic Band, le projet full band de Jaypee-Jaypar.
Évoluant initialement comme un songwriter solitaire, le projet solo s’est transformé en ‘vrai’ groupe. JaCOB n'est ni 100% blues, ni complètement rock, ni totalement folk, mais plutôt un peu de tout ça à la fois ! JaCOB c’est une voix ténébreuse qui règne en maître sur un univers à la fois limpide et marécageux.
Le nouvel album de JaCOB, intitulé Metamorphosis, est sorti le 21 Janvier 2022. Le premier single issu de cet opus, “Another Summer Day In France”, est en écoute ici
Les 10 titres de « Metamorphosis » ont été enregistrés au studio et masterisés au Texas, afin d’enfocer le clou dans un équilibre alliant folk mélancolique et rock punitif. JaCOB est peut-être la chose ‘non-metal’ la plus ‘metal’ que vous pourriez écouter !
Il est difficile pour JaCOB de rentrer dans une case. Jaypee and the Cannibal Orgasmic Band se ballade tantôt dans des profondeurs telluriques d'un folk à la Léonard Cohen et tantôt dans les pics d'énergie d'un Tom Waits sous amphétamines, le tout est nuancé de rock musclé et de blues feutré. Toujours sur le fil du rasoir, ce grand écart est constant et à fleur de peau tannée tel le cuir d'un pachyderme. Devenir quintet est une manière d'enfoncer le pieu dans les oreilles et de délivrer une musique à pleine puissance. Là ou Jaypee envoie du bois, JaCOB dynamite, disperse et ventile…
Premier extrait de l’album "Unsaid Words", le single "Eternal Eyes" s’offre un clip assez loufoque, coloré et décalé, qui vient prendre le contre-pied des paroles de la chanson dont le ton se veut, à l’inverse, relativement grave.
Evoquant le regret d’une vie humaine perdue sur notre chère planète Terre face à l’angoisse d’une vie devenue éternelle au fin fond de l’Espace, le titre suit Emeline Marceau (Roseland) confrontée à la solitude de son éternité́ dans différentes situations, tuant le temps comme elle peut dans l’immensité́ et le vide de l’univers.
Elle y croise notamment la mort, symbolisée par des squelettes qui se moquent d’elle en dansant tout au long du clip, comme pour mieux la narguer et lui rappeler la perte douloureuse de son humanité mortelle.
Dans un excès de folie et d’imagination, la musicienne s’invente alors un monde parallèle fantasmagorique au sein du cosmos, où elle rencontre quelques personnages imaginaires et côtoie tout ce qu’elle aimait sur Terre (sa biodiversité, ses cascades, ses arbres, ses animaux, ses oiseaux etc.) ; jusqu’à ce que cette illusion s’étiole et n’affecte son esprit tourmenté, la laissant, à la fin de la vidéo, flotter dans le néant pour toujours.
Des images à la symbolique écologique venant souligner l’idée selon laquelle la vie humaine est précieuse, d’autant plus sur Terre, planète dont on sait aujourd’hui que les signes vitaux s’épuisent de plus en plus face au dérèglement climatique accentué par l’activité humaine.
La vidéo d’« Eternal Eyes » est à découvrir là
Il est des notes que l’on n’entend plus, comme ce filet d’eau qui nous échappe. Seule, la résonance erre. Elle nous répare de toutes les folies. Elle nous libère vers de nouveaux tumultes.
Trip for Léon percute de ses « Perpetual waves » (son premier Ep), déroule le fil écarlate de nos failles et s'infiltre, partout.
Imaginez, Philip K. Dick et les sœurs Casady (CocoRosie) dînant à la même table que Joanna Newsom et Beth Gibbons.
Il y a de l'enchanteresse, et de ce binôme vers un ailleurs infuse une trip-hop électro qui caresse et dévisage.
