Tandis que nous affrontons les embouteillages coutumiers sur le ring d’Anvers, des centaines de headbangers se pressent déjà à l’entrée de la salle Hof Ter Lo pour un concert qui affiche sold out ! Une fois n’est pas coutume, c’est un double évènement qui est proposé aux fans de metal en cette soirée ensoleillée. Le club ‘Trix’, adjacent à la salle bien connue des amateurs de rock puissant, propose un mini festival de death metal. En tête d’affiche : les Hollandais de Goresfest. Maigre consolation pour les fans de Volbeat sans ticket ; mais vu le droit d’entrée à 5€, il aurait été inopportun de faire la moue…
Il est un peu plus de 19h30 lorsque les jeunots de Serum 114 investissent le podium de l’Hof Ter Lo, déjà envahi par les backdrops de Volbeat. Tatoué, chapeau visé sur le crâne, le chanteur blondinet campe un hybride entre Kid Rock et le leader de Green Day. C’est d’ailleurs dans le registre de ces derniers, et plus particulièrement celui de Sum 41 que milite la formation allemande. Anissa me fera d’ailleurs très judicieusement remarquer que si l’on rabote deux lettres au mot Serum, et qu’on bascule le 4 de 114, on obtient Sum 411 ! Il est vrai que le combo n’a rien inventé et qu’il devient vite très ennuyeux.
Même si le chanteur du groupe fusion hardcore Stuck Mojo est soutenu par d’excellents musiciens, nous préférons prendre un rafraîchissement et fouiner dans les bacs à CD’s de l’échoppe de Metalzone. Le chant ‘rapé’ n’est décidément pas notre tasse de thé.
En insufflant un brin de country façon Johnny Cash et quelques touches de rockabilly à son metal lourd, Volbeat est devenu le phénomène à la page ! Comment résister et rester de marbre face à ce cocktail détonnant. On parle même d’‘Elvis metal’ tant l’organe de Michael Poulsen évoque celui du ‘king’, dont il reprend les intonations pour exécuter un metal à la limite du thrash, particulièrement teinté de Misfits et de Metallica.
Dans la salle, l’ambiance est survoltée et ne faiblira pas jusqu’au monumental « Still Counting ». Si la recette était rôdée dès le premier album de ces Danois atypiques, elle est ici encore améliorée ; et le public s’enflamme dès les premiers accords de « Guitars, Gangsters and Cadillac Blood ». Belle entrée en matière ! Le son est monumental. Les lights sobres ; et il est incontestable que l’atout principal du band demeure le timbre vocal de Poulsen. Tandis que « My Believe » s’enchaîne à « Sad Man’s Tongue », le service de sécurité n’en finit pas de réceptionner les nombreux ‘stagedivers’ qui participent joyeusement à cette soirée endiablée aux allures de grande fête du rock’n’roll !
Volbeat s’avère être un excellent remède contre la morosité. Il suffisait d’observer les mines réjouies des spectateurs qui ne sont pas près d’oublier cette prestation incandescente d’un groupe avec lequel il faudra désormais compter.
Randy Chorkoff a mis les petits plats dans les grands chez Delta Groove! Au même moment où des moyens conséquents ont été accordés aux nouvelles productions de BB King et de Buddy Guy, il s’est demandé pourquoi ne pas faire profiter ce bon vieil Elvin Bishop. Bientôt âgé de 66 ans, l'homme est une fameuse pointure et possède un solide pédigrée. Faut dire qu’il militait déjà au sein du Paul Butterfield Blues Band, auprès d’un autre gratteur de génie, Michael Bloomfield, au beau milieu des sixties. Bishop possède une discographie impressionnante. Ses débuts comme soliste, il les a accomplis en 1969. Il concocte alors "The Elvin Bishop Group". Puis "Feel it", l'année suivante. Né en Californie, Elvin a ensuite vécu dans l'Oklahoma avant de s’installer à Chicago. Entre 88 et 98, il signe quatre albums pour Alligator. Ses deux derniers opus sont parus chez Blind Pig : "Getting' my groove back" en 2005 et le live "Booty bumpin'", l'année dernière.
