Déjà plus que deux jours de festival. Que le temps passe vite… La programmation annoncée ce samedi semble moins intéressante. Enfin, à première vue ; car il st toujours imprudent de tirer des conclusions hâtives. Et pour cause, certains artistes ou groupes à l’affiche sont souvent très susceptibles de surprendre agréablement. Notamment dans le domaine de la découverte. On verra à l’autopsie…
La journée de votre serviteur commence en douceur par le duo électro Rangleklods. Il se produit sous le ‘Jupiler Dance Hall’. Son expression sonore est plutôt rudimentaire et se singularise par la conjugaison de la voix masculine et féminine. Pas de quoi fouetter un chat ; m’enfin, on a déjà vu pire. Un peu trop calme quand même. Peut-être que si le tandem avait été programmé en fin de soirée…
Cap sur la ‘Cannibal Stage’ afin de se nettoyer les oreilles. Deez Nuts est venu défendre son nouvel album, et on s’attend à du lourd ! Le chapiteau est d’ailleurs presque comble. Il n’est pourtant que 15h30 et en général, il y a moins de monde à ce moment de la journée. Les festivaliers semblent attendre impatiemment ce concert. Le combo de hardcore australien revient sur la plaine de la Machine à Feu après une absence de trois éditions ; et il veut marquer le coup. Dès le début du set, on en prend plein la tronche. Pendant 45 bonnes minutes Deez Nuts va faire un boucan d’enfer. Le choc des extrêmes, par rapport au show précédent. Mais c’est même un peu ‘too much’ à mon goût. Je décide donc de passer les dernières minutes de ce pilonnage en règle à l’extérieur. Et commence tout doucement à comprendre l’utilité des bouchons de protection pour les oreilles…
Le rendez-vous suivant est important. Et pour cause, il s’agit d’un de mes groupes fétiches. En l’occurrence BRNS. La formation bruxelloise va investir le podium de ‘La petite maison dans la prairie’. Malheureusement, elle n’a droit qu’à 40 minutes de ‘live’. Que c’est court… Et même frustrant ! Le quatuor compte tellement de bons morceaux dans son répertoire, qu’il devra faire des choix. Et grosse surprise, c’est « Mexico » qui passe à la trappe ! Il a certainement voulu prendre du recul par rapport à ce titre qui lui colle à la peau, mais cette option n’est vraiment pas du goût de l’auditoire. Qui finalement a le droit d’être déçu de la prestation. Trop brouillonne et mal équilibrée. En outre, les musicos ont chaque fois mis un temps fou pour accorder leurs instruments. Une situation qui a complètement brisé leur élan. Seul le morceau final, « Our Lights », s’est révélé à la hauteur. Dommage, le band m’avait habitué à mieux…
Je décide donc d’aller casser la croûte en attendant Timber Timbre. Le groupe de folk/rock débarque une demi-heure après BRNS. Les Canadiens sont responsables d’une musique atmosphérique plutôt originale. A cause des interventions ténébreuses et hantées de la violoniste. Malheureusement, la transposition ‘live’ ne parvient pas à décoller. C’est bien beau, mais qu’est-ce que c’est mou. Et il n’est que 18h30. A ce moment de la journée, on a davantage envie d’un coup de boost. Pour l’instant, le quatrième jour fait vraiment pâle figure.
Heureusement, la suite va enfin faire la différence. Carl Barât, tout d’abord. Lui et Pete Doherty sont quand même les fondateurs du mythique The Libertines. Sur les planches, Carl est flanqué d’un backing group baptisé Jackals. Et le combo pratique un rock bien british comme votre serviteur apprécie. Une set list de 15 titres qui font du bien aux tripes et au sein de laquelle on épinglera une adaptation du « France » des Libertines. Rien que du bonheur ! Barât suscite même la sympathie. Il se montre très proche de son auditoire tout au long de ce show d’excellente facture. Et cet auditoire a toutes les raisons de s’enthousiasmer…
Sur la Main Stage, Goose balance son électro/rock. La formation courtraisienne compte sur son superbe light show. Malheureusement, entre 21h et 22h, la nuit n’est pas encore tombée. Dommage ! Ce spectacle aurait mérité de figurer en clôture sur la grande scène. Perso, le style du quatuor ne me botte pas trop. Mickael Karkousse, le chanteur, en remet plus d’une couche, alors qu’il n’est guère charismatique. Et sans les jeux de lumières, l’ennui finit par vous envahir. Finalement, ce sont les quelques hits qui vont sauver le concert. C’est toujours ça de pris…
Pour terminer la journée, j’opte pour le set de The Drums. Cette formation new-yorkaise excelle dans son style indie pop, un style chargé de nuances. L’expression sonore est tour à tour alimentée par des interventions de guitares math-rock, des accès de basse puissants ou des poussées de drums alertes. La voix de Jonathan Pierce est atmosphérique. Exténués, de nombreux festivaliers décident de s’asseoir sur le sol. Non pas par ennui, mais tout simplement pour s’abandonner au cœur d’une ambiance cool. Je déroge à cette règle et me plante devant le bassiste. Et finalement, le set touche au sublime. A tel point, qu’on ne voit pas le temps passer. C’est toujours bon signe. On a même droit à un rappel de deux morceaux, dont le magnifique « Down by the Water », en finale. Quelle claque !
La journée a finalement été sauvée par Carl Bârat et The Drums. Ces deux concerts étaient vraiment excellents et démontrent une nouvelle fois que les préjugés sont de très mauvais conseillers. Une dernière journée de folie s’annonce demain, le repos est indispensable pour débarquer en pleine forme !
(Organisation Dour Music Festival)
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Situé à quelques encablures de Hasselt, dans le Limbourg, la ville de Herk –qui compte 275 habitants au kilomètre carré– accueille les amateurs de musique, au cours de l’été, depuis 1983.
Pour ma part, ma première expérience date de 93, année où s’étaient alors produit Therapy ?, Senseless Things , The Afghan Whigs et encore Pond pour… pas un rond.
Et le tout dans une ambiance détendue et aux proportions idéales pour jouir pleinement de cette fête annuelle.
Ne dérogeant pas à sa règle initiale, Rock Herk nous offre donc en parallèle, du lourd (une scène réservée au Hardcore et aux styles disons musclés) et de l’éclectique (une scène destinée aux autres genres musicaux).
Ainsi, pour un prix absolument modique, il vous est toujours permis de venir faire la fête dans cette charmante entité et surtout de profiter d’une programmation, au demeurant modeste, mais chaque année pertinente.
Si le festival est resté gratuit de nombreuses années, les organisateurs ont dû revoir leur politique il y a peu, sous peine de devoir disparaître.
BRNS, présent presque partout, figure fort tôt dans la grille de programmation.
Une heure apéritive qui ne change pas d’un iota les ambitions du groupe de secouer le cocotier.
Du moins, je le présume, puisque je suis arrivé après leur set…
Mais habitué à leur excellence, j’imagine mal comment il pourrait en avoir été autrement.
C’est donc par Baths que j’entame cette nouvelle édition.
Plongeant dans le bain (certains jeux de mots faciles sont difficilement contournables), je découvre le duo de Los Angeles pour la première fois en ‘live’.
Si Will Wiesenfeld en est la tête pensante et le géniteur, le projet peut compter sur les interventions de Morgan Greenwood, se consacrant aux divers bidouillages.
Fort de deux excellents albums (« Cerulean » et « Obsidian », parus respectivement en 2010 et 2013, sur le label Anticon), Baths a la délicate tâche de reconstituer le raffinement de ses titres vaporeux dans un esprit dynamique sans trahir le propos.
Et c’est là que le bât va blesser.
Entamant le concert face à un parterre distrait d’une dizaine de personnes, le duo s’emmêle rapidement les pinceaux. Bref, il est brouillon.
Si heureusement, une centaine de curieux se joignent rapidement au maigre auditoire, il finit car complètement louper sa prestation (NDR : Will s’en excuse d’ailleurs, en affichant un sourire gêné).
Trop d’effets, de sonorités maladroitement incontrôlées et d’approximations au bout du compte.
Misant beaucoup sur sa voix au timbre clair distillée dans des échos spatiaux, modulés par un synthétiseur Roland, Will apporte la part vivante du spectacle, mais, trop occupé à jongler entre ses différents instruments, il semble quelque peu débordé.
Si le concert n’est pas aussi catastrophique que ces dernières lignes peuvent le laisser supposer, il n’en reste pas moins que la prestation de Baths a déçu.
Si auparavant, Napoleon avait battu campagne sur le second podium, c’est au tour de Non Turning Back d’agiter le deuxième chapiteau, pendant que les préparatifs s’activent sous le premier.
Une houle menaçante roule comme un rouleau compresseur ; ce qui, sans surprise, m’incite à prendre mes distances.
Blood Red Shoes envahit donc les planches sur le coup de vingt et une heure quarante.
Une invasion qui pourrait sembler mince si l’on considère que le groupe consiste en un joli minois (celui de Laura-Mary Carter préposée à la guitare) et une frêle silhouette (celle de Steven Ansell derrière les fûts).
Un duo qui a tôt fait de faire voler en éclats les hypothétiques préjugés.
Énergique et rageur, la paire de Brighton occupe parfaitement l’espace et maîtrise son sujet.
Si les compositions ne se démarquent pas vraiment dans le paysage musical, les prestations ont le mérite d’assurer leur part de spectacle.
S’ensuivent quelques gentilles bousculades dans un public, avide de comparer son degré de testostérone.
Les accords aux accents grunge du combo s’y prêtent d’ailleurs à merveille.
Une prestation agréable et efficace qui résume finalement le statut de Blood Red Shoes, à savoir, en premier lieu, un groupe de ‘live’.
Car c’est bien là qu’il déploie toute son envergure.
La suite de la programmation adoptant des dispositions plus dansantes, il n’est pas étonnant de voir affluer le plus gros du public à cette heure tardive.
Une annonce discrète sur un grand écran délavé m’apprend le désistement en dernière minute de Nathan Fake. Ce qui me chagrine. Il est souffrant.
Ce n’est pas l’abominable condensé de mauvais goût communiqué par The Subs qui me consolera.
Indigeste au possible, leur rudimentaire mélange de genres décroche le succès escompté, et c’est sans doute bien là l’essentiel.
Succombant aux plaisirs faciles d’un condensé d’évidentes recettes ‘prêtes à danser’, de nombreux nightclubbers s’agglutinent sous la toile cirée du chapiteau et la transforment en boîte de nuit.
Pendant ce temps, je mets le cap sur le second, abritant les rebondissantes vibrations drum&bass du producteur Allemand et DJ Mathis Mootz alias The Panacea.
Une ambiance toute aussi survoltée, mais correspondant bien mieux à mes aspirations dansantes.
Avant que Gui Boratto n’apporte sa touche à la nuit, sous le ciel étoilé de Herk.
Mettant tout le monde au pas sur le dancefloor.
Perso, quelques kilomètres se promettent de m’avaler avant de retrouver mes pénates.
Je me dirige donc vers la sortie tout au plaisir de revenir au même endroit, demain.
(Organisation : Rock Herk)
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C’est déjà la deuxième journée complète à Dour. Le temps passe assez vite et il faut avouer qu’après avoir passé une très bonne journée ce jeudi, on s’attend bien évidemment à une meilleure encore, le lendemain. Mais plus chaude également. D’ailleurs la température va frôler les 35 degrés. Pas de panique cependant, car il y a de quoi se rafraîchir sur le site. Et puis les festivaliers vont avoir l’honneur de rencontrer Damon Albarn aujourd’hui. En route !
C’est devenu une habitude, ma journée débute par le show d’un groupe belge. Et à nouveau sous le chapiteau de ‘La petite maison dans la prairie’. Fùgù Mango n’est pas venu sur la plaine de la Machine à Feu seul. C’est accompagné des Binti, un collectif réunissant six sœurs, chargées des backing vocals, que le quatuor monte sur l’estrade. Ce qui fait évidemment beaucoup de monde sur ce podium étroit ; mais la configuration a été bien pensée. La chorale se mêle aux percussions exotiques, ce qui se solde par un cocktail bien original. Les premiers déhanchements de la journée pour les festivaliers !
