Depuis l’annonce de la sortie d’un nouvel album de la légende AC/DC, pour octobre 2008, les fans ne dorment plus. Afin de faire chuter la vente de somnifères engendrée par cette information confirmée de la façon la plus officielle, SonyBmg vient d’éditer « No Bull (The Directors Cut) » en format DVD.
Enregistré à Madrid lors de la tournée Ballbreaker, qui a fait escale le 28 juin 1996 au Flanders expo de Gand, et initialement sorti il y a plus de dix ans, ce témoignage live a été entièrement remixé pour offrir deux heures de spectacle incluant les plus grand succès du combo des frères Young. Côté play list, c’est bétonné ! “Back in Black”, “Girls got Rhythm”, “Dog eat Dog”, “Ballbreaker”, “Whole Lotta Rosie”, “Let there be Rock”… Que du très bon !
Epinglons également les quelques bonus, dont une mention spéciale pour la « Angus Cam », un long plan séquence qui permet de suivre sans interruption la prestation époustouflante d’Angus Young. Même s’il n’a plus vingt ans, le gaillard est encore capable d’arpenter la scène de part et d’autre en se secouant la tête à s’en briser les vertèbres !
D’autres cadeaux aussi sympas sont ici réservés ; et notamment cette version de « Cover you in Oil » enregistrée à Goteborg en Suède ou encore le sublime « Down Payment Blues » capté à Daytona en Floride, un titre rarement interprété sur scène par le groupe. « No Bull » apparaît dès lors comme un prélude à une nouvelle plaque que d’aucuns annoncent déjà comme la dernière de la formation. Et si AC/DC devenait au metal ce que les Stones sont au rock ? Tout, mais pas ça…
Lien Youtube : http://www.youtube.com/user/acdc?ob=1
Vampire Weekend, No Age et HEALTH n’auront pas eu le temps de poser les armes que la relève semble d’ores et déjà assurée. Premier émule : Abe Vigoda. Originaire de L.A., le quatuor présente un troisième ouvrage constituant un amalgame tortueux du son des trois formations précitées. « Skeleton », gigantesque et curieux bordel organisé, fait la part belle aux expérimentations tout en distillant une dose bien tassée d’art punk. Et il demeure crédible ! Abe Vigoda débute pourtant la visite guidée de leur nouvelle demeure par des « Dead City / Waste Wilderness », « Bear Face » et « Lantern Light » trop familiers pour être honnêtes. Puis, l’interlude « Whatever Forever » donne le signal de départ d’une seconde partie explosive. Une épaisse fumée psychoanaleptique envahit l’ensemble des pièces, les grosses caisses sont maltraitées à tous les étages, les squelettes dansent dans les placards et les incantations de Juan Velazquez transpercent instantanément les murs.
Parmi les fantômes présents, outre ceux des trois formations susmentionnées, on repère les spectres de Panda Bear, The Smell, Dirty Projectors et Os Mutantes. Que l’on saute d’étage en étage de manière aléatoire ou que l’on visite la demeure en profondeur, la structure de « Skeleton » reste d’une cohérence en béton armé. La scène que les critiques américains surnomment le ‘Tropical Punk’ vient de se dénicher un nouveau chef de file.
Formation norvégienne de metal aux influences punk, Turbonegro voit le jour en 1988 sous l’impulsion de leur premier chanteur Harold Fossberg. Le groupe enregistre quelques cassettes et apparaît en public affublé de perruques et vêtements gothiques. Hélas pour eux, le succès escompté n’est pas au rendez-vous…
C’est après une série de concerts que l’image du groupe change radicalement. Ils troquent leurs accoutrements SM contre des tenues en denim moulant, tout en mettant l’accent sur une imagerie homosexuelle particulièrement explicite, aussi bien au niveau des fringues que des paroles. Si certains ont dû se farcir une prestation peu convaincante en première partie de Marylin Manson à Forest National, nous garderons en mémoire cet incroyable concert accordé au Handelsbeurs de Gand, en 2007. Ce soir là, Turbonegro était dans une forme olympique, et sa prestation atomique avait littéralement médusé le public.
