Patrice est parvenu à installer l’Allemagne sur la carte internationale du reggae. Pourtant, il ne s’est jamais contenté de cultiver le reggae sur ses disques. Il a aussi souvent mélangé les sons jamaïcains au folk, au rock ou encore au funk. Réalisé en compagnie de Commissioner Gordon (Lauryn Hill, KRS-One), « Free PatriAtion » applique la recette déjà éprouvée sur les précédents disques du bonhomme. L’influence de Ben Harper et Bob Marley est très palpable sur la majorité des titres (« Praise His Name », « Clouds »), un peu trop gentillets pour susciter autre chose qu’un intérêt poli. On est par contre plus convaincu par les compos plus sombres et denses comme « Is it me » et « Same Ol’ Story » (NDR : sa compagne Ayo y apporte son concours), le dub acoustique de « He Don’t Answer » et le reggae rocailleux de « No Screwface », où les cuivres ‘eastern’ de Cedric ‘Im’ Brooks et la voix de Seun Kuti font merveille. En bénéficiant d’un tel casting (Sly & Robbie sont aussi de la partie) et vu la qualité musicale de l’ensemble, on regrettera le côté trop lisse de son quatrième elpee ; surtout que certains titres très réussis laissaient entrevoir un bijou noir bien plus envoûtant…
Dans le genre expéditif, les filles de New Blood font fort. 11 morceaux pour à peine 23 minutes. Et le moindre que l’on puisse dire c’est que l’on n’a pas trop le temps de s’emmerder. Le trio originaire de Portland s’offre un premier recueil plutôt intéressant. Pas très accrocheur aux premiers abords, « The Secret Life » est l’un de ces disques qui s’apprivoise lentement mais sûrement. Les trois demoiselles ont une approche post-punk assez captivante. Elles offrent une toute autre dimension au genre en n’usant que d’une batterie et une basse auxquelles s’additionne un violon plutôt impromptu. Les premiers morceaux ne retiennent pas forcément l’attention mais l’intérêt de cette plaque va crescendo, jusqu’à atteindre son climax sur des plages comme « Oh, Deadly Nightshades! », « Eyes », « The Cycle Song » ou « No.17 ». Une tracklist inversée aurait peut-être été plus judicieuse. Ce qui n’enlève rien à la fraîcheur de l’ensemble.
« The Secret Life » est un premier essai intelligent, inventif et sans prétention, qui change radicalement de toute la daube pop FM féminine dont les radios semblent friandes ces derniers mois. Gageons que l’on n’entendra jamais les filles de New Blood sur les ondes. Mais elles méritent amplement qu’on leur laisse une petite chance. A ne pas manquer.
Kaki King est talentueuse, certes. Mais également frustrante. La jolie demoiselle excelle au maniement de la guitare, qu’elle gratte aussi bien avec délicatesse (« Open Mouth ») que guidée par un soupçon de détermination (« Bone Chaos In The Castle »). « Dreaming Of Revenge », son quatrième essai, est un exemple de sophistication. Parfois bouleversant, souvent fascinant, ce nouveau recueil souffre pourtant d’une faiblesse. Et pas des moindres. Excellente musicienne, Kaki King veut nous faire croire qu’elle sait également pousser la chansonnette. Elle s’égosille alors sur quatre morceaux, dont le single « Pull Me Out Alive » ; mais le résultat est des moins probants et ses interventions vocales détériorent légèrement l’ambiance instaurée par les superbes compositions instrumentales.
A condition d’ignorer les quatre erreurs de parcours, « Dreaming Of Revenge » fait la part belle aux fantasmes et autres rêves éveillés par son exquise fusion de pop éthérée (« Montreal », « Air And Kilometers »), de prog folk (« Zeitgeist ») et de post-rock galvanisant (l’excellent et très judicieusement intitulé « Can Anyone Who Has Heard This Music Really Be A Bad Person ? »). Plus mature que « …Until We Felt Red » (2006), « Dreaming Of Revenge » pourrait établir Kaki King comme l’une des figures de proue du Progressive Folk. Il faudrait néanmoins pour y parvenir qu’elle cesse de chanter...