Une certitude, le mercure a encore grimpé de quelques degrés, par rapport à la veille. Dès lors, sous les chapiteaux, c’est intenable. Bref, je reste planté au même endroit pour le concert de Klub des Loosers. Resté seul depuis le départ de Dj Detect en 2013, Fuzati demeure malgré tout une figure incontournable du rap français. Chargés de mal être et d’ironie, ses textes ne laissent personne indifférent. Il est épaulé par un backing group en ‘live’. De quoi me ravir ! Suivant un rituel immuable, le rappeur porte un masque blanc qui ne recouvre que la première partie de son visage et sur lequel il pose ses lunettes. Un look particulier mais qui fait totalement partie du personnage. Tout comme sa démarche d’ailleurs qui n’est pas naturelle pour un sou. Bref, il intrigue. Musicalement, le concours d’un groupe permet une fusion savante entre style rock et chant rap. C’est diablement efficace et pour un amateur de rock comme votre serviteur, l’approche de la musique dite ‘urbaine’ est plus aisée. Je prends donc une bonne baffe complètement inattendue. Fuzati m’a en tout cas particulièrement impressionné. Un personnage charismatique et mystérieux. A revoir, c’est une certitude !
Votre serviteur se retrouve en suite face à un dilemme comme Dour et ses huit scènes peuvent en poser. Entre Deerhoof et Zola Jesus, mon cœur balance. Finalement, j’opte pour le band californien… avant de faire demi-tour assez rapidement. L’univers sonore de Deerhoof est trop paisible par rapport à mon humeur du moment. Zola Jesus, c’est autre chose… De son véritable nom Nika Roza Danilova, cette artiste propose une musique gothique, baroque, mais teintée d’électro. Une expression sonore qui colle parfaitement à sa voix, capable de monter très haut dans les aigus. Et le résultat est épatant. Ce bon moment m’a aussi permis de profiter tranquillement d’une petite pause, assis dans le coin de la ‘Jupiler Dance Hall’. Les jambes fatiguent et il faut encore tenir plus de deux jours !
On en arrive enfin à un des moments les plus attendus du festival. Tony Allen nous fait sa review sur la Main Stage en invitant des amis notoires : Damon Albarn et Oxmo Pucino. Pour ma part, l’envie de voir l’homme fort de Blur et de Gorillaz est grande. Il ne s’attarde que pour deux titres, qu’il assure au piano et au chant. Mais quelle classe ! Jet privé pour arriver du Portugal où il tourne en compagnie de Blur, pour fêter à Dour les 75 ans de son ami batteur : chapeau ! En outre, il nous a concédé quelques mots en français. Perso, j’en avais des étoiles plein les yeux. Et heureusement que le Damon s’est déplacé, car le reste du set s’est révélé ennuyeux, ne s’autorisant aucune envolée. Une déception, finalement.
Direction ‘Le labo’ pour assister à la fin du show de Roscoe. Si cette petite scène est vraiment sympathique, elle ne bénéficie d’aucune aération. Et c’est un problème. J’y suis resté très peu de temps. Une véritable fournaise ! Et le genre bien dark du band liégeois n’est pas parvenu à réduire la température. C’est sans doute la raison pour laquelle ce set m’a bien moins plu que celui accordé aux Ardentes, la semaine dernière. Question physiologique : le confort et la chaleur peuvent-ils influer sur la perception de la musique ? La réponse est sans doute affirmative…
The Wombats est une forme de symbole pour votre serviteur. En fait, il a découvert cette formation en 2007, c’est-à-dire lorsque son goût pour le pop/rock a commencé à se développer. Bien sûr, leurs deuxième et troisième long playings font un peu pâle figure. Mais « A Guide to Love, Loss and Desperation » est une petite pépite de rock anglais. Gros coup de nostalgie donc. Sous un soleil couchant, le groupe entame son set par un titre du dernier opus, avant d’enchaîner par le puissant « Jump Into The Fog », un des rares morceaux à épingler sur le deuxième elpee. La foule jumpe. La faire réagir au quart de tour est un véritable art cultivé par le band. Tous les titres ou presque s’achèvent par un refrain contagieux que finit par reprendre en chœur l’auditoire. Pour communier avec les fans, rien de tel ! Après un peu plus d’une heure –en n’oubliant pas d’inclure quelques plus anciennes compos– le trio de Liverpool accorde son titre phare : « Let's Dance To Joy Division », avant de se retirer. Quelle ironie ! Ravi d’avoir pu voir une formation qui a marqué mon adolescence, il est difficile d’être totalement objectif. Mais en observant les visages des spectateurs, j’imagine que le concert était quand même d’excellente facture…
Place ensuite à Glass Animals. Issu d’Oxford, ce jeune quatuor pratique une forme de psyché/pop. Un peu dans l’esprit d’Unknown Mortal Orchestra, programmé la veille. Sauf que c’est moins bien. Les mélodies ne sont pas aussi travaillées et la coloration R&B injectée dans l’expression sonore, n’est guère convaincante. Son LP s’est cependant très bien vendu en Wallonie. Ce qui explique sans doute ce capital sympathie dont il jouit lors du show.
Une grosse pointure va clôturer la programmation sur la Main Stage, ce soir : C2C. Le groupe de breakbeat est supposé mettre l’ambiance –et elle particulière– au sein d’un auditoire conquis d’avance. Les Nantais vont donc livrer une prestation bien maîtrisée en toute décontraction. A leur image finalement. Un concert fort sympathique qui clôt ma journée.
Car malheureusement, impossible d’approcher la ‘Red Bull Elektropedia’ pour assister au set de Nina Kravitz. Il doit y avoir 10 000 âmes autour d’une scène majestueuse, composée de plusieurs tours, garnies d’écrans et de haut-parleurs. Côté son, ça envoie. Mais vu les conditions, je préfère renoncer… Tant pis et rendez-vous demain !
(Organisation Dour festival)
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Après une première soirée assez terne, les choses sérieuses peuvent commencer. Ce jeudi constitue un premier jour complet et bien rempli. Le programme est en outre très varié ; ce qui devrait satisfaire un max de monde. Perso, c’est une bonne occasion d’enfin découvrir la plaine de la Machine à Feu !
C’est à 14h sous ‘La petite maison dans la prairie’ que mon parcours de la journée commence. Comme souvent, un groupe belge ouvre le bal. Recorders propose un pop/rock atmosphérique teinté d’électro à un public trop peu nombreux lors de l’entame. Non seulement les Bruxellois sont venus défendre leur dernier elpee, mais ils nous réservent quelques nouveaux titres. Plus d’un an après la sortie d’« Above The Tide », les cinq jeunes artistes n’ont guère chômé. Ces nouvelles compositions sont très réussies et augurent le meilleur pour le futur. C’est sur le très puissant « Beach » que le set s’achève, après 40 minutes. Le chanteur grimpe sur un pylône afin de saluer une dernière fois l’audience, un peu plus consistance qu’en début de show. Pas étonnant en tout cas que certains membres de la troupe pointent les Anglais de Breton parmi leurs références majeures. Leur expression sonore est proche et aussi addictive. Une bonne manière de lancer son festival !
Direction la ‘Jupiler Dance Hall’, grande scène à tendance électro située à quelques pas de la main Stage. Le groupe qui s’y produit milite pourtant dans un tout autre registre. Ce sont les rockeurs maliens de Songhoy Blues qui sont venu présenter leur premier LP, « Music In Exile ». Guère notoire, ce groupe respire la joie de vivre ! Son style, fortement inspiré par la tradition africaine, ne peut que vous rendre de bonne humeur. Hymnes allègres et danses folles sont au programme. Aliou Toure, le chanteur, a le rythme dans la peau et pas qu’un peu ! Quel plaisir de le voir se déhancher devant nos yeux ébahis. Tout le monde se prendra d’ailleurs au jeu et va se remuer sous les directives de Toure. Et c’est sous un tonnerre d’applaudissements que Songhoy Blues quitte les planches. La première révélation de Dour 2015 !
Avant le concert très attendu d’Unknown Mortal Orchestra, je me pose quelques instants devant Tokyo Ska Paradise Orchestra. Référence en terme de ska, le collectif ne parvient pas vraiment à faire oublier la fournaise causée par un soleil flamboyant qui brûle au-dessus de la Main Stage.
Retour donc dans ‘La petite maison dans la praire’ où se produit Unknown Mortal Orchestra, ensemble réunissant des Américains et des Néo-Zélandais. En partant du rock indépendant, le quatuor consomme de la pop, du garage et même parfois du R&B. Un cocktail judicieux qui alimente un set très varié sans aucun temps mort. Le combo termine sa set list par une des meilleures chansons cuvée 2015 : « Multi-Love ». Sorte de synthèse de tout ce qu’il fait de mieux, elle clôture à merveille une très bonne prestation.
La ‘Cannibal Stage’ a, en principe, le but de concentrer les artistes qui font le plus de bruit sur la plaine de La Machine à Feu. Premier crochet pour y admirer A Place to Bury Strangers. Les New-yorkais ont pris la bonne habitude de façonner un son à mi-chemin entre le post/rock et le post/punk, en plaçant une guitare puissante bien en avant. Pour ce concert, le trio a mis les petits plats dans les grands. Même si le chapiteau n’est pas aussi rempli qu’espéré, APTBS va mettre le feu pendant 50 minutes. Malgré une attitude classique, Oliver Ackermann, le chanteur et guitariste, et Dion Lunadon, le bassiste, se lâchent complètement durant le show. Et ils se déchaînent sur absolument tout. A commencer par leurs pauvres instruments. Guitare et basse explosent sur le sol à de nombreuses reprises. Lunadon s’amuse même à lancer son engin à quatre mètres de haut. Sans provoquer de gros dégâts d’ailleurs. A croire que leurs instrus sont en caoutchouc ! La fin de parcours est complètement épique. Les deux compères se jettent dans la foule et jouent leurs deux dernières chansons au beau milieu d’un auditoire totalement ébahi. Plus personne ne regarde le podium et on comprend pourquoi : le batteur l’a tout simplement quitté ! Et on ne le reverra plus. C’est donc sur ce moment complètement dingue que se clôture le spectacle. Après quelques poignées de mains accordées à leurs fans, les deux hommes rentrent incognito ou presque en coulisses, avec le sentiment du devoir accompli. Quelle claque !
Je décide de rester dans les parages, en attendant la suite, mais également afin de pouvoir m’alimenter. Yelle joue au même moment, mais impossible de tout voir. Les échos recueillis sont plus positifs qu’imaginés. Apparemment il y a moyen de bien rigoler en compagnie de la Bretonne, mais il faut absolument tout prendre au second degré. Et on comprend pourquoi, vu la richesse de ses textes…
C’est l’heure du metal sur la ‘Cannibal Stage’. Kvelertak nous vient de Norvège. Son style ? Typiquement scandinave mais aussi très puissant. Erlend Hjelvik, le chanteur, affiche un look de Viking. Il arbore une longue chevelure, se distingue par une certaine largeur d’épaules et a décidé de passer une bonne partie du concert torse nu. Autant dire que ça décoiffe, c’est le cas de le dire ! Si je suis peu amateur du genre, le public semble y trouver son compte et remue sec à hauteur des premières rangées. Il ne faudra d’ailleurs pas très longtemps avant de voir éclater les premiers pogos. Et ceux-ci vont durer jusqu’à la fin d’un concert mené tambour battant par la formation.
Après un bref détour par le set de Squarepusher –peu convainquant, par ailleurs– je décide de mettre un terme à cette journée. La chaleur est devenue presque insoutenable et la fatigue commence à gagner. Il faut quand même encore tenir trois jours. A demain !
