Luke Miles est né en 1925. Au Texas. Mais ce bluesman noir est disparu depuis bien longtemps. A l’âge de 62 ans. En 1987. A l'instar de noms prestigieux comme T-Bone Walker ou Percy Mayfield, il s’est éteint en Californie. Il était surnommé 'Long Gone'. A cause de son premier enregistrement. Un single intitulé "Long gone", paru en 1961, pour lequel il avait reçu la collaboration de Sonny Terry et Brownie McGhee. Dès 1959, il avait accompagné le grand Lightnin' Hopkins. A Houston. Pour y jouer et enregistrer. En 1964, il grave "Country born", un elpee qui sera suivi par quelques 45 tours. Il va même partager un duo en compagnie de George ‘Harmonica’ Smith sur "Hello Josephine" et "Little sweet thing". Enfin, il figure également sur la collection "Blues from Los Angeles", un recueil caractérisé par les débuts de William Clarke et de ses Nightowls!
John Williamson des Superstitions l'avait rencontré en 78. A Long Beach. Lors de la première convention de la Southern California Blues Society. Long Gone Miles était un artiste élégant, souvent vêtu de blanc. Mais affublé de chaussettes rouges. Williamson est parvenu à mettre la main sur des bandes immortalisant un concert accordé dans un petit pub, sis Washington Boulevard, à Venice, la plage à la mode de Los Angeles. Une prestation accordée un samedi après-midi, devant une cinquantaine de personnes, tout au plus. Déjà très affaibli par le cancer qui allait l'emporter, Mike se produisait pour une des toutes dernières fois de sa vie. Pourtant, sa joie de vivre était manifeste, sur les planches. Et les huit titres de ce disque en sont un parfait témoignage.
Luke ouvre son set par un vibrant "Mojo hand", une compo signée par son ami Sam Hopkins. Le timbre vocal est chaleureux. L'accompagnement est parfois approximatif, mais il est bien soutenu par un harmoniciste très alerte. Indolent, "38 Pistol & a V8 Ford" est un excellent downhome blues. Très Chicago blues, il est dynamisé par la slide. On est plongé dans un climat proche du blues et du boogie. Dans l’esprit de Lightnin' Hopkins. Et c'est encore évident sur le rapide "Shake now baby shake". L'alternance entre les tempos rapide et très lents caractérise à nouveau "My little one room country shack", une plage au cours de laquelle un harmoniciste anonyme se met en évidence. Luke embraie par "It's mighty crazy", un boogie qu’il interprète face à un bien maigre public ; puis enchaîne par "Long gone (with my red pajama's on!)", son hymne personnel. En guise de rappel (NDR : c’est également un bonus track), il nous réserve une finale attachante, mais trop brève, "I can't get along with you", proche du swamp blues. Un document!
Avant d’embrasser une aventure en solitaire, Leila était la claviériste de Björk. Mais elle a également bossé en compagnie de Richard James (Rephlex Founder). Son premier opus solo était paru en 1998 (« Like Weather ») et le second en 2000 (« Courtesy of Choice »). Il lui a donc fallu huit longues années pour sortir ce « Blood, Looms & Blooms ». En fait, elle s’était retirée du monde de la musique, suite au décès de ses parents. Apatride (NDR : elle est née en Iran, mais vit aux Iles Britanniques depuis un quart de siècle), Leila Arab a tout misé sur son talent de claviériste, mais aussi son art à raffiner les sons et les arrangements. Il ne faut pas oublier non plus, qu’elle est aussi très habile à la console de mixage.
Dès les premières notes de son opus, on retrouve les sonorités mystérieuses et envoûtantes dont seule Leila a le secret. On ne peut donc que succomber au charme de « Mollie », caractérisé par ses beats accrocheurs. Ou à la reprise très personnelle du « Norvegian wood » des Beatles. En outre, l’horizon sonore de Leila est enrichi par une palette de vocalistes, choisie judicieusement ! Que ce soit sa sœur Roya, Luca Luca Santucci, complice depuis ses débuts ou Martina Topley-Bird. Mais également Terry Hall (NDR : le leader des Specials). Il se charge du chant sur l’excellent « Time to Blow », une compo hantée par un vibraphone frémissant. Khemahl et Thaon Richardson collaborent au tout aussi bon « Little Acorns », une plage au cours de laquelle, Leila excelle sur son instrument de prédilection : le clavier !