Sous le pseudonyme du “Chien de la Mer” se cache la Suédoise Sarah Assbring. Elle nous entraîne au cœur de la question existentielle. En fait, elle nous invite à réfléchir sur la rédemption et le voyage tant espéré censé nous emmener tout droit au paradis après notre mort. « From The Valley To The Stars” est une succession de petites symphonies pop, moelleuses et éthérées. Seize titres très répétitifs qui tentent de créer une atmosphère particulière. Et il faut reconnaître que l’objectif est parfois atteint et de manière fort convaincante. On est cependant loin de la pop insouciante développée sur le précédent album de la Scandinave (NDR : le guilleret « Somebody’s Baby » constituant l’exception qui confirme la règle). L’ambiance est plutôt ténébreuse. Ce qui peut paraître paradoxal pour un disque destiné à nous montrer la voie vers le paradis. Les arrangements vocaux audacieux de Sarah Assbring ne sont pas toujours très heureux et tendent peut-être à uniformiser le propos. Malgré tout, ce « From The Valley To The Stars” reste une œuvre originale, qu’on appréciera mieux à petites doses, surtout pour les très beaux arrangements instrumentaux parsemés tout au long de l’œuvre…
Edgar (animo) éveille sur ce premier album un univers post-rock toujours en mouvement, discipliné par un travail d’esthète. Purement instrumentales, les compositions se fondent sur des rappels rythmiques et mélodiques savamment construits; parfois mathématiques –à la manière d’Autechre– parfois simplement réfléchies. Rien ne semble laissé au hasard et c’est un défi renouvelé que de sonder chaque morceau pour en ressentir la trame, les détours, diversions et les moments-charnières ; y deviner les boucles rythmiques, les références incessantes, l’alternance de sons simples et échevelés ; surtout, y explorer les conditions délicates de cet équilibre, toujours sur la corde raide mais jamais définitivement rompu. L’horizon est toujours à portée de vue, malgré les trompe-l’œil, les interludes expérimentaux, les cuivres surgis de nulle part et l’étrange moog, un synthé analogique au caractère bien trempé.
De cette humeur versatile traversant tout le disque, « Dolores Animo » donne le ton ; un premier morceau où le moog impose son empreinte avant d’acheminer une guitare saturée et grave, finalement évacuée par une accalmie presque chaleureuse ; à l’image de ce morceau d’entrée, les breaks ne cesseront plus de scander les atmosphères les plus diverses, évacuant tant la complaisance que l’érosion. De quoi comprendre la sortie tardive d’un album qui, jamais, ne se repose sur ses acquis. Les crescendo de l’épuré au saturé vont et viennent sans se figer.
Les ambiances se donnent la réplique et font la part belle à chacun des instruments ; tous sont successivement mis à l’honneur et c’est là peut-être la richesse principale d’Edgar ; à travers la liberté d’expression qui est laissée à chacun des musiciens, on ressent la complicité, autre que purement musicale, qui relie les amis de longue date. Les enchaînements respectent les solos de chacun et même lorsque la machine s’emballe sans crier gare (comme sur « Nous esturgeons »), la rupture n’est jamais ni purement narcissique ni irréversible. La formule, en tout cas, ne demande qu’à faire ses preuves, le quatuor bruxellois se rendant disponible pour des concerts tout au long de l’année.
Tandis que les rumeurs à propos d’une éventuelle reformation des Libertines vont bon train, Carl Barat et sa bande publient « Romance At Short Notice », quelques dix mois après la sortie de l’excellent « Shotter’s Nation » de Babyshambles. Difficile évidemment de ne pas comparer les œuvres des deux fers de lance de la formation culte. Loin des excès de son ancien partenaire, Barat présente une deuxième œuvre posée, déterminée mais également trop lisse. Exit la spontanéité de « Waterloo To Anywhere ». Dirty Pretty Things est plutôt du genre poli. Dans l’antre du quatuor, on dit ‘Bonjour’, ‘Au Revoir’ ou ‘Merci’. On ne dépasse personne dans les files et on s’excuse lorsqu’on bouscule quelqu’un.