L’elpee démarre en force par la plage éponyme, une composition qui adresse un clin d'œil aux maîtres qui ont popularisé la musique qu'il aime. Il est soutenu par Kim Wilson à l’harmonica et Warren Haynes, un des gratteurs attitrés de l’Allman Brothers Band. Issu de la plume de Ray Charles, "Night time is the right time" est un classique du blues. Elvin nous en propose une excellente version. Faut dire que la voix de John Nemeth est prodigieuse. Sans oublier le concours particulièrement judicieux de la féline Angela Strehli. Elvin en profite pour démontrer tout son savoir-faire sur les cordes. "Yonder's wall" a été immortalisé live lors de la dernière ‘Legendary blues Cruise’, accomplie en octobre 2007. Ronnie Baker Brooks, le gratteur d'Eddie Clearwater, chante remarquablement. Bishop, Brooks et Tommy Castro en profitent pour participer à un véritable festival de guitares. De nouvelles sonorités illuminent le chant d'Elvin tout au long de son "Struttin' my stuff", le titre maître d’un elpee paru en 1975. Les deux guitares slide de Warren Haynes et Derek Trucks, empruntés à l’Allman Brothers Band, entretiennent un climat funky torride. Lorsque qu'une imposante silhouette noire pousse les portes du Digital Insight Studio de Las Vegas, Elvin est aux anges. L’immense BB King est venu apporter son concours à la cover du "Keep a dollar in your pocket » de Roy Milton. Un swing relaxant, caractérisé par le son BB immédiatement identifiable. John Nemeth chante encore trois plages : le "Who's the fool" de Smokey Robinson, au cours duquel on assiste à un échange royal entre les trois guitares de Bishop, Kid Andersen et du redoutable Mike Schermer (NDR : c’est également le deuxième gratteur d’Elvin en tournée). Une joute balisée par ses autres musiciens. En l’occurrence le pianiste Chris Burns, le bassiste Timm Walker et le drummer Bobby Cochran. L’adaptation du "I found out" de Junior Wells bénéficie de la présence de James Cotton et du saxophoniste Terry Hanck. La finale est paradoxalement instrumentale : "Honest I do". Un blues des swamps composé par Jimmy Reed. Nemeth est à l'harmo. Il échange ses phrases avec les riffs de Rich Kirch, un ancien gratteur de John Lee Hooker. La reprise du "Black gal" de Clifton Chenier est de toute bonne facture. Un zydeco indolent bercé par l'accordéon d'André Thierry. Bishop est seul sur scène pour interpréter "Oklahoma". Il chante en s’accompagnant à la guitare. Son pied est percussif. Le climat est agressif. Le son primaire, rugueux. Manifestement, pour cette compo, il a creusé jusqu’à ses racines : celles des fifties. La présence du très jeune combo Homemade Jamz Band est une surprise. Une formation prometteuse, responsable d’un tout bon elpee paru chez Northern Blues Music. Elle épaule Elvin sur "Come on in this house", un blues lent issu de la plume de Junior Wells. Quoique âgé de 14 ans, Ryan Perry est serein pour chanter cette compo qui nous entraîne à la croisée des chemins du Southside et du Westside de Chicago. Enfin, Elvin n'a pu résister à une solide tranche de rock'n'roll. En l’occurrence le "Send you back to Georgia" de Hound Dog Taylor. George Thorogood se réserve les vocaux. Et partage les parties de guitare avec son fidèle second couteau texan, Jim Suhler. Un tout bon opus signé Mr Bishop!
Sttellla a donc prévu de sortir un nouvel album en 2009. Mais en attendant, il nous propose un disque audio et un dvd consacré à la clôture de sa tournée ‘Prestidigitatour’. Un événement qui s’était déroulé les 5 et 6 décembre 2007, à l’AB de Bruxelles. Pour la circonstance, notre quinqua (NDR : il a 51 balais !) avait demandé au public de s’habiller ou de se déguiser en rose. Comme la formation, d’ailleurs. Ce qui explique le titre de son opus. Quoique ce titre adresse en même temps un clin d’œil au célèbre « Abbey road » des Fab Four. Il suffit de regarder la pochette pour s’en rendre compte. Et puis, il avait décidé de se mettre à la guitare et de s’entourer d’un véritable groupe.