En 14 plages, Leila nous invite à visiter son univers visionnaire. Sis peut-être en utopie. Mais qu’importe ! Il est sans tabou. Et tous les fantasmes sont susceptibles d’être assouvis. Un univers déchiré entre bonheur et désespoir… Un opus épatant, au cours duquel l’artiste démontre, une fois de plus, son savoir-faire tout en démontrant qu’elle reste l’une des figures les plus intéressantes et ésotériques de la scène trip-hop.
Jaguar Love signe le retour du braillard Johnny Whitney et de son acolyte Cody Votolato, tous deux échappés des Blood Brothers. Pour leur nouveau projet, les ex frères de sang ont enrôlé Jay Clark des Pretty Girls Make Graves. Plus accessible que les travaux effectués au sein de leur formation précédente, « Take Me To The Sea » apporte une intéressante touche de Glam à un rock alternatif aux portes de l’art-punk.
Bien que l’on ne se laisse pas surprendre par l’attaque du Jaguar dès sa sournoise apparition, il parvient à nous apprivoiser par la subtilité de son propos. La bête expose et argumente dix bonnes raisons de se laisser dévorer. Et bien que ces dernières ne soient pas forcément toutes probantes, on se laisse si facilement amadouer que l’issue est inéluctable. L’animal se délecte de chacun de nos membres. Il s’y applique lentement, afin que l’on ressente au mieux la pénétration de ses crocs à chacune de ses morsures. S’ensuit une douleur aussi aiguë que les vocalises de Johnny Whitney. Devant une telle force de frappe, on ne peut que s’incliner. Le premier assaut de l’impitoyable Jaguar Love devrait probablement laisser des traces...
A première écoute, on a l’impression que cette musique navigue quelque part entre The Fall, Birthday Party, Pere Ubu et le Jon Spencer Blues Explosion. Faut dire qu’en regardant de plus près le line up du projet et la liste des invités qui y participent, on comprend mieux pourquoi. Au sein de cette formation milite ainsi une fameuse brochette de musiciens qui devrait vous donner une petite idée du style proposé tout au long de cet opus éponyme : Ron Ward (Speedball Baby), Norman Westberg (Swans), George Porfiris (Heroine Sheiks), Bob Bert (Chrome Cranks, Knoxville Girls, Pussy Galore, Sonic Youth) et le clarinettiste Patrick Holmes. Et parmi les guests, on retrouve James Chance (Contortions), Matt Verta-Ray (Speedball Baby, Heavy Trash), Jon Spencer (Pussy Galore, Blues Explosion, Honeymoon Killers, Heavy Trash), Jack Martin (Knoxville Girls) et Christina Martinez (Boss Hog, Honeymoon Killers). Si le chant de Ron Ward est aussi déclamatoire que celui de Mark E. Smith, la musique évolue dans une sorte de blues urbain âpre, rampant, extrême, imbibé de no wave. Parfois r’n’b plutôt que blues. A l’instar de l’obsessionnel « Mao Tse tongue » et surtout de « Conway twitty’s bag », sorte de pastiche de James Brown poussé au bord de l’apocalypse. Funk, quand même, pour agiter le convulsif « Ghost of Bob Ross ». Et si les compos reposent essentiellement sur l’instrumentation basique, le clavier vintage et la clarinette distordue viennent régulièrement ajouter leur grain de folie à l’ensemble. Un peu de theremin quand même (NDR : avec les compliments de Jon Spencer !) sur « Cunty Lou ». Imprimé sur un tempo frénétique, on a même l’impression de ressentir, tout au long de cette plage, le souffle d’un train express. Maintenant, il faut reconnaître que ce type d’opus n’est pas à mettre entre toutes les oreilles…
Pour celles et ceux qui, à l’instar de votre serviteur, découvrent cette formation pour le moins atypique, Don Caballero est une formation originaire de Pennsylvanie, formée en 1991 et relevant du courant math rock. Wikipédia : ‘le terme de math rock est appliqué à certaines formes de rock expérimental qui ont émergé vers la fin des années 80 et dont la principale caractéristique est la complexité des rythmes ainsi que l’enchaînement et la mise en place des riffs/mélodies, souvent dissonants. Ce style peut être rapproché dans une certaine mesure du post rock, dans lequel sont habituellement classés certains groups de math rock, bien que le premier puisse être différencié par un jeu de batterie généralement influencé par le jazz.’