Une retenue mal placée qui assassine les efforts de la formation dans leur quête d’authenticité. Les tubes se comptent sur les doigts d’une demi-main (« Kicks or Consumption », « Best Face », le single « Tired Of England ») et le reste de l’ensemble est d’une fadeur sans fin. Alors que Barat avait une longueur d’avance sur son ancien camarade, la situation semble manifestement s’inverser. Face au triomphe du « Shotter’s Nation » d’un Babyshambles qui a fini par trouver ses marques, « Romance At Short Notice » est une œuvre bien pâlotte. Bonjour, au revoir et merci…
“The Bright Lights of America” constitue le huitième album d’Anti-Flag, mais le second pour une major. Pour le réaliser, la formation a décidé de faire confiance –et c’est une surprise– au producteur Tony Visconti (David Bowie, T-Rex). Loin des racines ‘punk rock’ des précédents essais, cet elpee tire parti des expérimentations forgées lors du précédent opus. Exit les chansons punk de cent vingt secondes, les nouvelles compositions, oscillant entre trois et cinq minutes et dans un style beaucoup plus varié, impliquent tantôt une chorale d’enfants, un piano, un violoncelle et d’autres instruments atypiques pour un tel genre musical.
Que la musique ait changé ou non, le message du groupe quant à lui est resté pareil. Il tente de dénoncer les abus de pouvoir. Malheureusement, en se contentant de dénonciations ‘faciles’ ou en pointant trop vaguement du doigt ses cibles, son message n’a plus gère d’impact sur l’auditeur. De plus, la ‘dilution’ de la puissance musicale atténue la véhémence du slogan. En outre, il est plus difficile de prendre au sérieux un refrain soulignant une injustice quand celui-ci est chanté de manière presque joyeuse.
Bien sûr, ce « The Bright Lights of America » reste plaisant à écouter ; mais en changeant de style, Anti-Flag a perdu une grande partie de son efficacité. Conclusion, si le groupe pourrait fort bien séduire de nouveaux aficionados, il risque surtout de perdre le noyau dur de ses fans.
« Chemical Chords » constitue le onzième album studio de Sterolab. Par contre, ne me demandez pas combien de disques ils ont enregistré à ce jour, c’est un véritable casse-tête chinois. A cet égard, je vous invite à vous tourner vers les sites spécialisés dans le genre. Encore, qu’après consultation, on se rend compte qu’aucun d’entre eux n’est sur la même longueur d’ondes (NDR : voir quand même sur le site officiel : http://www.stereolab.co.uk/discography/?no=79. En outre, si vous vous souhaitez compliquer la situation, on peut aussi évoquer les œuvres des projets parallèles… et bonjour la prise de tête. Bref, Stereolab n’avait plus enregistré de véritable album depuis 2004. « Margerine Eclipse », très précisément. Deux ans après le décès d’une des vocalistes, Mary Hansen. Encore que de nombreux chroniqueurs considèrent cet elpee comme un recueil de chutes de bandes. A vous de juger. Mais revenons à nos moutons…
Le nouvel essai est découpé en 14 plages. 16 pour l’édition limitée. Et il faut reconnaître que les influences ‘krautrock’ des débuts se sont évaporées. Plus de titres longs et hypnotiques, comme « Refractions in the plastic pulse » ou « Metronomic Underground » non plus. En fait, Stereolab épouse ici une formule presqu’exclusivement pop. Faut dire que le remplacement de Jim O’Rourke par Sean O’Hagan (NDR : après avoir milité chez Stereolab, il a fondé les High Llamas), à la production, y est pour quelque chose. Le morceau le plus long, et aussi le titre maître, dépasse à peine les 5 minutes. La mise en forme est particulièrement soignée, riche en arrangements de cuivres et de cordes, dans l’esprit de Scott Walker. Et s’il n’y avait cette construction élaborée des morceaux, on parlerait peut-être ici de lounge. D’ailleurs, on vous conseille d’écouter ce disque, installé confortablement dans une chaise ‘lounge’, sur le patio d’une villa espagnole, en bord de mer… Plus sérieusement, les compos ont été construites sur les claviers : synthés, moogs, vibraphone, clavecin, xylophone, etc. Ce sont même parfois ces claviers qui impriment le tempo. Un concept qui correspond davantage aux nouveaux desseins sonores du groupe. Les beats ont été ajoutés par la suite. Ce qui explique sans doute pourquoi, ils paraissent plus sinueux, plus capricieux. Par contre, pas de changement pour la voix de Laetitia Sadier. Son timbre éthéré, cristallin, est un véritable enchantement, même s’il faut bien tendre l’oreille pour comprendre ses lyrics obliques, exprimés tantôt dans la langue de Voltaire, tantôt dans celle de Shakespeare.