En guise de découverte, « Château de sable », issu de l’Ep « Repair », se construit ici
Si les prestations ‘live’ d’Animal Collective demeurent des sujets à controverse, il faut reconnaitre que ses enregistrements studio se distinguent par leur originalité et leur évolution. Et c’est une nouvelle fois le cas pour son 10ème elpee, « Time Skiffs », une œuvre qui brille par la richesse de ses harmonies vocales, ses textures séduisantes, ses mélodies flottantes et la complexité de ses rythmes. En outre, le groupe a multiplié, au cours des dernières années, des tas d’expérimentations et développé des projets audiovisuels. Si cet opus en revient à une forme plus pop, malgré le recours à une armée de synthés, il n’est pas pour autant dénué d’impulsions improvisatrices. On a même droit à de la lap steel sur « Dragon slayer ». Et même des tas d’instruments plus conventionnels comme des grattes (basse y compris), des drums, du xylophone (sur l’hommage à Scott Walker, « Walker », ainsi que « Passer-by ») et du saxophone sur « Royal and desire », un morceau de lounge exotique, sur lequel Deakin pose son baryton, pour la deuxième fois, depuis la naissance du band. Une forme d’exotisme, mais hawaïen, qu’on retrouve également sur l’ensoleillé « Strung with everything », une piste qu’illumine une pedal steel…
« Pompeii » constitue le sixième elpee de Cate Le Bon, une œuvre pour laquelle, outre le chant, elle se réserve la plupart des instruments (synthés, basse, piano, percus), concédant les drums à Stella Mozgawa et les cuivres à Euan Hinshelwood ainsi qu’à Stephen Black ; sans oublier Samur Khouja à la coproduction. La Galloise y explore des thèmes qui lui tiennent à cœur : la culpabilité religieuse, la famille et la mort, sur un ton poétique, mais également humoristique.
Stereolab, Talk Talk, The Blue Nile, Scritti Politti, la pop urbaine japonaise et même The Monochrome Set, pour la forme sinusoïdale des mélodies, traversent l’esprit du mélomane averti, à l’écoute de cet opus. Le tout est hanté par le falsetto de Cate Le Bon, infiltré par une ligne de basse rampante et circonstanciellement éclaboussé de remous de saxophone ou de clarinette.
Un album exotique, parfois surréaliste, peut-être dadaïste, mais original, c’est une certitude.
Suite au décès de son guitariste Robert Burås, le 12 juillet 2007, Madrugada a préféré de se séparer. Le chanteur, Sivert Høyem, s’est alors lancé dans une carrière solo. C’est à l’issue de retrouvailles destinées à célébrer le vingtième anniversaire de la sortie de l’album « Industrial silence », que la formation a décidé de retourner en studio, en engageant non pas un, mais deux sixcordistes, Cato Thomassen et Christer Knutsen. Enfin, la section rythmique constituée du drummer Jon Lauvalan et du bassiste Frode Jacobsen est toujours fidèle au poste.
A première écoute, un constat s’impose : les guitares sont moins tranchantes. Est-ce dû à la production, impeccable, par ailleurs, c’est possible ? Mais c’est surtout la voix de Sivert qui est particulièrement bien mise en exergue. Un baryton de crooner qu’on pourrait nicher quelque part entre celui de feu Leonard Cohen et de Chris Isaak. Encore que parfois, cette voix grimpe un octave au-dessus de son registre, pour devenir carrément limpide. Deux morceaux sont signés Burås, dont « The world cold be falling down », parcouru d’une pedal steel. Une pedal steel qu’on retrouve sur « Empire blues », piste country/blues qui aurait pu figurer au répertoire de Calexixo.
Constitué de ballades, « Chimes at midnight » baigne au sein d’un climat romantique, parfois solennel et même épique. Et certains titres, dont l’irrésistible « Slowly turns the wheel », sont susceptibles de faire craquer le cœur des filles…
Sivert partage un duo masculin/féminin tout au long « Help yourself to me », une plage tramée sur les accords de piano profonds.