Le cd est partagé en 20 plages et s’étale sur 70 minutes. Il recèle deux inédits (« Toujours partie » et « C’est comme ça »), mais surtout les classiques les plus populaires de Sttellla, dont « Parmesan autour de toi », « Aglae », « Torremolinos », « Années 80 », « Nagasaki ne profite jamais » ou encore « En week-end avec Emilie Dequenne ». Pas de version filmée de ce dernier morceau, ni des deux inédits, mais bien des autres titres sur le Dvd. Vingt-huit en tout ! Sans oublier les inévitable bonus (deux clips et une visite du Grand Saint-Nicolas). Un travail de réalisation, de montage et de post production qui a été opéré par Pascal Dauvillée. Et franchement, au vu du peu de moyens dont il a disposé (NDR : à cet égard, il remercie la télé locale tournaisienne ‘No Télé’), il a accompli un boulot de pro. Après 30 ans de carrière, Jean-Luc Fonck nous démontre ici en images, qu’outre son art à jongler avec les mots, il est un véritable showman…
Cet elpee célèbre une réunion au sommet entre trois guitaristes : le génial Duke Robillard, l'ancien leader du J. Geils Band, Jay Geils, et le moins notoire Gerry Beaudoin. Pourtant, ce dernier est un musicien réputé dans le monde du jazz. Il est originaire de New England, mais vit aujourd’hui à Boston. C’est un grand admirateur de Kenny Burrell. Il a milité au sein du Boston Jazz Ensemble. Jay Geils et Gerry se connaissent depuis 1994 et manifestent un profond respect, l’un pour l’autre
Ce concept de concerts accordés sous la forme d’un trio, dans le cadre d’un ‘New Guitar Summit’, date de 1997. Mais ce projet ne sera concrétisé qu’en 2000. Lors de la sortie de l’album "Retrospective", édité chez Francesca. En 2004, paraissent "New Guitar Summit" sur Stony Plain et un Dvd intitulé "Live from Stoneham Theatre". Enfin, il ne faut pas oublier "Jazzthing II", un elpee sorti sur Ranbach Canada, en 2007, et attribué à Randy Bachman et New Guitar Summit.
Les trois musiciens sont d’excellents instrumentistes, mais n’accordent guère de place aux vocaux. "Shivers" est donc essentiellement constitué de plages instrumentales au cours desquelles jazz et swing font bon ménage. "Little bitty pretty one" ouvre le disque. Une compo signée par le trio. Un prototype pour le combo. Les comparses se partagent les soli et il est assez difficile de mettre en exergue l’un ou l’autre personnage. Les interventions sont chirurgicales. La technique sans faille. Un backing group réservé mais efficace plante le décor. En l’occurrence les basses acoustiques de John Turner et Bob Nieske ainsi que les subtiles percussions de Les Harris Jr et Gordon Grottenhaler. De grands noms du jazz nous traversent l’esprit à l’écoute de "Flying home" et "Shivers". Et en particulier Benny Goodman et Lionel Hampton. Les parties vocales sont assurées par Randy Bachman, un chanteur canadien qui a notamment sévi au sein de Guess Who et Bachman Turner Overdrive, deux groupes fondamentalement rock. Sa voix est ici empreinte d’une grande retenue. Deux plages sont signées Mose Allison, "Your mind in vacation" et "Everybody's crying mercy". Le titre maître baigne au sein d’un climat délicieusement manouche. Il est alimenté par quatre fois six cordes, puisque Bachman est venu rejoindre le trio. Un remarquable exercice de style au sein duquel j’épinglerai le délicat "Blue Sunset" ainsi que le très beau et dépouillé "Honey suckle rose".
Il est désormais inutile de présenter Fela Ransome Kuti et la révolution musicale qu’il a initiée en créant l’Afrobeat en compagnie de ses compères d’Africa 70. Cette copieuse double compilation se concentre sur les jeunes années de Fela. On entend les premiers pas (dans une veine caraïbo/highlife) de la première mouture des Koola Lobitos, fondés à Londres en 1963, impliquant un Fela alors âgé de 24 ans à peine. Un quintet jazz formé au Nigeria l’année suivante trahit les passions ‘post bop’ d’un musicien n’ayant pas encore adopté le sax qui le rendra célèbre, mais maîtrisant déjà la trompette dans des digressions proches du grand Miles (« Amaechi’s Blues »). En 1965, on entre dans une veine plus soul/highlife sous la mouture nigériane des Koola Lobitos, un ensemble au sein duquel militait l’immense batteur Tony Allen, qui aidera à forger le style Afrobeat. Mais le jazz n’est jamais loin, comme en témoignent les nombreux solos qui traversent ces compos bondissantes, dotées d’une énergie viscérale.
