“Real close ones” constitue le troisième opus de The M’s, une formation chicagolaise qui puise ses influences aussi bien dans le rock, le glam, l’electro, le funk, la soul, le rock, le garage, le post punk, la noise, le folk et surtout la pop et le psychédélisme. Un peu dans l’esprit de The New Pornographers, Of Montreal ou de The Apples in Stereo. D’ailleurs le combo aurait pu relever du label Elephant 6…
Mais venons-en à cet elpee. Un disque qui privilégie les chansons cool, flemmardes, presque laidback. A l’instar de « Pigs fly », caractérisé par les harmonies vocales languissantes et son clavier Rhodes éthéré. De l’atmosphérique et presque contemplatif « Papers ». De l’indolent « Get your shit together », nonobstant ses accords de guitare subrepticement déchiquetés. Du pseudo lethargique « Days in the sun », une plage baignant au sein de claviers fluides, réminiscents des High Llamas. Mid tempo aussi, comme sur la valse lente excentrique, contrastée, « Breakfast score ». Plus acoustique, « Tryin to keep » aurait pu naître d’une rencontre entre les Shins et Devendra Banhart, alors que « Don’t be late’ lorgne manifestement vers Tyranosaurus Rex. Le spectre de Bolan, on le retrouve d’ailleurs tout au long de l’œuvre. Et pas seulement sur le capricieux et palpitant « Ultraviolent men », même si le timbre du chanteur me rappelle ici plutôt Jonas Almqvist, le leader de Leather Nun ou tout au long du rock délabré « Impossible view ». Ce qui n’empêche pas The M’s de se nourrir de références majeures issues de l’histoire du rock : T Rex (of course !), Bowie, les Beatles, les Kinks, et la liste est loin d’être exhaustive. Morceau curieux, « Naked » rappelle même « Put the line in the coconut » de Harry Nilsson ; à moins que ce ne soit « Sunshine superman » de Donovan. Deux compos auraient même pu figurer au répertoire de Supergrass. « Big sound » surtout. A cause du tempo, des accords de piano, des harmonies vocales et de ce feeling glamoureux, dont raffole tellement la bande à Gaz Coombes. « Bros in arms » également, même si le titre s’avère plus basique. Et en fin de parcours, The M’s adresse un clin d’œil à Willy Deville, en nous balançant un tango mélancolique, teinté de soul, intitulé « How could you ». On a même droit à des chœurs presque gospel ! Un groupe à suivre de très près !
A l’écoute d’une telle plaque, il est difficile de saisir la relative résistance du public face à Anthony Gonzalez, alias M83. Alors que celui-ci devrait l’aduler, le Français semble tout simplement ignoré (NDR : le concert accordé dans une AB à moitié vide en est la plus belle illustration). Il est vrai que le départ en 2005 de Nicolas Fromageau, bras droit de Gonzalez, a donné du fil à retordre à ce dernier qui semblait avoir du mal à réinventer le projet. Les deux ouvrages précédents étaient en effet loin d’être passionnants. Mais ce « Saturdays=Youth » devrait changer la donne pour Gonzalez et ses deux musiciens, Loïc Maurin et une certaine Morgan Kibby, impliquée déjà au sein de The Romanovs.
Contemplatif à souhait, ce cinquième recueil marie pertinemment shoegaze, pop et electronica. Toutes guitares en avant depuis « Before The Dawn Heals Us » (2005), les compositions de la formation conservent l’atmosphère ambient des travaux précédents à laquelle vient se greffer une nostalgie étonnante. En effet, Gonzalez, à peine âgé de 26 ans, évoque l’adolescence avec une maturité incroyable et la transpose dans un univers 80s extraordinairement précis. Un peu comme s’il avait véritablement vécu cette période de sa vie durant cette décennie.
