Paru en 1970, ce disque fait aujourd’hui l’objet d’une réédition remasterisée. Il est, en outre, enrichi de six bonus tracks, dont 4 ne sont que des titres de l’album proposés sous une mouture légèrement différente, et une version ‘extended’ du hit « Question ». Une compo qui après « Night in white satin », deviendra un des plus gros tubes décrochés par la formation. Une chanson qui avait paradoxalement été composée en une nuit. Et éditée une semaine plus tard, en single. Elle atteindra d’ailleurs le n°2 dans les charts britanniques. Et pourtant, c’est l’elpee qui va décrocher la timbale, outre-Atlantique, en dépassant le million d’exemplaires vendus ! Les cinq musiciens du combo de Birmingham se partagent équitablement l’écriture des morceaux. Qui hormis ce fabuleux « Question », ont très mal vieilli. Il y a bien les épiques « Tortoise and the hare », « Dawning is the day » et « The balance », le slow langoureux “Melancholy man”, une plage dégoulinant de… mélancolie ; sans oublier le très pop et contagieux, “It’s up to you”. Mais comme le cd est vendu à mid price, vous ne devriez même pas vous poser de ‘Question’… En concert ce 28 octobre au Monacoplein d’Ostende.
BB King est une des dernières légendes vivantes du blues. Né à Memphis, il vient de fêter ses 83 ans ; mais il a toujours bon pied bon œil. Dans son style, il constitue une valeur sûre. Pas pour rien qu’il relève d’un label major. En l’occurrence Geffen. Cette écurie avait déjà édité cette année, un ‘live’ intitulé "BB King Live". En février. Et une collection de 3 compact discs : "Playlist Plus". En avril.
Pour enregistrer « One kind favor », il a pu bénéficier des infrastructures très performantes des studios Village Recorder, à Los Angeles. En outre, la production a été confiée à T Bone Burnett. L’elpee est découpé en douze reprises. Faut dire que l'artiste ne compose plus guère. Il a reçu, en outre, la participation de musiciens talentueux, dont quelques grosses pointures. Et notamment Dr John aux claviers et Johnny Lee Schell à la deuxième guitare, un personnage qui a notamment bossé auprès de Taj Mahal, Bonnie Raitt et du Phantom Blues Band.
BB King ouvre l’opus par le "See that my grave is kept clean" de Blind Lemon Jefferson. Un blues notoire datant de l'avant-guerre. Sa lecture est très funky, percussive. Les drums de Jim Keltner et les percus de Jay Bellerose sont bien mis en avant. La ligne de basse dessinée par Nathan East est minimaliste. L'orgue de Dr John s’insinue parfaitement dans l’ensemble. La voix du vieil artiste s'inscrit judicieusement dans l’ensemble. "I get so weary" campe un pur BB King big band sound. Son chant est puissant et passionné. L'impressionnante section de cuivres est orchestrée par Darell Leonard. Elle force le passage pour ne laisser l'ouverture qu'à Lucille qui avance avec grâce et agilité. Dès l’intro de "Get these blues off me", on baigne au sein d’une ambiance enfumée. Celle des cabarets en fin de soirée. Quelques notes magiques précèdent son vocal très vivace. La complicité entre son timbre et les ivoires du Dr John est un ravissement. BB possède désormais moins de technique. Il ne dispense que les notes nécessaires dont chacune s'avère indispensable ; mais elles débordent de feeling. King se rapproche de Chicago pour aborder le "How many more years" de Howlin' Wolf ; mais l'orchestration cuivrée trahit un son Memphis blues chargé de swing. Lucille virevolte au beau milieu des autres instruments qui manifestent une cohésion parfaite. Le "Waiting for your call" de T-Bone Walker nous replonge dans cette ambiance feutrée des bars de nuit. Empreinte d’émotion, la voix se détache de l'ensemble. BB a toujours été un fervent admirateur du guitariste Lonnie Johnson, un des plus grands innovateurs en matière de blues et de jazz moderne. Il reprend ici trois de ses titres : "My love is down", le notoire "Backwater blues", un blues lent de plus de 7', au cours duquel il manifeste beaucoup de réserve et de passion, et enfin, "Tomorrow night", une plage relax et mélodieuse qui achève cet opus. King a également le bon goût de reprendre deux titres signés par les Mississippi Sheiks, un groupe populaire au cours des années trente : "The world gone wrong" et "Sitting on top of the world", leur principal succès. L’elpee recèle encore le "Blues before sunrise" de John Lee Hooker et un swing frétillant intitulé "Midnight blues". Un des meilleurs morceaux de la plaque. Très homogène cet elpee constitue manifestement une des meilleures œuvres contemporaines de BB King. Sa voix est irréprochable et Lucille nous salue à chacune de ses sorties. Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que la production a été confiée à T Bone Burnett.