Don Caballero, dont l’homme fort n’est autre que l’excellent batteur Damon Che, donne naissance à un « Punkgasm » en forme de suite logique au sous-estimé « World Class Listening Problem ». Plus que jamais, le groupe mérite bien son titre de chef de file de ce fameux mouvement math rock. Du déboussolant « Loudest Shop vac in the World » au plus conventionnel titre maître, le quatuor s’évertue à déstabiliser l’auditeur, peaufinant encore sa marque de fabrique, caractérisée par une métrique en cinq temps, avec l’utilisation massive de mesures asymétriques et des variations incessantes de rythmes… du rock mathématique quoi ! On pense parfois à Pelican, Sonic Youth ou Fugazi, mais Don Caballero pousse le bouchon encore plus loin, et donne à son rock un caractère épileptique, quitte à en devenir agaçant. Quand on navigue entre furie free jazz, punk désinvolte, rock hyper intellectualisé et expérimentations suicidaires, on a peu de chances de drainer le public des BB Brunes ou de Poulycroc… Uniquement pour auditeurs avertis !
Pour son huitième essai solo, le New Pornographer Daniel Bejar ne s’est pas trop creusé la cervelle. Motivé par le succès critique de « Destroyer’s Rubies », son essai précédent publié en 2006, l’interprète prolifique nous offre un « Destroyer’s Rubies 2 ». Probablement en mal d’inspiration, Bejar reprend les choses exactement où il les avait abandonnées. Pour le meilleur comme pour le pire. Le meilleur d’abord. Des morceaux tels que « Blue Flower/Blue Flame », « The State », « Libby’s First Sunrise » et surtout « My Favourite Year » démontrent le talent exemplaire du Canadien. Malgré des vocalises parfois assez saumâtres, il parvient cependant à séduire. Une explication : l’intelligence incontestable de ses arrangements.
Ce qui ne l’empêche pourtant pas de mettre le pied dans le plat sur certains morceaux beaucoup moins consistants. « Shooting Rockets (From The Desk Of Night’s Ape) », « Plaza Trinidad », « Rivers » ou « Introducing Angels » affaiblissent l’ensemble et tracent le diagramme de notre analyse de ce « Trouble In Dreams », en dents de scie. Mais si on écarte ces quelques plages dispensables, le nouvel essai du leader des New Pornographers et de Swan Lake vaut pleinement le détour.
Plus de dix années après sa mort, l'âme musicale de William Clarke est toujours bien présente. Faut dire que le travail inlassable de sa veuve Jeannette y est pour quelque chose. Chaque année, elle ouvre ses tiroirs et nous offre des témoignages inédits du grand harmoniciste californien disparu. On a ainsi eu droit à "Now that you're gone", "Live in Germany", "The early years, Vol 1 et Vol 2", sans oublier une série de Dvd tout aussi intéressants.
"One more again!" réunit des prises alternatives d'enregistrements opérés dans sa période Alligator. Il recèle plusieurs inédits. Ces morceaux sont issus de sessions accordés au cours de l'année 1993 ; des sessions pour lesquelles il avait reçu la collaboration de redoutables musiciens comme Alex Schultz à la guitare, Eddie Clark aux drums, Rick Reed à la basse et Steve F'Dor au piano.