Un bémol quand même, la longueur de l’album. Plus d’une heure, c’est un peu trop, même si sous la forme du vinyle, cet opus est double. On regrettera également la présence d’un titre totalement dispensable, le final « Ecstasy », au cours duquel Høyem réalise plutôt un exercice de style avec sa voix…
On espère revoir Madrugada en concert, bientôt…
Figure de proue du Paisley Underground, mouvement qui a engendré des groupes comme Green On Red, Rain Parade, True West, The Three O’Clock, et la liste est loin d’être exhaustive, The Dream Syndicate a connu plusieurs vies, entrecoupées par la carrière solo de Steve Wynn (interview à lire ou à relire ici)
Pour votre info, sachez qu’il a existé une autre formation du même nom. Elle a sévi de 1962 à 1966 et de 1969 à 1974, impliquant des légendes comme La Monte Young, John Cale, Jon Hassell, et même Terry Riley !
Pour en revenir à ce box 3 cds, les 34 plages peuvent s’écouter d’une seule traite, sans provoquer la moindre seconde d’ennui ; et vous vous surprendrez peut-être, à fredonner ou à siffloter l’un ou l’autre refrain. Bien sûr, si vous êtes réceptifs à ce type de musique…
Feu ! Chatterton est un groupe pop/rock originaire de Paris. Fondé en 2011, il réunit Antoine Wilson à la basse, Arthur Teboul au chant, Clément Doumic et Sébastien Wolf aux guitares et aux claviers ainsi que Raphaël de Pressigny à la batterie.
Juxtaposés, l'expression Feu ! et le nom Chatterton, en forme d’hommage au poète Thomas Chatterton, servent de patronyme.
Paru en 2021, « Palais d’argile », le troisième elpee studio du quintet a été récompensé par une certification d'or, soit l'équivalent de 50 000 exemplaires écoulés !
Cet opus a été entièrement réalisé par Arnaud Rebotini, grand nom de la scène électronique française et producteur césarisé pour la bande originale du film ‘120 battements par minute’.
Arthur Teboul possède un timbre de voix granuleux, très caractéristique. On le reconnait de suite. Il est agréable et permet à ses textes poétiques d’être intelligibles et sensibles à la fois. Lui est d’une énergie et d’une authenticité qui nous emportent. La musique n’est pas en reste grâce à une orchestration mêlant chœurs travaillés, instruments acoustiques et nappes électroniques qui nous offrent des moments de calme et de volupté ainsi que des montées aux résolutions majestueuses.
Quelle joie d’avoir de la musique et des textes de cette qualité, de cette richesse ! Une belle promesse d’une musique exigeante et populaire à la fois ; ce qui en fait un diamant rare !
Titre magnifique, « Monde nouveau » est un des singles de cet album. ‘Fresque cyberpunk pour les temps confinés, pamphlet adressé à la start-up nation obsédée par le progrès et ode lumineuse à la Nature et à la transcendance’.
Un texte qui décrit l’espoir d’un lendemain radieux tout en dénonçant l’asservissement de l’humanité aux technologies, son impuissance et son inaction pour y arriver. D’un air bête, l’humain, qui n’a rien fait pour éviter la catastrophe, se trouve devant le fait accompli. Il vit dans une étuve ne sachant que faire de ses mains hormis surfer sur Internet et dépendre du serveur central. Mais, rappel d’importance, malgré toutes ces dérives, il lui reste encore l’élan fraternel bienveillant. Ce qui nous fait une belle jambe…
Actif depuis 15 ans, Le Skeleton Band traduit en musique ses envies d’explorer les ambiances blues poisseuses liées au bayou ou issues de la Nouvelle-Orléans, mais dans l’esprit des incantations chères à 16 Horsepower ou à Tom Waits. Sur ce 4ème album studio, enregistré en Italie, ces 4 Montpelliérains épicent leur folk/blues de banjo (« Hearken Me ») ou de mandolines, tout en adoptant une attitude théâtrale voire cabaret assumée. Enfin, la pochette de cet elpee est joliment illustrée par le célèbre tatoueur Jean-Luc Navette.
Bien qu’elle vive dans le Brabant Wallon, Amy Morrey est anglaise, et fière de l’être. Elle est surtout connue comme compositrice et collaboratrice, une fonction qu’elle remplit régulièrement pour des artistes comme Loïc Nottet, Franky Fool ou Alex Germis. Elle a décidé de passer de l’autre côté du décor en gravant un premier single. Il s’intitule « Parachute ». L’interview se déroule dans les couloirs de la RTBF, juste avant qu’elle n’y accorde un showcase accompagnée, pour la circonstance, d’un guitariste.
