Après avoir été marqué au fer rouge par l’excentricité de Menomena, le projet solo du batteur suscitait la plus vive curiosité. En ébauche depuis plusieurs années, Lackthereof n’est donc pas la prolongation ni le succédané de Menomena. Il serait plutôt son exutoire. A entendre Danny Seim en interview, son nouveau projet accueille précisément ses suggestions avortées, refoulées ou défigurées par l’univers borné de Menomena. Et pour cause, il cite en zigzag des motifs de perfectionnisme et de fausse démocratie, des choix de créativité et de business. Toujours est-il que ce transfert permet de mieux comprendre le caractère décousu de « Your anchor » ; un album qui ne manque pas d’idées –puisqu’elles y ont atterries à mesure des frustrations de son protagoniste– mais bien de conviction. Il se répand, s’écoule sans s’imposer véritablement. Au début, il procède à tâtons, installant parcimonieusement les fragments de son univers. Puis, l’empreinte se creuse enfin sur « Choir practice », un troisième morceau qui fait instantanément grimper le curseur. L’accroche est solide, notamment grâce à ces breaks typiques des Menomena qui maintiennent passionnément la tension.
La suite est malheureusement moins déterminée ; le fond saturé et la mélodie répétitive de « Locked upstairs » épuisent rapidement. Il manque une ascendance pour s’élever. Peut-être une voix plus assurée, un rythme moins tâtonnant, une batterie plus intransigeante. En somme, un Dieu. Un roi. Ou une âme quelconque dont le charisme survole l’ensemble de l’œuvre pour lui donner sens. Du moins, laisser entrevoir l’horizon pour justifier de telles déconstructions intérieures.
On comprend aussi difficilement le sens de la reprise peu concluante de « Fake empire » (The National) dont le mystère tout entier réside pourtant dans le timbre grave et troublant de Matt Berninger. Dommage de clôturer l’album sur ce morceau qui, avec la meilleure volonté du monde, ne parviendra à effleurer l’émotion déversée par sa version originale. Outre cette référence déplacée aux National, outre cet ego frustré des Menomena, la tentative de Lackthereof sur ce « Your anchor » reste musicalement digne d’intérêt.
Non, Kid Carpet n’est pas un héritier de Tonton Tapis, où le moins cher serait illégal. C’est vrai que sur « Casio Royale » (NDR : ouarf le jeu de mot à 0.20 cents) le cheap est roi ; mais il est loin d’être en dessous d’un tarif pratiqué lors d’une braderie. C’est vrai aussi, qu’à la limite du mauvais goût, Kid Carpet semble prendre plaisir à rendre son univers idiot. Comme s’il se marrait après s’être tiré une balle dans le pied. La simplicité des compositions aurait vite fait de classer cet album dans la caisse des soldes, s’il n’y avait ce petit goût sucré. Ce petit souvenir des colliers de bonbons qui nous tachait le cou et nous refilait les pires des caries.
Le véritable atout de ce « Casio Royale » est sa constance et son humour potache. Paroles légères (« I Don’t Want to Fall in Love With You » est un bel exemple), beats simplistes au possible, infecté d’effets prévisibles issus d’une base de données d’un vieux clavier Casio, ce nouvel elpee pourrait passer pour du foutage de gueule en bonne et due forme. Mais ce serait manquer d’humour et de simplicité que de brûler cette moumoute de bain, avant de l’avoir mieux explorée. Ado attardé qui se serait enfermé dans sa chambre à jouets, Kid Carpet est le chaînon manquant entre productivité et amusement. On perçoit sans effort, le plaisir ressenti par le natif de Bristol lorsqu’il a composé les quinze plages avant de les proposer au label Sunday Best (Dub Pistols, Plastic Operator, Grand National,…) Evidemment si on laisse un gamin se déchaîner sans retenue, il y a un moment où ça lasse. Voire même où ça agace… s’il faut le dire…
« Casio Royale », n’est à pas un album incontournable ; et vivre sans avoir eu le loisir de l’écouter n’est pas préjudiciable. Mais si vous avez conservé cet esprit d’enfant, il serait dommage de ne pas s’en payer une tranche de temps en temps. Kid Carpet semble donc avoir fumé la moquette (NDR : facile, mais je ne suis pas responsable de la mise à feu de ces jeux de mots débiles), et le calmer semble improbable. On va donc attendre qu’il termine sa crise d’adolescent ; mais je crains fort que cette évolution ne se produise jamais...