L'opus démarre par un instrumental sans titre (NDR : « Untitled »). William souffle dans l'instrument chromatique comme il était pratiquement le seul à pouvoir le faire. Ses petites incursions sont géniales. Sa sensibilité musicale est omniprésente. Ses collaborateurs se distinguent par leur sobriété et leur efficacité. On ressent leur joie de se produire ensemble. La complicité entretenue entre Clarke et Alex fait plaisir à entendre. Lorsque Schultz prend son billet de sortie, on entend clairement Bill pousser des cris de satisfaction. "I got my bags packed" est un blues imprimé sur un tempo nonchalant. Un de ces blues qui faisaient la marque de fabrique de Clarke. Sa voix libère une émotion intense. Il signe également, sur son harmonica, des phrases d'une profondeur inégalée. Chargée de swing, "Five card hand" évolue sut un rythme plus enlevé. Une compo qui figurait sur "The hard way", un elpee paru en 1996. Pour la circonstance, c'est Alex, un des seigneurs du style west coast jump, qui tire son épingle du jeu. Signé Roy Brown, "Letter from home" est également issu du même opus. Il emprunte donc également au jazz et au swing. Alex et Bill sont manifestement ravis de le jouer ensemble. Les deux complices nous accordent encore un véritable festival de leurs talents sur "Educated fool", un fragment imprimé sur un tempo rapide, emprunté à "Serious intentions", un elpee qui remonte à 1992. Deux versions de "Home is where the heart is" sont ici proposées. Tout d’abord une extrêmement lente au cours de laquelle Greg Verginio se distingue à la six cordes pendant que Steve F'Dor s'éclate derrière les ivoires. William en profite pour entretenir cette flamme incandescente qui le dévorait constamment. La seconde est plus rapide. C’est Alex Schultz qui est ici à la barre ; mais la différence de rythme est tellement marquée qu’on a l’impression de ne pas être en présence de la même compo. Virginio avait également participé aux sessions d’enregistrement de "The hard way", un œuvre qui semble bien constituer la source d’inspiration majeure de ce "One more again!" (NDR : depuis, Virginio a abandonné les voies sonores pour embrasser celles plus mystiques de la religion). Il est également impliqué sur "When I'm with you baby", un autre blues lent et encore un instrumental sans titre, rehaussé par la présence de Juke Logan, à l'orgue. Et en fin de parcours, Alex se montre à nouveau à la hauteur sur "That ain't the way to do it", grâce à son style si personnel, caractérisé par ses nombreuses notes dispensées sur des lignes parfaitement construites ; le tout soutenu par une rythmique tellement légère et balayé par l’instrument chromatique du maître. Un régal!
Quoiqu’émigré depuis peu à Los Angeles, ce trio est originaire de Seattle. Et contrairement à ce que vous pourriez penser, il n’annonce pas une nouvelle poussée de fièvre grunge. Son line up implique deux frères : Garnet et Snow Keim. Le premier est chanteur/guitariste, le second bassiste. Eponyme, le premier opus a été enregistré aux studios ‘Fort Apache’ (Lemonheads, Pixies, Breeders, Elliott Smith, etc.), sous la houlette de Brian Brown. Les Strokes (NDR : ceux du premier album !), Franz Ferdinand et les Arctic Monkeys polarisent nos références, à premier abord. Et pour cause, leur style est à la fois rafraîchissant, percutant et contagieux. Mais au fil de l’écoute, on se rend compte que la palette d’influences est plus subtile qu’elle n’y paraît. Ainsi on y détecte du garage sixties, une pluie d’accents ‘rollingstoniens’ et même des traces de cold wave (NDR : empruntées manifestement à Sisters of Mercy sur « Vampire »). Il y a même du clavier vintage sur « Run » et le mid tempo « Lintwalk ». Les cordes de guitare sont tantôt tintinnabulantes (ces eighties !), quand elles ne sont pas syncopées (ces accords à la Keith Richards sur « Lie next to me »), vivifiantes, jacassantes ou décapantes. Les vocaux sauvages, virulents ou ténébreux, mais toujours savoureux. Et solide, la section rythmique est susceptible de libérer un excellent groove. Un bémol : les lyrics : ils ne parlent que de performances réalisées au pieu avec les partenaires féminines. Sans quoi cet elpee est un bon petit coup de fraîcheur dans l’univers de la musique pop/rock. En espérant que ce ne soit pas un nouveau ‘stroke’ dans l’eau…
Le « Wagonwheel Blues » de The War On Drugs occupe une place honorable dans la série des disques inutiles. Plein de promesses au niveau instrumental, tel qu’il le démontre sur le très bon « Coast Reprise », le combo traîne la voix de son leader Adam Granduciel comme un boulet. Les huit morceaux chantés donnent l’impression d’avoir été pris d’assaut et martyrisés par un enfant gâté qui refuserait de tenir compte de l’avis de ses camarades. Se prenant pour Dylan avant d’imiter Springsteen l’instant suivant, Granduciel assassine un recueil à l’énorme potentiel en plantant des vocalises irritantes sur des compositions quasi impeccables.
