Si le sixième recueil de Calexico arborait un sous-titre, ce dernier serait vraisemblablement ‘Back to Basics’. Alors que l’œuvre précédente publiée en 2006, « Garden Ruin », n’était rien d’autre qu’un exercice frustrant et fort décevant, « Carried To Dust » reprend le flambeau de « Feast Of Wire » (2003) et retrouve le son lo-fi et chaleureux propre aux travaux de Calexico. « Victor Jara’s Hands », la plage d’ouverture interprétée en anglais et en espagnol, nous jette instantanément sur ces routes désertiques des States qui entraînent les cœurs esseulés vers le Mexique et au-delà. A l’instar de l’illustration de la pochette, on s’imagine au volant d’un vieux van, traçant la route sans regarder en arrière. Les « Two Silver Trees », « House Of Valparaiso », « El Gatillo (Trigger Revisited) » ou « The News About William » s’échappant des baffles et rappelant à notre souvenir combien la vie peu être excitante.
Ce voyage initiatique, John Convertino et Joey Burns l’exécutent d’une main de maître, accompagnés de leurs quatre musicos mais également de quelques invités de prestige. Sam Beam (Iron & Wine), Amparo Sanchez (Amparanoia), Doug McCombs (Tortoise) font un bout de chemin sur « Carried To Dust » et donnent un relief inédit aux paysages esquissés par la troupe. Bien qu’il n’égale pas « The Black Light » (1998), ce nouvel essai éblouissant attribue une large place à l’introspection, allant parfois jusqu’à laisser sans voix (les magnifiques « Contention City », « House Of Valparaiso » ou l’interlude « Falling From Sleeves »). Une splendide réussite !
Responsable des grosses caisses au sein des regrettés Carissa’s Wierd mais également de Band Of Horses lors de l’enregistrement du très bon « Everything All The Time », Sera Cahoone se paie une seconde tranche de liberté. Au programme, de la country et du folk lo-fi peu transcendant. « Only As The Day Is Long » est un disque à éviter aux narcoleptiques ou aux victimes de fatigue chronique.
Peu inventifs, les boulettes « Runnin’ Your Way », « You Might As Well », « Seven Hours Later » ou « Shitty Hotel » n’apportent rien au genre et consistent en des mélodies déjà entendues plus d’un millier de fois auparavant. Certainement inspirée par Neko Case ou Cat Power, Sera Cahoone brasse de l’air en tentant d’émouvoir (« The Colder The Air », « Tryin’ ») ou de susciter le rêve (« You’re Not Broken »). Incidemment, le meilleur morceau de la plaque s’intitule « Happy When I’m Gone ». Ce à quoi on lui répond, ‘en plein dans le mille, cocotte !’.
Richard Chalk a pris une excellente initiative en nous restituant ce témoignage datant de trente donnes années. A cet égard, on peut le remercier. Bocce Boogie est au départ la réunion entre un des plus authentiques harmonicistes de blues, Big Walter, et du chanteur/guitariste John ‘Guitar Johnny’ Nicholas. Pour la circonstance, ils avaient reçu la collaboration de Sugar Ray & the Blue Tones, Sugar Ray Norcia, le drummer Ted Harvey, le bassiste Mudcat Ward et le pianiste Little Anthony Giarossi. Et surtout du guitariste Ronnie ‘Youngblood’ Earl. Alias Big Walter Horton, Walter ‘Shakey’ Horton était originaire du Mississippi. Né en 1917, il est disparu en 81. Un tout grand dont le jeu émouvant, poignant et plein de relief lui avait permis de jouer en compagnie de légendes comme Muddy Waters (il a remplacé Junior Wells, fin 1952), Willie Dixon, Jimmie Rogers, Otis Spann, Sunnyland Slim, Otis Rush, Buddy Guy, Johnny Shines, Tampa Red et Robert Nighthawk. Mais aussi des bluesmen blancs comme Charlie Musselwhite, Paul Butterfield, Johnny Winter ou des groupes tels que Fleetwood Mac, Chicken Shack, etc. Dès 1973, il se produit aux côtés de Johnny Nicholas ; notamment dans le cadre du festival ‘Ann Arbor Jazz & Blues’. Et en 1997/78, le tandem décide d’enregistrer pour le label Blind Pig.
