Les Pretty Things ont décidé de fêter leur quarantième anniversaire. Chez eux. En Angleterre. A Brighton très précisément. Ils s’y sont donc produits en public. Mais quelle aventure! On y retrouve le chanteur/percussionniste Phil May, les guitaristes Dick Taylor et Frank Holland, le bassiste Wally Waller, le claviériste/harmoniciste/vocaliste Jon Povey ainsi que le drummer Skip Allan
Les Things ouvrent le set par quelques une de leurs perles sculptées dans le R&B et enfilées à leurs débuts : le "Roadrunner" de Bo Diddley et le célèbre "Don't bring me down". Ils enchaînent par un de leurs titres phares issus de leur période hard pop rock : "Havana Bound". Un extrait de "Freeway madness", paru en 1973. « SF Sorrow » remonte à 1967. Il constitue un des moments les plus importants de leur carrière. Le tout premier opéra rock qui allait marquer, à l'époque, leur immersion dans la musique psychédélique. Ils sont demeurés, manifestement, très à l'aise au sein de cette atmosphère. Et les interventions judicieuses de Dick Taylor n’y sont pas étrangères. De cet opus légendaire, le titre maître, "Balloon burning" et "Baron Saturday" ont été retenus. Les Pretty Things ont toujours aimé jouer le blues sur les planches. Ce n’est donc pas une surprise lorsqu’ils s'attaquent ici au classique "Hoochie Coochie man". Pour la circonstance, ils ont invité un ami : le redoutable Arthur Brown. Oui, oui, celui qui appartenait au ‘monde fou’ ; ce chanteur extraordinaire responsable du hit devenu classique "Fire". Quelle époque! Il a toujours l'air aussi déjanté notre Arthur! Et Dick de s'éclater à la slide! En 1970, le combo avait commis "Parachute". Un elpee d’une grande richesse qui était malheureusement passé inaperçu. Et pourtant, son rock post psychédélique lorgnait aussi vers la musique dite progressive. Les Things n’ont pas oublié cet épisode de leur existence et en interprètent "Cries from the Midnight Circus" ainsi que la trilogie "In the square/The letter/Rain". En fin de parcours, ils replongent dans l’univers de leurs vieux classiques : "Judgement day", "LSD", "Rosalyn" et la cover de l’incontournable "Route 66" des Rolling Stones ; des potes à leurs débuts, soit dit en passant. Une manière de retrouver leurs racines garage et en même temps comprendre qu’ils étaient quasi-punk avant la lettre ! De toute bonne facture, ce concert démontre que les Pretty Things ont toujours bon pied bon œil… L'album est double. Il est disponible sous la forme du Dvd et du Cd.
Fondé en 2006, ce quatuor mancunien vient d’enregistrer son premier opus. Un disque produit par Stephen Street (Smiths, Morrissey, Blur, etc.) et dont la musique dérive quelque part entre Kaiser Chiefs, Hard-Fi, Kasabian, The Killers, les Kooks et Shed Seven. Malheureusement, ni le premier morceau, « Aftershow », caractérisé par des cordes de guitare bringuebalantes, ni le vivifiant « Kings of the new world », ne parvient pas à maintenir le navire à flots. D’autant plus que le reste des compos souffre d’un manque cruel de mélodie. En outre teintés d’amertume, de mauvais goût et de cynisme, les lyrics reflètent le machisme plutôt déplacé du chanteur/compositeur, Liam Fray. En réglant ses comptes avec le sexe opposé, à la manière des groupes de métal des 80’s, il en devient pathétique. Et son timbre laconique, emphatique ainsi que son accent épais finissent par couler l’embarcation. Pas la peine d’essayer de jeter une bouée de sauvetage ni d’invoquer le Saint des causes perdues (« St. Jude »), l’épave croupit déjà au fond de l’océan.
Au beau milieu des eighties sont nés des tas de groupes affublés de patronymes les plus ridicules les uns que les autres : Half Man Half Biscuit, Pop Will Eat Itself, The Men They Could'nt Hang, Gay Bykers On Acid et bien sûr Camper Van Beethoven. A la tête de ce combo : John Lowery. Un compositeur/chanteur dont les lyrics étaient souvent empreints d’humour dadaïste. Un peu dans l’esprit d’un certain Frank Zappa. Et puis un violoniste français établi en Californie : Jonathan Segel.
La formation va se forger une réputation légendaire, au sein du milieu underground, en commettant toute une série d’albums les plus éclectiques les uns que les autres et puis quelques hits dont le notoire « Take the skinheads bowling », un titre qui sera repris plus tard par le Manic Street Preachers et surtout le Teenage Fan Club. La version de ces derniers ayant d’ailleurs été retenue pour figurer sur la bande sonore du film de Michael Moore, « Bowling for Columbia ». Sans oublier l’ondoyant « Good guys and bad guys ». A l’origine la formation était même considérée comme issue une émanation de la scène dite ‘college’. Et puis le combo va aligner les elpees ; mais en ne s’écartant jamais de son objectif premier : l’originalité. Une originalité née d’un mélange de styles souvent forts divergents : country, cajun, ska, new wave, folk, punk, musique d’Europe de l’Est, psychédélisme, raga indien et j’en passe. Le groupe va cependant splitter en 1990, après le départ du violoniste, et Lowery va se lancer dans l’aventure Cracker. Quoique fort intéressante et ponctuée par le tube « Low », son nouveau projet ne tiendra cependant pas la route. Si bien que le combo décide de se reformer en 2000. Et en registre « Tusk » en 2002 et « New roman times » en 2004. « Popular songs of great enduring strength and beauty » réunit 18 morceaux représentatifs de leurs presque 25 ans de carrière. On y retrouve les grands standards susvisés, ainsi que des morceaux aussi caractéristiques que « Skinhead stomp » (NDR : le « Night boat to Cairo » avant l’heure de Madness), le délicat et loufoque « ZZ Top goes to Egypt », balayé par ces interventions de violon tellement graciles, l’étonnant reggae psyché « Seven language », le trip hallucinatoire « Circles », l’enjoué « Border ska » ou encore le contagieux « The day that Lassie went to the moon », parcouru par ces fameux claviers ‘vintage’.