Sur la bio consacrée à Sandrine Collard on peut lire textuellement : ‘Après un long passage obligé au solfège, violon, piano, j’ai profité de quelques années au violoncelle mais de façon trop paresseuse.’ Une déclaration à la franchise savoureuse. Et c’est bien l’esprit que semble entretenir The Ideal Husband : la sincérité. « No Bye No Aloha » évolue loin des formats actuels. Balayé par ses ukulélés hawaïens et ses pedal steel de grand père, il s’écarte complètement du courant contemporain dominant. On prend un avion,… non, plutôt un hydravion, pour se retrouver sur l’île d’un archipel fantôme, que seul Monsieur Roarke de « L’Ile Fantastique », connaît. Non content de nous amener dans un coin paradisiaque, l’engin volant a remonté le temps pour nous projeter dans une ambiance 60’s, celle de toutes les libertés. « No Bye No Aloha » procure une sensation et une volonté d’oisiveté sans équivoque. On se prend l’envie de tout envoyer dinguer, de mettre les clapettes et aller se boire un petit cocktail, collier de fleurs autour du cou. Et on se délecte de se balader sur les quatorze plages de sable fin que l’équipe à tamisé avant notre arrivée. Au sein du staff de The Ideal Husband, on retrouve un certain Dan Lacksman, ancêtre de Telex. Mais aussi Louise Peterhoff en vahiné chanteuse à la voix suave, et surtout Benjamin Clement, multi-instrumentiste aux bras de pieuvre… Composé et écrit par Sandrine Collard en personne, ce premier opus prolongera vos vacances, et n’aura comme seule ambition, que de vous caresser par sa sensualité et sa douceur. Un album à se procurer, juste pour la fraîcheur qu’il dégage et le sentiment de bien être qu’il procure. Et ça c’est énorme !
Parfumé à l’hédonisme et au narcissisme, Brian Henry Hooper aurait de quoi nous rendre jaloux. Non seulement son timbre vocal campe un véritable clone bâtard entre Bowie et Nick Cave ; mais il revêt les habits sombres du dandy endeuillé. Il suit le cortège funèbre de l’amour, en se frappant la poitrine. « The Thing About Women » est un piège à filles, celles que l’on croise au fond d’un bar miteux. Perdues, naïves et mignonnes, elles finissent toujours par succomber au charme et à la tendresse d’une de ces âmes damnées. Du genre à Brian. Bouleversant lorsqu’il raconte ses histoires, ce loup-garou camouflé, susurre entre deux whiskies, quelques considérations sur la beauté féminine et les répercussions blessantes qu’elles engendrent.
« The Tning About Women » c’est le cadeau idéal pour un dépressif solitaire. Il ne se sentira plus si seul après écoute. Il aura même l’impression d’être compris. Pourtant l’album commence plutôt bien. A l’écoute de « Oh Brother » et « Again et Again », on aurait presqu’envie de croire que tout n’est pas si sombre. Mais de « Thing About Women » à « I Wanted To » en passant par « Just Cause You Wish It », on comprend vite, que c’est moche l’amour. Et en lieu et place de se parer de ses plus beaux atouts, on aurait tendance à devenir méfiant, de peur de finir aussi mièvre que Mr Hooper. En fait, Brian Henry Hooper est un malin. Plutôt que d’encourager les rencontres, il plombe l’ambiance des mâles en quête de sentiments, pour qu’ils restent chez eux à se morfondre. Ce qui lui permet de laisser tout le champ libre pour ses quêtes personnelles, sans l’ombre d’un prétendant. Sale type ! Oui ça va, t’es beau gosse Brian. Tout le monde le voit, tout le monde le sait, il ne faut pas en faire des tonnes non plus.