Septembre 1978, nous sommes au Bocce Club, à Woonsocket (Rhode Island). Au menu du blues et du boogie. Et l’entrée en matière émarge déjà au boogie. Un "Everyday I have the blues" au cours duquel Sugar Ray et ses Blue Tones assurent. La voix de Ray Norcia est talonnée par les accords limpides et étincelants de Mr Earl. Pas étonnant qu’il allait ensuite remplacer Duke Robillard au sein des Roomful of Blues. Big Walter fait son entrée. Tout au long du très offensif "Walter's boogie", il brille de mille feux. Horton se charge des vocaux sur le lent et dépouillé "Trouble in mind" ainsi que le notoire "My babe", un morceau imprimé sur un tempo très soutenu. Guitar Johnny empoigne le micro pour attaquer "Cold chills", un shuffle très ‘Chicago’. Puis l’indolent "That's why I'm cryin'" de Magic Sam. Sugar Ray se consacre à l'harmonica chromatique. Un des meilleurs moments de cet opus. On a ensuite droit à deux plages instrumentales. Tout d’abord le très percutant titre maître. Et ensuite une nouvelle version du classique "La Cucaracha", proposée par Horton. Ma foi fort classique. Long blues lent, "Sweet back angel" est issu de la plume de Robert Nighthawk. Horton est au chant, Earl à la slide. Le vieil harmoniciste noir est la star du show. Il continue à chanter "Baby please don't go", son blues lent "Hard hearted woman" et un excellent "Little bitty girl", un autre blues mais imprimé sur un rythme plus enlevé ; une compo qui sonne le réveil de Little Anthony aux ivoires et accorde un billet de sortie à Ronnie Earl. Horton termine par "Don't get around much anymore" avant de laisser l’équipe achever le concert. Johnny Nicholas chante le remuant "Tell me why". Sortie instrumentale dominée par la guitare, "Breakin' with the Earl" met en exergue le talent de Ronnie Earl Horvath. La qualité du son n’est évidemment pas hi-fi, mais cette œuvre est un véritable document!
On les attendait de pied ferme, ces garnements. A la première écoute de « Wizard Of Ahhhs », leur autoproduction mise à disposition gratuitement fin 2007, c’est la révélation. Ces cinq gosses sont destinés à devenir grands. Plus le temps passe, plus l’attente d’un premier essai devient insupportable. Des fouilles archéologiques sur la toile finiront par porter leurs fruits. Pas moins de 7 démos auront permis d’alimenter la hype jusqu’à la sortie très attendue de ce « Partie Traumatic ». Mais, au vu de la tracklist, les Black Kids et leur producteur Bernard Butler (Suède) ne se seront pas vraiment foulés en plus d’un an. Les impatients, qui s’attendaient à en prendre plein leurs oreilles grâce à une nouvelle série de tubes, se voient servir une version légèrement retravaillée de « Wizard Of Ahhhs » et des quelques autres démos déjà dispos sur le web. Seuls trois morceaux inédits viennent étoffer ce premier essai.
Il faut reconnaître cependant que la production de Butler permet de pallier à la légère déception provoquée par le tracklisting. Les méga-tubes « I’m Not Gonna Teach Your Boyfriend How To Dance With You » et « Hurrican Jane » prennent sur cette plaque une réelle et irrésistible dimension pop bubble-gum acidulée tandis que les inédits « I’m Making Eyes At You », « Partie Traumatic » et le dernier single en date « Look At Me (When I Rock Witchoo) » sont autant d’imparables tueries. Par ailleurs, les vocalises de Reggie Youngblood évoquent un Robert Smith qui aurait retrouvé le sourire. Enfin, « Partie Traumatic » aurait pu se glisser dans une discographie très pop des Cure si ce n’était pour les accompagnements vocaux des deux demoiselles de la formation, Ali Youngblood (la sœurette de Reggie) et Dawn Watley. Le duo féminin multiplie exponentiellement le quotient jouissif de la courte mais addictive première œuvre du quintet. « Partie Traumatic » est presque impossible à détester. Et puis, qui oserait prononcer les mots ‘I Hate Black Kids’ ?