Cinq titres de « Our beloved revolutionary sweetheart » (1988) et de « Key lime pie » (1989) ont été totalement réenregistrés. Et pour cause, Virgin a refusé de revendre les droits des chansons à leurs auteurs. Suffisait donc de retourner en studio pour les réinterpréter. Et surtout fallait oser s’y risquer. Et comme les nouvelles versions remasterisées sont encore meilleures… Tiens, si vous vous demandez où Tapes’ n Tapes et Vampire Weekend puisent leurs sources d’inspiration, ne cherchez plus ! Ecoutez ce disque, vous y trouverez la réponse…
Confirmation, Bruce Gilbert a donc bien quitté le navire. Et si l’ex-Laika, Margaret Fiedler McGinnis, le remplace en live, sur disque, le line up est bien réduit à un trio. Un peu comme lorsque Robert Grey (alias Gotobed) avait décidé de prendre congé du groupe début des années 90. A l’époque, la formation s’était rebaptisée Wir. Alors pourquoi pas Wie, Wre ou encore Ire ? Probablement, parce que ces patronymes manquaient de symbolique susceptible de rappeler leur identité originelle.
Bref, venons-en à leur nouvel opus. Il s’intitule « Object 47 » parce qu’il s’agit de leur 47ème enregistrement, en tenant compte des albums, Eps et compilations. Par contre, on est bien en présence de leur 11ème elpee. Neuf titres en 35 minutes. Ce qui change de leurs opus prolixes. Autre métamorphose importante, l’aspect pop est davantage mis en évidence. A l’instar de l’hymnique « One of us » qui ouvre le disque. Refrain et couplets sont tout aussi contagieux. Le groove de basse est puissant. Le climat à la fois allègre et menaçant. Un titre hyper mélodique et dansant qui mériterait de faire un tube ! Tout aussi pop et dansant, « Mekon headman » est néanmoins plus dense ; et les guitares en couches s’inscrivent davantage dans l’esprit de « Pink Flag ». Enfin, dans le même registre, on relèvera encore la présence de « Four long years ». Imprimée sur un mid tempo, cette plage ténébreuse a davantage recours à l’électronique. Un style électro qui contamine totalement « Hard currency », un morceau obsessionnel, semi indus, semi trip hop, qui aurait pu naître d’une rencontre entre Massive Attack et Jesus Jones. Reptilien, lancinant et de mauvaise augure, « Circumspect » renoue vaguement avec l’ère du ‘baggy’. « Are you ready » nous entraîne dans une danse macabre. Le rythme est asymétrique. La basse pulsante. Et le message ouvertement politique. Plus étonnant, « Patient flees » évolue sur un tempo particulièrement lent. Si les cordes de guitare sont vibrantes, la ligne de basse est paresseuse et profondément dub. Quant aux vocaux, mi-chantés, mi-déclamés, ils épousent à nouveau une forme hymnique. Deux titres plus punks quand même. Tout d’abord « Perspex icon », même si les harmonies vocales contrastent par leur limpidité. Et puis le morceau final, « All fours », une compo sur laquelle Page Hamilton (Helmet) est venu déverser ses rafales de feedback ; la voix de Colin Newman posant des tas de questions et sa gratte se chargeant d’y répondre. Un titre menaçant, âpre, frénétique, qui aurait pu d’ailleurs figurer sur l’album « Send ». Autre évolution, les (backing) vocaux de Graham Lewis sont bien plus présents et apportent davantage d’équilibre aux mélodies. Maintenant, il faut reconnaître que la nouvelle orientation de Wire semble de plus en plus dictée par Colin Newman. Ce qui explique que parfois, en écoutant cet « Object 47 », on a l’impression de retrouver l’univers sonore de Githead.
C’est déjà le quatrième et dernier jour du festival. Il doit être 15 heures. Nous croisons autant de personnes qui arrivent que de campeurs pliant bagage. La moyenne d’âge est aussi plus élevée. De nombreux riverains du site ont été invités par le Bourgmestre. Ils en profitent pour faire leur petit tour. Résultat, en ce début d’après-midi, l’ambiance au sein du public est plutôt calme.
Ce calme est toutefois de courte durée. Moins d’une semaine après avoir vécu un séisme de degré trois sur l’échelle de Richter, les terres douroises tremblent à nouveau ; mais sur celle de Lofofora cette fois-ci, une des grosses pointures du hardcore français. Après avoir commis un excellent opus, intitulé « Dur comme fer », les Parisiens ont un peu tourné en rond. Le public d’ailleurs aussi. Mais à leur manière, puisque les ‘circle pits’ et autres pogos n’ont pas tardé à se déclencher. Pourtant, le set manque de subtilité. Tout comme les commentaires du vocaliste Reuno, par ailleurs. Mais les nombreux fans, dont notre Ponpon, ne leur jettent pourtant pas la pierre.
Au sein de Heavy Trash, Jon Spencer ne fait plus dans le Blues Explosion, mais plutôt dans le rockabilly. Il est secondé par Matt Verta-Ray (du groupe Speedball Baby). Bien que toujours très énergique, la prestation ne parvient pas à capter l’attention de la foule, sans doute fatiguée par quatre jours de réjouissances. Jon a beau être enthousiaste, ses ‘Oh Yeah !’ ne sont guère partagés. Maintenant, il est vrai que leur set était peut-être programmé un peu trop tôt dans l’après-midi…
Efterklang est un ensemble danois. Dans leur langue, ce terme se traduit par résonance ou réminiscence. Sur scène, leur mélange de post-rock, d’électro et de cuivres passe plutôt bien la rampe. Imaginez un peu 7 musiciens en tenue (négligée) de mousquetaires. Le spectacle assez plaisant rappelle quelque part leurs voisins d’I’m from Barcelona. Mais leur univers multi-instrumental est plutôt bordélique. Et seules les oreilles averties parviendront à tenir la distance. En outre, vu la programmation chargée de ce dimanche, on préfère zapper.