En plus de constituer une agréable ode à l’adolescence, « Saturdays=Youth » célèbre également l’été à l’aide d’hymnes estivaux terriblement envoûtants, tels que de grandioses « Couleurs », « Too Late », « You, Appearing » et des époustouflants « Kim & Jessie » et « Graveyard Girl ». A ceux-ci s’ajoutent « Skin Of The Night » et « We Own The Sky », deux jolies complaintes interprétées par Morgan Kibby dont les vocalises rappellent incontestablement celles de Kate Bush. Mais c’est également à la dame que l’on doit le fragment le moins intéressant de la plaque, un « Up! » trop plat pour susciter un quelconque intérêt. « Saturdays=Youth » sur un « Midnight Souls Still Remain » intriguant et semblant tout droit issu de la bande son de la série Twin Peaks. Une belle réussite.
« We Are The Wild Beast » c’est comme une blessure. Il y a d’abord le cri, représenté ici par la danse lancinante du saxophone. Aux confins de la douleur s’échappent des appels gutturaux, émaillés de chocs froids et tranchants. Vient ensuite le calme tout relatif, secrété par des beats calculés et répétitifs. S’approche alors, la révolte, l’orgueil de s’être bêtement blessé, traduit par des cordes grinçantes et hypnotiques. Indian Jewelry est une métaphore à lui tout seul. Il dispense son univers à grande brassée, se moquant bien des blessés collatéraux qui en seront affectés. Poussant au plus saturé ses effets, il découpe au scalpel nos peaux tendues et sensibles. Proposant une electro/pop expérimentale, il en devient aérien et menaçant, tout en déversant son acide sur la tête des curieux, le nez pointé vers le ciel. Pas moins de 32 musiciens ou collaborateurs participent au projet. Ils se définissent comme une troupe armée, une légion déterminée à encercler les ennemis potentiels. Force est de constater qu’ils parviennent à nous émouvoir ; si pas par la douceur, du moins par une sensation effroyable, telle une chute terrible sur le sol froid d’une arrière cour sordide. Après la douleur, pointe le réconfort. Le besoin d’être soigné se fait violence et se bat avec le mal qui tente de prendre possession de tout notre corps. Indian Jewerly est là aussi pour soigner, et nous coucher afin de reprendre des forces. Par le biais de mélodie enveloppantes et imaginaires parsemées ça et là sur l’album, il nous offre un répit, mais jusqu’à la prochaine attaque seulement.
Allons droit au but. La discographie de Guy Garvey et ses compères est un sans faute. Après des « Asleep In The Back », « A Cast Of Thousands » et « Leader Of The Free World » grandioses, il était difficile de croire qu’Elbow arriverait à nous éblouir pour une quatrième fois consécutive. Pourtant, le quintet l’a fait. Sans la moindre gaucherie. Alors que des Coldplay, Keane et autres Snow Patrol déchaînent les passions, Elbow fait son petit bonhomme de chemin. Et ce, sans trop attirer l’attention du public sur la qualité de ses travaux, qui dépassent pourtant amplement celle des œuvres de ses compatriotes. En toute humilité, la formation se contente de remplir des petites salles alors qu’un chef-d’œuvre tel que ce « The Seldom Seen Kid » devrait être entendu par plusieurs milliers de fans en furie.
D’une beauté déconcertante, ce quatrième essai démarre en grande pompe sur un « Starlings » orchestral qui annonce très adéquatement le calme avant la tempête. Lui succède alors perles sur perles. D’une part, les Mancuniens explorent des terres qu’ils ont déjà visitées, tel que sur « The Bones Of You » rappelant légèrement, au niveau du chant, l’extraordinaire « Fugitive Motel », extrait de « A Cast Of Thousands ». D’autre part, ils se lancent sur de nouveaux sentiers, comme sur « The Fix », duo entre Garvey et Richard Hawley ou sur les cathartiques « Grounds For Divorce », « Some Riot », « Friend Of Ours » et « Weather To Fly ». Seul « One Day Like This », second single extrait de la plaque, ne provoque pas l’effet escompté. Mais devant la quasi-perfection du reste de « The Seldom Seen Kid », il semble évident que ce petit écart d’attention ne changera rien au fait qu’Elbow soit bien parti pour s’inscrire comme l’une des rares formations à avoir tracé une véritable carrière sans faute, même sans succès commercial. Indispensable !