D’excellents morceaux donc sur ce « Chemical Chords », mais également quelques plages dispensables, parce qu’apparemment construites sur un schéma identique. N’empêche des compos comme « Three women » caractérisée par son rythme ‘motownesque’, le faussement grandiose « One finger symphony », hanté par le spectre de Serge Gainsbourg (NDR : ses débuts, of course !), « Cellulose sunshine », petite perle de pop de chambre (ces flux et ces reflux d’arrangements de cordes !) ; et sur l’édition limitée, le semi tribal/semi carnavalesque « Magne-Music », méritent une mention toute particulière. Et apparemment cet elpee ne serait que la première partie d’un dyptique, dont la sortie d’un deuxième volet est prévu pour dans quelques mois.
Quelle est la véritable ambition de Shearwater ? Pousser l’auditeur au cœur d’une inextricable dépression ou le libérer d’un insoutenable poids qu’il porterait sur ses épaules ? Dans un cas comme dans l’autre, la formation vise dans le mille. D’une beauté troublante, « Rook », le cinquième essai de Jonathan Meiburg, ex-Okkervil River, s'enfouit dans une mélancolie d’une profondeur déroutante. « Rook » est manifestement tout sauf un disque joyeux. Il ne s’agit pas non plus d’un disque se prêtant à la séduction. « Rook » est de ces œuvres que l’on écoute seul, enfermé chez soi, lorsque tout va mal et que les larmes ne peuvent être retenues plus longtemps.
Shearwater délivre dix compositions remarquablement asthéniques, sur lesquelles on peut se laisser aller à exprimer ses peines les plus viscérales. Meiburg n’hésite pas exprimer les siennes de la plus poétique des manières sur les somptueux « Home Life », « I Was A Cloud », « The Snow Leopard » l’abrupt « Century Eyes » ou l’intriguant « South Col ». L’absence de Will Sheff, leader d’Okkervil River et membre originel de Shearwater, s’avère libérateur pour Meiburg qui exploite ici son potentiel au maximum. « Rook » est à déconseiller aux dépressifs chroniques mais devrait octroyer aux autres une délivrance salvatrice.
Ce jeune chanteur/guitariste canadien est aujourd’hui âgé de 27 ans. Ses débuts remontent à 1999. Année de la sortie de son premier elpee, "JW Jones Blues Band". Un an plus tard, il est signé par le label local Northern Blues Music, pour lequel il enregistre l'impeccable "Defibrillatin'". En 2002, il concocte "Bogart's bounce", un opus pour lequel il reçoit la collaboration de Kim Wilson et de Gene Taylor, alors impliqués au sein des Fabulous Thunderbirds. On retiendra encore la sortie de "My kind of evil", en 2004, un elpee produit par Mr Wilson en personne. Faut dire que ce dernier était tombé sous le charme du talent de ce jeune artiste et souhaitait le prendre sous son aile protectrice. Et puis "Kissing in 29 days", gravé en 2006.
