Après un curieux premier album, Menomena ouvre à grand fracas son univers en boîte de Pandore. Il suffit de se pencher sur la densité picturale de la pochette pour comprendre le ton de « Friend and Foe ». Un album qui se déploie sur des terres foisonnantes dont on s’émerveillera inlassablement des reliefs et des aspérités. L’envol s’opère instantanément à travers une rythmique fascinante, martelée avec la rigueur d’une marche funèbre. Puis, de l’intransigeance, des mélodies imparables prennent le large. Menomena ou lorsque la discipline fait surgir les formes les plus déconstruites. C’est au cœur du paradoxe que naît le génie des trois Américains. Rien de strictement novateur pourtant ; Wolf Parade et TV on the Radio avaient déjà amplement creusé les ornières de l’indie rock démembré. Mais l’efficacité est irrémédiablement présente. « The Pelican » hisse l’album à ses premières hauteurs ; à cause d’un piano malmené qui scande des voix presque plaintives dans un vertige d’émotions. Le mystère d’une telle puissance tient jusqu’à « Wet’n rusting », single agréablement schizophrène, où la candeur pop effleure une gravité troublante. Le dramatique exerce la fascination sans léser l’harmonie mélodique. Et, toujours, l’intérêt demeure dans le côté abrupt des profondeurs. En surface, l’écoute de « Friend and Foe » peut glisser et s’étioler par ses breaks parfois épuisants. Mais à qui laisse tomber ses résistances, s’offre une œuvre dense, riche et intense.
Parmi les nombreux groupes qui ont agité l’underground new-yorkais au début des années quatre-vingt, Liquid Liquid mérite une place à part. A l’instar de leurs collègues de Konk, ils ont exploré le funk, l’afro beat, le dub, le free jazz et le disco pour en restituer une vision très singulière. Quasi trente ans après la sortie d’une poignée de maxis ayant eu une influence majeure sur de nombreux musiciens, le label Domino a décidé de rééditer l’intégralité des travaux du groupe, enrichi d’inédits et de prises live.
Pas ou très peu de guitare chez Liquid Liquid : basse, batterie et percussions dominent le sujet. Quelques notes éparses de marimba, de sax et de mélodica viennent ponctuer un chant torturé et abstrait rappelant le John Lydon de « Metal box ». La vingtaine de titres réunis ici part dans plusieurs directions : un peu d’afro beat punk (« Out » et « Outer »), des impros tribales et free (« Rubbermiro », « Eyes sharp », « Where’s Al »), des prototypes du son punk-funk –repris un quart de siècle pus tard par une flopée de groupes (« Bellhead », « Optimo »). D’autres morceaux lorgnent davantage vers le funk, comme « Sank Into the Chair », « Push » ou « Cavern », plagié d’ailleurs en son temps par le Sugarhill Gang sur « White Lines ». Sans « Cavern », un des gimmicks les plus connus du hip hop (la phrase « Something Like a Phenomenon ») n’aurait peut-être jamais existé. Sauf que dans « Cavern », le chanteur de Liquid Liquid scande « Slip In And Out Of Phenomenon » et semble davantage parler de Platon que de Block Parties…
Mais trêve de plaisanteries. Trente ans après sa conception, la musique de Liquid Liquid reste furieusement unique et expérimentale. Pas toujours facile d’accès, elle réserve de belles surprises à l’auditeur, surtout lors des titres les plus futuristes du groupe, tout simplement ‘bluffants’.
Originaire de l’Arizona, Knights Of The Abyss roule sa bosse depuis quelques années déjà. Sa notoriété, il ne la doit pas seulement à la présence de l’ex-drummer de Job For A Cowboy, au sein de son line up, mais également sa musique. Une musique aussi délicate qu’un régiment de Panzers à l’assaut, mais dont l’aspect mélodique peut paraître paradoxalement apaisant. Presque !