(Organisation : Dour festival)
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Le premier contact avec Dour est un peu plus rapide cette année. En l’honneur de ‘Mons 2015’, une soirée a été ajoutée au programme du festival. Encore fallait-il que celle-ci ait une réelle plus-value par rapport aux autres jours. Coupons court au suspense de suite, ce ne sera pas le cas.
Si Gallowstreet ouvre gentiment la Main Stage, seule scène ouverte du soir, c’est grâce à La Smala que les choses sérieuses vont commencer. Si j’avoue être peu fan du rap proposé par le collectif, il faut admettre qu’il sera le seul à réellement mettre l’ambiance sur le site. Connaisseur, le public semble apprécier l’amuse-gueule. Il y a même une solide agitation dans la foule.
C’est principalement Jungle, le groupe suivant, qui avait suscité ma curiosité à la vue du programme. Quelle ne sera pas ma déception ! Au-delà des compositions hip-hop assez décevantes, c’est surtout l’équilibre sonore qui est mis à mal… Le son est trop faible et n’atteint pas le dixième rang. Dans ces conditions, difficile de bien profiter du set soi-disant élégant du band. Un coup dans l’eau pour les Anglais !
SBTRKT monte ensuite sur les planches. Le groupe électro est plutôt notoire chez les fans du genre, mais ne dispensera finalement qu’une prestation minimale. Aucune folie à signaler et pour finir on peut le dire : on s’ennuie ferme. Trop linéaire et même plat…
Le DJ set final est anecdotique. Alors certes, l’idée d’un jour supplémentaire à Dour est intéressante. Mais dans les faits, ce n’est pas une réussite. Et même si l’apéritif s’est avéré peu succulent, ce mercredi était quand même une bonne occasion de fouler pour la première fois le site qui va voir défiler des centaines de milliers de festivaliers, les quatre jours suivants…
(Organisation Dour Music Festival et Mons 2015)
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A défaut d’être très reposante, la nuit a au moins été assez longue pour reprendre sereinement le chemin des concerts.
Vos deux chroniqueurs, se déplaçant sur différents plans astraux et temporels pour mieux croiser leurs points de vue, leurs points de chute et leurs points de suspension, considèrent cette dernière journée comme une ultime occasion de croiser la plume et d’échanger les premiers avis.
Compte rendu diagonal de la der des ders sur ce site du Parc Astrid.
Une dernière marquée par l’absence d’une véritable tête d’affiche, le retour d’un ciel pluvieux et une baisse de régime flagrante de la programmation, s’achevant par un ‘ping-pong’ horaire qui laissera de grandes brèches propices à reprendre son second souffle.
Allez, c’est parti !
Pas de cafés ou de croissants pour débuter la journée, mais bien une bière et Mountain Bike. Le réveil parfait en quelque sorte ! S’ils ne sont pas encore de la trempe des Foo Fighters (qu’ils déclarent d’ailleurs être en arrivant sur les planches), les quatre compères ont de nombreuses qualités à faire valoir. Les plus flagrantes, en ce début de set, sont l’insouciance et la décontraction. Dans la ‘HF6’, ils sont comme chez eux. La claque ‘matinale’ (entre guillemets, car il est quand même 13h…) peut débuter. Très actif depuis maintenant deux ans, les ‘bikers’ proposent un savant mélange entre anciennes et nouvelles compositions. Si les morceaux plus connus comme « Got Power » et « I Lost My Hopes (In Paradise) » fonctionnent toujours aussi bien, c’est un nouveau titre qui sort indéniablement du lot. « Good For Nothing » a tout d’un tube. Une construction en crescendo et un pont plus que réussi qui se lie aux sonorités garage : la recette est payante et la sauce prend une bien belle texture. Six minutes de plaisir intense. Le reste du concert est tout aussi agréable et c’est sur la nouvelle chanson « Sandwich », fraîchement préparée, que le groupe se retire après 50 minutes rondement menées. De quoi ouvrir l’appétit pour le reste de la journée.
Direction l’‘Open Air’ pour découvrir Alice On The Roof.
La jolie Montoise, révélée dans l’émission ‘The Voice’, entame son set sous un ciel bien menaçant. Un mauvais présage. Car malheureusement, l’électro-pop de la demoiselle a bien du mal à convaincre. On s’ennuie même ferme et si on excepte le tube « Easy Come Easy Go » (joué deux fois d’ailleurs…), le set est mou et plat. Loin de juger la jeune femme sur ce concert, il faut admettre que les conditions ne lui étaient pas favorables. N’aurait-il pas mieux valu la programmer dans la salle au lieu de Mountain Bike ? Et vice-versa ? La question mérite d’être posée…
Pour votre serviteur peu amateur de rap, les trois heures suivantes ne seront pas les plus passionnantes du week-end. Ratking peu emballant, c’est vers Big Flo & Oli que je me dirige. La pluie a fait son apparition mais elle ne semble pas décourager le public. Car quoique mal placé pour juger la qualité de l’expression sonore, admettons que l’ambiance créée par le collectif est impressionnante. Une bonne surprise finalement car le principal en festival, c’est de prendre du bon temps. C’était le cas pour la plupart des spectateurs. Derrière, Sleaford Mods peine vraiment à me convaincre. Son concept de standing est vraiment trop particulier.
À la croisée des chemins, nos deux chroniqueurs font à présent route ensemble.
Le second arrivé emboîtant le pas au premier et arrivant tout aussi en retard que Black Rebel Motorcycle Club, dont les musicos sont retenus dans les loges à cause d’un problème technique majeur. Retard enregistré : quarante-cinq minutes.
De quoi déstabiliser une affiche qui pourrait voir alors les artistes, non plus se succéder sur les deux scènes restantes, mais bien se chevaucher.
Mais c’est sans compter sur la rigueur du staff liégeois qui réalisera l’exploit de remettre de l’ordre dans la programmation.
En attendant, le BRMC pénètre l’obscurité du HF6 et tente de se tailler un son au sein de cet espace résonnant.
Après quelques heures sans guitare, le retour des cordes est fort plaisant. Ca gratte, ça frappe et ça hurle. Bref : ça fait du bien. Le trio relance complètement la journée en nous enduisant d’un son aussi gras que leurs cheveux.
Cigarette au bec pour la frime, Robert Turner chevauche jusqu’au devant de l’estrade, s’offrant aux photographes dans un halo rougeoyant, tandis qu’à l’autre bout des planches, Peter Hayes se concentre sur les premiers accords de « Beat The Devil’S Tatoo », morceau épique qui plante le décor.
Si le set est raccourci de cinq minutes en raison des problèmes susvisés, nos rebelles en cuir ne semblent pas contrariés pour autant ; car finalement, au bout de leur tournée européenne, ils semblent assez épuisés.
Mais ces professionnels sont suffisamment courageux pour laisser poindre une quelconque lassitude.
À l’autre bout de ce spectre musical, comme à l’autre extrémité géographique du festival, Erland Øye, qui en principe devait enchaîner, ne bénéficie que d’un parterre de spectateurs, divisé en deux.
Affichant son éternel entrain et sa légendaire bonne humeur, la moitié cérébrale des Kings Of Convenience se charge donc de repousser les nuages de pluie qui se sont amoncelés dans le ciel liégeois dès le début de la journée.
Ses titres ensoleillés ne tardent pas à gagner la sympathie d’une assistance, certes frileuse, mais qui succombe rapidement aux accents chaloupés de notre sympathique Norvégien à lunettes.
Et si le soleil, convié à la partie, refuse obstinément de se joindre à la party, au moins, la pluie cesse de jouer les troubles fête.
Retour à la boîte de conserve pour Balthazar.
C’est un des groupes qui monte en Belgique et on comprend pourquoi il va prochainement découvrir Forest national. La salle est bondée et apprécie rapidement leur mélange de rock alternatif et de pop. A nouveaux, une formation belge vient présenter son nouvel opus aux Ardentes. La nonchalance est inscrite dans les gènes du groupe et quand c’est savamment utilisé, c’est un plaisir. Le premier single de « Thin Walls » en est le parfait exemple. « Then What » régale l’auditoire par son ambiance atmosphérique et ce chant complètement brut sur la première partie du titre.
Et si le retard accumulé initialement est en passe d’être résorbé, il est quand même nécessaire de se hâter pour ne pas manquer le premier grand nom du jour, se produisant à l’extérieur.
Metronomy en concert, c’est toujours un grand moment. La pluie ne tombe d’ailleurs plus depuis quelques minutes. Coïncidence ? Pas sûr ! Joseph Mount, le chanteur aux cheveux bouclés se plait d’ailleurs à le souligner. Durant une heure, les Anglais vont parcourir leurs quatre albums sans déchet, enchaînant titres instrumentaux puissants (« Boy Racer ») et tubes plus classiques (« Love Letter », « The Bay » », …). Le public est un peu mou mais qu’importe, le rock à forte tendance électro de Metronomy transporte toujours autant. Quoi de plus sympathique que de regarder Olugbenga Adelekan, le bassiste, frapper dans les mains ou d’admirer la scintillante Anna Prior malmener sa batterie ? Quoi de plus symbolique d’ailleurs de voir le band clôturer son set par une de ses plus vieilles (et meilleures) compositions : le fracassant « You Could Easily Have Me » ? Un bonheur !
Restait à se partager D’Angelo d’une part et Fauve d’autre part.
Le premier s’est fait attendre trop longtemps et ne suscite, de toute façon, aucun engouement chez vos deux reporters ; aussi c’est vers le deuxième que nos regards et nos oreilles se braquent.
Regards emplis d’a priori qui ne loucheront décidément pas dans la même direction.
L’un de nous deux note dans son petit calepin : ‘Je ne dénigre pas ce groupe. Les compositions sont solides et le concept autour du collectif intéressant. Mais si j’admets avoir apprécié certains moment de communion avec le public déchaîné, j’ai vraiment beaucoup de mal à prendre du plaisir lors du set des Français. Le ‘chant’ m’est insupportable et leur attitude prétentieuse ne me plaît guère. Je reconnais néanmoins que je devais être un des rares mélomanes peu emballés dans la salle, tellement l’ambiance y était folle. Un bon point pour Fauve sur ce coup là.’
Dans le même temps, le second chroniqueur gribouillait à la hâte : ‘Charriant d’énormes appréhensions et condamnant presque d’avance le groupe parisien, que je pensais truffé de fausses références (ou plutôt de références qui sonnaient faux), je dois rapidement mettre genou à terre.
Loin de la prétention que je croyais voir s’afficher dans ce refus d’offrir leur visage en image (les caméras des Ardentes prennent d’ailleurs soin d’éviter de cadrer de trop près les membres du band), je constate, non sans une certaine surprise, que Fauve sait se montrer humble face à une foule venue en adoration.
D’images, il est néanmoins beaucoup question, puisque le visuel est ébouriffant.
Sur la pellicule s’étalent des extraits de films ou de larges paysages qui contrastent avec la fureur des guitares. Un son énorme qui comme un tsunami, emporte rage, désespoir, révolte et tendresse.
Car il est bien question de ces thèmes dans les paroles qui, éructées tantôt dans un flot affolé, tantôt bercées par une voix suave ou scandées comme autant d’hymnes rebelles, renvoient aux préoccupations majeures d’une jeunesse déchirée (le sexe, l’amour, la haine, la détresse sociale, l’injustice, etc…)
Reniant mes idées reçues, réfutant ce sentiment d’être trop vieux et trop con pour aimer Fauve, je me joins à l’enthousiasme frôlant le délire et me laisse emporter, chahuter, bousculer par ce qui restera pour moi, l’ultime révélation de ces Ardentes.
À l’impassible, nul n’est tenu !!!!!’
La lecture croisée de ces deux témoignages reflète somme toute assez bien les avis partagés sur un combo qui, décidément, ne laisse pas indifférent.
Les bars pris d’assaut pour écouler les derniers tickets, les portiques de sortie prêts à accueillir la masse de festivaliers encore présente, la nuit se referme sur ces dernières Ardentes vécues sur le site de Coronmeuse.