Le festival de Dour ne manque jamais d’artistes à découvrir. Tout dépend de sa culture musicale. Lorsqu’un ami ou un journaliste (l’un n’excluant pas toujours l’autre) nous recommande un groupe ou un musicien, notre curiosité nous pousse à s’y intéresser. Et à se rendre jusqu’au podium pour se faire sa propre opinion. C’est le cas de Chrome Hoof et de Why ? Les premiers pratiquent un rock inclassable, dont le style navigue quelque part entre les Bellrays (NDR : aussi déjantée, leur chanteuse est également de couleur noire) et Siouxsie. Le second ne nous botte pas trop. Why ? est un autre bidule à tendance hip-hop. Nos conseillers nous confient cependant que la prestation douroise est loin de celle accordée dans le cadre des dernières Nuits du Bota.
La toute grosse foule se masse sous le Dance Hall. Et même à l’extérieur. Didier Super jubile. Il faut dire que son humour énième degré cadre bien avec le festival. Son rock provoc’ fait toujours autant recette. Il vilipende constamment son public, notamment sur la pédophilie en Belgique ; et ses musiciens font même mine de le quitter, fâchés. Mais ce scénario n’est évidemment qu’une mise en scène bien huilée. Un des deux plus grand succès de foule ce dimanche (Alpha Blondy, programmé plus tard en soirée, sera l’autre), avant la première réjouissance, musicale cette fois-ci, de l’après-midi.
Au début des années 60 Buddy Holy signait « Rave on ». Ce tube a inspiré The Raveonnettes, une formation qui nous replonge dans l’histoire du rock’n roll. Et parfois plusieurs décennies, auparavant. Même si le fil conducteur semble s’attarder vers la fin des 80’s et le début des 90’s ; et nous rappeler en particulier des combos comme Jesus and Mary Chain ou Slowdive. Première surprise, ce n’est pas la délicieuse blonde Sharin Foo qui monte sur les planches. Mais sa sœur Louise. Sharin est enceinte. Les frangines possèdent un physique à nous rendre Foo. Louise ressemble à Kirsten Dunst (n’oubliez pas notre section ‘Live photos’). Elle est membre du collectif Ohmarymary. Plus réservée, sa tonalité vocale est tout aussi sensible ; mais son timbre est parfaitement complémentaire avec celui de Sune Rose Wagner. Les échanges d’harmonies vocales sont d’ailleurs savoureux. Bref, le spectateur ne perd pas au change. On a l’impression de déguster un bon homard arrosé d’un Bordeaux-supérieur. Enfin, un spectacle apprécié de bout en bout, même si les aficionados nous confieront qu’en salle, flanqué de la chanteuse principale, c’est encore mieux.
Autre régal de la soirée : Fujiya & Miyagi. Retenez bien leur nom : Fujiya & Miyagi ! On ne peut pas parler de coup de cœur, car on avait déjà pu assister à leur set accord au Pukkelpop, l’année dernière. Mais d’une confirmation. On est bien en présence d’un des meilleurs groupes découverts lors de ces deux dernières années. Le club circuit Marquee n’est pourtant qu’à moitié rempli, mais tous les spectateurs manifestent de l’enthousiasme, même ceux qui, comme nous, prennent le concert en cours de route. L’ombre de Yo la Tengo plane encore sous ce chapiteau qui les avait accueillis deux ans plus tôt. Surtout lors du final d’une durée, quand même, de plus de 10 minutes. Avant que le public n’applaudisse chaleureusement le départ du trio anglais.
Il est déjà 22h30. La foule est beaucoup plus conséquente. Certains festivaliers se seraient-ils réveillés tardivement ? Ou alors la présence d’Alpha Blondy focaliserait-elle un nombre très élevé de spectateurs. Déjà gâtés les jours précédents, les fans de reggae s’en donnent à cœur joie. De son véritable nom Seydou Koné, Alpha Blondy est en effet une des plus grandes figures du genre africain. Et dire que c’était déjà la troisième fois qu’il faisait honneur à Dour. A 55 ans, il n’a rien perdu de sa verve, arborant même fièrement un tee-shirt ‘sex machine’. Ambassadeur de la paix dans son pays, la Côte d’Ivoire, il se démène sans compter pour conduire son combat. Il est bien soutenu par deux choristes. Les mêmes que celles épaulant son compatriote Tiken Jah Fakoly, me semble-t-il…
La soi-disant ‘tête d’affiche’, pour autant que l’on puisse l’appeler ainsi, était Gogol Bordello. Ce groupe multiculturel résume à lui seul l’atmosphère du festival. Un sacré mélange des genres. Un foutu bordel mais qui a du style et de la pêche. Bref, une recette idéale pour faire la fête. Il ne faut que quelques minutes au leader Eugène Hütz pour électriser les premiers rangs. « Not a crime » sonne le départ d’un cortège incessant de slams et pogos. Pendant « Start wearing purple », la moitié de l’assemblée jumpe. Le final est un peu long. Plus d’un quart d’heure. Un massacre du pourtant sublimissime « When The Trickster Starts A-Poking ». Mais bon, vu l’ambiance, personne ne semble s’en soucier. Bonne nouvelle pour les nombreux aficionados, ils reviennent le 17 décembre 2008 au Splendid de Lille, au terme d’une tournée qui les mènera de Tokyo à Montréal en passant par Moscou. Le tout, en moins d’une semaine. Quelle santé !
Quant à nous, il est temps de penser à la route du retour. Emprunter ces fameuses passerelles casse-gueule à la sortie du site, après cette journée marathon. Heureusement c’est aussi celle de la clôture.