Un an après avoir sorti un premier elpee autoproduit, le groupe signe ce « Shades » chez Ferret Records. Un opus qui navigue au cœur du pur deathcore. Relatant la descente au sein des différents niveaux de l’enfer, les compos constituent une sorte de concept, dans l’esprit d’« Inferno » de Dante. Près de 40 minutes de folie furieuse. Des lignes de guitares rapides, mélodiques, des soli, des breakdowns, une batterie qui fuse, une voix gutturale. Tout y est. Il ne vous reste plus qu’à enfilez vos chaussures et à foncer dans le ‘mosh pit’ illico presto. Les vocaux n’ont pas été assurés par Mike Manheimer. En fait, il s’est abîmé les cordes vocales au cours d’un concert. Et lors des sessions d’enregistrement, elles n’étaient pas encore bonnes pour le service. Pour la circonstance, c’est donc Dustin Curtis, le vocaliste d’A Breath Before Surfacing qui est venu le suppléer. Et ma foi, il ne s’en sort pas trop mal, parvenant même à varier son timbre entre gaves et aigus. Depuis, les metalleux ont retrouvé leur ‘frontman’. Qui les accompagnera donc pour la nouvelle tournée.
Si vous êtes amateur de gros son, n’hésitez pas à prêter une oreille attentive à Knights Of The Abyss, même si en fin de parcours, le style souffre d’une certaine monotonie ; mais comment ne pas leur pardonner ces imperfections, lorsqu’on est en présence d’une telle somme de talents tant techniques que créatifs. D’autant que la formation en est encore à ses balbutiements et qu’elle a encore une belle marge de manœuvre devant elle.
A noter que le groupe partira en tournée cet été, en Europe, un périple qui passera par Bruxelles ce 1er août. Il sera accompagné par The Acacia Strain.
Indian Jewerly est une formation issue de Houston dont la musique puise à la fois dans la noisy, le psychédélisme, la drone, le space rock, l’expérimental, le shoegazing, le post rock et l’ambient. Et la liste est loin d’être exhaustive. Instrumentation conventionnelle et technologie moderne font ici bon ménage au sein d’un univers sonore hanté par les spectres de Coil, Amp, Flying Saucer Attack, les Warlocks, Suicide, My Bloody Valentine, Velvet Underground, Jesus & Mary Chain, Can et les ‘Frippertronics’ de… Robert Fripp. Il doit y en avoir d’autres, mais je vous laisse le soin de les découvrir. « We are free ! » constitue leur second opus. Tout au long des quatorze fragments aventureux et visionnaires de cet elpee, Indian Jewelry crée son propre langage sonique, surréaliste, capricieux, excentrique, viscéral et ma foi particulièrement ample. Des compos comme « Walking on the water » et « Nonetheless » évoquent ainsi un Joy Division bruitiste alors que la mélodie sinusoïdale d’« Everyday » aurait pu naître d’une jam session acoustique entre les Mamas & Papas et Syd Barrett. Dans un autre registre, « Hello Africa » nous replonge dans l’univers tribal, hypnotique, funèbre et à la limite du vaudou de David Byrne ; même si les boîtes à rythmes ainsi que l’électronique jouent un rôle majeur tout au long de cette plage. Plus pop, « Pompeii » est tramé dans les cordes de guitare chatoyantes, réminiscentes de Galaxie 500, alors qu’imprimé sur un tempo technologiquement viscéral, « Too much honkytonking » palpite comme à la plus belle époque de Public Image Limited. Probablement le meilleur titre de l’elpee. Qu’il partage avec l’hypnotique, obsessionnel, « Bird is broke (won’t sing), plus krautrock que nature. Une œuvre riche, expérimentale, difficile à assimiler, mais terriblement créative.
Fatigué par son aventure Simply Red, Mick Hucknall a décidé de se faire plaisir en rendant hommage à un de ses vocalistes préférés ; en l’occurrence le chanteur de soul/blues Bobby Bland. On savait que l’ancien leader de Simply Red était friand de reggae (il a financé le label Blood & Fire) mais il est aussi un fana de soul. Dans les cercles Norhern Soul de sa Manchester natale, notre homme ‘tripait’ sur les morceaux torturés de Bobby tandis que ces potes se déhanchaient sur du disco.