Pour le dixième ouvrage de Joan Of Arc, le prolifique Tim Kinsella retrouve son frangin Mike (Owen, American Football), son cousin Nate et leurs camarades habituels. « Boo! Human » révèle un Tim Kinsella plus aigre-doux que de coutume. L’écriture tranchante de ce compositeur/interprète est dissimulée derrière de délicates et insoupçonnables mélodies. Une structure qui n’est pas sans rappeler celle de « So Much Staying Alive And Lovelessness » (2003), l’une des œuvres majeures de la formation originaire de Chicago. Cette fébrilité, l’homme la manifeste sous le masque d’impassibilité que sont « Everywhere I Go Everyone: I Know Laughs and Says/I Told You So », « If There Was A Time #1 & #2», « Just Pack Or Unpack » et « So-And-So », où Kinsella balance sans la moindre révérence une belle vacherie à son ex (‘Your child to me will just be some so-and-so’). Occasionnellement, ce dernier, pourtant souvent en retenue, ne parvient pas à endiguer son animosité et son phrasé peut sembler de temps à autres excessif comme sur l’allégorie foireuse de « 9/11 2 ».
« Boo! Human » ne surprendra probablement pas la plupart des fans de Joan Of Arc, habitués à plus d’expérimentations de la part de la formation mais pourrait, dans une même mesure, éveiller un nouvel intérêt du côté des novices.
« In ear park » est un petit miracle issu de l’improbable. Un baiser volé. Arraché au quotidien. Né des heures perdues, des temps morts grappillés ça et là au cœur de l’affairement new-yorkais. Daniel Rossen (guitare et chant), tête pensante de Grizzly Bear, œuvre dans les interstices laissés entre la sortie de « Yellow House » et les tournées internationales. Fred Nicolaus (beats et samples) fugue de ses horaires de bureau pour de courtes escapades au studio. « In ear park » est l’histoire de quatre ans d’enregistrements hâtifs, d’école buissonnière, de virées nocturnes et de correspondances animées pour maintenir le fil entre les deux potes de fac ; petite flamme entretenue par la patience et la détermination, forgée par la maturité. Tendre l’oreille quelques secondes suffisent pour en caresser les formes généreuses.
Des univers toujours en évolution s’ouvrant sur l’émotion d’un folk décharné soudainement débridé par un piano-cabaret (« In Ear Park ») ; touchés à vif, il n’y a plus qu’à cueillir la suite le plus simplement du monde. « No One Does It » emporte instantanément par sa mélodie martelée avec nonchalance, façon Beatles. Un instant de répit en forme de ballade introspective hantée (« Phantom Other ») et de clin d’œil baroque (« Teenagers »), avant que le coup de grâce ne soit asséné par « Around the Bay ». Troublant de justesse. La suite se poursuit à la hauteur des cimes. Des crescendos puissants, des chœurs psychédéliques, des envolées cinématiques, des ‘handclaps’ vintage. Et, sans faiblir, le doux psychédélisme de « Floating on the Lehigh » vient à point aérer l’album.
« In ear park » scelle cette juxtaposition d’ambiances évasives, mises bout à bout, mais toujours subtilement soupesées. Fini l’éclatement passionnant mais instable du précédent « Cold Nose » (2005). Ici, le fil ne rompt jamais, tendu par un l’équilibre parfait entre la nonchalance des Fab Four, la mélancolie de Midlake, les vocalises habitées du « Shepherd’s dog » d’Iron and Wine et la densité façon Menomena, émiettée dans un parfait éclectisme. Sans aucun doute, un disque précieux pour l’imprévisible label Melodic comme pour les mélomanes à fleur de peau. Un opus profondément émouvant, légèrement décousu, habilement éclectique, lascif à souhait.
« Narrow Stairs » est déjà le 8ème album enregistré par la formation de Bellingham. Succédant aux très réussi « Plans » (2005) et surtout au superbe « Transatlanticism » (2003) –il faut dire difficilement égalable– il ne possède pas leur évidence mélodique. En effet difficile de croire que cette fois encore Death Cab for Cutie arrivera à placer 5 singles dans le Top 100 US comme en 2005 lors de la sortie de « Plans », leur premier album pour une major.
Tout au long de ce nouvel opus, DCFC revient opte pour des structures plus complexes et un son bien plus musclé. A croire que le groupe a décidé de composer un disque directement taillé pour la scène. Les guitares puissantes de « Bixby Canyon Bridge » et de « Pity and fear » ainsi que les 4 minutes d’intro en boucle de « I will posses you heart » devraient faire des ravages le 22 décembre à Bruxelles aux Halles de Schaerbeek.
Le reste de l’album contient les ingrédients habituels d’un bon album de DCFC : la voix mélancolique de Ben Gibbard (leader du projet electro-pop The Postal Service), les basses omniprésentes et la facilité mélodique du quatuor. Le tout proprement produit par leur guitariste Chris Walla tout juste revenu de son escapade solo.
Il en résulte donc un bon album de pop-rock indie mais certainement pas au –très haut– niveau des livraisons précédentes.