P.S. : Je me permettrai quand même d’ajouter un petit commentaire au sujet de l’ambiance qui a pourri le set des BB Brunes. En toute franchise, je dois avouer ne pas être trop branché par leur univers sonore. Lors de leur prestation, j’ai pris un certain recul. Au propre comme au figuré. Mais quel triste spectacle ! Pas celui accordé par le groupe, qui ma foi lorgne davantage vers le rock qu’un vulgaire ‘boys band’. D’ailleurs, la veille, dans le cadre des Francos de Spa, il avait récolté un franc succès, lors. Mais à Dour, les applaudissements étaient largement dominés par les lazzis ; si bien que la formation a dû se produire dans une cacophonie indescriptible. Aussi, je me demande qui est le plus immature ? Les jeunes ados ou cette frange du public dourois qui, après Patrick Juvet et Diam’s, a jugé bon de balancer une série de projectiles vers la scène. Le problème c’est qu’ils n'ont pratiquement jamais atteint leur cible, mais plutôt les spectateurs des premiers rangs. Dont de nombreux jeunes qui participaient pour la première fois à ce festival. Quel souvenir garderont ces ados de Dour ? Auront-ils envie d'y revenir ? Et que penser de ces médias (y compris le site officiel live.dour) qui se sont contentés de tirer à boulets rouges sur le groupe sans remettre un instant en question l'attitude du public. ‘BB cadum ? Dur dur d'être BB’ titrent-ils ? N'empêche les BB Brunes sont parvenus à tenir tête à leurs détracteurs et ont démontré qu’ils ne manquaient pas d'humour. Tout d’abord en respectant leur timing (NDR : dans ces conditions, difficile d’accorder un quelconque rappel). Ensuite, en leur rétorquant qu’ils étaient incapables de viser correctement. Faut croire que ces ‘hooligans’ qui dansaient la farandole sur des reprises d'Abba, le mercredi soir, jugeaient sans doute leur comportement plus branché... Tout est question de point de vue…
Cloud Cult (traduisez 'Le Culte des Nuages') n’est pas né de la dernière pluie. Les premières traces de son existence remontent d’ailleurs déjà à 1995. En outre, « The meaning of 8 » constitue déjà son septième opus. Un disque paru en 2007, mais qui vient seulement de nous parvenir. Faut croire qu’il a traversé l’Atlantique à la nage. Pas une mince affaire, lorsqu’on sait que la formation est issue d’Amérique du Nord. De Toronto très exactement. Ô, ce n’est pas un reproche. D’ailleurs une traversée à la nage est bien plus respectueuse de l'environnement qu’un trajet par avion. Faut dire que ce combo a fait de l'écologie son cheval de bataille. Aussi ce détail a son importance. Un combat authentique. Certainement plus authentique que celui de Radiohead qui ne souhaite plus mettre les pieds dans un festival, s’il ne dispose pas d’une station d'épuration à côté des toilettes chimiques de l'espace camping… Je n’ai pas l’intention de débattre de cette épineuse question. Je ne suis pas payé pour juger la philosophie des artistes (NDR : je ne suis pas payé du tout notez bien, le plaisir de nos chers internautes est un salaire amplement suffisant pour votre serviteur), mais tout simplement donner une appréciation sur une œuvre artistique. En l’occurrence l’album « The meaning of 8 » de Cloud Cult. N’empêche, on peut quand même se demander si ce type de militantisme n’est pas un effet de mode ? Pour répondre à cette question, la réponse est peut-être à trouver du côté de l’écurie. Earthology Records est un label écologique, indépendant et sans but lucratif, mis sur pied pour distribuer la musique de Cloud Cult, au grand dam des majors, qui ont plus d'une fois essayé de débaucher le groupe…
Actuellement, le line up de Cloud Cult implique sept membres dont Connie Minowa et Scott West, deux artistes qui peignent des toiles sur scène lors des exhibitions ‘live’, et puis Craig Minowa, le leader/chanteur du groupe. Dans l'ensemble, cet album épouse un profil bucolique. La toute première plage concède même des airs héroïco-fantaisistes qui devraient plaire aux amateurs du genre. Mais en général, il faut reconnaître que Cloud Cult semble avoir davantage puisé son inspiration au sein des profondeurs chtoniennes que dans les nuages... Ce n'est pas une critique, loin de là, mais un constat. La mélodie est tellement consistante, pesante même, que toute tentative d’effet aérien en est gommé. D’ailleurs, en conjuguant efficacité, charme et maîtrise, les premiers morceaux laissent présager une œuvre de toute bonne facture. On imagine fort bien le petit faune reproduit sur la pochette de l'album danser et chanter en s’accompagnant à la guitare. Les effets choisis pour colorer chaque plage sont aussi séduisants que convaincants et ils finissent par nous persuader de danser comme des damnés sur une colline, après s’être coiffé d’une couronne de coquelicots. « Brain Gateway » semble même avoir été écrit pour inviter les arbres de nos forêts à s’agiter. Et des morceaux comme « Brain Gateway », « Take Your Medicine » ou encore « Dance For The Dead » constituent probablement les meilleurs morceaux de cet opus.
Passé ces sommets, plus rien... Nous en sommes pourtant à la onzième compo. Et on a l’impression que l’œuvre ne parvient pas à trouver son second souffle. Il faut dire que l'album est particulièrement copieux : dix-huit plages. Aussi après l'émerveillement provoqué par les morceaux de la première partie de l’elpee, on a la sensation de retomber sur terre. Les petites astuces susceptibles de nous faire mousser lorsqu’elles étaient inédites, ne parviennent plus à nous surprendre ; et elles finissent même par lasser. Surtout quand elles sont déclinées dans tous les modes majeurs et mineurs. En fait, la seconde partie de l'elpee a un goût de réchauffé. En outre, la solution sonore souffre d’effets electro surfaits lorsqu’elle ne vire pas au noise. Quand à l'esprit champêtre, il s’est tout simplement volatilisé. Les rares trouvailles sont trop fugaces pour véritablement accrocher
Sur un disque, on peut bien sûr admettre que certains passages soient moins inspirés que d’autres. Mais dans le cas présent, il s’agit quand même d'une bonne moitié de l'album, c’est-à-dire près d'une dizaine de morceaux ! A se demander pourquoi le combo a concocté un album marathon, alors qu’en se contentant de la quintessence, il nous aurait comblés. En gros, douze chansons rondement menées et tout le monde était content.