Peu connu en Europe, Bobby ‘Blue’ Bland est une figure légendaire du blues et de la soul. Les titres crépusculaires de Bobby traitent souvent des tourments de l’amour. Complice (et chauffeur) de BB King, l’homme a aligné les succès dans les années soixante et septante, avant d’emprunter une direction purement blues, au cours des années 80. Hucknall reprend quelques classiques de l’homme (« Cry, Cry, Cry », « Yolanda », « Chains Of Love », « Stormy Monday Blues », « I Pity the Fool ») et d’autres plages plus obscures comme le très bon « Farther Up The Road » qui ouvre cet album de reprises. Mick Hucknall reste fidèle à l’esprit des titres originaux mais y ajoute sa patte personnelle et notamment des réminiscences jazz et funk. On sent que « A Tribute to Bobby » a été enregistré avec passion, dans la pure tradition des hommages rendus aux ‘maîtres’. Pas mal du tout…
A l’instar de la très célèbre boîte londonienne Fabric, les nombreuses compilations dance Global Underground mettent en scène, depuis novembre 1996, la crème des crèmes des DJ’s et producteurs (Tony De Vit, Paul Oakenfold, etc.) au sein de différentes grandes villes du monde entier. Pour la 34ème de la série, c’est au roi de la house, Felix Da Housecat, qu’est revenu l’honneur de célébrer un Global Underground. Et dans la capitale de la mode, Milan.
On se demande quand même pourquoi n’y avoir pas pensé plus tôt ! Il est vrai que la carrière prolifique et haute en couleurs du DJ et producteur est reconnue sur la scène mondiale electro. Mais en tous cas, on se réjouit de découvrir ce grand bonhomme sur ce GU34- Milan. Et pour cause, il vient de mettre un terme à la baisse de régime constatée sur les précédentes éditions. Le Ricain propose donc sur deux galettes un résumé des meilleurs morceaux du moment et réalise avec beaucoup de dextérité et de magie des mixes sensationnels ; des exercices de style susceptibles de faire danser et même de vous plonger dans un état de transe absolu. House, deep house, techno, le chat de Chicago pose ce qu’il y a de meilleur. Et entre les mixes de Thomas Bangalter (Daft Punk), Benny Benassi, Armand Van Helden, Etienne de Crécy ou encore Boys Noize, on retrouve des compositions du grand Felix qui prouve qu’à l’heure actuelle, il reste bien l’un des DJ’s et producteurs les plus respectés de la scène house. Chapeau l’Artiste !
Portés par le succès de « Puzzle », son quatrième recueil publié l’an dernier, Biffy Clyro propose une bonne petite séance de rattrapage à tous ceux qui auraient fait l’erreur de rater les trois épisodes précédents.
Au cours du premier épisode, diffusé en 2001, le trio débarquait sur la scène emo britannique, sans frapper à la porte. Succès critique immédiat. Le public, lui, ne répond pas présent. Pourtant, « Blackened Sky » était un véritable petit bijou d’inventivité, comme le prouvaient les immenses « 27 », « Justboy », « 54 » et « Joy.Discovery.Invention ». Lors du second épisode, mis à disposition en 2003 et intitulé « The Vertigo Of Bliss », l’assistance pointe timidement le nez. Celle-ci snobera l’intégralité du feuilleton, préférant s’attarder sur le seul extrait qu’elle estimait digne d’intérêt (« Questions & Answers »). L’intérêt se développera réellement lors de la diffusion en 2005 du troisième épisode, « Infinity Land ». Pourtant moins intéressant que ses prédécesseurs, ce dernier permettra à trois de ses extraits de se glisser dans les oreilles du peuple briton (« Glitter And Trauma », « My Recovery Injection », « Only One Word Comes To Mind »). Le succès de ceux-ci n’empêchera pourtant pas l’échec commercial de « Infinity Land ».
Et en 2007, c’est l’explosion. La quatrième partie des aventures de Biffy Clyro, « Puzzle », suscite l’engouement, notamment grâce au splendide « Living Is A Problem Because Everything Dies ». Il s’agira alors de la première œuvre de la formation à se frayer un chemin au sommet des audiences de vente. Ce succès aussi fulgurant qu’inattendu a donc enfin généré l’attention méritée et le trio, pas con, donne aujourd’hui la chance aux retardataires de revenir sur ses traces et découvrir « Blackened Sky », « The Vertigo Of Bliss » et « Infinity Land » à travers les douze chapitres que ces derniers ont engendrés.
Les nouveaux fans qui les ont découverts grâce à leurs prestations festivalières ou en première partie de Bloc Party et Queens Of The Stone Age ou via le terrible « Puzzle », n’ont plus d’excuses. Les Ecossais ont définitivement fait leurs preuves, comme en témoigne cet excellent résumé. Et si le public européen montrait à son tour qu’il a du goût ?