Quant à savoir où nous nous rendrons en pèlerinage l’an prochain, il faudra encore se montrer patient, car rien n’a été divulgué lors du point presse clôturant cette édition.
Chaque chose en son temps…
Organisation : Les Ardentes.
(Voir aussi notre section photos ici)
Après Goose et Balthazar, un troisième formation belge va clôturer la journée : dEUS. Le band anversois tourne également tout l’été dans les festivals. L’an dernier, il a fêté ses 20 années d’existence ; et puis c’est une valeur sûre du rock noir-jaune rouge, mais également international. Le temps est plus frais aujourd’hui. Tant mieux ! Quelques gouttes de pluie tomberont au cours de la journée, mais sans devoir pour autant sortir les k-ways et les parapluies…
Benjamin Clementine a publié son premier opus cette année. Il s’intitule « At Least for Now ». Ce Londonien d’origine ghanéenne (NDR : installé aujourd’hui à Paris) possède un fameux organe vocal, dont l’amplitude oscille entre le baryton et le ténor. Une sorte d’hybride entre Terence Trent d'Arby et Anthony Hegarty des Johnsons. Et profonde, sa voix est capable de toucher l’âme. La répétition de la mélodie et des paroles est souvent utilisée, ce qui rend les compos à la fois méditatives et hypnotiques. Il s’accompagne au piano, et est soutenu par un violoncelliste, un bassiste et un drummer. Et il nous raconte ses récits de vie qu’ils soient douloureux ou sensuels, qu’il interprète parfois d’une manière théâtrale ou lyrique, sur une musique qu’on pourrait qualifier de soul/jazz…
Two Gallants n’a pas autant de succès que les White Stripes, Black Keys ou Royal Blood, mais le duo possède un style bien spécifique, une sorte d’indie lo-fi au sein duquel interviennent des éléments de folk, blues, rock et punk. Tout ayant le soin de préserver le sens mélodique. Une musique authentique, mordante, crue, aux textes surprenants et profonds, presque poétiques qui évoquent des images de l’Ouest sauvage, ses hors-la loi, leurs peines d'emprisonnement, leur solitude, etc.
Le hurlement de Stephens est desséché et guttural. Les assauts de Vogel sur son tambour sont puissants, violents même ; et pourtant, il parvient à combiner la brutalité et une finesse technique peu commune. Mais il faut croire qu’au fil du temps, le duo a ajouté davantage de subtilité à son expression sonore. Emeute viscérale, chœurs morbides, cordes de guitares glissando, piano et accès d’harmo s’intègrent parfaitement à une musique bruitiste dont la sensibilité est à fleur de peau. « We Are Undone », leur dernier LP est paru en février dernier…
Multi-instrumentiste, James Vincent McMorrow est également compositeur et chanteur. Cet Irlandais possède un falsetto qui évoque Bon Iver, sans les overdubs. Il reprend le « Higher love » de Steve Winwood, un artiste qui doit avoir marqué James, même si sa musique est davantage coulée dans une fusion de folk, de pop et de roots…
Anna Calvi est britannique. Particulièrement douée à la six cordes, elle reconnaît pour influence majeure Jimi Hendrix. Une référence de choix ! Et elle possède une voix remarquable, sorte d’hybride entre PJ Harvey, Nina Simone et Tania Donelly, dont elle joue comme un instrument. Une voix tour à tour veloutée, frénétique ou frémissante. Sur les planches, elle est soutenue par un drummer un claviériste qui passe parfois à la gratte et une préposée aux percus, aux synthés et au xylophone, qui se sert également d’un orgue à soufflets comme chez Lola Colt. Le set s’ouvre par la cover du « Ghost rider » de Suicide. Et inclura une autre reprise, le « Jezebel » de Frankie Lane. Le son est parfait. Et le répertoire oscille entre titres de britpop mid tempo, malheureusement sans grand relief, et morceaux plus complexes et percutants. C’est dans le second registre que sa musique botte le mieux votre serviteur, évoquant paradoxalement la scène west coast de la fin des sixties et du début des seventies. Pensez à Jefferson Airplane, Quicksilver Messenger Service, Grateful Dead et même parfois aux Doors. Sous cette forme, les compos sont vraiment épatantes ; elle y donne tout ce qu’elle a dans les tripes et vous flanque des frissons partout. Et ses riffs ainsi que ses solos se révèlent alors aussi ravageurs qu’incisifs… A ce jour, elle ne compte que deux albums à son actif. Si elle a l’audace de s’ouvrir de nouveaux horizons plus expérimentaux, elle peut devenir une nouvelle figure incontournable de la scène rock (NDR : qui a dit que le rock était mort ?)
Après le set de Thurston Moore, je le confirme, il est toujours bien vivant… Le natif de Floride s’était déjà produit au Cactus en 2013, flanqué de son Chelsea Light Moving, pour un show mémorable. Et celui-ci ne le sera pas moins. Le line up a changé, puisque c’est l’ex-My Bloody Valentine, Debbie Googe, qui se consacre à la basse et l’ex-Nought, James Sedward, à la seconde gratte ; mais apparemment, ce n’est pas l’ancien drummer de Sonic Youth, Steve Shelley, qui se charge aujourd’hui des fûts. Car de Sonic Youth, il faut en parler ; et pour cause, la musique de Moore semble reprendre son chemin là où il avait laissé « Bad moon rising », « Evol » et « Daydream nation »…
Le set démarre avec 10 minutes d’avance sur l’horaire prévu. L’intro est bruitiste, psyché. C’est l’ouverture de « Forever more », une compo de plus de 10 minutes. Le ton est donné. Et la plupart des morceaux seront aussi longs (NDR : si pas plus), complexes, intenses, hypnotiques, climatiques, parfois langoureux et le plus souvent mélodiques. Thurston s’appuie sur un pense-bête placé sur un pupitre, pour lire les paroles des ses chansons. Sa voix est déclamatoire. De temps à autre vindicative. La ligne de basse est implacable et les drums souples. Et le second gratteur conjugue ses cordes à celle de Thurston, à la perfection. Ce noisy rock est parfaitement maîtrisé par le quatuor, même quand Moore vient coller sa six cordes contre l’ampli pour en extraire du feedback. Mon coup de cœur pour l’édition 2015 du Cactus.
Place ensuite aux Kooks. Lors de la sortie de leur premier elpee, en 2006, « Inside In/Inside Out », la consécration leur était promise dans un futur proche. Faut dire que cet opus était excellent, et puis que la formation insulaire pouvait compter sur un contingent d’aficionados (des filles surtout) particulièrement fidèle et exubérant. Malheureusement, la sauce n’a pas pris et The Kooks milite aujourd’hui dans la zone crépusculaire du pop/rock. Tout en continuant à séduire les adolescentes. Britpop à l’origine, leur musique s’est teintée de funk, de r&b, de gospel et d’électro. Elle est donc dans l’air du temps et plus vraiment originale. Mais finalement, devant un auditoire –inévitablement plus jeune– la bande à Pritchard (NDR : qui alterne constamment gratte acoustique et électrique) va accorder un set sympathique à défaut d’âtre transcendant, proposant des compos contagieuses, optimistes, agréables à l’oreille, et finalement bien meilleures que celles qui figurent sur les trois derniers elpees.
Restait donc dEUS. Depuis un an déjà, la bande à Barman célèbre son quart de siècle d’existence. Bien sûr, le line up du groupe a souvent changé et aujourd’hui il réunit Tom, Mauro, Klaas Janzoons, Stephane Misseghers et Alan Gevaert. La set list va puiser un peu dans toute la discographie du combo. Les meilleurs titres interprétés ? « Slow », « If you don’t get what you want », « 4 mains », « Bad timing » et le séduisant « Instant street », sans oublier les splendides « Little arithmetics » ainsi que « Serpentine ». Et enfin de parcours on aura droit aux plus classiques « Hotellounge », « Suds & soda » ainsi que « Roses ». Un bon concert, mais qui n’a rien apporté de neuf à tout ce qu’on a pu raconter sur la formation anversoise, au cours des derniers mois. On attend d’ailleurs qu’elle entre en studio pour enregistrer –enfin– un nouvel album…
A l’année prochaine ! (Merci à Johan)
(Organisation : Cactus Festival)
La troisième journée est annoncée moins chaude au LaSemo. Le seul problème, ce sont les moustiques. Ils vous attaquent et piquent, sans crier gare.
L'affiche est encore superbe : Les Déménageurs (NDR : au sein duquel milite Perry Rose), Alice Francis, FaOn FaOn (NDR : la grosse surprise !) et surtout Joe BeL, auquel on accroche de plus en plus. La voix de cette jeune Lyonnaise vous ensorcelle littéralement. Sans oublier un régional de l'étape : le sympathique rebelle Cédric Gervy. Il va fêter très dignement son anniversaire en compagnie des festivaliers. Et cerise sur le gâteau, Bénabar ; pour y accorder sa seule date estivale en Belgique.
Débarqué vers 13h30, je fonce vers le ‘Château’ pour assister au show des Déménageurs. Comme il y a deux ans, il va faire l’unanimité auprès des familles présentes. Ce sont des pros du spectacle capables d’adapter très intelligemment leur musique et les paroles dites ‘adultes’ pour nos petites têtes blondes.
Les Déménageurs, c’est un concept écrit et mis en scène par Yves Barbieux (Urban Trad). Il est né en 2002. Sur les planches il réunit Nelson (Perry Rose : chant et guitare), Lili (Marie-Rose Mayele : chant, danse et mise en mouvement), Georges (Didier Laloy : accordéon diatonique et percussions) ainsi que Stoul (Thierry Hercod : vielle à roue, chant, flûte à bec basse, low whistle et percussions). Les trois premiers sont parfois suppléés par Pascal Chardome, Laïla Amezian et Julien De Borman. Devant le podium, il y aura autant de monde que pour Poulycroc, Cédric Gervy, Robbing Millions ou Dalton Telegramme.
Les artistes ne son pas des manchots et vont régaler un auditoire enthousiaste, dont l’âge oscille entre 3 mois et 75 ans. Tout le monde est assis pendant le spectacle, au cours duquel on n’entend pas une mouche voler (NDR : des moustiques, quand même…) La veille, à la même heure, le Grand Ben avait régalé le même type de public. Les petits et les grands. Un vrai concert comme chez les parents ! Une vraie heure de bonheur au cours de laquelle musique, danses, et chansons –tantôt drôles tantôt tendres– nous (re)plongent dans l’univers du rêve. Les Déménageurs partiront bientôt en tournée au sein de l’Hexagone…
Direction ‘La Tour’ pour la première grosse pointure de ce troisième jour de festival, Alice Francis. Elle était déjà parvenue à mettre le feu lors de l’édition 2014 du LaSemo. Alice est née à Timisoara en Roumanie. Elle s’est établie, en compagnie de son groupe, à Cologne, en Allemagne. Un seul album à son actif « Saint James Ballroom ». Paru en 2013, il a littéralement fait le buzz.
Sur les planches elle est soutenue par Mr. Goldielocks et Sir. Chu-Min Yoo. Le trio pratique une sorte d’électro swing, aux accents charleston et jazzyfiants. Un peu comme au cours des années folles. Mais cette musique est judicieusement contaminée par le hip hop. Certains n’ont d’ailleurs pas hésité à la taxer de jazz hop ou de néo-swing.
Alice pourrait ressembler à une Josephine Baker contemporaine. Elle est vêtue d’un short de couleur bleue à franges et d’un body exotique. Mr. Goldielocks a enfilé une veste militaire de la marine. Il est coiffé de dreadlocks tirés en arrière et un bandana bleu lui enserre la tête. Il se plante à droite de l’estrade. Sir. Chu-Min Yoo, le troisième larron, porte un costume blanc. Il s’installe à gauche.
Alice chante et s’exprime dans la langue de Voltaire. Elle parle beaucoup avec le public ; et pas dans un français hésitant, mais chargé de passion. C’est outre-Rhin qu’elle a commencé à prendre de l’envergure, en assurant le supporting act pour Parov Stelar et les spécialistes du genre, Caravan Palace. Différence, mais elle est de taille la troupe française se sert, en live, de véritables instruments, alors que si Alice chante réellement, et mène vigoureusement le bal, comme Zoé d’ailleurs, ses deux acolytes se servent uniquement de machines.