« Small Feces Volume 1 & 2 » est une compilation (initialement sortie sous vinyle) réunissant les plus grands succès du groupe, de leurs premiers jours jusqu’au cultissime « Ass Cobra » dont Jello Biafra, chanteur des « Dead Kennedys », a un jour déclaré qu’il était un des meilleurs albums jamais enregistrés!
Nous retrouvons sur ces deux CDs, sortis en 2005, plusieurs hymnes du groupe, dont « Sailor Man », « Vaya Con Satan » ou encore la chanson « Prince of the Rodeo » abordant le thème du sexe anal… Rien de vraiment inhabituel chez TRBNGR. Ce double elpee, présenté dans un superbe digipack numéroté, recèle également des chansons inédites du groupe, ainsi que des covers de David Bowie (« Suffragette City »), de Black Flag (« Six Pack »), ou encore des Stones pour un « Gimme Shelter » décadent au possible.
On regrettera cependant que certaines pistes rares issues de cassettes originales ou de vinyles n’aient pas été remasterisées. En effet, l’écoute de certains morceaux peut s’avérer assez pénible, voire insupportable… A réserver donc aux fans hardcore du groupe!
‘The Queen Is Back’, déclare très modestement l’ex-souveraine du disco. Pour fêter ses 60 ans, Donna Summer s’offre un petit caprice sous la forme d’un Xième recueil, dix-sept ans après son dernier effort studio, « Mistaken Identity ». Celle qui aura fait danser nos (grands-)parents sur ses légendaires « Hot Stuff », « I Feel Love » et autres « Love To Love You » revient avec un essai haut en couleurs. « Crayons » est un condensé surproduit de R’n’B électronique propice à de longues heures d’aérobic. L’échauffement démarre au son de « Stamp Your Feet » et « Mr. Music » qui dévoilent une Donna Summer manifestement heureuse de se retrouver à nouveau derrière le micro et de découvrir la magie du vocodeur. Sur le titre maître, la dame accélère la cadence et invite Ziggy Marley à se joindre à elle pour quelques flexions-extensions sur un beat raggamuffin’ carré et sans surprise. Après quelques abdos sur « The Queen is Back » et le brouillon « Fame (The Game) », l’instructrice nous propose quelques minutes de répit le temps d’une ballade obligatoire, « Sand On My Feet », et de quelques rythmiques ‘Lounge do Brasil’ sur le bien nommé « Drivin’ Down Brazil ». La séance reprendra ensuite sur « I’m A Fire », un morceau club gay-friendly de plus de sept minutes qui finira d’achever les plus téméraires. Summer, toujours en grande forme, continuera malgré tout à s’égosiller même si plus personne dans la salle ne lui prête attention.
En laissant son trône inoccupé bien trop longtemps, l’ancienne reine de la pop et du disco doit faire face aux productions bien mieux léchées des figures royales actuelles que sont Madonna ou Kylie Minogue. De plus, face aux innombrables prétendantes au titre, les « Crayons » de Donna Summer ne lui attribueront même pas la troisième marche du podium. Dépassé(e).
Enregistré principalement à l’aide d’un synthé Korg 700S, le premier ouvrage de Jake Williams, alias Rex The Dog, procure une saveur particulière. Outre sa structure et ses beats identifiables entre mille, « The Rex The Dog Show » est composé en majorité de morceaux déjà disponibles depuis un moment. Les singles « Circulate », « Frequency », « I Can See You, Can You See Me ? » et surtout « Maximize », remis ici au goût du jour, sont en effet d’ores et déjà des grands classiques des dancefloors. La première œuvre de Williams contient également deux remixes, l’un de The Knife (« Heartbeats »), l’autre de The Sounds (« Tony The Beat »). Ces deux relectures sont certes bien foutues mais donnent immanquablement un arrière-goût de ‘fourre-tout’ à l’ensemble. Un peu comme si, en panne d’inspiration, le compositeur avait décidé de balancer les deux premiers remixes qui lui passaient sous la main afin de clôturer au plus vite sa première œuvre.