Parmi les nombreux groupes issus de Montréal, Wolf Parade est loin d’être le moins passionnant… Fondé en 2003 par Dan Boeckner (leader des Handsome Furs), le groupe s’est rapidement adjoint, en la personne de Steven Krug (qui lui mène les très bons Frog Eyes et Sunset Rubdown), les services d’une deuxième tête pensante.
Leur premier album sorti en 2005, « Apologie for the Queen Mary », avait reçu un accueil plus que favorable de la part de la critique. Produit par Isaac Brook (Modest Mouse), il consistait en un recueil de chansons pop un peu fêlées, influencées tant par les Pixies, que par Arcade Fire ou David Bowie.
Pour ce second essai, les Canadiens, maintenant signés sur le prestigieux label Sub Pop (où Isaac Brook est directeur artistique…), ont gardé l’urgence d’Arcade Fire –l’album a d’ailleurs été enregistré à Petite Eglise, la chapelle appartenant à Win Butler et sa femme– mais l’immédiateté mélodique à quant à elle disparue. Il en résulte des chansons moins faciles d’accès mais tout aussi passionnantes, toujours plus folles et plus sombres. La voix désespérée de Spencer Krug ainsi que l’utilisation de claviers obscurs y sont pour beaucoup. « At Mount Zoom » ne s’offre pas directement mais son écoute répétée vous permettront de découvrir de très belles chansons un peu dérangées comme « Language city » ou l’irrésistible montée de près de 11 minutes de « Kissing the Beehive » (l’unique chanson que Krug et Boeckner ont coécrite).
A ne manquer sous aucun prétexte le 5 décembre à l’Ancienne Belgique !!!
Anglaise exilée à Paris, Kate Stables fait dans la modération. Et rien ne lui sied mieux que la retenue manifestée sur « Krulle Bol », son premier recueil longue durée en tant que This Is The Kit. Accompagnée de Jesse Vernon (Morningstar), multi-instrumentiste et occasionnellement choriste, la jeune femme se paie également la production efficace de John Parish (PJ Harvey, Sparklehorse, 16 Horsepower). La patte de ce dernier est d’ailleurs agréablement identifiable sur des morceaux comme « With Her Wheels Again » et « We Need Our Knees ». Deux compositions qu’une PJ Harvey officiant dans le folk n’aurait probablement pas reniées.
Légère, aérienne, cette œuvre introductive place This Is The Kit sur les traces de Joni Mitchell, Alela Diane, PJ Harvey ou Jana Hunter. L’atmosphère de ce « Krulle Bol » est si sereine et l’écriture de Stables tellement dépouillée que les envoûtants « Our Socks Forever More », « She Does », « Moths », « Birchwood Beaker » ou « Two Wooden Spoons » envoient l’auditeur en orbite, à des milliers d’années lumière des contrariétés du quotidien. Plus qu’un humble refuge, « Krulle Bol » est un véritable havre de paix…
Ce 29 septembre paraîtront donc deux albums de Mercury Rev. Le premier, « Snowflake Midnight », sous une forme matérielle, et le second, « The Strange Attractor », uniquement téléchargeable via leur site. Ce qui demandait évidemment quelques explications. Mais la surprise procède du style musical proposé par le groupe sur ces deux œuvres. Une conclusion née de l’écoute de leur ‘advanced cd’. En fait, la formation a décidé de se frotter à la musique électronique. Une démarche comparable à celle de Radiohead pour « Kid A » et « Amnesiac », même si manifestement la perspective est différente. Un tremplin idéal pour entamer un entretien en compagnie du guitariste Grasshopper et du drummer/claviériste Jeff Mercel.
Et justement, pourquoi s’être plongé dans la musique électronique. Grasshopper argumente : « C’est un peu les circonstances qui nous ont poussé à s’y intéresser. Et puis c’est dans l’air du temps. En fait, on avait déjà exploré ce style auparavant. En utilisant des synthétiseurs moog. On a donc cherché à créer. On a expérimenté l’électronique sous son aspect le pus large possible. Grâce aux programmes informatiques, on peut construire des sonorités à la manière d’un designer. On peut inventer des sons. Et c’est un domaine qui nous a toujours intéressés. C’est en quelque sorte notre révolution électronique et je ne peux en dire plus. » Pourtant, aujourd’hui, il devient de plus en plus difficiles de concevoir de nouvelle sonorités dans ce type musical ; parce que c’est plutôt la technologie qui crée les nouvelles tonalités qu’une réelle recherche. Il faut donc croire qu’ils ont utilisé des logiciels de pointe : « On a essayé des tas de choses neuves. Beaucoup de softwares de la nouvelle génération. Et en particulier des générateurs de notes aléatoires. Tu introduis les paramètres dans l’ordinateur et le programme va concevoir la mélodie. Il vous appartient ensuite de l’interpréter. En quelque sorte, il est exact que nous avons laissé la technologie dicter notre démarche. Mais on a toujours pris le soin d’en garder le contrôle… » Etonnante réponse, puisqu’après avoir écouté ‘Snowflake Midnight’, j’ai eu la nette impression qu’ils s’étaient imprégnés des eighties. De l’indus et de l’ambient, notamment. Puisant