Au fil du temps, le style de Fela s’affine. Le deuxième disque amorce une phase musicale plus menaçante, des morceaux plus longs et psychédéliques. Le tapis de percussions prend de l’ampleur. Fela adopte le sax. Sans oublier son style vocal inimitable. Six titres témoignent d’un concert enregistré à l’Afro Spot en 1966. Une prestation échevelée entre soul, jazz et highlife ; le tout joué avec une énergie rock’n’roll…
A de rares exceptions près, la plupart de ces titres sont plutôt rares en cd. Ils ont été récupérés sur des vieux vinyles ou des bandes endommagées. Ce qui explique certaines distorsions dans le son sur l’une ou l’autre plage. Mais c’est un détail, car la qualité des morceaux est sans failles et un pur plaisir d’écoute. Une compilation essentielle, idéale pour les fans transis et aussi pour ceux qui souhaitent pénétrer dans l’univers du rebelle nigérian.
Issu de la Cité Ardente, Pierre Remy aka Fractional est un adepte convaincu de la musique électronique. Et plus précisément du gothic erotica. Un style qu’il pratique depuis 2004. Pour faire plus simple, disons que le trentenaire injecte d’énormes beats drum’n bass dans un univers sonore électronique plutôt cérébral, ténébreux, parfois même ambiant, surtout lorsqu’il nous inonde de ses couches à la Aphex Twin. Malheureusement, malgré les grosses claques assénées par ses beats meurtriers, un sentiment de monotonie finit par vous envahir. A cause d’une trop grande uniformité dans la construction des différentes plages. Parmi les 12 morceaux de cet opus, on retiendra surtout « Misute », « Leta » ou encore « Quigan » ; parce qu’elles provoquent de belles sensations. Mais pour le reste, tous les titres connaissent un creux. Comme s’ils étaient au bord de l’épuisement. Nous communiquant alors un sentiment de morosité. Maintenant, ce « Come Mierda » devrait plaire aux barbus-chevelus (NDLR : les babas-cool ?) ; et puis il faut reconnaître que cet artiste belge a du talent. Laissons-lui donc encore un peu de temps avant qu’il ne puisse pleinement l’exprimer. C’est tout le mal qu’on lui souhaite.
Il y a quelques mois la ‘hype’ s’est jetée sur les Cool Kids. Ils sont devenus célèbres, alors que leurs titres n’étaient disponibles que sur internet. Quid de l’album alors ? On ne va pas crier à la révolution ; mais il faut admettre qu’il tient la route. Le jeune duo de Chicago distille quelques rimes nonchalantes sur des beats électro minimalistes et efficaces. Sur « One Two », ils scandent ‘Check the Noise, It’s the black version of the Beastie Boys !’, mais on ne sent pas vraiment l’influence des blancs-becs new-yorkais sur les onze titres de ce court opus. Par contre, Chuck Inglish et Mikey Rocks (les pseudos des gaillards) rendent largement hommage aux icônes du hip hop old school : LL Cool J, Run DMC, Afrika Bambaataa. Heureusement, ils ne sombrent pas dans la nostalgie et injectent des styles contemporains dans leur hip hop : de solides doses de crunk (le style dominant dans le sud des Etats-Unis) et un minimalisme qui rappellent les meilleures productions des Neptunes. Une bonne dose d’innovations musicales qui projettent l’album dans le futur. Efficace et frais, on tient ici un disque créatif regorgeant de petits tubes pour les dancefloors (« 88 », « What It Is », « Bassment Party »), sans se prendre trop au sérieux. Pour s’en convaincre, il suffit d’écouter la frime bête et méchante qui s’échappe de leurs flows nonchalants : ‘If you’re ugly keep your hands by your side, but if you’re not, put them in the sky!’.
Vétéran de la musique populaire brésilienne, Marcos Valle est moins notoire que Jorge Ben ou Gilberto Gil ; mais pourtant, il a manifesté une grande créativité dans les années 60 et 70. Au cours des 90’s, il s’associe au label anglais Far Out pour réenregistrer quelques uns de ses classiques. Et concrétise cette collaboration par la confection de trois albums, enrichis par les sonorités électroniques des producteurs Roc Hunter et Joe Davis.