Nouvelle signature du label chicagolais Kranky, Christopher Bissonnette résume assez bien la philosophie entretenue depuis toujours par l’écurie : la recherche d’un subtil un équilibre entre douceur et expérimentation. Mais ces exercices de style sont souvent très susceptibles de plonger l’auditeur dans les bras de Morphée. Christopher Bissonnette a donc décidé de suspendre ses productions vidéo pour se consacrer à la musique. En fait de musique, on devrait plutôt parler d’interminables voyages sonores déchirés entre ennui et splendeur.
Le second elpee du Canadien, « In Between Words » s’explique en six compositions orchestrales, longues et uniformes, inspirées principalement de la musique dite ‘classique’. La symphonie et l’électronique font ici bon ménage pour nous bercer dans une forme de mélancolie pure. L’opus est découpé en six morceaux, six plages d’une longueur minimale de six minutes. Dès « Provenance », le titre d’ouverture, Bissonnette annonce la couleur : celle d’une langueur monotone. Un parcours qui se terminera cependant en beauté par « Jour et Nuit ». Une compo envoûtante, caractérisée par quelles superbes montées en puissance. A conseiller à celles et ceux qui cherchent une bande sonore pour leurs pratiques méditatives ou contemplatives…
Si Glenn Tilbrook, Justin Timberlake et Thom Yorke décidaient de s’associer, le temps d’un album, c’est sans doute ce style musical qu’ils exploreraient. Une impression générale laissée à l’issue de la première écoute de ce « Pyramides », le premier elpee de Trouble Over Tokyo. En fait le projet d’un seul artiste : Christopher M. Taylor. Un Londonien adepte du DIY. Il a absolument tout fait sur cet elpee ; même l’artwork de la pochette. Et tout au long des 10 titres de cet opus, il pose sa voix androgyne, emphatique, sur des compos audacieuses, fragiles, teintées de soul/pop, qu’il construit à l’aide de ses machines (samplers, boîtes à rythmes, synthés, etc.) et probablement d’un véritable piano. Ce style musical a d’ailleurs déjà été taxé d’‘Indielektro AngstPop’. Pourquoi pas ! Les arrangements de cordes sont bien ficelés (NDR : ou bien bricolés, selon) et les synthés lorgnent plus souvent qu’à leur tour vers les eighties, tout en essayant d’éviter les clichés. Mais que Christopher prend en pleine poire, quand il se met à singer Michael Jackson. Pas trop souvent heureusement !
Bruyante, rapide et dynamique, cette troisième livraison du combo américain de trash black punk, conserve une approche du son minimaliste, tel un Dead Kennedys, et sème le chaos de la première à la dernière plage. Toxic Holocaust a décimé les salles de concerts du Continent aux côtés de Municipal Waste, formation dont il partage un certain sens de l’humour malsain, et son appétit vorace de riffs lourds et acérés hérités de la scène trash des années 80. Puissant et dévastateur, radical et sans concession, « An Overdose of Death » emprunte autant à Celtic Frost, Bathory ou Slayer qu’à The Exploited et surtout Discharge, son influence majeure. « Wild Dogs », « Nuke the Cross », « Future Shok » ou « Death from Above » sont autant de glaviots qui secouent l’auditeur avec une force inouïe. Tout droit sorti des entrailles de l’enfer, le combo apocalyptique s’est même payé le luxe de s’offrir une production signée Jack Endino (High On Fire, Soundgarden…) Dangereux !
Un peu moins d’un an après la publication de leur premier ouvrage, “Limbo, Panto”, les Anglais de Wild Beasts, en délivrent déjà la suite. De manière générale, les formations qui publient plus d’une œuvre en l’espace d’une année oublient, dans leur précipitation, de varier les plaisirs. Tel était le cas pour Clap Your Hands Say Yeah ou Los Campesinos!, pour ne citer qu’eux. Mais Wild Beasts est une formation d’une autre trempe et le prouve en dix morceaux. « Two Dancers » dévoile une évolution tant au niveau des mélodies que de l’écrit. Le quatuor se rapproche à grandes enjambées de la limpidité des travaux d’Antony & The Johnsons, tout en conservant une certaine allégresse illusoire.