Penchons nous maintenant sur le titre de cette septième production : « The Meaning Of 8 ». La signification du chiffre 8 a déjà fait couler beaucoup d’encre. On découvre sur la (jolie) jaquette du cd une dissertation digne d'une entrée du Dictionnaire des Symboles sur le sens du chiffre 8, à travers toutes les cultures de l'humanité. On effectue le tour du globe. Un périple qui fait escale tour à tour chez les Hindous, les Grecs, les Chrétiens et les Musulmans. Sans oublier d’aller jeter un œil du côté des Amérindiens. La lecture est très enrichissante. Le chiffre 8 est un symbole cosmique universel. Il possède sa signification dans toutes les religions de l'humanité et il est judicieux de rapprocher ainsi tous les gens qui peuplent la terre. Je reste cependant plus sceptique sur la pertinence de ce message par rapport à l’opus. Car après avoir écouté très attentivement les textes des compos, je dois avouer ne pas avoir rencontré de thèmes particulièrement évocateurs à ce sujet. Et je pense tout particulièrement à la 'division de l'univers en 8 parties' selon les Grecs ou 'du lieu qui gît derrière le monde physique' au sens hébreu du terme... Bref, il n'y a rien de mystique ici et la signification de 8 est sans doute à rechercher ailleurs…
Les Francofolies de Spa : on s’y sent bien et on y revient. Une ambiance bon-enfant, un centre ville agréable. Sans oublier notre séjour dans une auberge (Mambaye) sympathique, sise en plein cœur d’un parc naturel irrigué de sources. Autant de bonnes raisons de vouloir s’attarder sur place ; mais notre séjour doit (déjà) s’achever et l’heure du bilan a sonné.
Au rayon des tops du festival on épinglera :
1) une équipe des relations publiques aux petits soins pour les médias
2) l’accessibilité globale du site et les facilités prévues pour les personnes handicapées
3) des artistes sympathiques et disponibles comme Stephan Eicher ou Maurane
4) l’hystérie des ados pour les BB Brunes.
Au rayon des flops en revanche on regrettera:
1) le service de sécurité en front stage, un peu trop militaire.
2) l’exiguïté du parc (Village Francofou).
3) la sélection des photographes opérée par les agents des têtes d’affiche qui ne se sont soucié que de quelques médias.
4) l’hystérie des ados pour les BB Brunes (nos tympans en souffrent encore).
Entamer son après-midi par un set de Daniel Darc peut s’apparenter à de l’autodestruction. Ou du moins à se plonger dans le spleen alors que le soleil fait enfin son apparition. Le contraste est bien présent, car non seulement le Français est tout de noir vêtu, mais ses musiciens –brillants par ailleurs– ont décidé de nous plonger au sein d’une ambiance presque funèbre. Seule une minorité du public semble accrocher (NDR : normal puisqu’il est constitué en majorité d’ados et de leurs parents qui attendent les BB Brunes). Il aurait peut-être été préférable de programmer ces BB à la place de l’ex-Taxi Girl, pour permettre aux enfants d’aller se coucher plus tôt, et ainsi permettre au Parisien de s’adresser à une audience plus avertie. Quoiqu’il en soit, nous apprécions beaucoup l’auteur/compositeur de « Crève-cœur » et « Amours suprêmes ». Et on n’a certainement pas envie de le bouder. Le grand-public, lui, attend la fin du show pour se réveiller. Pas difficile, puisqu’il est marqué par l’interprétation de « Chercher le garçon »...
Mais la grosse surprise de cette journée est venue de Benjamin Biolay. On craignait le pire pour l’ex-gendre de Catherine Deneuve, surtout en voyant le parterre de midinettes blondes agglutinées aux premiers rangs. Mais tirons rapidement un trait sur ses (anciennes) frasques, et sur le prix d’entrée démesuré qu’il exigeait, il y a quelques années, à l’AB. La plus belle preuve ? Pour son spectacle, on est libre de toute contrainte photo (NDR : chouette, il est agréable de pouvoir faire son boulot, sans entrave). Et sa tenue décontractée, lorsqu’il monte sur les planches, gomme nos à-priori ‘people’. La formule minimaliste du line up (NDR : uniquement un claviériste et une guitariste) est destinée à mettre en exergue le chant. Sur « Laisse aboyer les chiens » sa voix s’envole même, telle une colombe libérée de sa cage. Un timbre qui tantôt rappelle Miossec, tantôt pastiche Gainsbourg, surtout lorsqu’il tient une clope à la main. Protégé par les arbres du parc Francofou, la douceur d’un climat s’installe, le public s’approprie les émotions et s’emballe même sur « Dans la Merco Benz ». Benjamin Biolay nous a vraiment fait passer une fin d’après-midi inoubliable.
BB Brunes peut définitivement être catalogué de groupe d’ados. Ses membres viennent juste de passer l’âge de la majorité, mais la voix du chanteur Adrien a du mal à muer. Espérons juste pour les BB que la chute ne sera pas aussi rapide que leur ascension (NDR : en moins d’un an ils sont passés du club de l’AB à Forest National). Et évoquons surtout ce jeune public spadois, qui leur vole la vedette. Ils étaient déjà des milliers d’aficionados à faire la file au stand de dédicaces, une bonne heure avant le show. Des jeunes filles de 15 ans de moyenne d’âge, en larmes, qui téléphonent à leur ami(e)s pour leur raconter ‘je les ai vus, ils sont trop beaux, le chanteur m’a même regardé et fait un sourire, hiiiii’. Avant même que le concert débute, la sécurité et la croix rouge doivent mettre les bouchées doubles. En cause : les nombreux évanouissements de fans qui ne se sentent plus. Et la musique alors, me direz-vous ? Et bien honnêtement, il est difficile d’apprécier un concert lorsqu’il est couvert par une concentration de tels cris stridents, produits par des ados, au bord de l’hystérie. On a quand même pu évaluer le jeu de scène des Parisiens et découvrir leur touche rock garage à la Babyshambles. La maturité en moins, compensée cependant par une énergie juvénile récréative.
Nous quittons donc rapidement cet univers peuplé de groupies, pour nous assister à un spectacle plus adulte : celui de Calogero. Malgré plusieurs dates programmées en Belgique, celle de ces Francos est archi-complète. Sa musique oscille toujours entre variété française et pop/rock anglais (Calogero n’a jamais caché son intérêt pour Cure et Radiohead). Et l’artiste évite soigneusement les clichés rock, histoire de ne froisser personne. L’artiste va également nous réserver l’une ou l’autre surprise. Et notamment un duo échangé avec Stanislas, en fin de parcours. Ils y interpréteront « Mes Racines ». Pendant 1h30, la panoplie de tubes va illuminer la scène Pierre Rapsat. Et pendant ce temps-là, dans la foule, les petites maracas lumineuses, distribuées par le sponsor, brillent aussi de milles feux.