« Carioca Soul » résume ces quatorze années de coopération. Treize titres (dont quelques prises ‘live’) où l’excellent (« On Line », « Parabens », « Apaixonada Por Você », « Valeu ») côtoie le plus dispensable (« Nova Visual »), sans oublier les quelques impros bossa/funk/jazz un peu creuses. Des sons de claviers chauds, la belle voix de Marcos, des bons musiciens… Tous les ingrédients sont présents, mais il manque ce petit quelque chose qui rendrait le tout essentiel. Si vous souhaitez vous faire une meilleure idée de l’étendue du talent de Marcos Valle, on vous conseille de dénicher « The Essential Marcos Valle ». Ce recueil est un excellent condensé des premières années de carrière du bonhomme.
C’est déjà le troisième album de Tilly and The Wall, en seulement quatre ans d’activité. Sur « O », la formation d’Omaha s’éloigne quelque peu de la pop décalée qui était sa marque de fabrique. Il faut dire que les deux premiers disques de Tilly and The Wall ont emmené la troupe dans de longues tournées en Europe, au Japon et en Australie. Ces périples ont incité les membres à changer un peu leur style. Comment ? En cherchant à y insuffler un son beaucoup plus rock et agressif. Le percussionniste/danseur de claquettes est toujours présent, mais la rythmique a été solidifiée par des batteries très rock et quelques touches d’électro. « O » recèle son lot de réussites. Et en particulier « Cacophony », « I Found You », « Alligator Skin », « Chandelier Lake », « Dust Me Off » qui évoluent au cœur de la belle pop rêveuse et psychédélique explorée sur leurs deux opus précédents. On est moins convaincu par les tranches de rock à la Joan Jett (« Pot Kettle Back », « Too Excited ») ou la tentative ‘new wave’ de « Falling Without Knowing ». A oublier très vite, par ailleurs. On sent chez Tilly And The Wall une véritable envie de toucher un public plus large ; ce qui est compréhensible. Dommage cependant que cette volonté se fasse au détriment de la cohérence artistique de « O ». Et si le charme opère encore sur une bonne moitié du disque, on sent bien que le groupe s’oriente vers le ‘mainstream’. Bonne route à eux…
Philip Fankhauser est suisse. Un chanteur/compositeur/guitariste responsable de onze elpees à ce jour. Son précédent, "Watching for the safe side", remonte à 2006.
Le titre maître ouvre l’opus. Cette plage somptueuse dévoile tout le talent de ce musicien. Compositeur original et créatif, il a un souci constant du sens mélodique. Sa voix est empreinte d’émotion. Ses orchestrations impeccables. Il est vrai que la présence de Dennis Walker, le producteur, y est aussi pour quelque chose. Dennis est également un compositeur prolifique. Mais aussi un solide bassiste. Il a mis en forme de nombreux elpees de Robert Cray, mais aussi le célèbre "Blues summit" de BB King. Et la liste est loin d’être exhaustive. Signée Walker, "I'm finished here" est une ballade soul blues contagieuse. Soutenue par des cuivres et des chœurs, la voix de Philipp est mise bien à l'avant. Les interventions de Michael Vannnice au sax ténor sont lumineuses. "I got a love" est une superbe ballade issue de la plume du regretté Johnny Copeland. Un personnage qui était très lié à Fankhauser. La profondeur et l'expression du chant sont mises en exergue. Son ami et compatriote Stéphane Eicher se charge de la guitare acoustique. "I didn't see" est une autre jolie ballade écrite par Fankhauser. "Lonely in this town" nous entraîne au sein d’un univers sonore coloré et percussif, enfiévré par l’orgue Hammond de Jimmy Pugh. On même parfois l’impression qu’il est hanté par un certain Carlos Santana. Une chose est sûre, il est particulièrement prisé par Philipp. "You caught me off guard" prend une dimension ‘big band’. Le son est très proche du Memphis blues de BB King. Les cuivres sont orchestrés par Tom Peterson. Le front de cuivres refait surface sur le rythmé "Are you outta your head?". "Rio de Janeiro blue" baigne au sein d’un climat cool jazz. Cette samba très cabaret est entretenue par le piano acoustique de Hendrix Ackles, les percussions de l'ami Luis Conte et le saxophone feutré de Vannice. Blues lent aux accents dramatiques, "One of them" est issu de la plume de Walker. Philipp y injecte une sensibilité extrême. Son chant transpire le vécu. Il est proche de la rupture. Le climat est dépouillé au maximum. On y perçoit ainsi davantage les gémissements qui s’échappent des cordes de la guitare d'Alan Mirikitani. Superbe ! R&B lent, "Easy for you to stay" s’appuie sur une mélodie imparable, très Stax de Memphis, proche du célèbre "I'd rather go blind", popularisé autrefois par Etta James et Chicken Shack. Jim Pugh double au piano et à l'orgue. Encore un coup de maître ! De très bonne facture, cet opus s’achève par un autre blues lent dépouillé à l'extrême : "The sundown". Le timbre vocal de Philipp est grave, brûlant, intimiste. Richard et Yosho allient simplicité et efficacité dans leurs interventions. L'orgue Hammond d'Ackles lie la sauce. Un album à découvrir absolument !