Quand j’étais petit, je comparais Francis Cabrel à un cocker. Ses longs cheveux bouclés pendaient de chaque coté de son visage. La moustache broussailleuse dessinait des babines. La compassion pour son prochain se lisait pareil dans ses yeux. Comme dans ceux du canidé. A cette époque, il ‘aimait à mourir’, mais il faut croire qu’il s’en est remis. Car après plus de 25 ans de carrière, il est toujours présent pour nous conter fleurette. Alors, malade imaginaire notre bon Francis ? Malade sans doute de voir ce qui se passe autour de lui, de sentir l’injustice gagner du terrain. Lui l’idéaliste, se sent investi d’une mission. Ecrire des textes, magnifiques au demeurant, pour relater des évènements de notre quotidien. Ces choses anodines que nous tolérons à force d’habitudes. Son message pourrait être sombre et particulièrement dépressif. Il ne l’est pas seulement. L’ingénieux artiste a dans sa botte, quelques secrets de douceur et de poésie, des secrets qui ont vite fait de faire pleurer les grands-mères, et les mamans. Pas toujours de tristesse, bien plus souvent d’émotion. Tout au long de « Des Roses et des Orties », monsieur Cabrel remet le couvert du menu tendresse, en éparpillant treize pétales autour des assiettes. Nous sommes conviés le plus chaleureusement du monde à prendre place, et écouter le poète déclamer ses textes, sur une musique composée d’eau de pluie, de nuages et surtout de beaucoup de soleil réparateur. Nous aurions tendance à rechigner le plaisir d’écoute de ce dernier opus, en le cataloguant de gnangnan. Mais il fait du bien, comme ses gaufres faites maison, comme ces pots de confitures sortis de leur cachette, comme ces après-midis collés à la personne qu’on aime. Francis Cabrel c’est beau, et on ne lui en demande pas plus.
Après avoir milité au sein de The Beta Band et des obscurs King Biscuit Time, Steve Mason prend les choses en main et décide de faire cavalier seul. A travers Black Affair, son nouveau projet, l’homme veut nous faire croire qu’il dispense de la dark pop aux légères évocations sexuelles. Pas de pot. La seule chose que sa ‘dark pop’ inspire est un ennui profond. Ce « Pleasure Pressure Point » est, à vrai dire, l’un de ces disques que l’on subit plus que l’on écoute. Le genre que l’on aimerait enterrer mille pieds sous terre, en espérant ne jamais devoir subir un tel viol auditif. Ni le coup de main de Jimmy Edgar au mixage et à l’écriture sur le morceau « PPP », ni les vocalises de la petite copine de ce dernier sur « You And Me » ne donnent de cachet à l’ensemble. Devant un tel désastre, on a du mal à croire qu’il s’agit d’une œuvre produite par le même individu qui nous a tant comblés lorsqu’il jouait au sein de The Beta Band. Les morceaux de ce recueil évoquent un Erlend Oye peu inspiré qui aurait bouffé du Kraftwerk et de la synth-pop des années 80s tout au long de son adolescence et n’en démordrait toujours pas. Répétitif et peu réfléchi, « Pressure Pleasure Point » n’est rien d’autre qu’un essai anecdotique.
Un peu plus d’une dizaine d’années s’est écoulé depuis la dernière véritable explosion du Pop Rock au féminin. Au début des années nonante, elles s’appelaient Sheryl Crow, Alanis Morissette, Heather Nova ou Natalie Imbruglia. Aujourd’hui, la relève semble être assurée par des Colbie Caillat, Amy MacDonald et autres Sara Bareilles. Cette dernière profite de ce regain d’intérêt pour publier « Little Voice », son premier ouvrage. Ouvert par le hit radio « Love Song », le recueil distille une pop assez banale et par trop souvent sirupeuse. Sans pour autant atteindre le niveau de ‘nunucherie’ de Colbie Caillat, Sara Bareilles fait de l’amour l’unique thème de ses compositions, limitant considérablement son potentiel.