apparemment leurs sources chez Tangerine Dream, Depeche mode circa ‘Violator’, Ryuichi Sakamoto, Boards of Canada et surtout John Foxx. C’est toujours Jeff qui tient le crachoir : « On ne peut pas ignorer les influences. Nous écoutons de la musique comme tout le monde. Ce n’est pas parce qu’on vit dans un endroit isolé du monde, qu’on est hermétiques aux influences externes ; surtout quand ce qu’on écoute est pertinent. Notre isolement nous permet simplement d’avoir une manière très personnelle de travailler. Mais si certains de nos morceaux concèdent des influences, il n’était pas dans nos intentions de jouer comme tel ou tel groupe. Comme Tangerine Dream, par exemple. Nous considérons ces sources comme un cadre de référence et notre imagination joue le rôle de filtre. » Mais comment comptent-ils reproduire ce type de musique en ‘live’. Avec de vrais instruments ? Jeff poursuit : « Il y aura aussi des guitares, de la basse et bien sûr des synthés. Ce sera une combinaison des deux. En y ajoutant, bien sûr des effets visuels… »
Mais pourquoi sortir deux albums le même jour ? Jeff s’explique : « Nous disposions d’énormément de compos. On a beaucoup bossé pour disposer d’un large répertoire. Mais au moment de faire des choix, on s’est rendu compte qu’il serait dommage d’écarter une telle somme de travail. Surtout aussi valable. Aussi, on a donc imaginé cette formule pour satisfaire le plus possible le public. En fait, ce n’est pas la première fois que nous avons recours à cette formule. Mais précédemment, nous nous limitions à un ou deux morceaux. Donc il suffira de vous rendre sur notre site le jour de la sortie de l’album et vous pourrez télécharger ‘The Strange Attractor’. » La pochette de ce dernier est illustrée par un chat qui se reflète dans un miroir et celle de ‘Snowflake Midnight’ par un lapin noir. Des animaux qui éveillent inévitablement une sensation de tendresse, de quiétude…. Jeff précise : « En fait, le lapin est très sombre. Tout le monde imagine être en présence d’un animal doux, mignon, etc. Mais ce n’est pas le cas ici. Pas qu’il soit sinistre, mais il est plutôt mystérieux. Et cet aspect me plaît bien. Quand au chat, il est reflété dans le miroir, à l’infini… » Grasshopper ajoute : « Le chat et le lapin sont des créatures assez étranges. Pourtant ils font partie du décor. De notre entourage. Ce qui ne les empêche pas de manifester des attitudes singulières. Pour nous, ils symbolisent le passage vers un autre monde. Notre musique objective ou subjectivise ce voyage. Ce sont des symboles inconscients… » Mais ce chat reflété dans le miroir, qui reflète ce chat dans le miroir, etc., n’est-ce pas la vision de l’infini ? Grashopper confesse : « Je ne sais pas, mais je pense que oui. On essaie de saisir le dernier, mais on n’y arrive jamais. Quand on imagine parvenir au but, ce n’est qu’une illusion. » Jeff ajoute : « Il y a ici une allusion. Une chanson dans la chanson va se répéter. Mais pas de la manière attendue, car il y aura toujours une fraction qui sera différente… » Une symbolique du miroir qu’on retrouve dans le film de Jean Cocteau, ‘Orphée’. Grassphopper clarifie : « Plutôt chez le poète de la beat generation, William S. Burroughs… »
Ce qui permet de passer à un autre chapitre : les compositions de Mercury Rev. Et tout d’abord les lyrics. Un domaine au sein duquel, on retrouve de plus en plus de métaphores relatives à la nature. Mais est-ce uniquement pour donner une face plus poétique aux compos ou simplement parce que la nature est devenue leur nouveau credo ? Il faut savoir que Sean et Jonathan (Donahue, le chanteur) vivent aujourd’hui dans les montagnes de Castkill, au nord de New-York. On suppose donc que cet environnement doit influer sur l’imagerie des chansons. Grassphopper admet : « Oui, le fait de vivre là-bas insinue l’environnement dans les paroles. Mais j’ai tendance à y devenir de plus en plus claustrophobe. Cependant, si dans nos chansons, vous décryptez le thème de la nature, il y a également celui de la technologie. En fait, nous essayons de les lier intimement. » Des chansons qu’on pourrait décrire comme des contes de fées surréalistes destinés à célébrer l’irrationnel. Une réflexion qui déclenche de grands éclats de rires. Jeff confirme : « Tu as tout dit ! » Tout comme Grasshopper : « Pas grand-chose à ajouter ! » Jeff confie : « Lorsque nous sommes allés en Espagne, l’année dernière, nous avons visité le musée consacré à Salvatore Dali. Et nous avons été impressionnés… » Finalement, hormis William S. Burroughs, les auteurs n’influencent les textes de Mercury Rev, que très indirectement. Grasshopper commente : « La beat generation est une référence incontestable. On utilise ainsi l’inconscient. Ce qui est aussi une manière surréaliste de travailler. Plus les événements deviennent chaotiques, plus l’esprit tente de s’y engager, y est sensibilisé… » Ce qui explique sans doute pourquoi Mercury Rev vit aujourd’hui dans