Rex The Dog parvient à faire trembler la piste de danse au son de tueries comme « Maximize 2008 » et « Frequency » mais frise également l’amateurisme sur des « Itchy Scratchy », « Prototype » ou « I Look Into Mid Air » incertains. De manière générale, l’utilisation de vocalises (« Bubblicious », « I Look Into Mid Air »…) ne sied que très peu aux compos du disque. Bref, dans l’ensemble, sur ce disque, il y a à boire et à manger. « The Rex The Dog Show » est l’exemple-type du premier exercice trop éparpillé. Heureusement, les quelques bombes electro parviennent à sauver les meubles. De justesse !
Drôle d’idée d’avoir choisi pour patronyme, celui d’une des formations les plus intéressantes de la soul pop américaine des années 60. D’accord, au départ elle s’appelait Young Rascals avant de finir son parcours en New Rascals (NDR : c’était fin des eighties), lorsque le chanteur/claviériste Felix Cavaliere et le drummer Dino Danielli ainsi que le guitariste Cornish décident de reprendre l’aventure. A laquelle il sera rapidement mis fin, suite à des querelles incessantes entre les trois antagonistes.
Mais trêve d’histoire, venons-en à nos nouveaux Rascals (NDR : pas fait exprès, j’vous jure !) Un trio qui nous vient du Merseyside. De Wirral très exactement. Et dont le premier elpee s’intitule « Rascalize ». La presse insulaire n’est pas très tendre vis-à-vis de cet opus. Elle lui reproche de marcher constamment sur les plates-bandes des Arctic Monkeys et de The Last Shadow Puppets. Ce qui pourrait se comprendre puisque ce projet implique Alex Turner des Monkeys ainsi que Miles Kane des Rascals. Mais franchement, après écoute attentive, on se rend compte que les influences sont bien plus subtiles voire même complexes.
Le climat est ainsi parfois lugubre, menaçant, mystérieux. A l’instar du titre maître de l’elpee. Finalement assez proche de Bauhaus. La basse y est sombre, presque cold (NDR : une règle générale d’ailleurs), alors que la voix de Kane emprunte des inflexions à Peter Murphy. Un climat que l’on retrouve sur le psychobilly « Does your husband know that you’re on the run ? ». Même si pour la circonstance, la basse se met à tracer. Et puis la guitare à gémir, à hurler. Un peu comme si le vent soufflait dans les immenses pièces d’un château hanté, alors que la voix libère ses incantations redoutables. Psychotiques, reverb, discordants, acérés, jaillissants, frénétiques, cosmiques ou arides (funk blanc !), les riffs de guitare se révèlent plutôt amples tout au long de cette œuvre. Morceau final, « I’ll give your sympathy » recèle même des accès de grunge épurés, alors que la ligne de basse se révèle tantôt paresseuse, tantôt venimeuse. Maintenant, il est vrai qu’en choisissant David Lynch pour référence en matière de lyrics, cet elpee ne pouvait baigner qu’au sein d’une atmosphère ténébreuse. Ce qui n’empêche pas ce « Rascalize » d’être de toute bonne facture…
Délaissant temporairement ses Bright Eyes, Conor Oberst s’offre une seconde aventure solo. Ou presque, puisqu’il est ici accompagné du Mystic Valley Band, orchestre formé pour l’occasion. Enregistré sous le soleil du Mexique, l’éponyme du New Yorkais est une œuvre introspective qui ne s’éloigne pas drastiquement de ce qu’il nous avait pondu sur le « Cassadaga » de Bright Eyes. Dans le but de différencier ses deux projets, le roi des arrangements délicats en matière d’Americana met simplement la pédale douce sur les distos. Quelques extraits se démarquent du reste de la discographie du poète prolifique. « I Don’t Want To Die (In The Hospital) » et son piano blues ou « NYC – Gone, Gone » réveillent des pulsions alcooliques aussi bien assumées qu’inavouées tandis que « Moab », « Cap Canaveral » confirme l’étiquette de ‘jeune Dylan’ que la presse ricaine se borne à lui coller au dos à chaque publication.