La Californienne au joli minois semble se cantonner volontairement dans un style voué à la désuétude. Faisant pourtant preuve d’une jolie technicité vocale, qui rappelle par instants Fiona Apple, Bareilles se contente d’une écriture proche de celles de Vanessa Carlton et Michelle Branch. Deux interprètes déjà envoyées aux oubliettes de ce côté de l’Atlantique. A l’écoute de « Little Voice », il est d’ailleurs difficile d’envisager un avenir différent pour la jeune interprète. Plutôt que de s’attarder sur ce type d’artistes, on préfèrera largement explorer la nouvelle vague Soul féminine britannique, beaucoup plus avenante et intemporelle que ce renouveau pop ricain aux intentions purement commerciales.
Nous vivons à une époque au cours de laquelle pas mal de groupes rentrent en studio et aseptisent leurs compositions pour en faciliter l’écoute. Poussés derrière, par des maisons de disques qui leur balancent des ‘Coco ce que tu fais c’est bon, mais faudra faire des compromis pour que ça se vende’, The Willowz n’en a rien à cirer des concessions. Les adoucisseurs sont uniquement réservés à la lessive. Il provoque donc son public à travers un rock/garage/post punk énergique et brut de décoffrage. Porté aux nues par la bande son de « Eternal Sunshine Of The Spotless Mind », le combo Californien ne comptait pas s’arrêter en si bon chemin. C’est en véritables pyromanes de la scène, qu’ils déversent des jerricans d’essence. Armés d’allumettes, c’est le sourire carnassier aux lèvres qu’ils nous observent paniquer, et poussent le son de leur ampli à fond. A la moindre étincelle tout pète ; et cette peur de l’embrasement ultime procure un frisson charnel, addictif dès la première dose. « Unveil », quatrième galette du groupe, ne faillit pas à la règle. Puissants et corrosifs, les 20 plages (très courtes comme à leur habitude) de cet elpee sont fixées à l’aide de vieux clous rouillés, intouchables sans vaccin en ordre du tétanos. Ces vieux clous ont certainement été arrachés aux perfectos purulents d’ancêtres punk, et retapés à grand coups de marteau sans aucun état d’âme. Toujours aussi ambitieux et productifs, The Willowz démontre une fois de plus qu’ils n’ont peur de rien, et que tout ne fait que commencer pour eux. Bang ! (Chrome Hoof, Melvins, Deerhunter,…) peut se frotter les mains, il y a de l’énergie à revendre derrière ces p’tits gars, et ne pas s’en rendre compte serait nier le bon sens.
Pour enregistrer son septième opus, Robert Fisher a reçu le concours d’une multitude de collaborateurs. Plus d’une vingtaine. Malcolm Lindsey, tout d’abord. Un écossais responsable de la composition de B.O. de films, mais également de partitions plus ‘classiques’. Il partage l’écriture des morceaux et joue du piano, de la guitare acoustique et électrique, des claviers (notamment un orgue à soufflets) et apporte son concours aux vocaux. Il partage également la production et les arrangements avec Robert. Les sessions d’enregistrement se sont d’ailleurs déroulées, notamment à Glasgow au sein de studios de Malcolm, mais également à New York et Los Angeles. Et puis une pléiade de musiciens qui se partagent une volée d’instruments tant ‘classiques’ que conventionnels : piano, harmonium, six cordes, violon, violoncelle, trompette, vibraphone, alto, double basse, basse, slide, percus, drums, etc., sans oublier la chorale : The Pilgrim Choir. Parfois gospel, parfois puissante, solennelle. Robert se concentre exclusivement sur le chant. Et tout au long de cet elpee, son baryton est vraiment bouleversant. Sur le meilleur titre de l’œuvre, valse déchirée entre symphonie et fanfare, « Painter blue », il parle d’ailleurs plus qu’il ne chante, dans un registre proche de Simon Huw Jones, d’And Also the Trees. La symphonie, c’est d’ailleurs l’impression générale qui émane de ce « Pilgrim road », une symphonie souvent ténébreuse, toujours majestueuse, profonde, au cours de laquelle Fisher est à nouveau hanté par sa quête perpétuelle de la spiritualité. Et en particulier par la foi, la mort et la rédemption. Il aura cependant fallu cinq années pour réaliser un tel projet ; et si le résultat est tout à fait convainquant, il prend une toute dimension sur les planches. Plus vivante, moins sophistiquée, mais tout aussi riche…
Il est vrai qu’à la vue de la pochette de « Gods of the Earth », on s’attend à se farcir un nième combo à la sauce Manowar, Hammerfall, Rhapsody ou toute autre formation abusant des pires clichés du heavy metal épique… Que nenni ! The Sword pratique un metal irrigué de doom et de stoner, entretenant également quelques affinités avec le hard US des années 80.