Une chose est sûre, il faut une fameuse capacité d’adaptation pour passer de Daniel Darc aux BB Brunes, puis à Calogero. Et ne parlons même pas des changements de décor entre le parc, le casino et l’hôtel de ville. Non vraiment Spa est une source inépuisable de diversités ; et c’est sûr on y reviendra !
Troisième jour de festival et la fatigue commence à se faire rudement sentir. Pourtant, la journée sera longue. Riche en découverte et promesses, elle risque même de nous entraîner au bout de la nuit. Suffira donc d’avoir encore les jambes pour courir d’un podium à l’autre sur la plaine de la Machine à Feu…
En ce début de journée nous entamons notre randonnée par Ufo Goes UFA (‘Petite maison dans la prairie’), formation britannique/belge qui s'est tout de suite distinguée par sa pop rafraîchissante et ses vocaux sucrés. Le batteur avait placé toute sa section rythmique latéralement. Une curiosité parmi d’autres pour un ensemble qui déploie son talent de manière sage et détendue.
Abyss (‘Dance hall’) est un combo wallon. Il évolue dans un registre hybride ou se mêlent ligne de basse plombée, guitares, claviers et effets psychédéliques. Une formule qui gagne à être connue.
Toujours au ‘Dance hall’, les Elegant Garage Gunners évoluent dans un style totalement différent : à mi-chemin entre une pop britannique classique et un rock’n’roll rétro 70’s. Esthétiques et humbles, ces Français ont charmé la demoiselle de l’équipe qui en fait sa ‘top découverte’ du festival.
Coming Soon (‘The red frequency’) est plutôt convaincant. Ce sont de dignes ‘héritiers’ de Decemberists, Arcade Fire, Pavement et Feelies. Son batteur n’est pas plus haut que trois pommes ; ce qui n’empêche pas son groupe de s’élever vers des sommets intéressants. Ils concluent leur prestation par une reprise de Léonard Cohen. Même pas peur !
Mais dans la catégorie bonne impression, Syd Matters (‘La petite maison dans la prairie’) a décroché la palme d’or. Bien connus des rédacteurs francophones de Musiczine, les Français ont séduit notre homme du Nord par leur style tendre et émouvant. Proche de Belle & Sebastian, Loney, Dear et Sufjan Stevens, le groupe fait des merveilles sur scène. Sous la cape du chanteur Jonathan Morali tout n’est que raffinement et subtilité.
A tout seigneur, tout honneur, Chuck Dukowski (de son vrai nom Gary McDaniel) est âgé de 54 ans, mais il ne jouit pas vraiment d’une grande notoriété. Mini-bio pour planter le décor : il a été le fondateur et le bassiste du groupe punk légendaire Black Flag, aux côtés d’Henry Rollins et Greg Ginn. Il est également le papa de SST record (chez qui, entre autres, ont milité Sonic Youth, Dinosaur Jr., Minutemen et Meat Puppets). Il y a quelques années, il a donné naissance, en compagnie de la chanteuse Lora – sa compagne à la ville– de The Chuck Dukowski Sextet, qui n’est en réalité qu’un quatuor. Un fameux cv et pourtant seule une petite centaine de festivaliers se sont déplacés sur la ‘Red frequency’… Extraits de leurs albums « Eat my life » et « Reverse the polarity », leurs titres sont le fruit d’un mélange de rock alternatif, de post-hardcore, de punk, de (free) jazz et de psychédélisme. La basse Fender à cinq cordes, et le guitariste Milo Gonzalez ajoutent une bonne note au spectacle. La voix flexible de la front woman Lora nous emmène, quelque part entre Kim Gordon (Sonic Youth), Courtney Love ou encore Donita Sparks (L7). Pourtant l'étincelle ne se produit pas dans le public ; et c’est donc avec une frustrante impression de chance manquée que nous quittons ce band !
Autres vétérans, et pionniers du grunge, les Meat Puppets prennent le relais sur la ‘Red Frequency.’ Les frères Kirkwood ont reformé le groupe en 2002, et ont sorti l’année dernière « Rise to your knees », toujours influencé par le rock US, le folk et la pop. Ce samedi, ils nous offrent un petit set, certes puissant, mais manquant toutefois de vigueur. Les singles “Oh me”, “Plateau” ou encore “Backwater” s’enchaînent. Une reprise de Nirvana ‘unplugged' a quand même provoqué l’étincelle qui manquait aux titres précédents.
Dans la série des routiniers, on continue dans le registre punk. Et pour cause, Lagwagon, formation issue de Santa Barbara, nous balance un punk-rock plein d’énergie dans la tradition de Bad Religion, de NOFX ou encore Pennywise. De quoi satisfaire les aficionados du genre, sans plus…
Dave Eugene Edwards et son groupe Woven Hand débarquent ensuite sur la ‘Red Frequency’. Dans un décor qui lui convient bien : la pleine lune dans le ciel, et un clocher d’église sur sa droite, ce singer/songwriter est parvenu à déployer son rock à la fois intense et religieux. « Roma », « Your russia », « Whisting girl » et « Tin fingers » ont été autant de moments forts, tout en adressant un clin d’œil à 16 Horsepower (NDLR : fallait s’en douter !)
Nous attendions beaucoup de la formation hip-hop oldschool hardcore Black Moon. Dans le ‘Club circuit marquee’, la formation de Brooklyn était malheureusement incomplète. Le deuxième MC 5FT manquait en effet à l’appel (il purge une peine de prison). Le fondateur Buckshot (membre aussi de Boot Camp Clik) et le DJ Evil Dee (membre de Da Beatminerz) ont donc dû assurer seuls. A côté des titres de Black Moon (les classiques "Buck 'em down", "How many emcee's?”, "Who got the props?"), les deux albums de Buckshot avec DJ 9th Wonder ("The formula" en "Chemistry") ont aussi été joués, tout comme quelques titres solos ("Hold it down", "Stay real"). Leur rap agressif et rapide, a néanmoins fini par lasser sur la longueur.