Une comparaison qui s’explique également par une écriture aigre-douce qui parcourt la plupart des travaux d’Oberst et dont il fait à nouveau grand usage sur son dernier recueil. On se surprend d’ailleurs à prêter une oreille attentive aux textes raffinés de « Milk Thistle », « Sausalito » ou « I Don’t Want To Die In The Hospital ». « Conor Oberst » n’atteint cependant pas l’éclat instantané de « I’m Wide Awake, It’s Morning » (Bright Eyes, 2005). Il est alors légitime de s’interroger sur les éléments censés différencier cette plaque de la discographie de Bright Eyes. Pas de quoi crier au génie, mais ce disque éponyme contient assez de compos enthousiasmantes pour que l’on s’y attarde un minimum.
Sous-titré "Live! From the heart of the Hill Country", cet album immortalise un concert qui s’est déroulé le 12 novembre 1994, à Fredericksburg, au Texas. Ces ‘Big band bash’ célèbrent des rencontres annuelles entre des musiciens qui habitent une même région, c'est-à-dire au sein d’un périmètre qui englobe les villes d'Austin et de San Antonio. Et lors de ces réunions, on y privilégie le swing et le tex mex R&B. Sur cet elpee, une pléiade d’artistes notoires sont venus soutenir le chanteur/guitariste Johnny Nicholas. En l’occurrence Jimmie Vaughan, Greg Piccolo, Stephen Burton, Joe ‘King’ Carrasco, Augie Meyers ainsi que les Texas Horns, sous la houlette de leur boss, ‘Kaz’ Kazanoff. Ce concert d’excellente facture épingle ici 16 compos dont quelques unes sont destinées à rendre hommage à quelques maîtres. L’opus à été mis en forme par Nicholas et Kazanoff.
Le set démarre sur les chapeaux de roues. Signé Nicholas, "Broke again" est sculpté dans le rock'n'roll. Les cuivres sont bien présents. Les premiers solistes sortent de leur réserve. Tout d’abord Danny Levin au violon. Ensuite, Johnny aux cordes. Et enfin, Floyd Domino (NDR : le claviériste d'Asleep at the Wheel) au piano boogie woogie. Le boogie et le swing conduisent le "Baby I'm gone" de Little Milton. Greg Piccolo est aux vocaux. Mais il souffle également comme un possédé dans son sax ténor. Un beau coup de chapeau rendu à la formation de Roy Brown. Instrumental, "The ironic twist" est issu de la plume de Jimmie Vaughan. Son intervention talentueuse illumine ce blues funk shuffle texan inspiré par Freddie King. Nicholas chante sa ballade "Down in the alley". Encore un ‘tribute’, mais à son ami Doug Sahm, dont le fantôme plane tout au long de cet opus. Johnny se montre très inspiré aux cordes lors de cette plage imprimée sur un tempo très lent. Tout cet aréopage peut naturellement s'acclimater aux sphères jazzyfiantes. A l’instar du "Don't mean a thing if it ain't got that swing" de Duke Ellington, un morceau caractérisé par les accès de violon extravertis de Levin. Ou lors du très cuivré "All blues" de Miles Davis. Sans oublier le "Somewhere over the rainbow", au cours duquel Piccolo adresse un vibrant hommage à Ben Webster. Ainsi que "Can't stop the crying", un fragment coloré par la trompette d'Al Gomez. Joe 'King' Carrasco chante sa polka tex-mex "Mescal road". L'orgue Vox d'Augie Meyers et l'accordéon de Joel Guzman y entretiennent un climat de bonne humeur. Le piano à bretelles balise la ballade "This old world needs love", un titre chanté par T.S Bruton. Soutenue par les sémillants Kaz Kazanoff et Floyd Domino, Augie Meyers se réserve les vocaux sur le "I'm in love again" de Fats Domino. Nicholas attaque une autre composition de Fats : "Before I grow too old". Un superbe blues opérant la jonction entre Sud Texas et les swamps louisianais. Piccolo nous refait le coup du grand souffleur sur "The Hammer", une autre révérence adressée à Red Prysok, autre mythe du sax ténor. La finale concède un moment de nostalgie. Et pour cause, cette cover du "Texas flood" de Larry Davis, figurait bien au répertoire de Stevie Ray Vaughan. Johnny chante en manifestant beaucoup de passion. Jimmie Vaughan ressuscite l’âme de son frère tout en préservant sa propre personnalité. Excellent !