Amy Morrey, c’est ton véritable nom ou ton patronyme pour la scène ?
C’est mon véritable nom. Je suis d’origine britannique comme mes parents.
Tu vis dans le Brabant Wallon, tout comme Nicolas Testa, Konoba, Alex Germis (Lucas) et Franky Fool. Cette province deviendrait-elle un véritable vivier de talents ?
J’ai fréquenté la même école qu’Alex Germis. Alex Lucas (NDR : Alex Lucas Schönfelder) est également issu de la même région. Il fréquentait des membres de ma famille. J’ai commencé à m’intéresser au monde de la musique à l’âge de 21 ans. Au sein de cet univers, comme on est issu de la même région, on finit par tous se connaître ; et finalement on a commencé à se réunir en petit comité, dans le même coin.
C’est ainsi que tu t’es lancé dans l’écriture pour des artistes comme Loïc Nottet, Franky Fool, Kid Noize et Alex Germis. Mais pourquoi as-tu finalement décidé de chanter tes propres chansons ?
Mes premiers pas, je les ai faits pour Alex Germis. C’est lui qui m’a ouvert les portes pour un premier titre (« Sweet Afterglow »). Et en fait j’ai adoré ce rôle dans l’ombre. Me concentrer sur l’écriture, le travail en studio et la collaboration. C’est vraiment tout ce qui me passionne le plus. Je n’avais pas trop confiance dans ma voix. Je composais beaucoup de titres. Juste des chansons que j’écrivais à la maison. Il m’a fallu plusieurs années pour que je prenne de l’assurance. Et puis après avoir trempé 4 ou 5 ans dans le milieu, j’ai découvert une véritable passion pour la musique et pour la chanson. Quand je me suis sentie plus sûre de moi et que j’ai mieux cerné l’environnement et le milieu, je me suis dit que j’étais prête à m’y investir personnellement. C’est un nouveau challenge, et c’est une première…
Quel est ton processus d’écriture ?
Tout dépend s’il y a déjà un projet en cours. Souvent, on m’apporte un morceau qui a toute la musique derrière. De mon côté, je compose les mélodies. Quand elles sont abouties, j’essaie de trouver un thème, une inspiration, un univers. A partir de là, les idées commencent à foisonner. Puis elles subissent un peu l’effet entonnoir et je les trie pour que ce soit plus clair dans ma tête, afin que les mots choisis correspondent le plus possible avec le thème et l’univers. C’est ainsi que je travaille. Et en anglais. Comme je suis d’origine britannique, c’est plus facile. Je n’ai toujours pas eu la chance d’écrire en français, mais je suis toujours ‘up for chalenge’…
Quelles sont tes influences majeures ?
Il y en a beaucoup, mais parmi les principales, je citerai Paolo Nutini, Matt Corby et puis sous un angle plus contemporain, Billie Eilish et Dj Edd. Côté harmonies j’aime beaucoup Sabrina Claudio et Dennis Lloyd.
Est-ce que tes influences te servent pour l’écriture et la composition de tes chansons ?
Oui. J’ai fait mes premiers pas en compagnie de Tori Kelly. C’est vraiment la personne avec qui je m’associe le plus en tant qu’artiste. C’est elle qui m’a donné l’envie d’écrire et de composer de la musique. Pendant 2 semaines, je me suis acharné sur ma guitare afin d’interpréter mes chansons. Forcément, on va entendre cette ardeur dans mes compositions. Et c’est la raison pour laquelle il sera intéressant de suivre mon parcours cette année ? Il va explorer des styles où on pourra découvrir mes influences musicales.
Ta chanson du moment ?
Celle d’Amy Morrey, « Parachute » (moment de silence, suivi d’éclats de rires). Je rigole ! Ce que j’écoute en ce moment ? J’ai une longue playlist et il y a beaucoup de nouveautés. Mais aussi des morceaux plus anciens. Je consulte mon spotify.