J’avoue toujours avoir eu un petit faible pour cette formation issue d’Athens (Georgie). Et en particulier par ses débuts marqués par des tubes incontournables comme « Rock Lobster », « 606 0842 », « Give me back my man » et puis surtout le remarquable « Planet claire », dont la version longue, qui ouvrait le premier elpee éponyme trotte encore dans toutes les têtes de la génération des eighties. Pourtant, le combo a subi une longue traversée du désert, perdu son guitariste Ricky Wilson victime du SIDA en 1985, avant de rebondir fugitivement fin des années 80, début des années 90 en commettant le hit « Love Shack » et l’album encourageant « Good stuff », pour finalement retomber dans un certain anonymat. Bon bien sûr, il y a eu le départ de Cindy Wilson, l’une des deux vocalistes, remplacée par Julee Cruise, l’écriture ainsi que l’interprétation du thème du long métrage de Steven Spielberg, « Flinstones », un projet solo de Fred très mal accueilli, quelques tournées ainsi que de la sortie de deux singles sans grand intérêt et l’une ou l’autre compile. Mais vu la notoriété des B-52’s, pas de quoi en faire un plat…
Et puis finalement Cindy est revenue pour y partager à nouveau les vocaux avec Kate Pierson et Fred Schneider, responsable de ces fameuses inflexions typiques, déclamatoires. Il aura cependant fallu attendre 16 longues années pour voir sortir un nouvel opus. Un disque enregistré sous la houlette de Steve Osborne (KT Tunstall, Doves). Onze titres qui font davantage appel à la technologie moderne, dont certains sont vraiment de bonne facture (« Pump », « Hot corner », « Ultraviolet », « Love in the year 3000 ») même s’ils n’atteignent pas la quintessence de leur œuvre. Dynamisme, enthousiasme, bonne humeur, insouciance et puis surtout ce beat épileptique qui vous communique instantanément cette envie de danser, alimentent toutes ces plages débordant d’énergie et de fun. Et pour ceux qui l’ignoreraient encore les B-52’s (patronyme choisi à cause des coiffures dites ‘choucroute’ des filles et pas des bombardiers conçus à l'origine pour emporter l'arme nucléaire) se produiront ce vendredi 11 juillet au festival Cactus. Let’s dance !
Weezer est de retour, tout de rouge vêtu ! Après avoir souffert de longs mois d’attente dans l’incertitude la plus totale, les fans peuvent enfin souffler. Rivers Cuomo a enfin recouvré ses esprits et rejoint ses trois acolytes, mettant ainsi fin à son autisme et son escapade solo (« Alone : The Home Recordings Of Rivers Cuomo », publié en décembre dernier). Mené par l’excellent single « Porks and Beans » et son amusant clip vidéo en hommage aux incontournables stars de Youtube, « The Red Album » réunit tous les ingrédients d’un bon Weezer. Un peu comme si la formation n’avait jamais disparue de la circulation, elle revient aux sonorités qui ont fait sa particularité (« Dreamin’ », « Troublemaker »…) L’ironie de l’écriture est cependant ici décuplée. Si bien que le quatuor se rapproche dangereusement de l’auto-parodie (« The Greatest Man That Ever Lived (Variations On A Shaker Hymn) »).
Véritable travail de collaboration, ce nouvel essai se distingue principalement par les quelques morceaux interprétés par d’autres membres du groupe. Ainsi, Scott Shriner (basse) s’égosille sur le très moyen « Cold Dark World », Patrick Wilson (batterie) pousse la chansonnette sur un « Automatic » relativement sympathique et Brian Bell (guitare) y propose « Thought I Knew », morceau initialement destiné à son projet parallèle, The Relationship. Ces contributions tombent pourtant à plat, Cuomo ayant déjà volé la vedette à ses collègues sur les incontournables « Pork And Beans », « Troublemaker », « Everybody Get Dangerous », « The Weight » (reprise de The Band) ou le très joli « Heart Songs ». Weezer effectue donc un joli retour (aux sources), quoique loin d’atteindre la perfection. Mais la consistance et l’efficacité de ce sixième recueil permettront aux fans de patienter les sept années requises avant la sortie du prochain éponyme (jaune ?) !
Du 27 au 29 juin et pour la 19e année consécutive, le festival Couleur Café a dignement fêté les musiques du monde, la diversité culturelle, la solidarité et l’égalité des chances. A l’affiche, quelques pointures telles que MC Solaar, Erykah Badù, Tiken Jah Fakoly, Bernard Lavilliers ou encore Jimmy Cliff. Le ciel, raisonnablement clément, a épargné le site de Tour & Taxis malgré des prévisions peu rassurantes, permettant ainsi aux milliers de visiteurs de profiter pleinement du festival et de toutes ses activités connexes, comme l’expo « Sex & Love », l’inévitable marché et le village ONG rebaptisé Solidarity Village, le spectacle des nombreuses fanfares mobiles, sans oublier une finale de foot sur écran géant.