La formation britannique The Herbaliser (‘Eastpak core stage’) propose une musique née d’un mix de soul, funk, rock, free jazz et hip-hop. La dernière fois nous les avions vus à l’œuvre c’était au précédent FihP à Oudenaarde, dans une ambiance plutôt lounge. Flanqué d’un nouveau cd sous le bras (« Same as it ever was »), le groupe, drivé par la chanteuse Jessica Geenfield, livre un set énergique, swinguant, entraînant et surtout pleinement réussi.
Le plus grand succès de foule du samedi reviendra indubitablement aux icônes du hardcore Hatebreed. Issus de New Haven, dans le Connecticut, ils sont également les représentants ‘best seller’ du hardcore/punk/metal de ces dix dernières années. C’est donc assez logiquement que la Last Arena été assaillie par des milliers fans. Les influences du hardcore (Sick of It All, Agnostic front, Cro-Mags ou Madball), de groupes métal (Slayer, Sepultura ou Crowbar) sont indéniables dans leur son. Pourtant, ils parviennent à lui communiquer un feeling unique. Leur frontman Jamey Jasta et ses quatre acolytes nous passent en revue leur discographie. On aura ainsi notamment droit à “Perseverance”, “Live for this”, “Destroy everything”, “Tear it down”, “Defeatist” et “I will be heard”. De la toute grande classe et une popularité justifiée.
Nous entrons alors dans notre randonnée nocturne des DJ en compagnie de nos Wallons de Superlux. Leur pop électro kitsch sonne plutôt bien. Faut dire qu’il libère une bonne dose de groove et balancent de fameux beats tout en soignant les mélodies. Mais même si Elena en fait gazouiller plus d’un, le groupe n’a visiblement pas encore tout le potentiel pour passionner son assistance pendant une heure.
Otto von Schirach avait déjà laissé une forte impression l’année dernière. Il était accompagné, pour la circonstance, par le DJ 666Cent (également drummer), DJ urine (une française), DJ Esperanza. Le chapiteau a bien tremblé, dans une ambiance aux frontières du réel. Un set vraiment original, peut-être le plus original de tout ce festival, A voir et à revoir.
Et si notre infatigable Johan se sent encore d’attaque pour les autres DJ sets (DJ Krush, Droon ou The Subs) nous déposons les armes après cette journée déjà bien chargée. N’hésitez pas à jeter un œil sur la partie néerlandophone du site si vous souhaitez prolonger la nuit en sa compagnie…
Il y a quelque chose de singulièrement britannique dans la musique de cette formation californienne. De Los Angeles, très exactement. Le sens mélodique. Probablement. Mais surtout les harmonies vocales sinusoïdales, qui évoquent pour les plus jeunes Archive, et pour les vétérans, le Floyd. Surtout la période « Wish you were here ». Même si on y décèle également quelques traces de country. Et puis, n’oublions pas les guitares. Tour à tour pétillantes, belliqueuses, atmosphériques, limpides, crépitantes, écorchées ou alanguies. Un peu dans l’esprit de Madrugada (NDR : ce ne sont pas des insulaires, mais des Norvégiens) voire dans celui du défunt Hurricane #1, notamment lorsque les mélodies deviennent hymniques. Les ballades dominent le tracklisting. Imprimées sur un mid tempo elles peuvent aussi emprunter celui le rythme d’une valse (« King of Kings »), avant de s’abandonner en fin de parcours dans une sorte d’éther alangui, atmosphérique, propice à la méditation en solitaire. D’autant plus que les lyrics réverbèrent, en général des sentiments de colère, de mélancolie voire même de désespoir…
En 20 années d’existence, Mudhoney a commis 8 albums studio ; et ce « The lucky ones » en en est le huitième. La formation est née en pleine explosion grunge ; mais à contrario des Nirvana, Soundgarden, Alice In Chains ou encore Pearl Jam, elle n’est jamais parvenue à acquérir une notoriété, qu’elle aurait pourtant amplement méritée. Maintenant, il est vrai qu’elle a toujours préféré évoluer dans la zone crépusculaire de l’underground. Pas pour rien d’ailleurs qu’elle est restée fidèle à Sub Pop.
L’enregistrement de cet elpee a été opéré en 3 jours et demi. Peu d’overdubs donc, mais une solution sonore âpre, malsaine, rampante, féroce, torturée, chargée de ‘fuzz’ et de feedback. Une sorte de punk/garage/blues dispensé dans l’esprit des Stooges, MC5, Black Flag voire même des Scientists. Steve Turner s’est réservé toutes les parties de guitare ; mais pour extraire des sonorités aussi déchiquetées et frénétiques, il devait être hanté par le spectre de Ron Asheton. Mark Aram crache sa bile. Il ricane, grogne, gémit, rugit. Son cri primal rend hommage à Iggy Pop, c’est une certitude. Et la ligne de basse semi-bluesy ainsi que les rythmes semi-tribaux, parfois rejoints par des accords de piano discordants, tentent de canaliser toute cette intensité dévastatrice. Parfois en vain. Comme sur « Tales of terror », un morceau de hardcore particulièrement impétueux. L’opus a bénéficié de la mise en forme de Tucker Marine. Il est découpé en onze fragments qui ne vont jamais au-delà des 5 minutes. Et je dois avouer que le résultat va bien au-delà de ce que j’espérais encore un jour entendre chez Mudhoney.
Jet Black Crayon est une formation née en 1999. Tommy Guerrero venait de convaincre deux complices susceptibles de partager les mêmes perspectives musicales, de tenter l’aventure d’un groupe. Depuis, il faut reconnaître que le projet est en constant développement, et qu’il a acquis une fameuse réputation dans le monde de la découverte musicale.