Ceux qui apprécieront la voix du Philadelphien pourront s’envoyer les neufs titres de ce « Wagonwheel Blues » sans grand mal. Les autres devront quant à eux se dénicher, d’une manière ou d’une autre, une version instrumentale de la plaque, beaucoup plus avenante. Il s’agit, en bref, d’un bien beau disque concocté une formation qui gagnerait à embaucher un leader aux cordes vocales un chouïa plus légères.
Nous sommes en 2006. John Williamson s’est établi sur la côte Ouest. Il monte une nouvelle équipe au sein de laquelle on retrouve le chanteur/harmoniciste louisianais Dumar Dupree ; mais également des musiciens locaux, dont le jeune guitariste Mike Recendes (NDR : il n’est âgé que de 24 ans !). Figurent également au sein de cette équipe le saxophoniste Jay Stolmack et une section rythmique constituée du drummer Rick Torres et du bassiste Sergio Osollo.
L'album s’ouvre par le titre maître. Une superbe plage sculptée dans le plus pur style West Coast. Le swing est omniprésent. Depuis la voix de Dupree à la guitare, en passant par le sax ; mais c’est cependant l'harmonica du même Demar Dupree qui signe le premier envol en solitaire. Direction Chicago Southside des fifties, pour un boogie instrumental à la Elmore James intitulé "Hawaiian boogie". Le morceau déménage bien. Métallique, la slide se détache bien de l’ensemble pendant que le Dr Jay Stolmack se déhanche sur son sax comme un Eddie Shaw au sommet de sa forme. Slow blues classique, "Tin Pan alley" traîne paresseusement… Les Superstitions revisitent ainsi avec bonheur plus de trente années de blues urbain ayant suivi la grande guerre, abordant au passage des styles différents relevant de Chicago, bien sûr, mais aussi de la Louisiane, du Texas et de la Californie. Malgré son jeune âge, Mike Recendez est un guitariste brillant. Il étale tout son potentiel sur "Gamblin' for my bread", retraçant l'axe musical entre Chicago et L.A, sur le rythme exotique du mambo. Le même Mike remet aussitôt le couvert sur "Cleo's moody". Hypnotique, la rythmique laisse décoller les cordes, le sax de Dr Jay Stolmack et l'harmo de Demar. Le R&B aux accents jazzy est aussi abordé sur "300 lbs of Joy". Le bon vieux John Williamson est de bonne humeur. Sa voix graveleuse peut rappeler Howlin' Wolf. Rich Torres martèle ses peaux. L’équipe prend la direction de la Nouvelle Orléans, pour y dispenser un "Party Gras" au caractère festif. Rich soutient Recendez dans son ascension vers les sommets, tandis que Dr Jay souffle généreusement dans son sax, comme Big Jay McNeely ou encore Joe Houston. La palette de sonorités est particulièrement ample. Elle peut aussi lorgner du côté de Memphis. Et du soul R&B. En particulier sur "That's all I need", une ballade qu'Elvis n'aurait pas reniée dans sa période Sun. "No minors allowed" marque le retour au blues basique. Un instrumental. Le tempo est très lent. Dr Jay manifeste beaucoup de finesse pour souffler dans son sax ténor. L'homme possède à la fois du talent, de la sagesse et de la sensibilité. Il cède le relais à Mike, apparemment inspiré par ce qu'il vient d'entendre et étend ce blues à fleur de peau! Rocker léger et pétillant, "Jo Ann" s’attarde au pays des bayous. Autre blues lent, "Let me explain" s’enfonce au cœur des swamps. La voix fatiguée de Williamson est convaincante. "Nighthawk" constitue sans doute le meilleur blues lent. Empreinte d’authenticité et de mélancolie, l’atmosphère est tout à fait remarquable. La slide est lumineuse. L'harmonica omniprésent. Le swing contamine les cordes sur "Rock a while". Du pur rock'n'roll dont les riffs défilent comme chez Chuck Berry. De toute bonne facture, cet elpee s’achève par "Voodoo workin'". Toutes en reverb, les guitares donnent le ton, pendant que le sax ténor s’éclate sur le devant de scène…
On retrouve Johnny Williamson près de chez lui. Il est toujours aussi hanté par le downhome blues. Cet elpee remonte à 2005. Et les indications mentionnées sur la pochette nous mettent immédiatement au parfum : on est en présence de Juke Joint music! Johnny drive désormais ses Superstitions en compagnie de son pote louisianais Demar Dupree, un harmoniciste qui a bien intégré la science des maîtres du swamp blues : Slim Harpo, Lazy Lester, Jerry McCain et bien entendu l'inégalable Little Walter. TJ Sullivan se réserve le rôle de premier gratteur. Le trio cherche manifestement à reprendre la place laissée libre par les regrettés Lester Butler et ses Red Devils, du Hollywood Fats Band. A moins que ce ne soit celle des Fabulous Thunderbirds, première époque. Bien sûr, les musiciens ne sont pas aussi talentueux, mais ils parviennent à nous faire partager leur juke joint music.