29 juin : 3ème jour
La dernière journée du festival offrait une affiche moins captivante que les jours précédents. A commencer par les Marseillais de Psy4 de la Rime qui ont investi la scène du chapiteau ‘Univers’ dès 17h. Pas trop client du genre, on doit néanmoins reconnaître que la formation est parvenue à mettre le feu sur les planches devant un public très motivé.
Remplaçant Césaria Evora (NDR : sa tournée a été annulée pour raisons de santé), le collectif Africain Still Black, Still Proud : An African Tribute To James Brown l’a dignement remplacée. Un projet unique, comptant dans ses rangs Cheikh Lô, Pee Wee Ellis ou encore Simphiwe Dana. Le combo a repris à la sauce jazzy et, bien évidemment funky, les meilleurs morceaux de James Brown tandis que la danseuse Wunmi invoquait l’esprit du roi du Funk par des chorégraphies épileptiques dont ce dernier aurait été fier.
Ensuite, les rythmes orientaux de Natacha Atlas nous on laissé de marbre. Faut dire qu’elle n’avait pas l’air très convaincue, non plus. Ni convaincante. Aussi, on est retourné du côté du ‘Titan’ pour accueillir la deuxième formation marseillaise de la journée. Le set de Massilia Sound System, qui se produisait pour la troisième fois à Couleur Café, a tenu toutes ses promesses notamment lorsque la formation a invité l’ensemble du parterre du ‘Titan’ à s’agenouiller avant de le faire sauter et exploser dans des rythmes reggae, rock et raggamuffin.
Et pendant ce temps, où donc est passé le reste de la foule ? Un simple petit coup d’œil à droite de la scène ‘Univers’ répond à la question. Assis à terre devant l’écran géant, une large partie de l’assistance se régale du match Allemagne-Espagne dont le coup d’envoi a été donné quelques minutes avant celui du set du Peuple de l’Herbe. Contraint de choisir entre les deux, on opte pour le début du set retentissant de ces derniers. Et malgré le peu de monde présent sous le chapiteau, ils sont parvenus à nous faire suer à grosses gouttes.
On décide ensuite de clôturer cette édition du festival en compagnie de Jimmy Cliff qui, à l’instar de Kassav’, nous a fait vivre quelques bons moments et revivre quelques excellents souvenirs grâce à ses « Reggae Night », « Many Rivers To Cross », « Wild World » et autres « I Can See Clearly Now ». Une bien belle manière de dire au revoir au festival, qui fêtera ses vingt ans l’an prochain, une nouvelle fois au cœur de Bruxelles. L’exil de Couleur Café vers d’autres terres d’accueil se rapprochant à grands pas, il s’agira donc d’une édition à ne surtout pas manquer !
Du 27 au 29 juin et pour la 19e année consécutive, le festival Couleur Café a dignement fêté les musiques du monde, la diversité culturelle, la solidarité et l’égalité des chances. A l’affiche, quelques pointures telles que MC Solaar, Erykah Badù, Tiken Jah Fakoly, Bernard Lavilliers ou encore Jimmy Cliff. Le ciel, raisonnablement clément, a épargné le site de Tour & Taxis malgré des prévisions peu rassurantes, permettant ainsi aux milliers de visiteurs de profiter pleinement du festival et de toutes ses activités connexes, comme l’expo « Sex & Love », l’inévitable marché et le village ONG rebaptisé Solidarity Village, le spectacle des nombreuses fanfares mobiles, sans oublier une finale de foot sur écran géant.
28 juin : 2ème jour
Une journée qui commence fort, grâce à la prestation énergique de Omar Perry & The Homegrown Band, venu présenter leur premier essai. De quoi mettre tout le monde de bonne humeur avant de se diriger, plein d’appréhension, vers le ‘Titan’. Un sentiment provoqué par la présence de Bernard Lavilliers à l’affiche, artiste que l’on aurait, à priori, préféré voir aux Francofolies de Spa. Ces inquiétudes ont néanmoins été rapidement balayées par le baroudeur qui, l’air de rien, entame un set étrangement enthousiasmant. Une bonne surprise qui ne nous a pas empêchés d’aller jeter un œil du côté des produits du terroir sous le chapiteau ‘Fiesta’ où Monsoon présentait son « The King Of Eyes, Tits & Teeth ». Vraiment peu convaincant, ce set nous a incité à retourner vers le ‘Titan’, afin de profiter des dernières notes du concert de Lavilliers qui entonnait à notre retour le fameux « On The Road Again ».