Un peu dommage, ce semi play-back, même si les trois musicos vont mettre le souk au sein de l’auditoire.
Une petite balade au sein du site, avant de se diriger vers la scène ‘Découvertes’. Parmi le dédale activités ludiques proposées lors du festival, on y rencontre des spectacles de cirque et des arts de la rue.
Joe BeL (NDR : à son actif deux Eps prometteurs, « In The City », paru en 2012 et « Hit The Roads », en 2015 ; et un premier elpee est prévu pour début 2016) va donc se produire enfin sous la forme d’un trio électrique. Ils sont tous issus de Lyon. Votre serviteur avait déjà eu l’occasion d’assister au set de Joe en solo. Elle était alors uniquement armée de sa guitare. Et puis en mai dernier, dans le cadre des Nuits Botanique. En duo. Elle était soutenue par Benoît Richou –il l’accompagne depuis deux ans et demi– à la gratte électrique ou acoustique ainsi qu’à la basse.
Ces deux derniers sont épaulés ce soir par Jean Prat aux drums. Timide et sensible, Joe est rongée par le trac, mais pas sur les planches. C’est là qu’elle prend une autre dimension. Et vous aurez bientôt l’occasion d’en savoir davantage sur cette artiste, puisqu’elle a eu la gentillesse d’accorder une interview à Musiczine.
Chaude, la voix de Joe campe un hybride entre Nneka, Selah Sue, Nina Simone, Norah Jones et BJ Scott, le grain soul de Sarah Carlier, en plus.
Le set s’ouvre par « No, No », une chanson qui raconte l'histoire d'une personne qui ne tient jamais parole. Progressivement sucrée, elle est soulignée par un filet de sèche. Si au départ la foule semble distraite et couvre sa prestation, rapidement, elle finit par s’appliquer et l’écouter religieusement. Joe utilise sa voix comme un instrument. Et si son toucher de guitare est chargé de feeling ; il est surtout susceptible d’atteindre l’âme.
« Stronger » est une compo paisible, tendre et fragile, que transcende la voix de Joe. Après cette chanson, Joe demande au public comment il se porte. Elle s’adresse également aux premiers rangs en signalant que parfois on pense qu'on a le temps et la vie devant soi. Mais que tout passe toujours trop vite. Il faut donc profiter des gens que l'on aime. La set list alterne nouveaux titres et morceaux issus de ses deux premiers Eps. Dont le titre maître de « Hit The Roads », et « Lonely » qui clôt le set.
Elle se produira en concert le 24 juillet à Louvain La Plage, le 18 août dans le cadre du Brussels Summer Festival, et le 21 janvier 2016, à l'Ancienne Belgique.
De Didier Wampas, on retiendra surtout que son show est survitaminé, et qu’il se démène comme un beau diable. Mais pour la première fois en 3 jours, le son est mauvais. Les infrabasses sont trop envahissantes. Je préfère donc m’éclipser et cède le relais à Stéphane pour la suite du compte-rendu. (D.D.)
Qui est déjà occupé de contempler deux demoiselles sur la petite scène du ‘Château’. Elles ont choisi pour patronyme faOn faOn.
Le mot ‘faon’ désigne le ‘petit’ chez différentes espèces, notamment celui du cerf, du chevreuil, du daim ou du renne.
Ici, il n’est rien puisque sous ce nom particulier, se cachent deux filles fort jolies et âgées d’une vingtaine d’années. Fanny Van Hammée et Olympia Boule.
Deux femmes fusionnelles qui partagent un projet commun situé à mi-parcours entre électro tribale et folk poétique, naïve et sauvage.
La formation minimaliste impacte, il est vrai, la richesse musicale de ce duo. Une batterie pour l’une et deux synthés pour l’autre. Parfois, une guitare acoustique vient saupoudrer le tout. Ce ne sont probablement pas des gonzesses qui on suivi une formation académique !
Mais quand bien même ! Elles parviennent à véhiculer certains sentiments empreints de tristesse et de mélancolie. Ces deux biches suivent quelquefois également des chemins sinueux, tendrement sauvages, conduisant le public lambda vers une forme d’onirisme !
La musicalité est douce, légère et vaporeuse. A l’instar d’une Emilie Simon qu’elles ont choisie pour référence. On se laisse bercer par ce son particulier et ce timbre de voix fragile et par moment, éraillé.
Il règne un climat ouaté, feutré même, au sein de l’expression sonore. Qui serait davantage adaptée à des salles intimistes.
A revoir prochainement !
Il est 20 heures lorsque Cédric Gervy pointe le bout de son nez, guitare acoustique en main. Il débarque sur le podium du ‘Château’. D’entrée de jeu, la foule réunie en masse, reprend en chœur ‘Joyeux anniversaire’.
Le gaillard fête ses 43 balais aujourd’hui. La réaction du public lui fait chaud au cœur et on le comprend !
On peut dire que l’arroseur est arrosé !
Il écume les scènes belges uniquement en solo. Il s’est lancé, pendant quelques années, au sein d’un projet collectif : Cedric (et les) Gervy ; impliquant Mr Chapeau, le gratteur RenRadio et le drummer Tyler Von Durden. Courant 2009, ce dernier a été remplacé par The Robot.
Balayant d’un revers de la main cette quasi-étape obligée de starification, il a préféré mettre un terme à cette collaboration afin de poursuivre en solitaire la propagation de sa bonne humeur. Le titre « Putain, j’ai failli être connu » est éloquent à ce sujet.
Son fil conducteur, c’est le calembour. Mais pas que !! Parce que le leitmotiv va bien au-delà. Chacune de ses chansons véhicule des messages forts et pertinents !
Cédric Gervy dépeint en effet les problèmes sociétaux à travaux des thématiques choisies en fonction du moment (la crise, l’addiction aux jeux, …)
Détail intéressant, l’auditoire est alors composé d’une pyramide des âges assez large. De très jeunes enfants accompagnent leurs parents. C’est dire la popularité de ce mec. Tout a fait justifiée d’ailleurs !
Il y a belle lurette que votre serviteur connaissait cet artiste. Il avait pu l’apercevoir lors d’une édition du Wolf Rock à Dour. L’envie de l’interviewer était grande ! Un véritable honneur en ce qui me concerne ! J’ai rarement vu une personne avec autant d’authenticité et de sincérité. Proche de son public, proche des gens !
Autant dire que ses concerts sont synonymes de franche rigolade ! C’est une thérapie contre la morosité ambiante à lui tout seul ! Faudrait même que la sécurité sociale rembourse chacune de ses prestations tant il fait du bien à l’âme ! On en ressort complètement soulagé.
Ses plus gros titres ont été scandés par un parterre en transe : « George est content », « Playstation », « Bonne année quand même », « Walibi », « Que c’est chiant le reggae », …
Le titre légendaire « Formidable », complètement détourné à la sauce Gervy, stigmatise les joyeuses entrées de Philippe et Mathilde. Il a promis de ne plus le jouer à l’avenir. Dommage !
Sans oublier « La moitié d’un père » qui m’est spécialement dédicacé pour l’occasion. Merci à toi Cédric pour ce geste que je n’oublierai jamais !
Il est maintenant l’heure de se dire au revoir. Pour marquer le coup, un grand nom de la chanson française vient fouler l’herbe fraîchement coupée de la plaine du LaSemo.
Bruno Nicolini, alias Bénabar, s’est lancé corps et âme dans la chanson, il y a plus de vingt ans déjà.
Plutôt doué et davantage passionné par les textes que par le côté académique de la musique, pour lequel il ne voue d’ailleurs pas une réelle affinité, il déchiffre les partitions au feeling, en parfait autodidacte.
Un talent confirmé dont les multiples rencontres vont faire de lui ce qu’il est devenu.
Son pseudo puise son origine dans l’univers du cirque. Réel ou imaginaire, le clown Barnabé est devenu Bénabar, verlan oblige.
L’artiste affirme un style tout en douceur, mais personnel. Il aime croquer la thématique du quotidien, pénétrer dans l’intimité des gens et pointer leurs défauts comme pour les faire accepter.
Il y a beaucoup de candeur chez lui ! Une timidité maladive même !
Il fait mine de bouder le public prétextant se réserver pour ses prestations française. Les compatriotes belges ont bien compris la portée humoristique de ce lâcher prise et applaudissent à chacune de ses interventions. Ce qui a communiqué une touche irréaliste bien plaisante à vivre !
Parce que Benabar est comme ça ! Généreux et les pieds sur terre, il fuit ce star system crasseux. Il privilégie l’interaction avec son public au caractère glacial et mercantile du métier.
Chez lui, il se passe toujours un truc. C’est naturel et viscéral ! Il ne se limite pas simplement à un récital parce la scène n’est tout simplement pas un service après-vente, mais un produit neuf et à part entière, à défendre.
Influencé par Brel, Brassens, Renaud et Higelin, cet amoureux des mots cultive un savant mélange d’humour et de gravité. A tour de rôle, il passe du piano/voix à des chansons plus électrifiées. Aucun temps mort !
Perfectionniste dans l’âme, il injecte toujours beaucoup de passion dans ce qu’il réalise et l’exprime à travers une musicalité tendre et amère à la fois.
Après un show qui va durer approximativement 1 heure 30, le bonheur envahit les badauds présents. Les yeux écarquillés et sourires béats en disent long ! Un joli moment qui restera longtemps gravé dans nos cœurs !
Le LaSemo est un festival écologique à taille humaine. Pour sa huitième édition, il a drainé sur les 3 jours, 20 000 festivaliers. Des prix démocratiques. Une affiche musicale exceptionnelle et alléchante. Des bénévoles accueillants. Des activités ludiques pour les plus jeunes à profusion. LaSemo, on se revoit en 2016…
(Organisation: LaSemo)
Pas évident de dénicher un emplacement pour poser sa tente quand on arrive deux jours après le début des hostilités. Il faut avouer que le camping ainsi que le site du festival commencent à devenir un peu exigus. D’où le changement de lieu prévu pour l’an prochain. La rançon du succès, à n’en point douter… (A.M.)
Ainsi, pendant que l’un de vos serviteurs du jour rencontre ces menus problèmes d’organisation, le second, quant à lui, en pur autochtone, a déjà pu poser son séant dans la poussière aride d’une plaine baignée par la chaleur. (A.S.)
C’est donc sous cette chape lourde et lumineuse que Gaz Coombes emmène sa troupe sur la scène principale sur le coup de quatorze heures quarante pétantes (de chaud).
L’ex-Supergrass, responsable d’un superbe opus sorti récemment (« Matador »), démontre immédiatement tout le potentiel de son nouvel essai perso.
Chapeau de feutre enfoncé sur le crâne (une mode chez les anciens fleurons des années 90 ???), le sympathique Britannique enchaîne, avec un certain entrain, les moments de grâce de sa discographie solo.
Une discographie n’ayant du reste rien à envier à son groupe de jeunesse.
Ici, on sent immédiatement la maturité et l’expérience, non seulement de Gareth (c’est son vrai prénom), mais des autres membres, d’une impressionnante précision confinant à l’aisance maîtrisée.
Pas étonnant au vu de leur pedigree puisqu’on épinglera la présence de Loz Colbert, batteur de Ride. Rien que ça !
Derrière sa guitare ou aux claviers, Gaz nous comble et récolte un franc petit succès, au vu de l’heure précoce de ce passage sur la Main Stage.
Pendant que notre rédacteur/campeur installe sa toile, Bed Rugs distille son Rock résolument carré mais pas dénué d’intérêt.
Bercée par les sonorités Psyché et embrumée par les fumées acides, cette formation anversoise est responsable de compositions riches, brillamment interprétées, rappelant parfois Temples (NDR : à l’affiche hier) ou encore Tame Impala.