Déjà, sa première offrande « Age of Winter’s », parue en 2006, s’était révélée comme une secousse tellurique, une bien bonne claque que les connaisseurs du genre ont tous reçu en pleine poire, sans avoir eu le temps de crier ‘ouf’ !
Cette deuxième plaque marche sur les traces de la première rondelle de ces Texans qui n’ont pas pour modèles les groupes de rock sudiste ou de country régnant en maîtres dans cette partie des Etats-Unis. Ils appliquent les bonnes vieilles recettes du doom, en y incorporant des riffs charpentés, un son de guitares ‘à l’ancienne’ et des harmonies crasseuses à souhait. The Sword véhicule des compos chargées de limaille et de poudre, et instaure un climat sauvage, comme une sorte de retour à l’état brut et primaire du hard rock. Bref, il revient à l’essentiel et recentre le metal américain, le ‘recalibre’ en ‘reculant pour mieux sauter’. L’œuvre ne s’adresse pas aux fans de Korn ou de Kid Rock, mais bien à des metalleux attachés à toute une série de valeurs. Chaud devant !
Les années 2000 ne sont pas les années 90. Traverser musicalement l’espace-temps provoque toujours une certaine suspicion. Les Supergrass ne sont plus aussi ‘young’ et ‘free’ et le folk psychédélique de leur précédent « Road to Rouen » avait bien trébuché sur ce temps qui a irrémédiablement passé. C’est donc le scepticisme qui accueille « Diamond Hoo Ha ». Pourtant, ô surprise, la suite tient la route. C’est construit, tapageur à souhait, glam et brut à la fois. C’est fidèle au passé, sans pour autant lui coller cette prétention. Les compositions, moins candides, acheminent un style plus rock 70’s que britpop et on ne s’en plaindra pas. La voix de Coombes est intacte, comme les effets de pédale, la nervosité des guitares et la détermination de la batterie. Tantôt l’album achemine un style à la Bowie (« Rebel in you »), tantôt un sax trépigne, tantôt s’élèvent d’imparables chœurs sur piano (« Outside »). On regrettera que se soit effilochée la fraîcheur d’antan, au profit d’un accent électrique parfois bruitiste, souvent saturé. Mais on peut aussi se réjouir simplement de retrouver l’esprit rock brut des Supergrass d’hier.
Sous le soleil de Barcelone, elles sont nombreuses et ils sont nombreux à vivre au rythme de l’électro endiablée. Sous le soleil de Barcelone, cette musique n’a jamais été aussi bien incarnée que par les Pinker Tones…
A la fois DJ’s, producteurs et même réalisateurs de films à leurs moments perdus, Mister Furia et Professor Manso peuvent se targuer de faire danser l’Espagne entière au son d’une expression sonore ensoleillée ! Mais pour la circonstance, les deux comparses semblent s’être complètement plantés. Ce « Wild Animals » se révèle triste à mourir et même risible. Exit la fraîcheur sauvage : une épaisse brume recouvre toute la péninsule ibérique. Le mélange d’electro 80’s à la Pet Shop Boys au reggae (« The Whistling Song ») et l’exercice de la ballade romantique (« On se promenait ») suscitent de vives interrogations. Et on se demande même si le duo ne s’est pas complètement égaré. Un opus brouillon, confus, au cours duquel le tandem ne parvient jamais à définir son style. Les chansons se succèdent sans ordre précis. On passe ainsi d’un doux tempo à de gros beats electros tapageurs. Restez assis, pas la peine d’essayer de remuer le moindre membre. Dommage, car la paire était parvenue lors de la sortie de ses trois rondelles précédentes à se démarquer d’une scène electro espagnole méconnue.