A 20h, changement d’ambiance. « All U Need Is Zouk ! », tel est le message diffusé par les pionniers de ce genre musical. Et à voir l’ambiance sous le Titan, Kassav’ ne s’y est pas trompé. La formation antillaise a donc effectué son grand retour sur les planches de manière explosive. Que ce soit à l’intérieur ou à l’extérieur du chapiteau, l’ensemble des festivaliers a secoué de l’arrière-train en synchro aussi bien sur les grands classiques de la formation (« Sye Bwa », « Kolé Séré »,…) que sur leurs derniers morceaux extraits de « All U Need Is Zouk ! ». Nostalgie…
Trois quart d’heure après la fin du set de Kassav’, le ‘Titan’ n’a pas désempli. Loin de là. Après s’être produit à deux reprises à l’Ancienne Belgique cette saison, Tiken Jah Fakoly, dans une forme olympique, a fait vibrer Bruxelles pour la troisième fois sur la grande scène du festival. Bondissant constamment d’un côté à l’autre du podium, la star du reggae a fait tourner les têtes de ces dames, sautiller ces messieurs et, surtout, ouvert les consciences sur le problème de l’immigration Nord-Sud, plus d’actualité que jamais comme en témoigne la situation du groupe congolais Konono n°1. L’Ivoirien a démontré en une heure et demie qu’il n’a vraiment pas volé son succès. Une véritable bête de scène.
On quittera cette seconde journée sur le site du festival quelque peu déçu par le set pâlot d’Arsenal, également victime d’un problème de son.
Du 27 au 29 juin et pour la 19e année consécutive, le festival Couleur Café a dignement fêté les musiques du monde, la diversité culturelle, la solidarité et l’égalité des chances. A l’affiche, quelques pointures telles que MC Solaar, Erykah Badù, Tiken Jah Fakoly, Bernard Lavilliers ou encore Jimmy Cliff. Le ciel, raisonnablement clément, a épargné le site de Tour & Taxis malgré des prévisions peu rassurantes, permettant ainsi aux milliers de visiteurs de profiter pleinement du festival et de toutes ses activités connexes, comme l’expo « Sex & Love », l’inévitable marché et le village ONG rebaptisé Solidarity Village, le spectacle des nombreuses fanfares mobiles, sans oublier une finale de foot sur écran géant.
27 juin : 1er jour
On ne se bousculait pas aux portillons du site Tour & Taxis cette année. En dépit d’une fréquentation vraisemblablement moindre, l’ambiance du festival n’a rien perdu de son authenticité. De très larges sourires se sont esquissés sur le visage des visiteurs qui, trois jours durant, ont secoué leur popotin sur les rythmes soul, reggae ou orientaux des 44 artistes à l’affiche.
Après un faux-départ provoqué sous le chapiteau ‘Univers’ par Kery James, dont le R’n’B s’est révélé particulièrement pénible, direction le ‘Fiesta’ où The Caroloregians, formation ska reggae dirigée par des membres de Moon Invaders, sont les premiers à faire danser la foule. Une heure plus tard se produit MC Solaar, sous le ‘Titan’. Très attendu par un public majoritairement ado, voire plus jeune encore, le rappeur français a réjoui les fans de la première heure à coups de tubes comme « Le Nouveau Western », « Qui sème le vent récolte le tempo » ou l’inévitable « Caroline », lancés ponctuellement entre un ou deux extraits de son dernier essai, « Chapitre 7 ». On évitera en revanche d’évoquer les chorégraphies à deux balles des choristes, ponctuées d’une danse du ventre approximative.