Ex-Remains of The Day (sans la violoniste), The Estranged délaisse ses réminiscences hardcore pour se frayer un chemin, déterminé et cohérent, au sein de la scène punk rock américaine. L’effusion musicale jaillit à la croisée des Wipers et de Mission of Burma. Mais c’est surtout en s’autorisant des éclaircies instrumentales que la formation de Portland se démarque de ses maîtres. Successivement, guitare, basse et batterie passent leur message ; et dans ces solo et intermèdes plutôt ‘post’, « Static thoughts » puise ce ton aéré et cette allure plus réfléchie qui, trop souvent, déserte le punk purement échevelé. Derrière les accalmies, le bouillonnement règne en maître et rien n’y est laissé au hasard. Aucune irruption futile de cuivre ou synthé, aucune mélodie superflue, aucun break inutile de guitare ; juste un trio instrumental autonome et sûr d’avoir toutes les raisons d’exploser à l’abri des censures. L’énergie exsangue et aiguisée du punk côtoie ici la rythmique hypnotique et progressive du ‘post’-punk ; et de cet alliage surgit une tension intéressante qui mérite de malmener 30 minutes ses tympans.
Kris Delmhorst n’est pas une débutante, loin de là. Cette chanteuse folk compte déjà cinq albums à son actif ; et vient glisser dans sa discographie une sixième perle à son collier musical. Car s’il existe des bijoux indémodables, aux parures étincelantes, Kris Delmhorst elle, affine ses carats au fil des compositions. Taillé dans le diamant brut, « Shotgun Singer » semble ajusté avec minutie et passion. Tout au long des douze ballades entraînantes, l’Américaine de Boston relate des capsules de la vie. Des moments intimes qu’elle dévoile sans pudeur. C’est évident, les voix féminines posée sur de la folk commencent un peu à nous inonder. On aurait tendance à dénigrer un peu le style, tant la concurrence est rude. Kris Delmhorst ne joue pas dans la même catégorie. Elle n’essaye pas de suivre un style, elle fait partie des piliers, de celles qui les enfoncent sans oublier de les sculpter avec une fantaisie débordante. Elle ose prendre des risques. Si le rythme de ses morceaux est puisé au fond de la mélancolie, elle n’en retire que l’essentiel, afin d’écarter de son chemin, toute forme de tristesse.
D’entrée de jeu, « Blue Adeline » constitue un parfait exemple de cette volonté. « Shotgun Singer » est parsemé de rythmes puissants mais discrets comme sur « To The Wire », où la batterie entoure la pièce d’un mur capitonné, laissant les cordes s’entrechoquer tendrement. A la manière d’une Lisa Germano ou d’une Alela Diane, la voix de Kris sort de ses entrailles et se béatifie sur des morceaux comme « If Not for Love », « Birds of Belfast » ou « Brand New Sound ». Tout cet onguent, que l’on s’étale au fil des plages, est parfois surmonté d’une petite claque revivifiante. A l’instar de « 1000 Reasons », où une proposition à la limite de la pop rock parvient à nous étonner. Vous l’aurez donc compris, « Shothun Singer » est à prendre par tous les côtés, du début à la fin. L’ensemble est étonnant, varié et sacrément beau. Un chouette moment à partager sous la couette. Le meilleur endroit sans doute pour s’enfiler la galette, et de préférence en dégustant un bon chocolat chaud ; mais ce supplément n’est pas compris dans le prix.
Se taper un album de The Capstan Shafts n’est pas une sinécure. Tout d’abord, lequel choisir ? C’est que le songwriter Dean Well, est plus que productif dans les compositions et les sorties d’albums. Depuis 9 ans, le petit bonhomme est à la tête de 10 epees et 7 elpees, rien que ça. Signé chez Rainbow Quartz (The High Dials, Mellowmen, Deleted Waveform Gatherings,…), ce « Fixation Protocols » est donc la énième pierre à son édifice.