Demar met le feu aux poudres en soufflant dans son harmo dès l’intro de "Boogie twist". Cette plage est limpide et remarquable. Le rôle des trois musiciens est bien défini ; pourtant, il n’y a ni basse, ni batterie. Le chant de Demar est ponctué circonstanciellement de petites phrases assassines. Johnny assure la rythmique tandis que TJ reste à l'affût! Dupree reprend également le dépouillé et impeccable "Early in the morning", un slow blues notoire signé Sonny Boy Williamson I. Sullivan sort enfin de sa réserve pour attaquer "Extra Jimmy", une courte plage instrumentale au cours de laquelle il ne tolère que la présence de son ami Williamson. Soutenu par les deux guitares, Dupree revient chanter "Ridin'. Manifestement, tout au long de cet elpee, la richesse du jeu rythmique de Johnny est bien mise en évidence. Il assure les vocaux pour "TV"s the thing". Demar est de retour. Il assène de puissants coups d'harmo en soutien rythmique. Williamson est bien conscient d’avoir pu s’appuyer sur deux authentiques disciples de Little Walter : Joe Lee Bush, au sein des Southside Jukes ; et pour la circonstance de Demar Dupree. Une aubaine ! Ces musiciens ne peuvent cacher le plaisir évident de jouer. Instrumental, "Bayou dream" est simple et désarmant. Face aux accords réverbérés de Sullivan, l'harmonica s’élève dans les tons aigus, sans pour autant se départir d’un sens évident de la mélodie. Totalement libéré, Demar adapte "You ain't nothin' but fine", un standard des T-Birds de la grande époque. La mélancolie des bayous louisianais enveloppe "What's goin' on wrong". Toujours en conjuguant simplicité et efficacité désarmantes. Légèrement chevrotante, la voix de Dupree réverbère un écho susceptible de nous rappeler Sonny Boy Williamson 2 ; surtout quand il s'attaque à "Checkin' on my baby". Un exercice de style vocal qu’il reproduit sur "Alley cat". Il chante encore "Pretty little thing", tout en s'accompagnant à l'instrument chromatique. En finale, "Steady" constitue une synthèse parfaite de cet opus sculpté dans le downhome blues, une œuvre dont la simplicité et l’authenticité constituent les ingrédients principaux.
Tony Thewlis est un des guitaristes des Scientists. C’est également un ex-Helicopters. Il est australien, même s’il réside à Londres depuis 1987. Il participe également à différents projets. Dont deux plus personnels : Interstellar Villains et The Scoundrelles. Le line up des Scoundrelles est plutôt à géométrie variable. Il est constitué d’une majorité de Britanniques. Et pour enregistrer leur deuxième opus, la formation a bossé au sein de 4 studios différents, tantôt à Londres, tantôt à Memphis.