sa propre petite bulle… Grasshopper réagit : « Mercury Rev n’existe pas du tout… » (rires) Jeff en remet une couche : « Est-ce que quelque chose existe ? Tu sais ce que font deux bulles quand elles se rencontrent ? Soit elles éclatent, soit elles fusionnent. » Grasshopper embraie : « Oui, il existe une petite bulle au sein de laquelle nous créons. Mais on a bien souvent fait aussi éclater cette bulle. Une bulle peut ainsi devenir dix bulles… » Sans doute une allusion à une de leurs déclarations qui n’était pas passée inaperçue. Et pour cause, ils avaient avoué que les accidents heureux rendaient les événements plus humains et favorisaient la découverte… Jeff s’explique : « Si vous connaissez d’avance ce qui va se passer en studio avant d’y entrer, vous allez vous y ennuyer mortellement. Vous avez parfois besoin de frictions, de vous engueuler. D’échecs aussi. Cela appartient au processus de création. Peut-être que si le résultat n’est pas concluant, il faudra retenir l’expérience acquise, qui elle aura un impact positif. Et puis on a rencontre régulièrement des incidents en studio, car la technologie n’est pas toujours à la hauteur de nos attentes. » L’origine de la création et le Big Bang sont apparemment des sujets qui fascinent les musiciens de Mercury Rev. En fait, c’est ce qu’on croit comprendre lorsqu’on voit les projections visuelles utilisées pendant les concerts. Est-ce la raison pour laquelle, ils pensent qu’il est possible d’organiser le chaos ? Grasshopper réagit : « Ce n’est pas nous qui organisons le chaos, dans la mesure où le chaos est déjà organisé. Le chaos se situe à un autre niveau. Ce que vous pensez être un système chaotique respecte un ordre. Epouse des structures ». Jeff embraie : « Et pour voir cette structure chaotique émerger, il faudrait avoir un grand angle de vision qui dépasse l’échelle humaine. »
Dans la musique de Mercury Rev, il y a quelque chose de symphonique. Une majesté, un sentiment de grandeur, susceptible de provoquer une élévation de l’âme. Jeff répond : « Je ne nie pas les influences symphoniques. Car nous écoutons des tas de styles musicaux. Depuis le rock’n roll à la musique de chambre. Dans celle que nous jouons actuellement, nous ne pouvons pas exclure ces références. Pas que nous soyons férus en la matière. Mais nous écoutons tous de la musique classique. En fait, on essaie de repérer dans ce genre musical ce qu’on pourrait utiliser pour notre création. » Ce qui devrait dès lors permettre au groupe de jouer en compagnie d’un orchestre symphonique ? Jeff réagit : « Nous avons tenté l’expérience à plusieurs reprises en Belgique. En fait l’idée est excellente, mais au lieu de la développer à l’aide d’un orchestre symphonique, je préfèrerai la limiter à la musique de chambre. Toujours dans le but de combiner les éléments naturels et l’électronique. Juxtaposer les deux. La plupart du temps, dans ce type d’expérience, les groupes sont soutenus par une armée de violonistes. Mais nous on préfère être prudents. Ne pas être trop présomptueux. Car il faut que le résultat de cette combinaison soit réussi » La formation a d’ailleurs travaillé sur un projet de musique de chambre imaginé par James Joyce. Trente-six musiciens y ont participé. Mais qu’est-il devenu ? Grasshopper répond : « Ca date de longtemps. Au moins cinq ans. Mais c’est vrai qu’il doit bientôt sortir » Jeff embraie : « Le retard est consécutif à des problèmes de droits d’auteur » Et Grasshopper d’avouer : « Je ne me souviens plus des artistes qui avaient collaboré au projet. C’est loin ! Mais on aime bien James Joyce… »
Les Flaming Lips et Mercury Rev bossent en compagnie du même producteur, Dave Fridmann. Mais partagent-ils la même vision de la musique ? Jeff répond : « D’une certaine manière. Nous avons une approche aventureuse de la musique comme eux. Mais leur style est personnel. Ils ont leurs propres règles. Ils ont le besoin de créer des choses excitantes. Parfois risquées. Ce n’est pas que notre musique ressemble à la leur, mais c’est surtout notre philosophie qui est semblable. » Mais ont-il encore des contacts avec Wayne ? Grasshopper répond « Occasionnellement. » Jeff précise : « On se croise plutôt. Et on s’envoie de temps autre des petits messages. » Grassphopper confirme : « Ce n’est pas que nous le voyons. C’est lui qui nous voit… » Dans le même ordre d’idées, ont-ils encore des contacts avec l’ancienne flûtiste Suzanne Thorpe et l’ex-chanteur David Barker. Grashopper répond : « Suzanne Thorpe a émigré sur la côte Ouest des Etats-Unis. Son travail est encore plus expérimental que le nôtre. Elle joue de la musique vraiment avant-gardiste. Pour l’instant elle bosse en compagnie de Pauline Oliveros. David Barker s’est établi à Chicago. Il est toujours impliqué dans le monde de la musique, mais plus comme musicien. Il est producteur et ingénieur du son. »
Merci à Vincent Devos
En concert le 24 novembre à L’Ancienne Belgique de Bruxelles.