Dans le domaine des festivals rock en Belgique, il existe une multitude de petites structures qui se lancent dans l’organisation. Parfois avec succès, parfois beaucoup moins. Une chose est sûre, c’est grâce à elles que de nombreux groupes débutants opèrent leurs premier pas. Et leur permettent surtout de se produire en public. D’oser quitter leur garage ou leur cave de répète pour se frotter à l’exercice du ‘live’. C’est ainsi qu’on peut y faire des découvertes ou tout simplement assister à la confirmation d’un talent en devenir. Mais pour en revenir à ces petites structures, il faut reconnaître qu’il leur faut aussi une fameuse dose de persévérance et beaucoup de passion pour tenir le coup. Tout particulièrement en Wallonie, où les subsides accordés pour organisations locales, dans l’univers de cette sub culture qu’est le rock, sont quasi-inexistants. Aussi, lorsqu’il n’y a pas assez de public, les organisateurs prennent la tasse et finissent par se décourager. Et on espère que ce ne sera pas le cas pour le Hippopotard qui a compté, au plus fort de son affluence, un maximum de 100 spectateurs. Or, il s’agissait déjà de leur troisième édition. Il serait grand temps que le public lambda se rende compte qu’en Belgique et en France, il existe aujourd’hui une multitude d’artistes talentueux ; et même parfois bien plus intéressants que certaines hypes britanniques et américaines qui disposent, en outre, très souvent d’autres moyens… C’est dit !
Bref, il n’y avait qu’une trentaine d’âmes lorsque Copyright ouvre les hostilités. Un quatuor issu du Nord de la France. De Béthune très exactement. Un line up classique : basse/batterie/guitare/chant, même si le vocaliste empoigne parfois une gratte. Un chanteur qui ne manque pas de charisme, mais triture un peu trop souvent sa voix à travers des pédales de distorsion. Pas une très bonne idée. Le soliste joue sur une Flying V. Le drummer est plutôt habile. Quant au répertoire, il est composé de covers : Blur, les Doors, les Stones, Queen, etc. Et elles sont, ma foi, plutôt bien exécutées, sans plus.
Lorsque New Bag monte sur les planches, il y a une centaine de personnes dans la salle. Faut dire que c’est la formation locale. Leur répertoire est également composé de reprises. Mais plus personnelles. Cependant, ce qui frappe d’abord chez cet ensemble, c’est l’accoutrement des musiciens. Plutôt kitsch. Enfin pour le bassiste, vêtu d’une robe de type léopard, mais en version noir et blanc et coiffé d’un chapeau de cow-boy. Et le claviériste/rythmique. Déguisé en Ecossais, mais avec un débardeur de femme. Le soliste, se contentant du chapeau. Quant au vocaliste, Jean-François, il porte tout simplement un training. Curieux, car il ne se frotte jamais au hip hop… Il aurait ainsi peut-être plutôt intérêt à porter un costard. Blanc même, comme en pleine période new wave romantique. Par contre, il possède un timbre assez remarquable, modulable à souhait pour interpréter toutes les adaptations. Que ce soit à travers celle des White Stripes, de Radiohead ou encore de Queens of The Stone Age, cette dernière caractérisée par un excellent groove, par ailleurs. Par contre, celle du « Money » de Pink Floyd ne m’a pas vraiment convaincu. Trop approximative. En fin de parcours, la bande de joyeux drilles invite tout le monde à faire la fête et la tenancière du bistrot les rejoint sur le podium pour essayer de pousser la chansonnette. Physiquement, elle ressemble à Lio, mais ne chante pas « Banana split ». Dommage ! Avis personnel, si le groupe veut décoller, faut qu’il se mette à écrire ses propres compos.