Lost Frequencies, Henri PFR, c’est la relève ?
Ce sont deux styles tout à fait différents. J’ai déjà collaboré avec Funky Fool. Il est signé sur le label de Lost Frequencies. Je raffole travailler en compagnie de Nico et ce milieu-là. C’est un autre style que je veux développer, mais en ciblant le public. J’adore créer ce genre pour d’autres ou en collaboration. Mais pour l’instant, je bosse beaucoup sur mon projet personnel.
Tu prépares certainement une suite à « Parachute ». Tu envisages de sortir un Ep ou un album ? Penses-tu poursuivre tes collaborations en même temps que ta carrière solo ?
Je vais essayer de conserver les deux créneaux. La solution idéale serait d’y parvenir. Je dispose de pas mal de chansons. Elles sont prévues pour un Ep ou un album. Je vais regarder les opportunités qui vont se présenter, cette année. Mais c’est l’orientation que je me suis fixée, c’est sûr…
Après avoir publié́ trois albums autour du thème de la résilience et alors qu’on le croyait sauvé des eaux, Bertrand Betsch a décidé d’entamer la nouvelle décade en lâchant les chiens. C’est-à-dire en se confrontant aux fins dernières. Qui ne se frotte à sa perte, au néant, à la dislocation de l’âme et de la chair, en un mot, à la mort, ne peut connaître et circonscrire le champ de l’existence. Seuls les grands mélancoliques savent embrasser et prendre en charge le Destin, y compris dans ses funestes ressorts.
C’est donc au cours d’une rafale mélancolique que le nouvel album a surgi.
Un limon de poésie noire certes mais une poésie quand même, un agencement jouissif de mots et de mélodies arrachés au désespoir.
Mais Betsch n’est pas du genre à se complaire dans un chagrin narcissique, et ce qu’il donne à entendre n’est rien d’autre que l’écho du chagrin du monde dans son ensemble.
On peut reprocher bien des choses à Betsch, sauf de choisir les sentiers balisés de la facilité et de nous caresser dans le sens du poil. Qu’on se le dise, B/B/ n’a jamais été et ne sera jamais un chanteur de charme. De facto, c’est plutôt un chanteur de drames.
Il nous reste à nous abandonner au bonheur de ces mélodies émouvantes et de la déchirure saine et vigoureuse de certains riffs de guitares saturées qui lézardent cet opus qui est tout sauf un album de plus.
Le clip de « J’ai horreur de l’amour », titre maître de son futur elpee, est à regarder et écouter ici
Après avoir traversé une période dépressive sévère, David Mauro (alias Rigil Kent) est hospitalisé en urgence dans une clinique psychiatrique pendant plusieurs mois. Encouragé par le personnel soignant et notamment un musicien (et ami de longue date !) qui faisait partie de l’équipe médicale, à remonter la pente, on lui suggère l’idée de s’affranchir de ses douleurs et angoisses par la musique. Armé de son précieux Zoom R8 et de quelques instruments, David conçoit ce nouveau projet comme une sorte de journal de bord de sa maladie mentale ; un album résolument personnel qui traite de lui et de son idée de la psyché humaine
« Therapy », c’est le premier opus de Euphrates Ride. Il a été écrit et composé entièrement par le David Mauro. Par la suite, le projet a vocation de continuer au travers d’autres albums à explorer la psychologie humaine et la place des individus à la marge dans une société qui ne les reconnaît pas. Considéré largement encore comme le berceau de la civilisation, le fleuve Euphrate inspire le multi-instrumentiste et donne son nom au projet. « Euphrates Ride », comme une croisière musicale qui continuera de suivre son cours au gré des remous…
« Every single grain of sand has a mass » est en écoute ici
Après avoir passé une première partie de sa vie à bosser dans les bureaux, Ständard se décide enfin à concrétiser son rêve d’ado : devenir musicien, en 2020. Il a alors plus de 40 balais.
Ständard monte son propre studio, achète du matériel, revend aussitôt ce qu’il ne trouve pas à la hauteur et cherche sa recette, en tentant un subtil mélange entre ambiances électriques et mélancoliques mais en y ajoutant une intensité certaine tout en se servant de sa voix à la fois puissante et sensible. Un style bien british pour un Français. Quel exercice périlleux !