La deuxième difficulté pour se farcir l’écoute d’un disque de The Capstan Shafts, prodède de la longueur des morceaux. Chaque album possède en moyenne, une vingtaine de plages, allant des 50 secondes à la minute 30, voire deux minutes maximum. Mais phénomène extraordinaire, le sens mélodique y est préservé. Il est même excellent. Pourtant, et c’est une énigme, ces mélodies sont systématiquement sabordées. Brutalement aussi. Ce qui provoque très rapidement une sensation de manque. Il n’est d’ailleurs pas rare de se dire ‘…non ! ça ne peut pas finir comme ça…’ Malheureusement, il faudra l’accepter, et essayer de l’apprécier. Ce qui reste à mon avis, le plus complexe. Difficile d’emboîter le rythme juste au moment où il cesse. Il y a donc une cruauté dans le chef de Wells à déballer sur son étal, tel un marchand, toute la marchandise ; et de la remballer dès que l’intérêt du public s’y accroche. Cette particularité apporte un cachet étonnant, certes, mais peut nous pousser vers une frustration certaine. C’est que « Fixation Protocol » a de quoi donner envie. Des compos pop/rock aériennes, osées, qui tranchent dès les premiers accords, suivies de quelques minuscules ballades qui viennent de temps à autre les apaiser.
« Fixation Protocols » ne vous flanquera pas la grosse claque susceptible de faire siffler les oreilles, mais alignera plutôt une avalanche de petites claquettes qui vous empêcheront de baisser la tête un seul instant. Beaucoup de patience et une volonté de décoder seront les atouts indispensables pour une écoute saine et pertinente.
The Black Seeds est une sommité dans son pays : la Nouvelle Zélande. Originaire de Wellington, le groupe est composé de huit membres (tous blancs pour l’anecdote). Au fil des albums, il est devenu une référence pour le bastion du Kiwi, cet oiseau noctambule. Il y a fort à parier que de nuits longues et chaudes, il en est fortement question sur la production de « Solid Ground » ; et que ce band a certainement dû croiser au détour du studio, les traces du volatile atypique et sans ailes.
Depuis 10 ans, The Black Seeds trace sa route, sans aucune gêne, tout en jouissant d’une liberté propre à son style. ‘Free your mind’ serait la devise adéquate des ces acolytes du son. Sur un fond reggae, ils arrivent à produire un dub aux accents funk et soul des plus alléchants. En effet, sur les basses lourdes et le beat cajoleur, vient se poser quelques effets électrisés de synthé vibrato, et saturation de guitare qui ont vite fait de nous faire battre la mesure. La position des cuivres, est comme à son habitude dans ce style musical, bien mise en avant, telle une proue qui s’affiche fièrement. Depuis « Solid Ground » à « Come To me », en passant par « Make a Move » et « Strugglers », on perçoit la volonté de partager des émotions. D’exprimer son envie de rallier les troupes pacifistes de groupes à messages positifs. A noter que l’esprit d’union et de positivité étaient déjà bien présents sur les 3 précédents albums du groupe (« Keep on Pushing » en 2001, « On The Sun » en 2004 et « Into The Dojo » en 2006).
The Black Seeds semble ne pas vouloir changer de trajectoire. Et pour cause, à chaque coup ils font mouche. Changer s’avèrerait en effet ridicule. Bénéficiant de ce petit parfum old school, les 13 plages de la galette procurent des sensations. On y retrouve des sonorités enfouies au plus profond e soi-même ; des sonorités conservées secrètement pour les meilleurs moments. Comme à la belle époque des maîtres d’Island du génial Chris Blackwell, les accords sont plus que du son. Ce serait carrément un poème qui se déclame au meilleur moment de la journée. La nuit, sans aucun doute.