Une belle découverte qu’on aura certainement l’occasion de sonder attentivement dans un futur proche.
Après une installation un peu plus longue que prévue, notre deuxième correspondant prend la direction du site.
Great Mountain Fire sera sa première rencontre en bord de Meuse.
Venu défendre son nouvel elpee intitulé « Sundogs », le band bruxellois nous réserve un set groovy, sous un soleil éclatant et une chaleur étouffante.
Leurs morceaux s’appuient régulièrement sur de petits riffs de guitares, rappelant même le groupe britannique Foals.
Les nouvelles compositions comme « Lapis Lazuli » et « 5- Step Fever » s’intègrent parfaitement à la set list. Le tout est très sexy. Il s’agit du mot parfait, bien que simpliste, pour décrire leur musique. Des chansons pour l’été, sans aucun doute…
Virage à 360 degrés pour la suite. Rendez-vous sous le toit de la ‘HF6’ pour suivre le show de James Vincent McMorrow. Point de soleil ici mais des compositions épiques et glaciales. L’ambiance redescend d’un cran, il faut bien l’avouer. Car malgré tout le talent de songwriting du jeune trentenaire, les morceaux s’éternisent un peu trop avant de prendre leur envol alors qu’une majeure partie du public souhaiterait davantage de folie. Les fans ont néanmoins dû apprécier le respect de la ligne de conduite de l’Irlandais, mais manifestement, ce type de spectacle n’est pas adapté à ce genre de festival.
Quelques mètres plus loin, dans l’intimité de l’‘Aquarium’, un groupe performe à domicile. Roscoe vient également défendre un nouvel elpee : « Mont Royal ». Derrière leur style discret, les cinq musiciens cachent un son dense et puissant, totalement adapté a l’endroit. Ravis de revenir là où tout a commencé pour eux en festival (il y a cinq ans déjà…), ils offrent un set remarquable, entre complexité et noirceur. Le public le leur rend bien. La petite salle est bondée. Plus qu’une découverte, Roscoe semble avoir attisé la curiosité aux Ardentes. Ils auront d’ailleurs convaincu bien du monde…
À l’autre bout du site et simultanément, Benjamin Clementine, de retour aux Ardentes, se retrouve face à un dilemme cornélien.
Car programmé sur la grande scène, en milieu d’une si belle journée, comment capter l’attention d’un public plus occupé à se dorer la pilule qu’à laisser le spleen l’envahir sans pour autant trahir l’authenticité de sa musique?
Imaginant mal le pudique garçon se la jouer racoleuse, on est intrigué par la présence d’un clavier, d’une batterie ; et à l’arrivée d’un violoncelle, venu épauler le grand piano noir, sur lequel Benjamin, laisse courir sa mélancolie.
Malheureusement, la sauce ne prend pas.
Si la beauté intrinsèque des chansons de ce garçon en ayant bavé (on peut peut-être ici parler de son parcours singulier d’immigré survivant grâce à des prestations souterraines) ne sont pas à mettre en doute, elles méritent qu’on s’y attache dans la plus grande simplicité.
Ici, les autres instruments semblent vouloir prendre le pas et dévorer tout cru notre grand gaillard.
Si celui-ci ne s’en laisse pas compter, possédant un organe vocal puissant et couvrant une large gamme, capable de bousculer tout comme de caresser, on regrettera tout de même la simplicité d’une formule solo qui avait tant émerveillé lors de son premier passage en deux mille quatorze.
The Charlatans assure alors la transition dans un HF6 au son toujours plus qu’à la limite de l’audible.
Sans faire la fine oreille, c’est bien un endroit qu’on ne regrettera pas !
Les ingénieurs du son qui se succèdent ici doivent d’ailleurs certainement encore faire des cauchemars en pensant à ce hangar métallique, plusieurs semaines après y avoir ramé !
C’est peut-être une des raisons du départ raté vécu par le légendaire groupe de Tim Burgess.
La version de « Weirdo » massacrée laisse présager une catastrophe, heureusement vite écartée par la suite. Car finalement le combo de Norwich va démontrer qu’il possède encore de beaux restes.
Si la coiffure peroxydée de son leader fait sourire (Tim, n’as-tu pas une épouse pour te signaler le ridicule de cette coupe ringarde maladroitement teintée?), le son est toujours bien présent et n’a pas pris une ride (ne pas lire ‘Ride’ mais ‘ride’).
Au final, « The Only One I Know » rappelle la richesse d’une formation passée au travers de sa carrière.
Pendant que le son ‘Baggy’ s’atténue dans le vent, Charlie Winston monte sur les planches.
Vêtu tout de bordeaux, le contraste est saisissant entre cet artiste et son band, aussi bleu que le ciel.
L’effet est volontaire bien évidemment. Charlie veut sortir du lot et s’il n’y arrive pas forcément par sa musique, il a au moins le look adéquat.
Car l’Anglais est séduisant, et il le sait très bien.
On finit d’ailleurs par regarder davantage ses mimiques plutôt que d’écouter ses compositions. Le tout est bien évidemment surjoué et si l’ambiance est plutôt sympathique, les compositions ne convainquent guère, hormis le tube « Like a Hobo », indiscutablement irréprochable. Sans attendre grand-chose de Winston, on finit quand même déçu.
Et ce n’est jamais bon signe.
Il y en a qui ne déçoivent jamais et The Experimental Blues Band en a le mérite.
Le combo liégeois, rebaptisé The Belgians dans le cadre de son spectacle consacré au ‘Belgicisme’ fièrement revendiqué explose l’Aquarium dans un grand fracas de frites, de bière et de chocolat ‘made in chez nous’.
Un son gras et saturé qui grésille dans les oreilles et électrise un auditoire absolument pas effrayé par le côté pastiche clairement assumé de nos trois camarades.
Mélange pas toujours subtil de Blues cradingue mâtiné d’images sanglantes, de logorrhées caverneuses sur fond d’images d’archive et de riffs puissants arrachés à la sueur du poignet, cette combinaison, pour effrayante qu’elle soit, donne lieu à un moment d’intensité sauvage et foutrement bien exécutée.
Revisitant l’histoire récente de notre plat pays, images choc à l’appui, The Belgians Experimental Blues Band dévaste tout sur son passage, dans une apparente dérision.
Comme une giclée de bave à la commissure des lèvres d’un vieil iguane, justement de passage…
Succédant à un autre vieux de la vielle, en la personne d’un Paul Weller toujours aussi performant, l’Iggy n’est pas encore fatigué, malgré ses presque 70 balais.
Et si l’âge se lit sur son corps, car il est toujours torse nu, rien n’est visible dans son attitude.
L’énergie déployée est impressionnante.
Iggy Pop n’est pas une légende du rock pour rien.
Son fan base est d’ailleurs toujours aussi impressionnant. Sans surprise, les pogos sont légion pour le plus grand plaisir de l’artiste qui tout en s’appuyant sur ses tubes légendaires, produit un vrai one man show. On ne peut d’ailleurs pas lui en vouloir pour la vulgarité de certaines attitudes, puisqu’elles collent parfaitement à l’image du personnage.
Comme décidé à offrir au plus vite son legs, l’ex-Stooges assène d’emblée et coup sur coup « No Fun », « I Wanna Be Your Dog », « The passenger », et « Lust For Life » ; ce qui a le mérite, sinon de créer un semblant de suspense, de mettre en orbite un public en liesse.
Au final, un vrai bon moment de rock’n’roll.
C’est la folie de The Hives qui clôturera la journée pour vos deux serviteurs.
Sans être de véritables fans, loin s’en faut (leur carrière discographique ne proposant pas de hauts faits d’armes), force est de leur concéder un impressionnant potentiel scénique.
L’atmosphère qu’ils créent est complètement démente.
Pelle Almqvist, le chanteur, ressemble de plus en plus à un jeune Mick Jagger. Et son narcissisme exacerbé devient finalement très marrant, à condition de le prendre au second degré.
Il adore en tout cas communiquer avec son public et le diriger comme bon lui semble. Tout le monde semble s’amuser et « Hate to Say I Told You So », titre qui résume assez bien la philosophie du band d’ailleurs, est une finale complètement épique.
Comme quoi, il ne faut pas obligatoirement aimer un groupe pour s’éclater durant un concert.
Suite à cette débauche de plaisir jouissif, retour dans nos pénates respectifs, l’un sous la couette, l’autre sous la tente.
Au passage, les échos du passage d’une Nicki Minaj affligeante de vulgarité parviennent à nos oreilles.
Le HF6, bondé comme jamais va cependant résister à la houle d’un public, vraisemblablement attiré par les attributs fessiers d’une diva de pacotille.
Au moins, pour une fois, la sonorisation de l’endroit sera à la hauteur de l’artiste s’y produisant…
Organisation : Les Ardentes.
(Voir aussi notre section photos ici)
Le Lasemo est un festival très particulier. Il fait même un peu figure d’OVNI dans la jungle musicale ! Situé à mi-chemin, dans son approche intellectuelle et philosophique, entre le celui de Dour et le Parc Rock de Baudour, il privilégie la découverte culturelle tout en mettant l’accent sur l’écologie. Sans oublier le brin de volonté philanthropique. La diversité des activités est si large qu’on ne sait plus où donner de la tête. Aussi, ce qui peut paraître un atout, se révèle, in fine, assez frustrant !
On attaque la seconde journée de LaSemo sous un soleil de plomb.
Direction scène du ‘Château' pour la prestation du quatuor Mambo. Mambo relève du collectif liégeois Honest House et il vient de publier son premier opus, « Bertier ».
Des musicos qui ont déjà bien roulé leur bosse en militant au sein de différents projets : Volt Voice, Graffin Volder, Horson, Casse Brique et Frank Shinobi. Le groupe réunit les guitaristes Matthieu Charray et Julien Conti ainsi que Thomas Dardenne à la basse et Fabian Georges aux drums.
Instrumental, leur math/rock procure de très bonnes sensations. Quelques titres évocateurs de leur long playing ? « Dodo La Moisissure », « Krokodile Junkie », « Botox Party » et « Renfort Caisse ». Ils ont été finalistes du Concours Court-Circuit 2015. Un groupe liégeois à tenir à l'œil. Malheureusement, je ne puis assister très longtemps à leur prestation, car des interviews m’attendent…
Jean-Jean le présentateur le rappelle souvent, vu la canicule, il est nécessaire de s’hydrater. Mais également protéger les oreilles de nos petites têtes blondes. Des casques sont d’ailleurs mis à leur disposition. A cet égard, je ne comprends toujours pas l’inconscience de parents qui entraînent leur progéniture près des baffles, en front de scène. Coup de gueule !
Les entretiens terminés, votre serviteur revient au même endroit pour le spectacle des régionaux de l'étape. En l’occurrence Poulyroc.
Ils sont repartis en tournée pour deux bonnes années. Vêtus de tee-shirts orange, les musicos du collectif sont venus défendre leur dernier LP, « Dédé Le Sot Mûr », paru en 2015. Ils sont 12 à faire la fête sur les planches et à foutre le bordel dans la foule : Jef, Flo, Piet, Schnell, Bouc, Snakes, Sabrina, Soifie, Locolucho, Nono, Manu et le Chevalier Blanc..
Le Chevalier Blanc et Bouc sont un peu les têtes de proue du combo. Sympa et débordant de bonne humeur, ce dernier se prend pour un écossais. Même qu’il n’a rien sous le kilt. En outre, il apporte une touche métallique aux compos. A cause de sa voix ‘death’.
Chez Poulyroc, pas question de play-back. Il y a des filles et des garçons aux cuivres, des guitares, une basse et un batteur au drumming métronomique.