Avant de fonder The Little Ones, Ed Reyes et Ian Moreno sévissaient chez Sunday's Best. En 2006, ils décident de fonder un nouveau groupe. Une nouvelle aventure qui sera ponctuée par la sortie de toute une série de singles et deux Eps, mais aussi par un changement de label. « Morning Tide » constitue donc le tout premier elpee de cette formation californienne, un disque enregistré sous la houlette de Dave Newton et mixé par James Ford (Klaxons, Arctic Monkeys).
Les onze titres de cet opus sont inondés par le soleil de la Californie. Les harmonies vocales sont limpides, sucrées, falsetto, les cordes de guitare chatoyantes, les mélodies pop allègres, contagieuses. Leur univers sonore jouxte celui des Shins, Magic Numbers, Nada Surf, Decemberists, Death Cab For Cutie, Delays, et même des Wannadies sur la plage qui ouvre l’opus, « Tangerine vision ». Encore que parfois, la voix d’Edward Nolan Reyes emprunte le timbre vocal éthéré de Jonathan Donahue. Et en particulier sur le morceau final, « Farm song », une valse lente emphatique, subrepticement psychédélique qui aurait pu figurer dans le répertoire de Mercury Rev. Enfin, autre valse, « Waltz » (NDR : fallait s’en douter) lorgne plutôt vers la romance juvénile de feu George Harrison.
« Postcards », premier recueil des Australiens de Sparkadia tente de nous faire croire au printemps éternel. Le quatuor présente une collection de onze morceaux de pop ensoleillée qui aurait pu être également convaincante si le son de la formation n’était pas aussi nonchalant. L’ensemble prête solidement au farniente mais les faiblards « Connected », « The Kiss Of Death », « Last Thing You Need » ou « Up In The Air » manquent bien trop de substance pour susciter un quelconque intérêt. Sparkadia évoque tour à tour Coldplay (« Connected », « Space & Time »), Keane (« Sleeping Lion ») ou Embrace (« Morning Light »).
Une petite poignée de morceaux sort du lot et évite de justesse à « Postcards » l’étiquette de ‘bruit de fond’. Les entraînants « Animals » et « Help Yourself », ainsi qu’un « On Our Way » éthéré permettent au quatuor de sortir leur épingle du jeu. Dans l’ensemble, il s’agit d’une première œuvre sans relief dont on ne retient que quelques rares morceaux choisis. Le printemps de Sparkadia sera définitivement plus court que prévu.
Congolais d’origine angolaise, Ricardo Lemvo a émigré aux Etats-Unis à l’âge de quinze ans, afin d’y poursuivre ses études. Grand fan de salsa, et plus particulièrement de Johnny Pacheco, notre homme fonde Makina Loca en 1990. La formation compte cinq albums à son actif, une discographie qui lui a permis de permis de tourner un peu partout dans le monde. L’originalité de Lemvo procède de sa capacité à pratiquer plusieurs langues : portugais, kikongo, lingala, swahili et espagnol. Il mixe donc naturellement ses influences africaines et latines sur ce cinquième album dédié à sa fille « Isabela ». Lemvo touche à tous les genres : salsa, soukous, rumba congolaise (il reprend « Lollobrigida », un classique congolais des années 50), et également plus cubains comme le son et le boléro. Un grand écart stylistique au cours duquel notre homme s’amuse même à transformer une chanson pop turque (« Elbette » de Candan Erçetin) en boléro cubain… Du bon son, que les amateurs du genre apprécieront à sa juste valeur.