Curieusement, pour assister au set du quartet lessinois Abyss, il ne reste plus qu’une cinquantaine d’âmes dans la salle. Abyss reconnait pour influence majeure Muse. Il reprend d’ailleurs l’une ou l’autre compo de leur répertoire. Mais aussi IAMX. A cause de la touche électro qu’il injecte dans sa solution sonore. Au cours du premier morceau de leur prestation, deux des musiciens jouent d’ailleurs conjointement des claviers : un Roland et un Yamaha. A cet instant, on ne peut que penser à Das Pop. Mais lorsque les synthés sont moins présents, leur répertoire me fait davantage penser à Yel. Surtout pour les ballades. Mais aussi à Mud Flow pour le sens mélodique. Encore que les accents empruntés à Muse font régulièrement surface. D’autant plus que le falsetto du chanteur est aussi limpide. Particularité, il est de très grande taille et n’hésite pas à se coucher sur les planches, lorsqu’il est en transe. Tout en continuant à chanter, d’ailleurs. Abyss est manifestement composé d’excellents musiciens. Et en particulier le bassiste/claviériste, impressionnant dans sa capacité à jongler entre ses deux instruments. Un groupe à suivre, c’est une certitude.
Ah oui, j’allais oublier, d’une capacité de 300 personnes, la Rotonde est une superbe salle…
En 2002 paraissait « Blackened Sky », le premier album de ce trio insulaire sorti de nulle part. Tout de suite, le choc. A la fois harmonique et déconstruit, ce disque était une des meilleures surprises de l’année. Depuis, le trio a perdu pied et n’a jamais réussi à égaler le charme de « Blackened Sky ». Beaucoup moins efficace car trop brouillons, « The Vertigo Of Bliss » (2003) et « Infinity Land » (2004) n’auront dû leur salut qu’à leurs singles et le relatif succès public et critique de ces derniers. Il aura ensuite fallu trois ans aux Ecossais pour donner une suite à leurs idées. Le résultat, « Puzzle », nous arrache, avec une aisance déconcertante, un énorme cri de soulagement. Le retour au son qui avait fait la particularité de « Blackened Sky », conjugué à une inspiration renouvelée, font de ce quatrième essai un véritable petit bijou d’emo-pop à l’anglaise. Il prouve une nouvelle fois que l’emo-pop made in USA est désespérément pauvre et a énormément de leçons à apprendre de son équivalent britannique. « Puzzle » est un condensé d’énergie et de sincérité, aux textes souvent sombres comme en témoignent « As Dust Dances », un « 9/15th » apocalyptique, « Machines » ou encore le single au titre éloquent, « Living Is A Problem Because Everything Dies ». Seule faiblesse, le trio se la joue parfois un peu trop à la Foo Fighters (les singles « Saturday Superhouse » et « Semi-Mental ») et, par conséquent, perd légèrement de sa fraîcheur. Toutefois, ce retour gagnant aidera le trio à reconquérir l’ensemble de ses fans. Sans aucun mal.
Buddy Guy figure certainement parmi les bluesmen les plus notoires. Un musicien plutôt extraverti qui au fil du temps, est devenu une valeur sûre de l’ancienne génération… même si ce n’est pas la première. Il est né en 1936. En Louisiane. Dans une plantation de coton. En 1957, il décide d’émigrer vers la cité urbaine de Chicago. Au début des 60’s, il enregistre régulièrement pour le label Chess. Il y accompagne les plus grands noms du blues. Fin de la décennie, il édite ses premières productions. Et en particulier "I left my blues in San francisco" et "A man and his blues". Il entame ensuite une longue collaboration en compagnie du chanteur/harmoniciste Junior Wells. En 1989, il ouvre son club à Chicago : le ‘Legend’. Depuis le début des années 90, il a aligné toute une série d’elpees pour le label Silvertone, des enregistrements au cours desquels il a souvent bénéficié de la collaboration de nombreux invités. Et c'est une nouvelle fois ce qui s'est produit.