Un peu moins de monde que l'an dernier se pressait aux portes du Cirque Royal ce vendredi 26 septembre pour assister à cette nouvelle Nuit de Soir, dont le programme était assez éclectique. Et pour cause, il réunissait Suarez, les Vismets, Kris Dane, Jeronimo et Malibu Stacy… Récit d’une soirée jugée globalement positive…
Drôle d'idée d'annoncer le début des hostilités à 19 heures. Ce qui explique sans doute pourquoi Suarez s’est produit devant un Cirque Royal loin d'être rempli ; même si l'appel n'a été sonné qu'une demi-heure plus tard…
L'accueil réservé à ce tout jeune groupe a néanmoins été plus qu'enthousiaste. La formation était venue présenter son premier album "On attend". Suarez alterne des mélodies calmes et des morceaux plus rythmés. La guitare sèche est soutenue par un classique guitare-basse-batterie. Leur reprise de "La vie en rose" d'Edith Piaf est surprenante. Une chose est sûre, elle a conquis le parterre de fans qui se pressait devant la scène. Leur set, jugé un peu court par le public, s'est clôturé sur le single éponyme de leur album.
Changement d'ambiance pour les Vismets. Pendant trente bonnes minutes, les 3 garçons ont alterné rock énergique et morceaux plus planants, le tout dans une pénombre qui sied parfaitement à leur style ; et au sein d’une ambiance rappelant parfois Killing Joke. Leur reprise du Pink Floyd confirme la direction dans laquelle ce jeune trio veut mener sa barque. On en redemande ! Quel progrès depuis leur prestation en première partie de Montevideo, l'an passé au Botanique…
Concert nettement plus calme de la part de Kris Dane. Il est entouré de nombreux musiciens. Son clip, diffusé entre les concerts précédents en alternance avec des Ukukéké Sessions a dû retourner plus d'un estomac, soit dit au passage. Les morceaux semblent sortis de la bande son d'un film de David Lynch, le côté kitch en plus. La musique est calme, mais les envolées de voix assez puissantes. Malgré l'excellente réception consentie par le public, Kris Dane ne m'a vraiment pas convaincu. Une frange du public en a d'ailleurs profité pour se désaltérer ou pour aller s’oxygéner, en grillant une cigarette ( ?!?!?!), à l’extérieur de la salle…
C'est assurément Jeronimo qui a reçu l’accueil le plus chaleureux. Il est également venu présenter son nouvel album ; mais il puise cependant également dans son ancien répertoire, lors d’un set très électrique. Jérome s’appuie sur un gros son et dispense une belle énergie, même sur les titres les plus intimistes qui passent en force. J'ignore si la soirée était sold out cette année, mais je suis certain que personne ne manquait à l'appel pour cette partie de la soirée. Ce sont des centaines de mains qui tremblaient en phase avec les paroles d'un de ses plus gros succès. Ne connaissant pas encore le nouvel album, j'ai eu l'occasion de découvrir des titres qui paraissent moins personnels que sur l’elpee précédent, mais beaucoup plus efficaces. En tout cas sur scène.
Tête d'affiche de la soirée, Malibu Stacy a cependant drainé moins de public que Jeronimo (de nombreuses personnes ont quitté le Cirque au terme de la prestation de Jeronimo). Au moins, le public resté sur place était-il entièrement conquis à la cause des Liégeois (l'un au l'autre tee-shirt à l’effigie de Malibu Stacy est même fièrement exhibé dans la salle). Tant le son que l'interprétation sont parfaits. Egalement venus présenter leur nouvel opus, les MS ponctuent de leurs hits les plus célèbres des passages présentant des titres pas encore reconnus pas leurs fans. C'est quasi toute la fosse qui saute lorsque retentissent (enfin) les notes de "Los Angeles", véritable bombe tirée de leur opus précédent. Je considérai les MS comme le groupe d'un seul album. Je me suis trompé. Même s'ils ne réinventent pas leur musique sur leur nouvel essai, ils maintiennent le cap qu'ils s'étaient fixés et sont toujours aussi efficaces sur les planches !
Les Nuits de Soir commencent donc à asseoir leur légitimité. Vivement les prochaines ; ce sera certainement l'occasion de découvrir d'autres talents belges, confirmés ou pas, venant présenter leur actualité au cours d'une soirée à l'ambiance toujours joyeuse. En attendant ces prochaines éditions, les photos 2008 sont disponibles dans notre galerie photos.