La force de ce « Two Dancers » procède du dosage des effets dispensés avec une précision remarquable. Les vocalises d’Hayden Thorpe sont comparables à celles d’Antony Hegarty (NDR : suivant les sensibilités elles risquent donc de s’avérer remarquables ou pénibles) ; cependant, l’interprète use de son instrument de la manière la plus appropriée qu’il soit. Les composantes de cette seconde publication titillent les sens, en oscillant entre élégance et épicurisme. Des bêtes sauvages à adopter sans plus attendre.
Friendly Fires est une formation britannique. Issue de St Albans, dans le Hertfordshire. Fin 2007, le groupe avait édité un single fort intéressant : "Paris". Depuis, le combo s’était enfermé dans son studio pour enregistrer son premier elpee. Un accouchement difficile. Et pour cause, non seulement les musiciens sont des perfectionnistes, mais ils ont voulu tout contrôler. Même la pochette. De passage à Bruxelles, Ed Macfarlane, Jack Savidge et Edd Gibsonnous se sont expliqués sur leur manière de concevoir l’enregistrement d’un album ; mais également, nous ont parlé de leur parcours accompli depuis maintenant un peu plus de deux ans…
Pour l’instant, vous vivez un peu un rêve éveillé, non? Je m’explique : vous êtes signé chez XL (Radiohead, The White Stripes, Adele), votre single “Paris” a été élu meilleur single par le Guardian et le NME, vous avez joué en première partie d’Interpol à Dublin et même Bono a été impressionné par votre performance. Cette situation vous est-elle tombée soudainement sur la tête ou est-elle le résultat d’une lente et longue progression ?
Ed : Je pense qu’elle est le fruit d’une progression constante. Nous avons commencé à composer vers l’âge de quatorze ans. Mais nous avons dû attendre des mois avant de pouvoir monter sur les planches des clubs locaux. Car, en général, ce sont souvent des groupes de reprises qui s’y produisent. Et, enfin, quand on a commencé à y jouer, il n’y avait qu’une trentaine de personnes pour assister à nos sets. No potes ! Mais on a recommencé l’expérience plusieurs fois. Jusqu’au moment où on a décroché quelques concerts à Londres. C’était, super, géant même. Nous partions cependant dans l’inconnu. Le public potentiel avait peut être écouté quelques chansons sur MySpace ; cependant, il se demandait surtout ce que nous avions dans le ventre. Mais ce parcours nous a permis de nous frayer un chemin jusqu’ici.
Jack : En fait, depuis que nous sommes devenus Friendly Fires, soit plus ou moins deux ans et demi, notre itinéraire a été graduel. Nous avons eu besoin de beaucoup de temps pour sortir un album. Un cheminement bien plus progressif que celui de la plupart des autres groupes. Aujourd’hui, dès qu’une formation manifeste un peu de potentiel, on tente de forcer les événements. Tout va alors trop vite. Nous n’avons jamais voulu accepter de marcher dans ce système.
Edd : On est plus à l’aise ainsi. On ne se sent pas lâché dans un rêve au sein duquel on ne maîtrise plus rien.
Ed : C’est clair. Au départ nous ne disposions que de deux bonnes chansons. Or nous voulions, au moins, en écrire une dizaine. Tu sais, de bonnes chansons, susceptibles de plaire au public
Oui, d’ailleurs j’ai lu que vous aviez passé des heures et des heures à enregistrer... (rires)
Ed : Ouais, on a vraiment pas mal de trucs qui sonnent bien. Mais, bon ce sont surtout des jams ; et si les lignes de basse sont vraiment chouettes, tu ne peux pas vraiment transformer ces morceaux en chansons pop.
Sans quoi, vivez-vous de votre musique ou exercez-vous d’autres jobs, en parallèle ?
Jack : Non, c’est notre job, pour l’instant on n’a que ça.
Ed : Qui a dit ça ?
Jack : C’est moi, Jack (rires)
Donc vous avez réussi votre pari, vu que vous ne vouliez pas bosser chez HMV ?