Après avoir sorti un 1er titre baptisé « Lost In translation », en forme de coup d’essai, en pleine pandémie, il embraie par « Maelström » le 1er single de son futur Ep, une compo doublée d’un clip aux allures de fin du monde où il déambule dans un Paris complètement désert. A propos de son clip, il a déclaré : ‘J’avais envie de marquer temporellement ce 1er clip, que l’on sache rapidement qu’il s’agisse de cette année 2020, année si particulière mais également importante pour moi puisque j’ai sorti mon 1er titre.’
La vidéo de « Maelström » est à découvrir là
Le nouveau clip de Myosis s’intitule « Child’s play ». Dans cette vidéo conceptuelle aux allures de making-of, Myosis nous propose un premier aperçu de son Ep avec cette chanson d’amour. Une simple déclaration ouverte à une personne qu’il aime, avec qui il aimerait ne faire qu’un, expliquant qu’il n’est rien sans elle. Nous retrouvons ici l’essence même du rock anglais, où les passions et le romantisme sont au service de la musique. Que se passe-t-il dans la tête d’un adolescent sur le point de passer à l’âge adulte ?
Une chose est sûre, c’est l’heure du bilan. Un premier bilan sur son enfance, puis son adolescence, sur cette vingtaine d’années qu’il a passé à expérimenter, à ressentir maintes émotions, à vivre des évènements qui ont forgé sa personnalité actuelle. Entre tourments émotionnels, exploration des vices, et révolte contre l’altérité, Myosis nous accompagne dans quelques-unes de ses pensées les plus intimes.
Le titre de l’Ep, « Pretty girls are never sad » (Trad : les jolies filles ne sont jamais tristes), renvoie au genre de réflexions que peut avoir un adolescent qui souffre d’un chagrin d’amour, qui au lieu d’accepter qu’il soit le seul décideur de sa vie, et d’essayer de façonner son comportement et sa personnalité, rejette la faute sur les filles qu’il essaye de séduire, conjecturant qu’elles ne sont jamais tristes, donc ne le comprennent pas, et ainsi ne veulent pas de lui. C’est l’exemple même de la tendance des adolescent.e.s à éviter la confrontation avec la réalité, en projetant la faute sur l’altérité, sur ce monde qui les entoure et qu’ils ne comprennent pas.
Un Ep qui s'adresse à la jeune génération, mais aussi à leurs parents, pour mieux les comprendre.
Le clip de « Child’s play » est à découvrir ici
Lauréat de plusieurs prix belges et internationaux dont le Magritte de la meilleure musique originale pour le film ‘Au temps où les arabes dansaient’ de Jawad Rhalib, Simon Fransquet appose sa musique sur deux autres longs métrages de ce même réalisateur, notamment sur la présente BO « The Pink Revolution », jamais vraiment sorti en salles à cause de la pandémie et qui n'a pas eu l'écho escompté.
Un film émouvant, puissant et bousculant qui traite de la place de la communauté LGBTQI + dans l'espace public. Un sujet fort, une mise en lumière indispensable et plus que jamais d'actualité !
Guitariste, multi-instrumentiste, luthier, producteur hyperactif, le Liégeois Simon Fransquet a composé des bandes originales pour près d’une vingtaine de films sélectionnés et primés dans les plus grands festivals à travers le monde et travaille actuellement en Inde, en Tunisie, au Maroc ou encore en Arménie.
Pour cette B.O., il a une nouvelle fois mélangé ses diverses influences issues à la fois du Jazz, de la musique classique en passant par celle du monde, la pop ou encore l’électro,
La musique de Simon Fransquet embaume les images de nappes de trompettes mêlées à divers instruments à cordes qu'il collectionne et répare. Le tout est enjolivé par la voix pop et angélique de la chanteuse Alice on the roof et par la celle du chanteur de Dan San, Jérôme Magnée, avec qui il avait déjà travaillé sur les musiques de deux autres films.
Le trailer ce cette BO est disponible ici
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