Avez-vous déjà tressailli en faisant ricocher vos sentiments sous l’effet de la peur ? Vos frissons vous semblaient-ils alors motivés par le son d’un carillon enrayé, voire mieux par les mélodies enfantines d’un piano désaccordé ? Si cette sensation provoque en vous de diaboliques turpitudes, mais qu’au hérissement du moindre poil de votre corps vous y puisez une jouissance honteuse, c’est certain, Parenthetical Girls est dans vos cordes. Vos sentiments mi-peur mi-joie, serviront d’aimant afin de suivre le chemin qui vous sépare de lui. Habillé d’une pochette aux tons pastels, « Safe As Houses » est chaleureux et accueillant et surtout déroutant. On est rapidement englouti dans ses méandres tout en partageant avec lui, ses ritournelles infectées par le parfum d’une désillusion cruelle. Un xylophone omniprésent influence l’air léger pendant que la voix nasillarde altière survole la désolation des lieux. Il sert à la fois de guide, de lumière et d’effroi. Mon dieu que c’est bon d’être attiré vers les murs. De frôler l’humidité et se sentir malgré tout serein, guidé par un corbeau aveugle qui narre des histoires de familles atroces tout le long du chemin. Mon dieu que c’est honteux d’aimer ce type de situation. Savourer chaque partie de l’elpee, rehaussant notre sensibilité à chaque étape. Sortir un seul morceau de l’album pour l’expliquer, viendrait à rompre la chaîne. Le tout s’écoute d’une traite, de « Love Connection » ballade rassurante mais piégée jusqu’aux yeux, en passant par « I Was The Dancer » cruelle, voyeuse et perverse conclusion. En effet, « Stolen Children » constitue l’enterrement final des 10 chansons. Atteinte de gigantisme, cette grand-messe orchestrée clouera votre culpabilité et votre morale au pilori des repentis, accusant la honte du plaisir acquis.
Il arrive souvent que des artistes soient guidés par leurs états d’âme lorsqu’ils composent. D’autres par le milieu au sein duquel ils vivent. C’est le cas pour Anna Brønsted. Parallèlement à Efterklang, elle a créé un autre projet musical répondant au doux nom d’Our Broken Garden. Après avoir découvert un paradis secret, la chanteuse/compositrice s’est installée dans une école abandonnée d’un petit village danois. C’est dans ce lieu isolé, mais aidée de ses compères Søren Bigum (guitare et claviers) et Moogie Johnson (basse), qu’Anna a écrit les chansons de son premier opus solo “When Your Blackening Shows”, un elpee qui fait suite à l’Ep “Lost Sailor”.
Laissant rêveur, les neufs titres de l’album mettent tout particulièrement en exergue la voix belle et envoûtante de la sirène. Pourtant, ces vocaux ne seraient rien sans l’instrumentation fragile qui tapisse subtilement toutes les mélodies. Søren et Moogie sont d’ailleurs épaulés par toute une série de collaborateurs dont Poul Terkildsen à la batterie ou encore Palle Hjort au piano. Et cet ensemble exhale un délicieux et délicat parfum sonore pour le plus grand plaisir de nos oreilles.
“When Your Blackening Shows”, premier album d’Our Broken Garden, symbolise la solitude, mais dans un style danois des plus purs. A écouter absolument !
Friendly Fires est une des dernières découvertes du label XL Recordings (Radiohead, Sigur Rós, The White Stripes). Un jeune trio anglais dont le style mélancolique est paradoxalement le fruit d’un mélange entre dancefloor et guitares shoegaze. Originaires de St-Albans, au nord de Londres, Ed Macfarlane, Edd Gibson et Jack Savidge sont des amis d’enfance. Mais avant de se tourner vers la pop, les trois musiciens militaient au sein d’un groupe de hardcore/punk. Leur nouvelle aventure est donc caractérisée par un changement de cap quelque peu étonnant ; mais finalement très judicieux. Un disque éponyme, que le groupe, malgré sa signature auprès du label prestigieux, enregistré et produit lui-même dans le garage des parents d’Ed, le chanteur/guitariste.
Et le résultat est plutôt probant. Dix titres pour un total de trente-sept minutes susceptible de vous jeter sur les pistes de danse et vous inciter à gigoter jusqu’au bout de la nuit. Enfin, au moins de l’album. L’elpee s’ouvre par le seul morceau non mis en forme par la formation. Un “Jump in the Pool” qui, comme son nom l’indique, nous invite à sauter dans la piscine. Alors que la batterie est fort proche d’un rythme latino, le chant lui ne dépasse pas le murmure. Macfarlane est responsable de la plupart des parties de synthétiseur. Et il sait comment enrober sa voix dans un ensemble de sons ; et puis surtout créer une atmosphère bien particulière qui ne manque pas d’Air. “In the Hospital” est plus contrasté. Il baigne au sein d’une ambiance ‘Soul’ circa seventies. Single, “Paris” a cartonné dans les charts au Royaume-Uni. Il raconte l’histoire d’un faubourg londonien qui rêve d’aller habiter à Paris (NDLR : peut-être pour fonder un XXIème arrondissement). “White Diamonds” trahit la fascination du groupe pour le label techno allemand Kompakt. Le tempo est un peu plus lent. La rythmique ne laisse d’autre choix à l’auditeur que de remuer son corps (NDLR : encore !) Et la suite varie les plaisirs et les styles tout en préservant une certaine homogénéité.