Du côté de l’‘Univers’, l’Orchestre National de Barbès a offert à son public un délicieux mélange de musique orientale traditionnelle, de dub, de ska et de rock. Après 5 ans d’absence sur scène, l’orchestre n’a rien perdu de sa pêche, comme il l’a prouvé sur la reprise insolite du « Sympathy For The Devil » des Rolling Stones. Retour ensuite au ‘Titan’ où s’est produit l’une des têtes d’affiche les plus attendues de cette édition. Mais Miss Erykah Badù s’est fait attendre. Si bien que les organisateurs et ses musiciens eux-mêmes ont décidé, pour faire patienter un public légèrement échauffé, de démarrer le concert sans l’interprète principale. On a donc eu droit à une longue intro instrumentale. Vêtue d’une robe argentée et coiffée d’une afro plutôt originale, la diva est arrivée sur scène une demi-heure en retard. Le public lui a tout de même réservé un accueil des plus chaleureux, tandis qu’elle présentait, sans cérémonie, quelques extraits de son nouvel essai, « New AmErykah, Part 1 : 4th World War ». Tout comme MC Solaar, Badù n’a pas oublié ses premiers fans en leur balançant des versions plutôt groovy de ses hits « On & On » ou « Apple Tree ». La princesse de la Nu-Soul s’est donc fait rapidement pardonner grâce à un set efficace et envoûtant.
Triste nouvelle annoncée quelques jours plus tôt, Konono n°1, programmé dans l’antre de l’‘Electro World’ à 22h15, n’était pas de la fête. En cause, un problème de visa qui a empêché le groupe de voyager et donc, d’assurer leurs nombreuses dates estivales. Un problème rejoignant tristement le thème « Clandestino ! » du Solidarity Village…
La journée s’est clôturée sur fond de hip hop cubain. Celui d’Orishas. Un set un peu plat, souffrant en outre, d’un léger problème de son. Sans trop s’essouffler sur scène, la formation n’a pas vraiment donné le meilleur d’elle-même. On l’a alors imitée en se dirigeant doucement vers la sortie, non sans passer par les ‘Rues du Bien Manger’, où les saveurs culinaires du monde entier se mélangeaient et donnaient l’irrésistible envie de tout goûter.
Mais que se passe-t-il au sein de la plus grosse machine anglaise (après Iron Maiden) d’authentique metal lourd ? Déjà, le nouveau logo sur l’artwork très réussi de « Nostradamus » interpelle et trahit un signe de changement radical. Responsable d’une mode vestimentaire dans l’univers du heavy metal, le combo se livre ici à l’exercice périlleux du concept album, une formule déjà maintes fois explorée. Une double plaque, vingt-trois titres, pour un total de près de 103 minutes de zique.
Mais à l’issue de l’écoute de cet opus aussi attendu qu’un Beaujolais nouveau, on en vient à se demander si le Priest ne cherche pas à saborder son navire. A moins qu’il ne tente de battre le record du monde du Cd le moins vendu de toute l’histoire du hard rock. Car les fans d’Halford et consorts ne se reconnaîtront jamais dans cette nouvelle livraison produite par la paire Tipton/Downing. Une erreur qui pourrait se révéler fatale. Le regard d’un producteur extérieur aurait peut-être permis au groupe d’embrasser de nouvelles perspectives, sans pour autant renier sa fabuleuse marque de fabrique.
Si la voix d’Halford demeure quasiment intacte, les nombreuses interventions de claviers –assurées par le brillant Don Airey– sont à ce point envahissantes qu’elles noient celles des autres musiciens. Pourtant, des titres comme « Prophecy » et le plutôt bien foutu « Revelations » présentent la meilleure facette de « Nostradamus » ; mais la suite proposée sur le premier skeud est loin d’être réjouissante. L’ambiance nécessaire à un tel sujet ne colle absolument pas, et le ‘grand prêtre’ perd sa crédibilité. Plutôt que d’inciter à headbanger furieusement, « War » et « Pestilence and Plague » provoquent bâillements et suscitent l’ennui.
La première rondelle s’achève, mais on est loin d’être au bout de ses surprises. On espère que Judas va enfin balancer la purée, comme à l’époque bénie de « Painkiller » ou de « British Steel ». Mais gare à la claque ! Il faut attendre la fin de la huitième plage, toutes d’une mollesse invraisemblable, pour se prendre en pleine poire deux morceaux indéniablement efficaces. Le choc ! Le titre maître et « Future of Mankind » marquent le retour des guitares acérées et d’un chant agressif, jusqu’à présent, beaucoup imité mais jamais égalé. Un réveil quelque peu mouvementé après ce long passage à vide…
Manifestement, « Nostradamus » aurait pu jouir d’un certain crédit s’il était paru sous la forme d’un projet parallèle. Ou encore, récolter une meilleure évaluation, si le combo s’était limité à sélectionner les meilleurs compos des deux plaques.