Issu de Los Angeles, ce jeune trio nous propose son deuxième album. Depuis 2002, Newman, Maanumental et Chikaramanga pratiquent un hip hop positif et old school, à l’instar de formations comme Jurrasic 5 et les excellents Pharcyde. Les treize titres d’« Electric Laser » sont caractérisés par une approche un peu répétitive dans les flows (dont quelques rimes en japonais !) largement compensée par les excellents beats qui jalonnent l’album. Pour la partie plus hédoniste de l’opus, l’auditeur a droit à quelques tranches d’électro funk bien balancées (« Speakers Pop », « Speakers Funk »), des moments plus pop et ensoleillés (« Ready To Fly », « Same Old Shit », « Do The Robot In Cyberspace »). Quatre titres qui devraient bien fonctionner sur les pistes de danse… Sous un versant plus introspectif, on épinglera l’original « Pops », au cours duquel un des emcees évoque l’homosexualité de son père et profite de l’occasion pour dénoncer l’homophobie du milieu rap. Dans un autre registre, « Let It Go » et son ambiance soul se penchent sur la sécheresse créative (toute relative) qui sévit dans le rap d’aujourd’hui. Un bon album, assez créatif et qualitatif pour se distinguer de la masse, paru sur l’excellent label Tres Records.
Franco est sans aucun doute un des artistes congolais les plus notoires, chez nous. Le guitariste/chanteur affiche plus de quarante ans de carrière au compteur. Et elle est résumée sur ces deux copieux disques qui retracent les premiers pas du ‘Tout Puissant Ok Jazz’ dans la première moitié des années cinquante, en passant par les diverses incarnations de la formation jusque dans les années quatre-vingt, où Franco a succombé au SIDA. L’auditeur rencontre ici le prototype (et l’origine) de la rumba congolaise. Ce style particulier propre à l’ex Zaïre mélange les sons cubains (chant, percussions) à des lignes de basses et de guitares virevoltantes ; le tout traversé discrètement par quelques cuivres. Les chansons s’étirent souvent au-delà des six minutes et content des histoires qui seront mieux appréciées si vous pratiquez le lingala. A ce titre, la chanson « Nabala ata mbwa » constitue est un bon résumé musical du contenu de ce disque : un chant très latino américain et des solos de guitares impressionnants. C’est d’ailleurs cette guitare, soutenue par la basse et les percussions en arrière-plan qui entretiennent le groove tout au long des huit minutes de cette plage. Au fil du temps, Franco va faire de son orchestre un véritable empire financier. Ce qui lui permettra d’entretenir jusqu’à cinquante personnes, toute l’année. Pour arriver à ce résultat, tous les coups sont permis et notre homme ne se privera d’aller débaucher les meilleurs musiciens chez ses concurrents directs… Musicalement, les années cinquante et soixante sont les plus intéressantes, surtout pour ces magnifiques parties de guitares très aigües et légèrement triturées qui ponctuent presque chaque titre. Cette compilation constitue un point d’entrée idéal dans la riche discographie de Franco, d’autant que les notes de pochette sont très instructives.
Il y a quelques mois, Fleet Foxes nous émerveillait de leur splendide EP « Sun Giant ». Aujourd’hui, le quartet, devenu quintet depuis l’intégration (temporaire?) de J. Tillman en son sein, débarque une fois pour toutes, un premier essai long durée dans les bras. Et, pour la seconde fois, la formation époustoufle les aficionados de l’indie et du folk rock. Annoncé par le single « White Winter Hymnal » et son fantastique vidéoclip, « Fleet Foxes » est assurément la petite merveille incontournable de l’année. Les cinq gaillards au look de bûcherons usent d’une palette d’émotions tellement variées que l’on ne sait pas où donner la tête. « Quiet Houses », « Ragged Wood » et « White Winter Hymnal » inspirent de joyeux frétillements tandis que les déchirants « Heard Them Stirring », « Blue Ridge Mountains » et « Oliver James » vous arrachent d’incontrôlables larmes sans révérence. N’évoquons même pas les frissons inévitables qu’une telle beauté suscite.
Les onze morceaux de la plaque sont d’une virtuosité éblouissante et dégagent une atmosphère à faire rager toutes ces formations folk qui se creusent la cervelle des années durant, pour obtenir au final un résultat plus qu’insatisfaisant. « Fleet Foxes » pose d’ailleurs la barre à des hauteurs quasi-inaccessibles pour ces derniers. Le quintet impose le respect et vient de s’offrir une belle double page dans les annales du genre, aux côtés de Crosby, Stills & Nash et autres Beach Boys. Ingénieux, intemporel et, surtout, indispensable.
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