Pour ce nouvel elpee, JW est donc passé par les studios Living Room d'Ottawa. Il est épaulé par ses musiciens : le bassiste Martin Régimbald, le drummer Jeff Asselin et le claviériste Jesse Whiteley. Jones compte de nombreux amis. Pas étonnant qu’il ait donc bénéficié de la participation de quelques grosses pointures issues de la scène contemporaine. En l’occurrence Little Charlie Baty et Junior Watson aux guitares. Sans oublier Richard Innes à la batterie et Larry Taylor à la basse ; c’est à dire une des meilleurs sections rythmiques au monde. Celle du Hollywood Fats Band et des Hollywood Blue Flames. Excusez du peu ! Enfin, il serait injuste de négliger la présence des Wind Chill Factor Horns.
Le "Double eyed whammy" de Freddie King est une mise en bouche. Il met en exergue le trio d'enfer de gratteurs face à Taylor et Innes. Un festival de cordes. Tour à tour, chaque musicien prend son envol, en s’illustrant par son style personnel. Et si vous souhaitez en savoir davantage, je vous invite à disséquer les détails de la pochette. Baty et Watson cumulent 70 années d’histoire. Or, c’est la première fois qu’ils squattent le même studio. JW et son band se réservent six plages. Ils y démontrent toute leur cohésion tout au long de ces excellents blues. A l’instar de "Looking the world straight in the eye", abordé dans un style proche du Chicago Westside. Jones chante d’un timbre particulièrement juvénile. Sa guitare est flamboyante, empruntant tour à tour à Albert et BB King, ainsi qu’à Otis Rush. Brillant! "Can't play a playboy" campe un blues rock simple mais entraînant. Un shuffle terriblement efficace. Plus R&B circa Memphis, "Somebody's got to burn" est hydraté par un orgue de circonstance, pendant que les petites lignes sont tracées à la manière d’Albert King. Plutôt blues/rock, "The doctor" est dynamisé par le piano versatile de Whiteley. Elégante compo soul blues, "Silent treatment" est éclaboussée par les interventions de Whiteley sur son clavier. Et le spectre de Freddie King hante l'instrumental "Bogart bounces again". Signé Richard Berry (NDR : c’est lui qui avait écrit le célèbre "Louie Louie"), "Mad about you" baigne dans le pur rock'n'roll fifties. Un morceau saignant, découpé par le saxophone dévastateur de Franck Scanga. Watson assure la rythmique sur "Wasted life", un blues plus relax, au cours duquel, Baty tire son épingle du jeu. Autre instrumental, "Heavy dosage" fait la part belle au jazz swing. Le tempo est rapide ; mais on assiste surtout à une orgie de cordes au cours de laquelle chaque acteur est placé, à tour de rôle, sous le feu des projecteurs. Et notamment Junior Watson, préposé à la basse acoustique. "That's wrong little mama" a été composé par le grand BB King. Charlie et Junior en profitent pour rivaliser dans le style avec le maître. Et Jones de puiser aussitôt au sein du répertoire de BB. Lors de la version du "Waiting on you", il est seul à la gratte. Et il démontre qu’il a manifestement assimilé le style de la légende vivante du blues. Aussi bien les silences que les notes bien senties. Tout au long d’"Out of service blues", un blues lent très swamp, Charlie Baty joue –curieusement, mais fort bien– de l'harmonica, face aux cordes déjantées et complexes de Watson. Le tempo ralentit pour "Tickets on yourself". Les gratteurs s'amusent comme des petits fous ; mais on y détecte immédiatement les interventions de Watson. Excellent !
A l’instar de Jason Ricci, Dennis Gruenling appartient à cette nouvelle génération d'harmonicistes, manifestement digne de figurer au sein de la race des seigneurs. Un jeune musicien, déjà responsable de trois albums concoctés en compagnie de son groupe Jump Time. Des disques parus sur son propre label, BackBender. En l’occurrence "Dennis Gruenling & Jump Time", "Up all night" et "That's right". Il voue une grande admiration à Little Walter. D’ailleurs, cet elpee rend hommage au génial Chicagolais. Il est même mentionné clairement sur la pochette : ‘A tribute to Little Walter’. Dennis apprécie tout autant George ‘Harmonica’ Smith qui avait autrefois milité au sein du Muddy Waters Band. Curieusement, Smith avait emprunté, naguère, le patronyme de Little Walter Jr pour rendre également un hommage à ce maître. Un elpee intitulé, sans surprise, "A Tribute to Little Walter".