Leur style oscille entre pubs à la sauce Pouly, fanfare, classique, ska/punk et reggae. Le club Dorothée, Walt Disney et Chantal Goya ont également voix au chapitre au sein de ce potpourri propice à la kermesse ou à la fête de la bière. Comme Lazare, leur objectif est de ressusciter les morts et de les faire marcher. Un grabataire va automatiquement se lever de son fauteuil PMR. Tu souffres de la goutte ou de rhumatismes, tu lâches tes béquilles ou ta canne, et tu te mets à danser. Tu as coincé tes muscles zygomatiques, ils seront instantanément libérés. Ath et Lessines ont de fameuses stars chez leurs administrés. Et un fan club conséquent qui participe à mettre un joyeux boxon dans la fosse.
Direction ‘La Tour’ où se produit Collectif 13. Ils sont huit sur les planches (NDR : 4 vocalistes, un batteur, un dj, un gratteur et un bassiste), 13 si on compte les techniciens. Ce qui explique leur patronyme. Le line up des musicos implique Guizmo (Tryo), Mourad (La Rue Kétanou) Gérome (Le Pied De La Pompe), Alee, Max (Mago / Le P'tit Son), DJ Ordoeuvre, Fred (LPDLP / No One is Innocent) et Erwann LPDLP. Lors des sessions d’enregistrement de leur elpee, simplement baptisé « 13 », la formation avait reçu le concours de deux invités de marque : Gari Greu (Massilia Sound System et Zeitoun (La Rue Kétanou).
Ce combo s’inspire du rock alternatif des eighties, et notamment de Mano Negra, Bérurier Noir et des Wampas. Mais également de formations plus récréatives comme Marcel et Son orchestre ainsi que Lenine Renaud. Bref, un brassage de styles particulièrement ample qui oscille du rock au reggae, en passant par la chanson française, l'electro et le rap.
Un des chanteurs, le sympathique Gérome Briard, est imposant, chauve et barbu. Circonstanciellement, il se consacre à la sèche. Et par rapport à sa stature, elle est minuscule. Le sixcordiste, Fred Mariolle, est coiffé de dreadlocks.
L’estomac de votre serviteur commence à crier famine. Il est donc temps de se restaurer.
Place ensuite à un autre collectif : Debout sur le Zinc. Un septuor qui figure parmi les artistes les plus sollicités par les festivaliers du LaSemo. Il réunit Romain Sassigneux (clarinette, guitare, banjo, chant, chœurs), Simon Mimoun (violon, chant, chœurs, trompette), Olivier Sulpice (banjo, mandoline), Fred Trisson (accordéon), Cédric Ermolieff (batterie, xylo, tambourin, derbouka) et Thomas Benoît (basse, contrebasse). Le band vient d’engager Marie Lalonde, destinée à apporter une touche féminine –quoiqu'elle s'en défende– à l’ensemble.
En 20 ans de carrière, la formation a accordé plus de 2 000 concerts. Et assuré le supporting act pour des groupes aussi prestigieux que Rachid Taha, Les Têtes Raides, Louise Attaque et Les Garçons Bouchers. Eponyme, son premier elpee est sorti en 1999. Et son dixième, « Eldorado » devrait paraître ce 25 septembre. Edith Fambuena (Alain Bashung, Etienne Daho, Miossec) s’est chargé de la réalisation et Antoine Gaillet (Mademoiselle K, Julien Doré, M83) du mixage.
Ce n'est pas la première visite du groupe au LaSemo.
Dominée par l’accordéon, les cordes et la clarinette, leur musique est le fruit d’un cocktail entre folk celtique, tradition tzigane voire manouche, world festive et pop mélodieuse. Et le tout est dynamisé par les percus. Ecrits dans la langue de Voltaire, les textes sont soignés. Et à l’instar du Collectif 13, Debout sur le Zinc communique sa bonne humeur à la foule présente.
La deuxième journée s’achève pour votre serviteur. C’est mon collègue Séphane qui prend le relais. A demain !
Il est près de 21h15 et Robbing Millions va bientôt littéralement enflammer la scène du ‘Petit Château’.
L’expression sonore de ce quintet 100% belge oscille subtilement entre rock, jazz, indie et psyché barré. Elle est complexe et difficile à décrire. En tout cas, elle évolue bien loin des clichés de la pop sucrée pour minettes en chaleur ! Et pourtant, les musicos sont jeunes et beaux. Simplement, ce sont des adeptes du second degré qui aiment prendre leur pied sur les planches. Ce qui explique pourquoi on les voit virevolter et sautiller sur l’estrade. Pour le plus grand bonheur de leurs aficionados. Un show visuel cependant quelque peu brouillon. A contrario de leur musique. D’ailleurs, Lucien Fraipont (guitares/chant), Gaspard Ryelandt (chant/artwork), Léo Dupleix (claviers), Laurens Smet (basse) et Jakob Warmenbol (batterie) sont plutôt d’excellents musiciens.
Leurs mélodies, loin d’être simples, sont auréolées de beats en tout genre et prouvent une fois encore que la Belgique regorge d’artistes talentueux. Des passionnés au sens noble du terme. Ca se voit, ça se sent et surtout ça s’entend !
S’ils ne déclenchent pas encore la grosse déferlante médiatique, ils marchent assurément, à force de travail et de persuasion (d’auto persuasion ?) vers un succès d’estime bien mérité !
Leur premier CD a été enregistré artisanalement dans une chambre alors que le second a été réalisé dans un vrai studio. Comme les pros ! C’est dire l’engouement suscité !
Aucun doute, ils attireront, sans nul doute, au fil du temps, de plus en plus d’admirateurs.
Mais ce soir, les musicos donnaient l’impression d’accorder un spectacle de gamins tout droit sortis de sixième primaire dans le but d’épater des parents assis au premier rang lors d’une fête scolaire.
Le manque de cohérence et l’individualisme persistant faisaient peine à voir ! Complètement pathétique !
La fin de la prestation a été rythmée par une situation complètement inattendue !
Des fans hystériques qui, lors d’un moment d’inattention du personnel de sécurité à la crash barrière, se sont précipités sur l’estrade et l’ont envahie.
Les musiciens ne savaient plus où donner de la tête. Complètement effaré par une situation dont personne ne connaissait l’issue, le leader du band a même dû se barrer et rejoindre le parterre de badauds retrouvant les quelques centimètres carrés d’espaces nécessaires afin de pouvoir terminer le concert.
Les organisateurs avaient misé sur un artiste belge pour clôturer cette seconde journée !
Arno est à la chanson ce que Van Gogh est à la peinture ! Il appartient à ce patrimoine dont nous pouvons être résolument fiers.
Intelligemment torchés, ses lyrics sont bourrés d’émotion.
Mais pas que ! A l’instar d’un Gainsbourg, c’est une personnalité à part entière ! Elle plaît parfois, dérange souvent !
Souvent destinée à un public d’initiés, la discographie de ce crooner est plutôt longue.
Bon nombre de festivaliers étaient donc impatients de (re)découvrir ce bon vieux chanteur séculaire venu en terre wallonne afin d’y présenter un florilège de tubes.
Enfin, c’était sur papier ! Parce que la réalité a été tout autre ! En effet, le Sieur n’était manifestement pas très enjoué de venir faire vibrer ses cordes vocales à la Tom Waits sur la plaine du Lasemo.
Complètement amorphe, le public avait l’impression de s’emmerder. Vraiment ! D’ailleurs, après quelques minutes, les spectateurs ont commencé à bavarder, comme s’ils étaient attablés à un comptoir de bistrot, sans même plus se soucier de la prestation qui se déroulait sous leurs yeux.
Votre serviteur entend déjà les critiques formulées à son égard. Certains prétexteront en effet que le gaillard a la mauvaise réputation d’être froid avec son public et que cette attitude fait partie, à part entière, de la folie schizophrène du personnage. Peut-être…
Mais, pour l’avoir déjà vu il y a quelques années au sein de ses formations plurielles (TC Matic ainsi que Charles et les Lulus), on peut affirmer que le gaillard a chopé la grosse tête depuis !
Absolument aucune communication ! Pas de salut, ni d’au revoir ! Le gars était venu comme l’ouvrier à la chaîne qui vient prester entre 8 et 17 heures, parce qu’il a besoin de nourrir sa famille !
Ces mêmes détracteurs vont probablement souffler un vent de protestation en dénonçant que l’on puisse écrire un article mitigé sur un compatriote flamand, tout en accusant votre serviteur, à tort, d’afficher un racisme primaire.
Pourtant, bon nombre de spectateurs partageaient ce sentiment d’assister au spectacle d’un artiste je-m’en-foutiste.
Arno a ainsi balancé, vite fait, une série de compositions… L’absence manifeste de tubes ont rendu ce concert bien tristounet. Il a fallu attendre plus d’une heure avant que la foule ne sorte de sa léthargie. Soit lors de deux titres phares : « Putain, putain » et la reprise de « Les Filles du bord de mer » d'Adamo, au cours duquel les uns et les autres ont commencé à tanguer tel un bateau à la dérive.
Après une interruption de quelques secondes, les musiciens sont revenus affronter un parterre passablement frustré. Le rappel d’un seul pauvre titre était à l’image de ce qui précède. Nullissime !
(Organisation : LaSemo)
La deuxième journée du Cactus va se dérouler sous un soleil radieux. Pour ne pas dire de plomb. Heureusement, au sein du Minnewaterpark les arbres procurent de larges zones d’ombre… Compte-rendu.
Sohn, alias Christopher Taylor, est un auteur/compositeur/interprète insulaire, londonien pour être plus précis, qui pratique un cocktail ténébreux et minimaliste de trip hop et de dubstep. Sur les planches, il est soutenu par deux autres préposés aux synthés et aux machines, dont l’un se charge également et épisodiquement de la basse. Christopher a une voix étonnante, fragile et mélancolique, capable de monter dans les aigus avec une facilité déconcertante. Une expression sonore destinée à créer des paysages visionnaires susceptibles de vous plonger dans une transe collective. A cette heure de la journée…
Le Black Rebel Motorcycle Club compte déjà 17 années d’existence. A son actif, 9 elpees, dont un live, paru début de cette année. Si Peter Hayes et Robert Turner (NDR : né Robert Levon Been, c’est le fils de feu Michaël Been, le leader de The Call) sont toujours bien au poste (NDR : ce sont aussi les membre fondateurs), Leah Shapiro se charge des fûts depuis 2008. Les deux leaders sont tout de noir vêtus. Pantalons et vestes. En cuir. Et chaussés de lunettes fumées. Leur musique est toujours aussi sombre, languissante, un rock’n’roll malsain, crade, fuzzy, ténébreux, balayé de références bluesy. Les voix se conjuguent à la perfection. Et la drummeuse balise impeccablement l’expression sonore. Un zeste d’harmo et de tambourin ne nuit pas à leur musique qui tient toujours aussi bien la route, mais qui tarde quand même à se renouveler…
Chanteuse, Jessie Ware est également londonienne. Elle est responsable de deux long playings à ce jour et surtout de deux tubes, « Running » et « The wildest moment ». Certains medias estiment qu’elle incarnerait le chaînon manquant entre Adele, Sade et Frank Ocean. Sa musique s’inspire du r&b des 80’s. Sophistiquée, elle privilégie les titres mielleux, abordés dans l’esprit de Whitney Houston voire Beyoncé. Jessie est cependant bien plus efficace lors de titres plus funk. Surtout qu’ils ne manquent pas de groove et sont très susceptibles de libérer des beats contagieux. L’auditoire semble pourtant apprécier.
La bonne surprise va nous venir d’un sexagénaire, John Hiatt. Bien épaulé par son backing group, son roots rock va littéralement faire mouche. Et pourtant les compos interprétées cet après-midi datent de 20 voire 30 ans (NDR : il a publié plus d’une vingtaine d’elpees au cours de sa carrière !) Depuis l’ouverture « Your dad did » à son tube « Have a little faith in me », en passant par les classiques « Perfectly good guitar », « Real fine love » et « Tennessee plates ». Son attitude positive et son enthousiasme vont littéralement enflammer le public. Une belle plume au chapeau de l’édition 2015 du Cactus !