Ce disque va sans doute permettre à Friendly Fires d’embrasser de nouveaux horizons. Ce qui serait amplement mérité, vu l’excellent travail fourni par le trio. Une seule question reste sans réponse : qu’attendez-vous pour aller découvrir ce groupe ?
Il aura fallu attendre quatre ans avant de retrouver The Faint sur le devant de la scène. Changeant constamment de style musical, du garage au punk/rock, par exemple, le combo du Nebraska n’en finit plus de brouiller les pistes destinées à déterminer son identité musicale. A l’instar de Cursive et Bright Eyes, The Faint nous vient d’Ohama. Et il faut reconnaître que ces trois formations ont en commun un souci constant de la remise en question. Belle vitrine pour cette ville, en outre. L’évolution du combo sera quand même marquée par l’arrivée de Jacob Thiele. En 1999. Il leur ouvre les voies de l’électronique. Puis de Dapose. Un peu plus tard. Un guitariste dont le passé nourri au death metal va apporter une touche obscure aux compositions. Quatre années, donc, après la sortie de l’excellent « Wet From Birth », The Faint nous propose ce « Fasciinatiion », un disque faisant la part belle à l’électro et aux rythmes qui déménagent. Et franchement, la formation épate par cette faculté de passer d’un univers sonore à l’autre.
Dès la première plage, « Get Seduced », on est entraîné dans la nu-rave réminiscente de Shy Child. Les claviers entreprenants et dominateurs ainsi que la batterie dynamique électrisent les corps en une fraction de seconde. Un état de transe que vous conserverez tout au long de cet opus. Et sans temps mort ! Impossible de rester de marbre à l’écoute de titres comme « Psycho », dont la pop décadente se frotte aux bruitages électro. A en perdre la tête ! Pour la première fois, le quintet a décidé de s’autoproduire et de sortir le cd sur son propre label Blank.Wav. Une excellente surprise pour la rentrée, réservée par ce caméléon dont la pertinence n’a d’égale que l’élégance.
Après les ventes catastrophiques de l’album « Odditorium or Warlords of Mars » ainsi que les prestations en dents de scie accordées par le groupe en ‘live’, Capitol a décidé de virer les Dandy Warhols de son écurie. Pour retomber sur ses pattes, la formation a donc dû créer son propre label et s’autoproduire. C’est à la mode, en plus ! Leur huitième opus (et pas sixième come j’ai pu lire erronément dans la presse spécialisée ; car on oublie trop souvent le tout premier, « Dandys Rule, OK » paru en 1995 et « The Black Album », en 2004) est toujours aussi généreux dans l’effort. Il atteint ainsi presque 70 minutes en 13 morceaux, dont une dernière plage de près d’un quart d’heure, réminiscente des expériences menées par Brian Eno et Robert Fripp dans le domaine de l’ambient (NDR : pensez à l’album « No pussyfooting »).
Mais venons-en à l’analyse de cet elpee. Que nous pourrions qualifier d’honnête facture, sans plus. Première constatation, à de nombreuses reprises, Courtney Taylor-Taylor emprunte un baryton semblable à celui d’Andrew Eldritch (Sisters of Mercy) voire de Marilyn Manson. Et en particulier sur « Mission control » et puis l’hymnique « Talk radio ». Une compo pourtant très Dandy Warhols, tout comme le puissamment psychédélique « Wasp in the lotus » et ses étranges harmonies vocales. Ou encore l’excellent morceau dansant qui ouvre l’opus, « The world come on », dont le riff typique évoque « Bohemian like you ». Sans quoi l’elpee tire un peu dans toutes les directions. Ainsi « Welcome to the third world » épouse un groove disco funk susceptible d’évoquer tantôt le “Let’s dance” de Bowie, le “Magnificent seven” de Clash et les polyrythmes de Talking Heads opérés sur l’incontournable « Remain in Light ». Tout un programme ! Pour « Love song », Mike Campbell des Heartbreakers est venu donner un petit coup de banjo et Mark Knopfler de guitare sèche. Pas de quoi pavoiser, néanmoins. En outre, l’enlevé et presque post punk « Now you love me », le garage sixties « Valerie Yum » ainsi que le sinueux « And then I dreamt of Yes » ne sont pas plus convaincants. Par contre, on épinglera « Mis amigos » pour sa rencontre réussie entre harmonies vocales à la Beach Boys et krautrock (Can ?), le boogie singulier « The legend of the last of the outlaw truckers aka the ballad of sheriff shorty » (NDR : ils auraient pu choisir un titre encore plus long !) et l’opiacé « Beast of all saints », surtout à cause de sa seconde partie imprimée sur un mid tempo. Les aficionados des Dandys vont adorer. Les autres en prendre et en laisser.
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