Pour réaliser ce nouvel opus, Dennis a reçu le concours de ses potes issus du New Jersey. Et notamment la chanteuse Gina Fox et le jeune gratteur Dave Gross. Ces sessions d’enregistrement ont été opérées dans son fief. Il a également bénéficié de la participation de prestigieux invités. Dont les souffleurs Kim Wilson, Rick Estrin et Steve Guyger. Une parfaite illustration du crédit dont il jouit dans le milieu. Mais ces autres réunions se sont déroulées en Californie. Gruenling a sélectionné des compos immortalisées par Little Walter, mais aussi signées pour d’autres artistes. En fait, nous ne sommes pas ici en présence d’un "Best of", mais d’un éventail de morceaux moins connus du grand public…
L’équipe attaque "Up the line", une compo imprimée sur un tempo rapide. La voix de Miss Fox est suave et subtilement jazzy. Le saxophone de Doug ‘Big Daddy’ Sasfait est le premier instrument à s’offrir le premier billet de sortie. Il est bientôt rejoint par Dennis. Issu de la plume de Muddy Waters, "Lovin' man" adopte parfaitement le style classique du southside blues de Chicago. Steve Guyger chante quand il ne se consacre pas à l'harmo. Au cœur de cette ambiance traditionnelle, au parfum Chicago, il revient chanter le "My little machine" de Jimmy Rogers (NDR : pour lequel il avait joué dans le passé). "I got to go" évolue toujours sur un rythme élevé. Mais dès les premières mesures, on reconnaît la voix de Kim Wilson. L'harmonica est puissant et magique. Rusty Zinn et Bob Welsh sévissent aux cordes. Un très grand moment! "Hot shot" campe un instrumental chargé de swing. Pas d’invités prestigieux sur ce morceau. Gruenling est uniquement soutenu par son propre band. Pourtant, il démontre ici que privé de ses stars, il est aussi efficace. "Too young to know" se traîne sur un tempo très lent. On se croirait revenu à l’époque du Muddy Waters Band, au début des fifties. Rick Estrin chante et libère ses interventions d'harmo meurtrières, pendant que Rusty Zinn assure à la slide. Instrumental tout en swing, "Teenage beat" constitue un autre moment fort de l’elpee. Les échanges sont remarquables et les envols successifs accordés à Dennis, Wilson et Estrin, font le reste. Kim se réserve les vocaux pour "As long as I have you" et Rick Estrin lors du notoire "Temperature". Un style qui fait le lien entre Chicago et la West Coast! Une voix très ténébreuse et brûlante (celle de 'Choice' ?) se consacre à "Corbella", face aux chœurs doowop. Le résultat est surprenant ! Gina Fox revient chanter "If you were mine" et "One of these mornings". Parfaitement maître de son instrument, Dennis s’y révèle pugnace et créatif. On a encore droit à un denier instru : "That's it". Un morceau puissant, dans le style du maître, entretenu par les cordes de Zinn et de Welsh. Le disque s’achève par "You're sweet", une plage qui célèbre le retour victorieux de Steve Guyger.
N’hésitez pas à visiter le site de Gruenling. Il y répercute, bien sûr, cet hommage rendu à Georges Smith. En outre, vous pourrez également commander un single recelant deux plages instrumentales : l’indolent "Blues for Walter" et l’enlevé "Back track", au cours duquel Gruenling et Guyger s’illustrent par un excellent échange aux cordes. Attention, le tirage est limité ! Et bonne nouvelle, les deux artistes ont décidé de monter une tournée, pour honorer la mémoire de Little Walter. Ce sera dès l'automne prochain!