Originaire de Chicago, Alkaline Trio véhicule une image quelque peu gothique. Pourtant, il pratique une forme de punk rock hymnique. Dont les chansons sont faciles à reprendre en chœur, si vous préférez. Pourtant, ses textes sont susceptibles de toucher le corps et l’âme d’une audience jeune et désillusionnée. Son dernier opus, “Crimson”, embrassait un aspect poli, voire pop. “Agony & Irony” constitue le sixième elpee du groupe et le premier sur une major. Et pas de surprise, il persévère dans la même direction. A qui la faute, si faute il y a ? A celle de Josh Abraham. Vous n’avez peut être jamais entendu parler de ce personnage ; et pourtant vous connaissez déjà son œuvre. Et pour cause, ce dernier a bossé pour Limp Bizkit, Pink, Korn, Staind ou encore Crazy Town.
Il est très probable que cet « Agony & Irony » ne plaise pas trop aux premiers aficionados du combo ; il n’en est pas moins de bonne facture. Les guitares sont attachantes, les drums enlevés et les refrains provoquent une envie incontrôlable de joindre sa voix à celle des vocalistes. Certes, le passage sur une major a rendu la solution sonore plus accessible à la ‘masse’ ; mais il n’empêche que Matt Skiba et sa bande sont à nouveau parvenus à poser leur griffe sur des chansons et des textes qu’ils écrivent toujours avec autant de talent et passion.
“Agony & Irony” est peut-être le début d’une nouvelle ère pour Alkaline Trio. Et il ne fait aucun doute que des chansons comme “Calling All Skeletons” ou encore “Help Me” risquent fort de pousser le groupe vers le haut des charts.
Né de l’association entre Driss El Maloumi, Ballake Sissoko et Rajery, ce « 3MA » est une parfaite réussite. Trois musiciens (Maroc, Mali et Madagascar) se sont réunis pour créer ‘une transafricaine des cordes’. Trois instruments emblématiques de leurs pays respectifs (Oud, Kora et Valiha) se fondent à merveille dans la douzaine de titres qui composent ce disque ; somme et résumé d’un travail entamé il y a deux ans. Les trois hommes sont des maîtres de leurs instruments. Ce qui touche ici, ce n’est pas l’impeccable exécution ; mais l’ambiance mystérieuse ou apaisée qui parcourt des titres comme « Anfass », « Mainte » ou le superbe « Kouroukanfouga ». Un voyage qui traverse le continent africain pour une fusion très naturelle et mélodique où la kora et la valiha se conjuguent harmonieusement et sans artifices. Une belle et originale prouesse susceptible de plaire à celles et ceux qui ont succombé aux charmes des « Mandé Variations » de Toumani Diabaté.
Delta Groove est probablement le label blues le plus branché actuellement. Admirablement structurée, il bénéficie d’un site web particulièrement attractif. Les sorties sont régulières et au cours des derniers mois, il s’est doté d’un label satellite : Electro Groove. Davantage ouvert à l’univers rock, il a signé Ana Popovic, puis Jason Ricci. C’est au tour de Mike Zito de rejoindre la boîte. Issu de Saint Louis, ce jeune chanteur/guitariste/compositeur voue une admiration pour des gratteurs notoires. En l’occurrence Hendrix, Clapton, Stevie Ray Vaughan et… Van Halen! Et en matière de chant et d’écriture, il apprécie Neil Young, Mick Jagger, Johnny Cash et John Hiatt. A ce jour, il comptait quatre albums personnels à son actif : "Blue room" en 1996, "America's most wanted" en 99, "Slow it down" en 2004 et "Superman" en 2006. « Today » constitue donc son cinquième.
Randy Chortkoff a ouvert toutes grandes les portes des studios FX à Los Angeles. Il a confié la production à David Z et lui a collé un adjoint : Tony Braunagel. L’ex-musicien de Taj Mahal et du Phantom Blues Band se charge, en outre, des drums. Hutch Hutchinson, musicien de Bonnie Raitt, se réserve la basse et Benmont Tench (NDR : il a fondé les Heartbreakers en compagnie de Mike Campbell et Tom Petty), les claviers.