Découpé en 14 morceaux, « Atomic batteries to power » évolue au sein d’un univers noisy/psychédélique, mais plus pop que rock, à contrario de la bande à Kim Salmon. Des références ? Mercury Rev, Alex Chilton et Galaxie 500. Enfin pour les plus évidentes. Et c’est plutôt un bon choix. Les mélodies sont très souvent sinusoïdales. Les harmonies vocales falsetto. Les accords de guitare chargés de feedback, chatoyants, scintillants et savoureux.
L’elpee recèle deux covers. Tout d’abord une version très contemporaine du « Don’t know why » de Neil Innes du Bonzo Dog (Doo Dah) Band, ensuite une reprise abrasive du « Rocket USA » de Suicide. La formation a heureusement le bon goût de diversifier son horizon sonore. Plus basique, « Head on » lorgne vers les Flamin’ Groovies, alors que particulièrement allègre, l’alt country/rock « Present forever » évoque plutôt Wilco. Quant à « The girly song », son emphase nous entraîne dans un univers ‘philspectoresque’, réminiscent de Moot The Hoople. En fin de parcours The Scoundrelles s’aventure dans le garage. Notamment lors de deux instrumentaux. Tout d’abord « Enter girls gone wild ». Malgré les cris et les braillements, il évolue à la croisée des chemins des Hoodoo Gurus, des Fleshtones et du défunt Fifty Foot Combo. « The Scoundrelles will return » ensuite. Mais le clavier est tellement vintage, que je ne puis m’empêcher de penser à André Brasseur… Cependant, le titre qui m’a le plus séduit est incontestablement « Cindy’s East ». Totalement oblique dans sa vision psychédélique, cette plage semble planer entre deux atmosphères distinctes. Etonnant ! Sans quoi, pour ma part, ce type de découverte est un véritable régal…
Comme son nom ne l’indique pas Russian Circles est une formation issue de Chicago. Le trio n’en est pas à son coup d’essai, « Station » constituant apparemment son deuxième essai. N’ayant jamais entendu parler de Russian Circles, c’est avec une certaine appréhension que l’on aborde cet opus. Mais ce que l’on pensait être une énième farce pseudo Post-Rock, terme aujourd’hui utilisé pour décrire aussi bien le caviar que le cheeseburger, s’avère être des plus efficaces. Le Post-Rock des Chicagolais, trempé dans un Métal tranchant, parvient à insuffler une nouvelle vie à ce genre musical. Les trois hommes se montrent aussi bien capables d’utiliser intelligemment une structure classique (un « Verses » à la Explosion In The Sky) que de surprendre en balançant un bon petit prog-rock de derrière les fagots entre deux moments de quiétude (un « Station » digne des meilleurs morceaux de Tool ou un « Youngblood » rappelant Isis). Russian Circles redéfinit avec justesse la hargne, la fureur et leurs antonymes. Une seule envie subsiste après s’être envoyé les six morceaux épiques de la plaque : celle de se procurer au plus vite le premier essai du trio (« Enter ») et de reprendre les choses depuis le début, comme il se doit.
Nouvelle sensation made in Sweden, Pacific! s’offre une jolie entrée en matière à l’aide de ses exquises « Reveries ». Prenez une bonne dose de pop estivale, ajoutez-y une pincée d’electronica aux accents eighties ainsi qu’une très légère nappe de French Touch à la Sébastien Tellier et vous obtenez une délicieuse brise d’air frais. A l’écoute de ce premier essai, force est de constater que Daniel Högberg et son acolyte Björn Synneby ne s’y sont pas trompés en utilisant un pseudonyme invoquant les vagues, le ciel bleu et toutes ces choses qui nous font rêver lorsqu’il pleut des trombes trois semaines d’affilée en plein été sur nos tristes contrées.
Une force tranquille se dégage de ces douze compositions évoquant des Beach Boys ou des Supertramp qui seraient passés sans transition de leurs sonorités caractéristiques à des sons plus synthétiques, influencés par Air. « Reveries » comprend une succession de tubes oniriques à s’envoyer d’une traite en fermant les yeux et s’imaginant sur les plages du Pacifique (évidemment !) sirotant le plus délicieux des nectars disponible au bar. Le premier essai de Pacific! est de ceux qui portent leur nom à merveille et vous transportent dans les airs en moins de temps qu’il n’en faut pour appuyer sur la touche Play. Ce serait con de passer à côté.
Nederlands 
Français 