Etabli à Dallas, Richard Chalk avoue une passion pour le blues texan. Il a créé son propre label, Topcat, il y a déjà quelques années. Il a eu la bonne idée de sortir ces bandes tout à fait originales, le témoignage d'un passé que bien peu d'amateurs de blues connaissent. En ce mois de décembre 1985, les Paladins accordent une tournée en compagnie du guitariste Hollywood Fats. Elle durera 2 semaines.
Les Paladins sont nés à San Diego, fin des années 70, sous l’impulsion du chanteur/guitariste Dave Gonzales. A l’époque, on retrouve déjà Thomas Yearsley à la basse et Scott Campbell à la batterie. A l’issue de cette tournée, Fats allait rejoindre les Blasters, et notamment son frère Phil, pour remplacer Dave Alvin. En 1986, Michael Mann nous quittait. Cet extraordinaire musicien avait monté son Hollywood Fats Band ; mais il avait également milité chez le Canned Heat. Il ne redoutait alors qu'un seul gratteur : Junior Watson. Et oui, le monde est petit!
Nous sommes le 19 décembre 85. Au Greenville, Avenue Bar & Grill de Dallas. Ce concert historique n’est pourtant enregistré que sur un petit walkman… Chalk est donc tombé sur cette bande ; et il s’est décarcassé pour la rendre la plus audible possible, avant de nous la restituer. Bien sûr, nous ne sommes pas en présence d’un enregistrement hi-fi ; mais la musique est tout à fait excellente. Comme il la décrit, c’est de l’‘Old school Texas school houserockin' rockabilly meets swingin' west coast jump blues’. Lors de ce concert, Gonzales chante et assure les parties rythmiques de guitare, pendant que Fats se réserve la majeure partie des solos.
Le concert s’ouvre par le "Hideaway" de Freddie King, un instrumental notoire. Les quatre musiciens ont tout le loisir de s'échauffer ; mais on relève déjà un brillant exercice de style exécuté par Fats! Le "She's fine" de Jimmy Reed épouse un style jump californien. L’introduction est percutante et vivifiante. Gonzales est aux vocaux. Sa voix très caractéristique est légèrement brisée. Les interventions de Fats aux cordes sont extraordinaires. En appui, la rythmique de Gonzales est très perceptible. La fête se poursuit par les classique "I tried" et "Lawdy lawdy Miss Mary" de Chuck Willis. Le rythme imprimé par les Paladins est impeccable. Cordes, basse et percussions forment un véritable bloc, sur lequel la guitare de Fats ne cesse de s’élever vers les sommets. Ce musicien était ‘too much’ ! Lorsque Dave s’autorise son petit solo, Fats se charge automatiquement de la rythmique. Plus de six minutes de bonheur intense ! Le tempo s'accélère encore pour aborder "Whole lotta shakin'", du pur rock'n'roll soutenu par la basse acoustique de Yearsley. Fats est à l’avant-plan tout au long de "The groove", un instru issu de sa plume qui porte bien son nom! "Rooster blues" a été écrit par Jerry West. Et il n’y a aucune hésitation possible, ce sont bien les Paladins qui l’interprètent. Ce subtil cocktail de rockabilly et de blues, caractérisé par la présence d’une seconde guitare, libère un groove très particulier. Autre plage instrumentale, "Tear it up" relève de la plume de Fats. L’interprétation est brillante. Le rythme échevelé. Le "That will never do" de Little Milton adopte un profil texan. Un jump shuffle abordé dans l’esprit de Stevie Ray Vaughan, sauf dans le style du gratteur, plus proche ici d'Albert King. Balayée par la voix 'rockab' et ravagée de Gonzales, le "Let's have a party" d'Amos Milburn épouse le style Paladins. L'intérêt ne faiblit jamais lors de ce concert. Et le "Mystery train" de Junior Parker, le "Sidetracked" de Freddie King ainsi que le "Goin' to get my baby" de Jimmy Reed en sont de nouvelles démonstrations. Géant ! Quand on pense que le premier album officiel des Paladins n’a vu le jour que bien plus tard. Plus d’une année ! Eponyme, il avait été édité par le label Wrestler. C'est dire le côté historique de ce présent document.