Trop ambitieux ou suicidaire ? « Nostradamus » restera pour longtemps, aux yeux des fans purs et durs, une erreur dans la carrière d’un des groupes les plus brillants de toute l’histoire du heavy metal. Néanmoins, nous conseillerons aux plus jeunes de ne rater leur prestation au Graspop Metal Meeting, sous aucun prétexte. Sur scène, Priest demeure une référence absolue !
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Né dans le New Jersey, Walter fréquente les routes du rock et du blues depuis plus de 35 ans. Et il faut reconnaître que sa détermination n’a jamais été prise en défaut. Il se rapproche doucement du troisième âge, mais sa musique vibre toujours comme à ses débuts. C’est en 1991 qu’il avait effectué son apprentissage du blues. A Los Angeles. En accompagnant les dieux locaux du blues, Pee Wee Crayton, Lowell Fulsom et Percy Mayfield. Une situation qui va lui permettre de devenir successivement gratteur attitré au sein du Canned Heat et des Bluesbreakers de John Mayall. Depuis l'homme a accompli du chemin. Il sème son rockin' blues pur et dur et en récolte beaucoup de succès. Et à ce jour, il a commis une belle série d'œuvres personnelles. Produit par John Porter (BB King, Los Lonely Boys,…), "Outsider" est découpé en treize compos signées de sa plume.
Walter débute en puissance par "Welcome to the Human race", une chanson autobiographique. Saturée de décibels, l’expression sonore bouscule tout sur son passage. Pourtant, le message véhiculé est grave, presque dramatique. Les musiciens de base du WT Band affichent une solide cohésion. Hutch Hutchinson et Kenny Aronoff forment une section rythmique en béton. Cette assise permet au leader de laisser échapper une cascade de notes largement amplifiées. "The next big thing" opère un changement radical de décor. Enfin, au départ. Walter joue d'abord en acoustique et sa voix adopte des inflexions clairement southern rock! Cependant, la machine de guerre se réveille rapidement ; et confessons que dans le genre, c'est bien foutu. Cette plage s’achève par des notes aériennes torrentueuses. "All my life" est un morceau tout à fait étonnant. Du tex/mex/folk participatif impliquant guitare acoustique et accordéon. Le tout généreusement soutenu par les chœurs des musiciens. Une belle preuve que Walter est susceptible d’amuser la galerie. "The love song of J. Alfred Bluesrock" est un shuffle dur, trempé dans l'acier inoxydable. Sammy Avila se bat comme un forcené avec son orgue Hammond. Le guitariste crache des flots de lave sonore comme un damné. Et dans cet état d’esprit, Trout vous possède! Walter a une bonne voix ; mais elle colle surtout bien au rocker. Il le démontre sur "Don't wanna fall". Titre puissant, "Child of another day" révèle une autre surprise : l’intervention d’un harmonica. Le flux continu d’accords nous rappelle le désormais populaire Jason Ricci. Il prête son concours au Trout Band. Une lutte à couteaux tirés s’établit entre les cordes et l'harmo ; et c'est à celui qui produira le plus grand nombre de notes! Le vocal passionné de Walter convainc sur "The restless age", un rockin' blues de choc profilé sur un riff stonien. Pour la circonstance, le Néo-orléanais John Cleary apporte son concours au piano. "Gone too long" réverbère des sonorités de guitare dignes de Carlos Santana. Les percussions sont rigoureuses et l'orgue B3 d'Avila très présent. Les quelques plages plus calmes et partiellement acoustiques ne sont pas de mauvaise facture, mais elles dénotent dans l’ensemble. Ce n’est pas vraiment du Trout ! Honnêtement, je préfère largement un titre comme "Can't have it all", caractérisé par son puissant riff à la Muddy Waters! Le producteur John Porter se réserve la partie de basse sur "San Jay", un fragment d'inspiration indienne. Une impression accentuée par la présence d’instruments indiens et d’une six cordes aux accents psychédéliques. Walter achève l’opus par le titre maître. "The outsider" c’est l'étranger, l'exclu. Saturé d’électricité, cet excellent blues lent baigne au sein d’un climat dramatique. Et c’est d’ailleurs sous cette forme que Trout est capable de nous livrer le meilleur de lui-même.
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