Balthazar clôture cette deuxième journée. La formation courtraisienne vient de sortir son troisième opus, « Thin Walls », un disque très bien reçu par la critique. Et en progression constante, elle accorde des sets de plus en plus consistants. Ce qui explique sans doute pourquoi, elle a été invitée à participer à la plupart des festivals estivaux. Le quintet pratique une forme de britpop. Donc aux mélodies soignées. Mais les interventions de la violoniste apportent une profondeur à sa musique. Et puis une certaine spécificité. Alors que le rythme est sautillant, saccadé, mordant ou séduisant, selon les compos. Bref, au Nord du pays, les medias estiment que Balthazar marche sur les traces de dEUS. C’est certainement sur la bonne voie…
(Organisation : Cactus Festival)
Annoncé depuis quelques années déjà, le déménagement du festival liégeois vers un autre emplacement semble inéluctable.
Dixième et donc dernière mouture sur les bords de Meuse, ici, à l’extrémité Nord de la cité Ardente.
Un Parc Astrid qui aura vu du beau monde. Imaginez !
Siouxie, PIL, Iggy Pop, Pavement, Bashung, Massive Attack du côté des légendes, Pharrel Williams (avec NERD), 50 cent ou encore Indochine pour les grosses pointures, sans compter les génies oubliés, les surprises de taille, les cocasses, les ridicules (et ici je vous laisse le soin d’établir votre propre liste qui risque de ne pas être exhaustive)…
Bref, en dix ans, les Ardentes ont grandi ; et si leur politique d’ouverture (quitte à faire le grand écart, tout de même) ne leur a pas valu que des louanges, le constat est flagrant : ce festival s’impose aujourd’hui dans le paysage belge comme l’une des valeurs sûres.
C’est pourquoi, dès l’an prochain, les festivités se dérouleront dans un tout nouveau cadre, certainement sur des hauteurs plus propices au bon sommeil des riverains nichés au cœur de la ville.
En attendant, cap sur la deuxième journée, qui comme lors des précédentes éditions, marque le début d’un rythme de croisière.
Comme chaque année, une troisième scène s’ouvre dès le vendredi.
Les organismes sont donc mis un peu plus à l’épreuve, tandis que les temps morts se languissent dans les coins, à l’ombre.
Point d’ombre cependant pour Hanni El Khatib, en ce début d’après midi, programmé sur la Main Stage.
Chemise à pois, Telecaster en bandoulière, lunettes vissées sur sa paroi nasale, il attaque le soleil de face par « Moonlight », fantastique morceau de son dernier LP.
Sortir de leur torpeur les quelques centaines de curieux venus cuire sous l’astre de feu ne semble pas effrayer notre homme, qui peut, du reste, compter sur quelques fans lui apportant leur soutien.
Énergique en diable et admirablement épaulé par ses comparses scéniques, Hanni assure un set plein de vigueur, similaire à celui accordé au Botanique quelques semaines auparavant.
De quoi l’auréoler dans mon chef des lauriers du premier bon concert de cette dixième édition (NDR : il est vrai que je suis arrivé trop tard pour Paon et Fugu Mango dont le potentiel était très susceptible d’arracher ce titre à quelques minutes d’intervalle).
Ma monture lancée à bride abattue, je fonce dès la dernière note vers le HF6 et son toit de taule, miroitant au soleil comme un lointain mirage.
Dans ses volutes fantomatiques, j’aperçois l’ombre désincarnée de feu Bashung, dont un pan d’âme est resté accroché ici même, une nuit de deux mille huit.
Une présence planant tout au long du concert de Feu ! Chaterton, puisqu’il existe des similarités, qu’on ne peut nier, entre les deux univers.
La prose élégante et le verbe gracile mêlés à la fougue des guitares.
Les envolées poétiques en contrepoint d’un ravageur tempo ou sourdent les échos de lointains naufrages.
La tête de proue, c’est Arthur, chétif petit homme dont se demande s’il franchira ces tempêtes qu’on devine dès les premiers accords de « Fou à lier » et qu’on pressent néanmoins comme le gouvernail de son band.
Et de fait, alors que le crachin cède le relais à la furie d’éléments ô combien contrôlés, il ne fait plus aucun doute que ce petit bonhomme porte sur ses frêles épaules, la puissance de feu qui nourrit l’électricité ambiante.
Sorte de catalyseur apparemment indifférent aux mouvements opérés autour de lui.
Contraste saisissant entre cette mince silhouette, habitée par mille tourments et ce ballet incessant de musiciens sous haute tension.
Si la fièvre de Feu ! Chaterton couve bien mieux dans des endroits plus appropriés (on rappellera si nécessaire que la qualité du son du HF6 n’offre pas les meilleures conditions en ‘live’), il ne fait aucun doute que son leader a le don de prendre le spectateur par la main, afin de l’emmener au sein de son univers baroque.
Placé sur un autre plan astral, cet Aznavour de poche, à la coquette moustache, prend une envergure scénique, qui le transforme en Atlas tout-puissant.
Chaque titre est présenté longuement, avec force détails, expliquant la trame de la chanson, de manière à ce que l’auditoire puisse pénétrer au cœur de celle-ci.
Ici dans la Pinède pour la mort de l’innocence, là sur le Costa Concordia, pour couler dans la détresse.
C’est certes enlevé, un brin théâtral, mais jamais ridicule et toujours imprégné d’une réelle authenticité.
Et donc à revoir dans des conditions optimales.
Reste donc dix petites minutes pour traverser la plaine (heureusement qu’il existe des passages secrets que seuls certains types de bracelets peuvent ouvrir !) et je me retrouve devant Temples qui s’apprête à livrer un set qui au final, restera largement en deçà de que j’attendais. Surtout vu les prestations auxquelles j’avais pu assister précédemment.
La faute à qui ?
À la chaleur ?
Au public assoupi par ces conditions climatiques plus propices à la Bossa Nova ?
Ou à la mollesse du band qui s’exécute sans réel enthousiasme (et peut-être justement à cause de ces deux raisons).
Quoi qu’il en soit, jamais le concert ne décollera et si « Sun Structures » et « Shelter Song » sont indéniablement des morceaux diaboliques, il aurait fallu plus de conviction dans leur interprétation.
Rendez-vous donc devant BRNS, même si je rate l’entame et son pétillant « Mexico ».
Pas grave, me dis-je, peu motivé à l’idée de revoir ce groupe pour la énième fois en quelques années.
Oui, mais voilà.
J’ai bon manquer d’entrain à chaque fois, le constat est manifeste : je suis invariablement estomaqué par le talent de cette formation.
J’ai beau m’attendre à quelque chose de prévisible, BRNS arrive systématiquement à me surprendre.
L’apanage des grands groupes ?
Plus puissant, plus en place que jamais (si c’est un leurre, c’est un magnifique tour de passe-passe), le combo dépasse de loin son envergure actuelle.
Je le quitte donc en me promettant de ne plus faire la même erreur la prochaine fois...
Si les ballades à rallonge de Tom McRae et les saynètes décalées de Baxter Dury ne suscitent pas en mon for intérieur le même enthousiasme, j’apprécie tout de même ces moments de détente en buvant quelques bières et profitant de l’ombre de l’Aquarium, avant de retenter la grande traversée diagonale où m’attendent les vieux brisquards de De La Soul.
Si leur retour au devant de la scène pouvait étonner, voire effrayer, le show de ce soir avait de quoi faire taire les plus sceptiques.
À peine plus ridés que quand je les ai découverts en 89, grâce cette pierre d’achoppement constituée par « 3 feet High And Rising », ces icônes de la Old School démontrent avec vigueur et panache leur rôle prépondérant au sein de la production Hip Hop contemporaine.
Versions revisitées et classiques revêtus de neuf, De La Soul fait encore le poids et remet en place bien des préjugés.
Autour de ses trois membres, toujours aussi verts et dont le plaisir de jouer, semble-t-il, est resté intact, s’articulent un Big Band cinq étoiles.
Un moment particulièrement agréable qui a le bon ton de faire oublier le semblant de fatigue qui semblait me menacer.
Remis d’aplomb et l’alcool dilué dans cette bonne humeur, les conditions optimales sont donc réunies pour retrouver dEUS.
Exit en effet La Roux (la faute à De La Soul !) et place à Tom Barman et ses sbires.
Resté sur une impression assez mitigée l’an dernier sur la grande scène de ces mêmes Ardentes, je vais renouer l’espace d’une heure avec la magie du groupe.
Si je reste persuadé que les plus belles années de dEUS sont derrière lui et l’osmose du band s’est évaporée au fil du temps et de ses nombreux départs (pour rappel, il ne reste plus du line up initial que Klaas Janzoons et Tom Barman), le spectacle de ce soir m’a quand même permis de replonger dans le souvenir…
Nostalgie, certes, mais empreinte d’électricité.
Les éléments qui font cette fois la différence ne m’apparaissent pas clairement.
Car dans le fond, le set proposé en forme de ‘Best Of’ est relativement similaire à celui de la dernière édition.
La bonne volonté du combo n’ayant jamais été remise en question, la distinction se résume sans doute dans certains petits détails.
Qui pour l’heure se refusent à ma mémoire.
Mais l’essentiel est dans le résultat. Soit un concert impeccable qui a ravivé la flamme du fan initial, né un soir, il y a plus de vingt ans déjà, dans un petit café de cette même ville ardente.
Enjoué et galvanisé par cette chaleureuse étreinte, je fais route pour décerner la palme d’or de la déception millésimée Ardentes deux mille quinze ; soit Oscar & The Wolf.
Déjà passablement agacé par la tournure que prennent les événements depuis que Dieu sait qui dans leur entourage s’est mis en tête de saper Max Colombie comme une diva et de saper par la même occasion la magie du groupe, en une heure, je vais me rendre compte de l’étendue des dégâts (déjà largement apparue lors de leur mégalo show du Pukkelpop l’an dernier).
Mettons nous d’accord d’office : j’estime que le potentiel du combo est énorme et la voix de son leader un bijou d’exception à dimension internationale.
Qui plus est, entouré de musiciens hors pair, Max, ainsi grimé en Oscar peut crier au loup tant qu’il lui chante.
Cette seule combinaison de talent devrait amplement suffire à les démarquer dans la masse médiatique, mais aussi le registre de qualité.
Alors, qu’est-il arrivé à Oscar et son loup ?
De qui émane cette idée de surabondance ?
Si l’album « Entity » reste un bon album au demeurant, la fragilité de « Summer Skin » (produit par Robin Propper Sheppard de Sophia pour l’anecdote) semble avoir laissé la place à un glacis qui dessert fortement le propos.
Un constat mis en lumière sur les planches par un show laser inapproprié, un jet de confettis ridicule et un costume de scène trop grand pour Max (au propre comme au figuré).
Si l’incroyable suavité de la voix reste perceptible au travers de ce jeu de grandiloquence qui semble lui avoir été imposée, toute la subtilité a été radicalement effacée pour laisser place à un spectacle disproportionné où la musique ne trouve même plus ses repères.
S’ensuit un concert d’une incroyable fadeur, sans aucun relief, perclus de fautes de goût, même pas imputables au band lui même, qui lui aussi semble perdu dans cette débauche d’effets.
Reste le quidam, à qui toute cette poudre aux yeux laisse miroiter l’effervescence d’un grand show et préfère sans doute ignorer cet incroyable talent qu’on étouffe dans ce jeu de surenchère.
Bon, d’accord, je ne vais pas jeter la pierre à Pierre… Pardon ! Oscar. Mais voir un tel potentiel se cristalliser dans l’insipide a de quoi énerver.
Et en plus, ils étaient en retard !
Du coup, le temps de se farcir le chemin inverse Main Stage vers HF6, The Avener avait fini, bouclé, remballé.
Trop accablé pour refaire marche arrière et peu enclin à enflammer la pelouse du parc de mes superbes déhanchés, je fais donc l’impasse sur Paul Kalkbenner venu spécialement en jet d’Ibiza pour dérouiller mes genoux et m’en vais reposer mes membres en vue d’une nouvelle journée de festivités.
Organisation : Les Ardentes.
(Voir aussi notre section photos ici)
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