Sous le soleil de Barcelone on aime faire la fête et danser mais on se dit après tout qu’il y a plein d’autres choses à faire…
Originaire d’Australie mais expatrié à Londres depuis 2003, Pendulum nous propose son nouvel opus, “In Silico”, un disque qui fait suite à “Hold Your Colour”. Le groupe de drum n’ bass a cependant décidé de changer d’orientation en ajoutant diverses influences dans sa solution sonore. Rock tout d’abord. Dans l’esprit de Linkin Park, Muse ou encore Tool. Mais également dance et electro. Un cocktail particulièrement explosif mais également unique en son genre.
Titre d’ouverture, “Showdown” s’ébroue sur un rythme dance-floor rehaussé par la présence d’une voix. Mais très rapidement, le chanteur retourne dans l’ombre afin de laisser la place à de la drum n’ bass. Et on en a pour toute soirée. Ou presque ! “Different” risque de faire sourciller les fans de Prodigy. Motif ? Une étrange similarité rythmique avec son “Slap My Bitch On”. Les morceaux sont longs. La plupart durent plus de cinq minutes. Etait-il d’ailleurs nécessaire d’en remettre chaque fois une couche ? En éludant quelque peu la matière première, les plages –plus courtes alors– auraient évité une certaine sensation de lassitude, en fin de parcours. “Propane Nightmares” et “Granite”, les deux singles de l’album sont évidemment beaucoup plus abordables. S’il est clair que les puristes de la d&b risquent fort de ne pas trop apprécier l’orientation dance-floor, il faut reconnaître que l’expérience opérée par Pendulum s’avère très intéressante.
Alors que la première moitié de l’elpee accentue l’aspect drum n’ bass, la seconde se révèle davantage rock. L’instrumentation libère encore ses effets dus aux distorsions électroniques, et le synthé est bien évidemment de la partie, mais le rythme change. Et les mélodies s’adaptent en conséquence. “The Other Side” rappelle même la bande à Matthew Bellamy, alors que “Mutiny” est traversé de soli de guitare sculptés dans le hard rock. On a même droit à de la sèche sur “9,000 Miles”, même si l’ensemble épouse à nouveau un profil plus drum n’ bass que rock n’ roll.
On pardonnera à « In Silico » les quelques bémols comme la longueur des titres et une certaine répétitivité, mais cet opus est finalement d’excellente facture. En outre, il devrait plaire tant aux amateurs de drum n’ bass que de rock. D’ailleurs les remarques procèdent probablement des grandes attentes que les médias projetaient sur le groupe après leur excellent “Hold Your Colour”. A écouter et à voir absolument.
Si au fil du temps, les disques de Mudhoney sont devenus de plus en plus soignés, leurs prestations ‘live’ se sont toujours révélées garage, très électriques, sauvages, libérant un maximum de décibels. La bière leur servant de carburant principal. Faut dire que le groupe a toujours été un grand consommateur de… tournées (NDR : de bières ?) Ce qui explique sans doute pourquoi leurs disques n’ont jamais eu de grand attrait dans les bacs… (…) C’est à un de leurs sets accordé à Madrid en 2007 que se consacre essentiellement ce Dvd. Vingt et un titres qui nous rappellent que ce quatuor constitue un des piliers du grunge, au même titre que Nirvana et Pearl Jam. Le succès en moins. Six caméras ont été réquisitionnées pour filmer ce show. Et le son reproduit sur ce Dvd est de toute bonne facture. Le tout est enrichi de photos et d’un chapitre consacré à leur discographie.
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