Dès les premiers accords du morceau d’ouverture, "Love like this", on se prend au jeu de Zito. Il possède une superbe voix. Très personnelle aussi. Cette plage passe bien la rampe. Un service gagnant, puissant et très rythmé susceptible de rappeler Bruce Springsteen. Notamment à cause des répliques féminines formulées par Teresa James et Ce Bullard. "Superman" évolue au sein d’une atmosphère plus blues. Les arrangements pop/funk lorgnent vers Clapton. Cependant, voix et mélodie affichent un charme indéniable. L'opus est homogène. Ce qui s’explique surtout par le style très caractéristique de Zito. La qualité instrumentale est également au rendez-vous. « Holding out for love » en est une belle illustration. Le monde de Mike est également empreint de douceur. Cette douceur peut même se révéler d’une simplicité désarmante. Mais aussi d’une beauté incomparable. A l’instar de "Little Red Corvette", une compo signée Prince, que Zito susurre d’une voix soul blues très expressive. "Universe" s’inspire davantage de Hendrix. Mais un Hendrix visionnaire. Une invitation au voyage, au cours duquel on assiste à une superbe partie de cordes… Le blues est plus présent sur les morceaux suivants. Et tout d’abord sur "Blinded", une plage abordée dans un style laidback raffiné ; quoique paradoxalement proche de Carlos Santana, vu le style de percussions proposé par Braunagel. Et la même recette est reproduite pour "No big city". Blues lent, presque classique, "Slow it down" est sculpté par les accords dramatiques de la guitare. Contaminé par le funk, "Deep down in love" est balisé par un riff rythmique. Ce qui n’empêche pas la guitare de s’autoriser des dérapages contrôlés. Les lignes directrices de "Dirty things" sont tracées suivant un profil très Chicago Westside. Mitch Kashmar est venu renforcer l’équipe à l’harmonica. Faut dire qu’il relève de l'écurie Delta Groove. Autre plage funkysante, "Hollywood" est cuivrée par les excellentes interventions de Joe Sublett et Darrell Leonard, alors que la six cordes emprunte les accents de Stevie Ray Vaughan. Enfin, la voix de Zito crache ses dernières cartouches sur la ballade indolente, "Time to go home".
On ne va rien vous apprendre en vous rappelant que The Verve s’est reformé sous son line up initial et qu’il tourne maintenant depuis presque une année. Par contre, on craignait que la sortie de leur quatrième album, onze années après celle d’« Urban hymns », ne soit que le résultat d’un objectif purement commercial. Mais avant toute chose, remettons les pendules à l’heure : The Verve ne se résume pas seulement aux tubes « This Is Music », « Lucky Man », « The Drugs Don't Work » et « Bitter Sweet Symphony ». C’est sans doute ce que pensent les plus jeunes d’entre vous. Or, et je n’ai de cesse de le répéter, le quatuor de Wigan est responsable de deux albums-culte (NDR : allez donc jeter une œil dans la rubrique ad hoc !), « A Storm in Heaven » en 1993 et « A Northern Soul » en 1995. Deux opus trempés dans un psychédélisme atmosphérique totalement stupéfiant. « Urban Hymns » est un ‘best seller’. Point à la ligne ! D’honnête facture, les trois elpees solo de Richard Aschcroft n’entretiendront finalement que des regrets. Ceux d’avoir perdu un groupe-phare des nineties.