Ed : Oui ! HMV est un magasin de disques à St Albans. Notre plus grande crainte était de se taper un job de routine. Mais finalement les circonstances nous ont été favorables. On a eu de la chance, quoi…
Militez-vous au sein d’un seul groupe ou certains d’entre vous participent-ils à d’autres projets ?
Ed : Non ! D’abord l’écriture de cet album a exigé beaucoup de temps. Et puis on veut beaucoup tourner. Aussi, si on veut vraiment s’impliquer à fond, on ne peut pas se disperser. Pour nous, multiplier les projets est impossible. Du moins pour l’instant. Quand on aura rôdé tout ce gros travail dans le groupe, on pourra donc y penser ; mais pour l’instant, l’objectif qui focalise notre attention, c’est Friendly Fires .
Votre premier album sort début septembre. J’imagine que votre excitation est à son comble ?
Tous : Absolument !
Jack : Par contre, on y croira vraiment que lorsque nous pourrons tenir le boîtier et la pochette en mains. L’enregistrement physique, comme objet naturel. Pour l’instant il n’existe pas vraiment. Les fichiers PDF et le booklet sont ‘congelés’ dans un ordinateur.
Ed : Je serai vraiment content lorsqu’il sortira. C’est le résultat de deux ans de travail.
A ce sujet, vous déclarez, dans votre bio, que cet album est ‘le produit fini de deux ans d’inspiration, de frustrations, de dur labeur et de passion’. Voulez-vous préciser votre idée ?
Ed : Comme nous avons produit le disque nous-mêmes, dans notre garage, nous éprouvons un sentiment de frustration. A force de réécouter tes chansons, tu finis par conclure que tel ou tel passage aurait pu sonner un peu mieux. Si quelqu’un d’extérieur produit ton album, il débarque au studio pendant quelques heures. Il fait l’une ou l’autre prise, puis décrète qu’elle est bonne. Un producteur t’emballe des chansons pop en buvant son café. Pas nous ! En nous réservant personnellement cette tâche, nous avons voulu que le résultat soit le plus parfait possible. Nous sommes des perfectionnistes. En ce qui me concerne, j’ai passé un temps fou à écouter et réécouter ma propre voix. Mais je crois que cette méthode a fini par payer.
Edd : Parfois, on écrit des chansons de bonne facture. Mais pas assez valables à notre goût. Aussi, on bosse dessus pendant des heures, en espérant l’améliorer. Et finalement, on se rend compte qu’il est impossible de rectifier le tir. Aussi, on l’abandonne…
Vous enregistrez dans votre garage. Hormis une compo (NDR : "Jump In The Pool", produite par Paul Epworth), vous avez mis en forme l’intégralité de l’opus. Ce choix est-il dicté par une éthique DIY (Do It Yourself = Fais-le toi-même) ou est-ce plutôt une volonté de vouloir contrôler la moindre décision ?
Ed : Nos EPs et nos singles sont parus en édition limitée. Et nous nous étions chargés du design de la pochette. On a fait le choix de tout contrôler. Ainsi, tu risques moins de te faire ‘baiser’, si je puis m’exprimer de cette manière. Tu es responsable de tout. Finalement, l’artwork va aussi refléter ton identité en tant que groupe.
Jack : Nous avons une vision très particulière de notre création. Nous voulons tous être impliqués à tous les niveaux ; parce qu’il est vraiment fondamental de bien maîtriser les événements. De ne pas devoir accepter la manière de voir ou de penser d’une personne extérieure.
Ces choix étaient-ils partagés par votre label ou avez-vous ressenti de la résistance à cet égard ?
Ed : Totalement. Je crois qu’ils étaient derrière nous à 100%.
Jack : En même temps, lorsque le label est entré en jeu, nous avions déjà réalisé 70% de l’album. Maintenant, il est vrai que d’autres labels nous ont proposé de réenregistrer les pistes dans leur studio. Mais ce n’était pas dans notre projet. XL a accepté notre choix. Notre son. C’est la manière dont on perçoit les choses. Et ils ont marqué leur accord à ce sujet.
Edd : En fait, nous avions établi cette règle avant qu’un label ne se manifeste. Et certains concurrents on voulu changer la donne. Pas XL.
Ed : XL montre vraiment beaucoup de respect pour ses artistes. Il admet qu’ils puissent avoir une autre manière de travailler. De penser. Pourvu que le résultat soit à la hauteur.