Il amorce "Best damn fool" en écrasant ses pédales. Un blues largement amplifié. Il est soutenu par son line up de base : Tom Hambridge aux drums (NDR : il est également responsable de la production), Willie Weeks à la basse, Reese Wynans aux claviers et David Grissom à la rythmique. Au sein de cet univers funky, entretenu par une nuée de cuivres, le manche de Buddy laisse échapper des flots de notes. Un des plus jeunes couples du bues moderne fait son entrée en studio : Susan Tedeschi et son époux Derek Trucks. Mr Guy possède une excellente voix. Chaleureuse, taillée pour le blues. Il échange de bien jolies phrases avec la charmante Susan tout au long d’une plage assez atmosphérique et bien chargée. La slide de Trucks agonise. Elle crève l’écran. Du sang neuf au cœur de la scène contemporaine. "Lyin' like a dog" est un blues lent typique pour Guy. La guitare est cinglante. Elle vous transperce même. Et épouse la démarche de son "First time I met the blues". On ne peut qu’être admiratif face à cet échange questions/réponses, entre la voix et les cordes. Et les flots de notes semblent se renouveler jusqu’à l'infini! La voix de Buddy est remarquablement mise en valeur tout au long de "Show me the way", un shuffle généreux, très rythmé. Il réplique aux chœurs féminins de Bekka Bramlett et Wendy Molen. Rien ne peut désormais plus arrêter la machine à cordes. Eric Clapton est un de ses potes depuis plus de trente ans. Pas étonnant qu’il partage ici "Every time I sing the blues" avec le dieu blanc. Les deux chanteurs/gratteurs sont manifestement de connivence pour exécuter ce bon blues épicé par l'orgue de Wynans. Mais les effets sont un peu trop prévisibles et glissent rapidement vers une forme de jam non préparée. La participation de Robert Randolph à la slide est bien plus excitante sur "Out in the woods". Un blues lent très downhome, bercé par les sonorités métalliques de la guitare steel. En outre, l'accordéon de Nathan Williams rend cette ambiance très roots encore plus séduisante. La même équipe attaque le frétillant "That's my home" ; une compo qui navigue quelque part entre zydeco et rockin' blues. Le son des cordes semble relever d’un autre monde. Le titre maître constitue la plage la plus majestueuse de l’elpee. La voix de Buddy injecte beaucoup de sensibilité dans cette jolie mélodie. La slide de Dereck Trucks libère des tonalités pas possibles. Immaculées. Mais quel talent ! "Who's gonna fill those shoes" adresse un clin d'œil à la future génération. Mais était-ce bien nécessaire ? Il livre une nouvelle bataille de cordes à un petit gamin âgé de huit ans à peine : Quinn Sullivan! Le Buddy Guy Band termine l’elpee par "Smell the funk" et "I found hapiness", deux plages couvertes d’accents très Chicago westsdide. Pas un album génial, mais de bonne facture…
Un peu plus d’un an auparavant, Ra Ra Riot publiait un EP éponyme et diffusait quelques démos sur le net dont une reprise du « Hounds Of Love » de Kate Bush. Un épisode rapidement répercuté au sein des nombreux refuges de la planète blog. Une petite hype pointait son nez. Mais en pleine genèse de son succès, la formation originaire de New York a dû essuyer l’un des pires événements de sa carrière naissante. Un matin de juin 2007, le corps inanimé de John Pike, le batteur, est retrouvé sur l’une des baies de la Grosse Pomme. Un coup dur pour les autres membres du groupe qui, après un deuil de quelques semaines, annoncent leur décision de poursuivre l’aventure. Il a cependant fallu attendre de longs mois avant de voir émerger « The Rhumb Line », un premier essai qui permet au quintet de sortir la tête des eaux troubles et de reprendre les affaires là où ils avaient été contraints de les abandonner.
Ce regrettable incident a probablement joué un rôle dans la douce mélancolie libérée par « The Rhumb Line ». Une mélancolie provenant essentiellement des vocalises affectées de Wesley Miles qui pose un voile nostalgique au-dessus l’œuvre, même sur les morceaux les plus rapides. Ce qui n’empêche en rien des extraits tels que « Too Too Too Fast », « Each Year », « Dying Is Fine » ou « Ghost Under Rocks » de constituer de merveilleuses petites perles d’indie pop entêtante. Sans être tout à fait exceptionnel, « The Rhumb Line » est un ouvrage plutôt honnête dans l’ensemble. Il offre une palette assez large de mélodies accrocheuses et convaincantes mais porte néanmoins en son sein quelques passages souffrant d’un léger manque de relief (« Suspended In Gaffa », « Winter ‘05 », « Oh, La »). Ce petit point négatif ne devrait pas empêcher Ra Ra Riot de retrouver la place qui lui est réservée dans l’impitoyable monde de la hype indie.
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