Avant d’entamer l’écoute de « Forth », j’ai lu tout et son contraire dans le domaine de la critique. Des analyses très sensées, mais aussi des âneries. On va donc essayer de faire la part des choses. Et tout d’abord en évoquant le single : « Love is noise ». Une véritable daube, réminiscente des pires dérives de Simple Minds. Et les samples des chœurs sont tellement ridicules qu’on a envie de se rouler par terre. De rire ! Mais le reste alors ? Bien mieux que je ne l’espérais. Toutes les compos ne sont pas transcendantes, mais elles tiennent la route. « Rather be », le doux-amer « Valium skies » (Oasis ?) et le majestueux, voire luxuriant, « I see houses » sont des ballades qui auraient pu figurer sur « Urban hymns ». Pas de quoi s’extasier, néanmoins. Par contre, final éthéré, « Appalachian springs » est bien plus convainquant. Mais le meilleur est encore à venir. Ainsi, on est emporté par l’intensité tempétueuse, atmosphérique de « Sit and wonder ». Les cordes de guitare cristallines de McCabe y font merveille. Tout comme sur le bruitiste et nébuleux « Noise epic ». Imprimé sur un tempo soutenu, hypnotique, et balayé par les vocaux tantôt confessionnels, tantôt vindicatifs de Richard, il rappelle The Music. On épinglera encore le frémissant « Judas », caractérisé par cette amplitude phénoménale des drums, cette conjugaison très réussie entre le vibraphone et les cordes de guitare ; et puis ces arrangements somptueux. Dommage cette contre-voix soul. Inoculée dans l’esprit du dernier album solo de Richard, « Keys to the World », elle aurait fait merveille. Falsetto dans l’esprit du « Saturday night fever » des Bee Gees, elle provoque une montée d’urticaire. Et pour terminer sur une bonne note, on ne peut passer à côté de « Numbness », une des plages les plus intéressantes de la plaque. Evoluant sur un mid tempo, fiévreuse, faussement indolente, elle baigne au sein d’un climat presque West Coast du début des seventies (ces cordes de guitare subtilement écorchées, plaquées, vibrantes), digne de l’incontournable elpee de David Crosby, « If I Could Only Remember My Name ». Et finalement, pour ramer à contre-courant, je vais émettre une critique. L’album a été trop bien produit. Surtout pour les plages qui méritaient un son plus crade, plus spontané, plus brut… Enfin, ce n’est qu’un avis personnel…
Los Fabulocos sont des Chicanos. Des Mexicains établis du côté de Los Angeles. Ils chantent tantôt en anglais ou en espagnol. Leur Cali-Mex n’est franchement pas tellement éloigné du tex-mex. Faut dire que le Texas n’est pas loin de la frontière mexicaine. A la base, Los Fabulocos est un trio. Une formation drivée par le chanteur/accordéoniste Jesus Cuevas. Mike Molina siège derrière la batterie et James Barrios se réserve la basse. Pour concocter leur premier opus, le combo nous a réservé une surprise de taille. Il a reçu la collaboration du guitariste notoire Kid Ramos. Et le groupe est tellement ravi de sa participation, qu’il n’a pas hésité à mentionner sur la pochette ‘Featuring Kid Ramos’. Jesus et Mile ont milité chez les Blazers, un latino roots rock band originaire de l'est de L.A. Mais le timbre de Jesus ainsi que l'ambiance joyeuse et festive qui règne tout au long de l’opus évoquent immédiatement d'autres Chicanos issus de L.A. Tout d’abord le Los Lobos des débuts ; mais aussi les Texas Tornados et Doug Sahm.