Votre répertoire est assez éclectique. Quelles en sont les raisons ? Votre humeur du moment ? Une évolution de vos influences consécutives aux deux années nécessitées pour l’écriture et l’enregistrement du disque ou est-ce simplement un choix ?
Ed : Lorsqu’on écrit une chanson, il n’y a jamais de plan préétabli. Par exemple, quand on a composé « Paris », on aimait vraiment la rythmique. On a ajouté plein de mélodies ; et le résultat était probant. Nous étions satisfaits du résultat et nous étions prêts à reproduire la même recette. Mais finalement, à l’issue des sessions d’enregistrement, la chanson était totalement transformée. En fait, on a simplement commencé à jammer et quand on s’est arrêté, la compo n’était plus la même.
Jack : Je pense aussi qu’inconsciemment, personne ici ne veut repasser les plats.
Ed : En fait, je crois qu’on est incapables de répéter une bonne partie des morceaux qu’on a construits. J’espère que je me que je me fais bien comprendre.
Jack : Je pense tout à fait le contraire…
Ed : Bien sûr, on pourrait écrire un deuxième « Paris » ; mais quand on arrive en studio avec une chanson, elle est systématiquement modifiée par les jams. Et dans 99% des cas, le résultat final est différent.
Edd : Oui mais par contre, on peut facilement reprendre deux accords percutants comme base d’une chanson, et construire un truc distinct ensuite.
Ed : Personnellement j’écoute rarement un album de 45 minutes de bout en bout. Mais si quelqu’un est capable d’y parvenir de A à Z, il doit ressentir une drôle d’impression. Surtout si la musique est totalement linéaire. D’ailleurs je pense que la nôtre baigne dans un univers tout autre que celui de la house et de la dance, car elle fluctue constamment. Et comme tous les titres sonnent distinctement, tu es obligé de les écouter attentivement. Si c’est répétitif, au bout d’un certain moment, tu déconnectes et tu n’y prêtes plus guère attention.
J’évoquais tout à l’heure Bono qui avait été impressionné par votre performance. Estimez-vous que Friendly Fires est un groupe qui prend toute sa dimension en live ?
Ed : Oui ! Nous avons dû modifier certaines composantes pour les adapter à la formule ‘live’. En concert, nous sommes quatre ; et certaines partitions sont impossibles à recréer sur scène de manière totalement identique. Il y a la version studio et la version ‘live’. Je pense d’ailleurs que c’est positif. La version ‘live’ est beaucoup plus agressive, trashy, brute. Nous ne nous contentons pas d’interpréter le titre exactement comme sur le disque. Il reflète davantage l’esprit de nos 15 ou 16 ans. On y injecte toute notre énergie, toute notre détermination à remuer. On y met les guitares bien en avant. Bref, on cherche à rendre notre excitation très perceptible, parce que si un groupe est à fond dedans lors des concerts, c’est déjà 60% de gagné. C’est plus important que la perfection de la musique ou du son.
Edd : Donc au cours de toutes ces années, tu essayais seulement de bien paraître ? (rires)
Ed : Non, je ne dis pas qu’on essaye de bien paraître, mais je pense que cette attitude impulsive est très importante en ‘live’ ; parce que la plupart du temps, en concert, les retours sont quasi inexistants, et tu tentes désespérément de percevoir ce que tu joues. Aussi, si le groupe semble s’investir à fond dans son trip, le public va être beaucoup plus impressionné.
Donc on arrive à ma dernière question, plus bateau : quels sont vos projets pour l’année prochaine, hormis tourner pour promouvoir l’album ?
Jack : Nous n’avons pas beaucoup de choix pour l’instant. Nous sommes ‘bookés’ jusque fin octobre. Au moins !
Ed : Même décembre, si on tient compte de la tournée américaine et de quelques autres concerts... Sinon, on va se remettre à composer ; mais je crois qu’on va s’y consacrer lorsqu’on sera de retour en studio ; car sur la route on est dépendant d’un portable. Pas l’idéal ! Je veux dire que sur un ordinateur, tu te contentes d’enchaîner des sons ; et ce n’est pas la meilleure manière d’écrire des chansons. Il est toujours plus judicieux d’utiliser nos instruments pour accomplir cette tâche. Mais on verra plus tard…
Jack : Oui, plus tard. Enregistrons un album pour Noël...