Il y a quelques années, MTV avait programmé une émission absolument débile. Rien d’exceptionnel pour cette chaîne me direz vous, vu le niveau parfois ahurissant qu’elle déverse tout le long de la journée. La production dont je vous parle avait la particularité de mettre en vitrine des groupes de jeunes hédonistes. Mâles ou femelles, ils étaient invités à se trémousser en maillot, sur de la dance de mauvaise qualité. Les plus mauvais danseurs se faisaient éliminer au fur et à mesure, pour ne garder que la crème de la crème du déhanchement aguicheur. Comment s’appelait-elle encore, cette débilité visuelle ? Même si ce n’est plus un gamin, Morgan Page était trop jeune à l’époque pour que l’on puisse entendre ses beats dans cette émission, et voir se dandiner cette armada de clubbers de plage.
Pourtant, cet « Elevate » aurait mérité sa place sur cette tranche horaire de la chaîne. A coup sûr. Le petit Morgan à commencé à trifouiller ses machines dès l’âge de 14 ans. Remarqué par les auditeurs d’une radio universitaire de l’époque, il prend confiance en lui et se construit un petit studio d’enregistrement, afin d’y griller sa belle jeunesse et affiner (sic) ses beats. Petit à petit, le garçon produit et arrange des remixes à sa sauce. On peut relever dans son carnet d’adresse, Nelly Furtado ou Norah Jones, par exemple. C’est que le petit Morgan a le don de pousser les curseurs aux bons endroits, afin de créer un son commercial au possible. « Elevate » réussit surtout à filer une crispation, à tout réfractaire de sons léchés et minaudés. ‘Boum tchikiboum’ et ‘tchikiboum’ : ça sent carrément l’amour à la plage et les folles nuits d’Ibiza. « Elevate » est à oublier de toute urgence, sauf si vous vous souvenez du nom de l’émission incriminée. D’ailleurs si vous résolvez l’énigme, vous devrez écouter l’album en entier ; ce sera votre punition.
“N.A.L.T 1 - A fast Introduction” constitue le tout premier album de ce quatuor italien. De la région de Bologne, très exactement. Fait plutôt rare chez les Transalpins, ils chantent dans la langue de Shakespeare. Leur inspiration principale ? Les eighties ! Aussi bien le post punk, la new wave que le funk blanc. Pas étonnant que les chroniqueurs contemporains leur trouvent des affinités avec le punk funk de Radio 4 ou encore les Yeah Yeah Yeahs. Ce qui n’est pas tout à fait faux. Mais remettons un peu les pendules à l’heure, parce que Les Fauves ont creusé bien davantage dans le passé. Une quasi-constante : la basse groovy, ténébreuse et élastique. Pour le reste, c’est beaucoup plus subtil. D’abord, il y a la voix, dont le timbre campe un hybride entre Alex Turner (Arctic Monkeys), Pete Doherty (Libertines, Babyshambles), Dean Wareham (Galaxie 500, Luna) et Steve Allen (Original Mirrors). Mais pour la musique, les réminiscences oscillent entre Jesus & Mary Chain (« Please please please ») et les Buzzcocks (l’enlevé « Alright »), en passant par PIL (l’excellent « No spaghindie » et son tempo épileptique). Et les Virgin Prunes. A cause de cette incursion dans l’univers du cabaret, même si les traces de funk blanc sont toujours bien présentes. Tout d’abord sur « Freak riot ». Et ensuite tout au long de « Tom Ponzi’s boogie ». Mais sur le deuxième morceau, on y rencontre également du boogie et des accès de basse gothiques (Bauhaus ?). Sans quoi, certaines plages sont hydratées par du clavier vintage ou rogné, comme à la belle époque des eighties. Et en finale (« The heroin melody »), le synthé est imprimé sur le tempo d’une valse. Il y a même un vibraphone qui flotte tout au long du curieux et déstructuré « Bombs on the Siae ».
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