L'entrée en matière ne manque pas de punch. Une compo issue de la plume de Huey Piano Smith. En l’occurrence "Educated fool". Elle évoque la musique zydeco issue de Louisiane. Richard ‘El Paton’ Innes (NDR : oui, oui celui du Hollywood Fats Band) assure le tempo. Un véritable maître des percussions. Il a participé à l’enregistrement de la moitié des titres. Kid Ramos essaime déjà des phrases flamboyantes sur ses cordes. Jesus chante son "If you know". L’expression sonore est largement inspirée du folklore mexicain. A cause des interventions à l’accordéon. Mais Ramos la personnalise par ses échanges. Excellent blues, "Crazy blues" est imprimé sur un tempo lent. Réminiscente d’Eddie King, cette compo macère dans les swamps louisianais. Un morceau composé par les frères Dorsey et Johnny Burnette. Ramos en profite pour explorer les chemins qu’il apprécie le plus. Les accents de sa gratte sont reverb. L'accordéon entretient ce climat relaxant. Une recette reproduite sur "Just because". Un morceau concocté par Lloyd Price. En 1958. Le Kid injecte une fameuse dose d’écho dans ses cordes. "Lonesome tears in my eyes" opère un changement de style. Plus latino. Voire ibérique. Kid Ramos se charge des vocaux. On a parfois l’impression de revivre un épisode de la vie d’Elvis Presley, à Hawaii. Il se réserve également la guitare. Acoustique. Dont les sonorités sentent bon le soleil de l’Espagne. Et vibrent face aux percussions des invités, Ron Felton et Eddie Baytos. L'ambiance allègre très caractéristique du Mexique est susceptible de nous rattraper à tout instant. Même au détour du chemin. L'accordéon en bandoulière, Jesus chante le "Un mojado sin licencia" de Santiago Jimenez, la finale "Mexico Americano", mais aussi "Como un perro", une douce ballade à la mélodie bien affûtée. Et cet elpee recèle d’autres bons moments. A l’instar de "Day after day", un chicano boogie bien nerveux, emporté par l'accordéon et les cordes déjantées. On a cependant droit à deux interventions musclées dans le répertoire zydeco. Tout d’abord le "You ain't nothing but fine" de Rockin' Sidney et ses Dopsies. Cuevas y est intenable au piano à bretelles. Et puis le "All night long" de Clifton Chenier. Tout au long de ce zydeco blues participatif, on assiste, sans doute, aux plus beaux échanges de cet album ; le tout ponctué par les chœurs. ‘All night long’ est ainsi répété inlassablement pour soutenir la voix de Jesus. Et sur "You keep drinkin'", Jesus réussit sans la moindre difficulté à faire rocker son accordéon. "Burnin' the chicken" est une plage instrumentale signée Dave ‘Kid’ Ramos. Une tranche de cali-mex surf très métallique. Un excellent premier opus pour ces Chicanos !
Fondée à la fin des années 90, cette formation est australienne. A l’origine, elle était réduite aux frères Laurenz et Richard Pike, deux frangins qui avaient déjà participé à d’autres aventures ; et notamment à celles de Triosk, Savath Y Savalas ou encore Prefuse 73. Leur premier elpee remonte à 2005. Et s’intitule “Make Me Love You”. Pas un excellent souvenir, car à peine sorti, le combo décide de splitter. En fait, la paire s’était rendu compte qu’il manquait une pièce au puzzle. Elle viendra d’Angleterre sous la forme de Dave Miller. La collaboration –à distance– porte rapidement ses fruits ; et dès 2008, le label Warp signe ce trio de choc, qui dans la foulée pond un maxi intitulé “In The Blood”. Et “O Soundtrack My Heart” constitue leur premier opus, un disque enregistré sous la houlette de John McEntire (Tortoise).
Pivot est régulièrement comparé à l’ensemble newyorkais Battles. Si son univers sonore est expérimental, il est aussi empreint de mélancolie. En ne négligeant ni les saturations, ni les montées en puissance. Le tempo peut même devenir orgasmique et les cordes de guitare se mettre à grincer. Le tout est entretenu par des beats aussi excellents qu’efficaces. Leur musique concède, bien entendu, de multiples influences. Parmi les plus éloquentes, on citera Jean Michel Jarre ainsi que Brian Eno ; et les plus contemporaines, Aphex Twin et Boards of Canada. On est littéralement sur le cul à l’écoute de petites perles comme “In The Blood”, “Sweet Memory” ou encore “Love Like I”. Pivot pourrait devenir la grande révélation de l’année et peut-être même bien le buzz 2008. Après leur passage au Pukkelpop, le trio sera présent à l’AB le 29 septembre. Un groupe à suivre de très près!
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