Ed : Oui, un Christmas Album... (rires)
Second ouvrage des ‘springfieldiens’ au nom improbable, « Pershing » aurait certainement fait de la peine à Boris Yeltsin. Loin de toute hype, Someone Still Loves You Boris Yeltsin tente de se tailler une petite réputation dans l’univers indie à travers un essai bien forgé mais trop gentillet. « Think I Wanna Die », « You Could Write A Book » et « Modern Mystery » sont autant de titres qui justifieraient les comparaisons entre SSLYBY et The Shins, opérées par la presse Outre-Atlantique. Du moins si celle-ci évoquait des Shins amplement moins inspirés et dirigés par Josh Rouse. « Heers » et « Some Constellation » auraient par ailleurs carrément pu être extraits de l’un des ouvrages de ce dernier.
L’intention de Someone Still Loves You Boris Yeltsin y est très certainement. Mais le quatuor tapisse sa pop estivale d’une enveloppe power pop mid-90’s un peu trop désuète et policée pour être prise au sérieux. Pourtant, les onze plages de ce recueil sont tout à fait digestes. Il est donc dommage que « Pershing » ne laisse qu’un vague souvenir après son écoute. Un troisième recueil moins prudent serait plus que bienvenu…
‘Sometimes, I Hate The Things That You Do’. Ce sont par ces mots que débute « Sometimes ». Et voilà que l’on se surprend à acquiescer, un air sombre sur le visage. Langhorne Slim nous attriste. Tout avait pourtant bien commencé. « Spinning Compass », plage d’ouverture de ce recueil éponyme, laissait effectivement présager quelque chose d’énorme. La promesse d’une belle aventure, qui s’évanouit rapidement. L’interprète nous plante en pleine escalade. Retour sur la terre ferme. Au bas de la montagne, on s’accorde une seconde tentative; cette fois, guidés par l’envie de distinguer le moment exact où tout a basculé. A peine arrivés à mi-hauteur, c’est la révélation. L’œuvre éponyme de Langhorne Slim est tout simplement fallacieuse et inconsistante.
L’homme tente ponctuellement de singer ses idoles et surcharge ses compositions d’une aura ‘dylanesque’, tandis que des extraits tels que « Hello Sunshine » ou « Spinning Compass » évoquent un Arcade Fire sorti de nulle part. D’aucuns auront beau tenter de s’accrocher de toutes forces au Mont Slim, cette deuxième épreuve s’avère irrémédiablement décevante…
Série destinée à faire découvrir les musiques du monde entier à un prix modique, « International Music Series » nous avait laissé un mauvais souvenir. On se rappelle d’un volume consacré à la musique des indiens d’Amérique du Nord qui rappelait davantage la série télé « Walker Texas Ranger » que les rites ancestraux de ces peuplades décimées par le colonialisme. Chanté par Marcia Salomon, ce volume reconduit plusieurs défauts du disque précité ; comme l’abus certain de synthés bon marché qui gâchent le plaisir auditif. Le menu musical réunit des reprises fidèles de classiques du genre (une majorité de titres signés par Roberto Menescal). Mais ces versions exécutées dans une veine jazzy indolente correspondent bien mieux aux climats ensoleillés qu’à l’automne éternel sévissant sous nos latitudes. Pour une meilleure introduction à la bossa, il serait sans doute préférable de se rabattre sur les enregistrements originaux, mieux documentés dans des compilations comme les « Rough Guides to… »
Il y a un petit temps qu’on écoute ce disque sans y dénicher les éléments susceptibles de le rendre attachant. Sur le papier, le projet semble pourtant prometteur : Helena Noguerra s’entoure d’une équipe de choc (Seb Martel, Burgalat, Marie-France, Katerine) pour reprendre les compositions de Serge Rezvani, compositeur attitré des réalisateurs de la Nouvelle Vague : Truffaut et Godard en tête. L’écoute se révèle très vite décevante. L’orchestration est soignée mais pas particulièrement originale. C’est surtout le chant très maniéré d’Helena qui devient vite énervant. Un excès de minauderies qui donne envie de jeter le disque par la fenêtre ou d’en faire un frisbee pour son chien. Hormis les classiques de Rezvani (« Le tourbillon »), il faut avouer que ces textes d’un autre temps ont bien mal vieilli et sont même devenus anecdotiques. En somme, un trip nostalgique et désuet qui rappelle « La chance aux chansons », mais dans une version bobo parisienne fichtrement inutile. Pascal Sevran doit se retourner dans sa tombe.
Erja est de nationalité finlandaise. Elle compose, écrit des contes, chante et joue de la slide guitare. Inséré dans un bottleneck (goulot de bouteille), son doigt glisse le long du manche de son instrument. Elle est née dans la petite ville de Kuopio. Elle avait déjà sorti quelques disques sur le plan local. Une discographie entamée au début de ce siècle. Depuis, elle a signé chez le label allemand Ruf. Elle avait participé au projet "Pilgrimage – Mississippi to Memphis", un elpee paru en 2005. Elle y partageait l’affiche en compagnie de deux artistes anglais : Aynsley Lister et Ian Parker. Deux musiciens qui ont également participé à la confection du Dvd, "Blues Caravan". En 2006. Et elle y était également impliquée. Son premier opus personnel pour le label Ruf est atterri dans les bacs, la même année : "Dreamland blues". Un album pour lequel, elle avait reçu la collaboration de David et Kinney, deux fils du regretté Junior Kimbrough.
Pour concocter ce nouvel elpee, elle a bénéficié du concours de ses propres musiciens ; et notamment Davide Floreno, préposé à la guitare rythmique. Erja a écrit dix des douze plages. Dès les premières mesures nous sommes séduits par la sonorité dispensée par sa slide. Son jeu n'a rien de conventionnel. Il est par conséquent très personnel. Sur l’instrumental "Broadcast", elle laisse libre cours à son inspiration. Le son est très métallique. Les collaborateurs manifestent une parfaite cohésion. Elle interprète d’un timbre chaleureux "Everything's fine", un shuffle guère puissant, caractérisé par le côté légèrement fausset de la voix, proche de celle d’une Sue Foley. Une nouvelle fois, la touche personnelle est indéniable. Après quelques couplets, elle s'évade sur son manche. Et le résultat est tout à fait remarquable. Elle troque sa slide contre une guitare classique tout au long de "Grip of the blues", une agréable ballade bluesy au cours de laquelle elle parvient à trafiquer les sonorités en tirant parti de ses pédales. Elle adapte le "Steamy windows" de Tony Joe White. Un des ses maîtres ! La cover de ce chant des swamps est très soignée. La voix d'Erjja se prête bien à ce type de compo. L’atmosphère est suffocante. Le riff rythmique est lourd et hypnotique ; mais il colle parfaitement au contexte. La slide inoculée tout au long d'"Inner beauty" est plus légère et aérienne, proche des tonalités dispensées par Dickey Betts (ex-Allman Brothers Band). Une ballade agréable au cours de laquelle elle parvient cependant à apporter sa propre coloration. Plus musclé, "Let it shine" relève de l’univers rock. Les changements de rythme sont balisés par la slide gouailleuse. Gourmande, aventureuse, elle est poussée dans le dos par la guitare rythmique de Floreno! Ballade majestueuse, plutôt mélodieuse, "Wish I had you" baigne au sein d’une ambiance psychédélique. La voix est éthérée. Un climat entretenu également sur "Unteachable". Nouveau conte musical, "Voyager's tale" évolue sur un tempo particulièrement lent. Une très belle chanson plantée au cœur d’un décor musical dépouillé, réminiscent dans ses sonorités du célèbre "Albatross" de Fleetwood Mac… Miss Lyytinen renoue avec un style plus classique –du Mississippi blues musclé et très électrique– sur la reprise de "Rollin' & tumblin'". Son "Wanna get closer" la replonge dans le climat funky et répétitif des swamps. Cet album de bonne facture s’achève par "Dissatisfaction". La colère métallique se manifeste à travers les derniers éclairs déclenchés par la slide de notre rouquine finnoise.
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