« In The Interim » constitue une nouvelle étape dans leur exploration musicale. Pour y parvenir, le trio de San Francisco a reçu la collaboration de différents compositeurs. Des réalisateurs de films. L’univers sonore de « In The Interim » est troublant, atmosphérique, mélancolique. Alimenté par quelques beats cérébraux, des cordes de guitares douces, des rythmes drum’n bass et un piano aux accords profonds, le disque audio passe néanmoins trop vite pour pouvoir être apprécié à sa juste valeur. Faut dire que 26 minutes, c’est un peu court. Par contre, le Dvd prend une toute autre dimension. Ce magnifique voyage dans le monde audiovisuel propose une série de sept courts métrages mis en musique par le combo. Et il faut reconnaître que l’association entre l’image et le son est une parfaite réussite. Le trio yankee s’est d’ailleurs investi totalement pour atteindre son objectif. Et apparemment, l’‘Art Concept’, c’est vraiment son truc. D’ailleurs, on se demande si le projet ne risque pas de récolter davantage de succès dans le cadre d’une exposition d’art contemporain que lors d’un concert…
Si « Costello Music », le premier opus du trio glasgowégien, réverbérait d’abord des échos de Libertines, Babyshambles, Dirty Pretty Things ou encore des Arctic Monkeys. « Here we stand » lorgne davantage vers The Coral et les Kooks. Des Arctic Monkeys, il ne demeure plus que le débit verbal proche d’Alex Turner. Ses intonations savoureusement éraillées et judicieusement réverbérées rappellent encore et toujours celles de John Lennon ; quant aux inflexions, elles sont circonstanciellement empruntées à Tim Booth, le leader de James. Le ‘glam’ n’apparaît plus qu’en filigrane. Tout comme le spectre du Clash, même si on y retrouve encore des riffs de guitare tranchants et des compos hymniques. Quoique l’électricité épouse parfois un profil plus stoner, à la limite du métal, quand elle ne s’autorise pas l’une ou l’autre envolée ‘crazyhorsienne’ voire psychédélique. Quant aux hymnes, ils naissent de mélodies contagieuses, beatlenesques et de refrains accrocheurs. Bref, de quoi inviter les festivaliers à reprendre leurs chansons en chœur. La formation écossaise s’autorise quand même l’une ou l’autre ouverture. Et je pense tout particulièrement au single « Mistress Mabel », caractérisé par son piano à la Jerry Lee Lewis. Un piano qui a davantage droit de cité sur cet opus. A l’instar de la très jolie compo finale « Milk and money » ou encore du semi-rockabilly « Tell me a lie ». Bref si cet elpee ne révolutionnera pas l’histoire de la musique pop/rock, il a le grand mérite de rendre de bonne humeur. Ce qui n’est déjà pas si mal…
Vous avez faim et soif ? Born Ruffians pense à vous. Et pour causse, tout au long de son elpee, « Red, Yellow and Blue », il y a à boire et à manger. Un disque qui ne va d’ailleurs pas au-delà de la quarantaine de minutes pour onze titres. Luke Lalonde (chant et guitare), Mitch Derosier (bassiste) et Steve Hamelin (batterie) constituent le line up de ce Born Ruffians, un groupe canadien qui puise manifestement ses influences majeures dans le folk américain.
Minimaliste, leur musique met en exergue un jeu de guitare nerveux et une rythmique pulsante. Le résultat est souvent sympathique, voire franchement bon. D’autant que les vocaux échangés entre Luke Lalonde (NDR : il a en outre, un superbe timbre !) et ses deux comparses Mitch et Steve sont particulièrement soignés, mélodieux et plein de surprises. Des échanges opérés sous forme de dialogue qui rendent la musique vivante. Tout irait pour le mieux dans le meilleur des mondes s’il n’y avait la ligne mélodique. Le point noir ! Born Ruffians raffole des arpèges de trois ou quatre notes qu’il répète inlassablement. A un tel point que cette technique finit par devenir agaçante. Et, comme les compos sont très (trop ?) épurées, difficile de rencontrer la moindre diversion. Surtout en début de parcours. Même que les voix de nos caribous du grand nord ne parviennent pas à compenser cette carence. Heureusement, la suite des événements est plus intéressante. Parce que les Torontois parviennent enfin à réaliser l'osmose entre voix et accompagnement. A l’instar de « I Need A Life », une des meilleures compos de l’elpee. Ou encore « Foxes Mate For Life », une des compos qui m’a le plus fait flasher. A cause des accords de guitare parcimonieux mais incisifs. On a d’ailleurs l’impression que sur ce morceau, Luke et ses amis se sont vraiment lâchés.
Il est clair que Born Ruffians est un ensemble qui dispose d’un potentiel énorme. Et pas seulement vocal. Son « Red, Yellow and Blue » manque tout simplement d’audace. Il ne lui restera donc plus, à l’avenir, qu’à inoculer un petit grain de folie dans son expression sonore pour pouvoir faire la différence…
J’ignore la raison pour laquelle cet album n'est pas signé par le Kim Wilson Band ; car on est bien en présence du line up au grand complet. Pour un set accordé ‘live’ au Moe's Alley de Santa Cruz. Le 2 août 1996. Kim, le chanteur/harmoniciste et Rusty, préposé bien entendu à la guitare, sont est soutenus par des musiciens d’exception ; en l’occurrence les anciens baroudeurs du Hollywood Fats Band : le pianiste Fred Kaplan, le bassiste Larry Taylor et le drummer Richard Innes. Zinn est un surdoué de la six cordes. Il est également un des artistes les plus prolifiques du west coast jump. D’ailleurs, sa discographie est impressionnante. Ses dernières œuvres ont cependant pris le large par rapport au blues. Et saluons l’audace de ce musicien qui n’hésite pas à explorer de nouveaux horizons sonores.
Mais je vous invite à faire un saut de douze années dans le passé. Le présentateur du Moe's Alley introduit le band à la Danny Boy. Les cinq musiciens attaquent "Don't bite that hand that feeds you" (NDR : une plage issue de l’elpee "That's life", paru en 1994). Un morceau de Plus de 11' ! Kaplan est en grande forme. Kim chante de son timbre chaleureux très caractéristique. Tous les acteurs sont d’une efficacité irréprochable. Pas une surprise, d’ailleurs. Et en particulier cette section rythmique de luxe! Une longue introduction instrumentale prépare le chant de Kim pour interpréter un saignant "Rock with me tonight", un morceau qui figurait déjà à son répertoire à l’époque des Fabulous Thunderbirds. Zinn démontre ici qu'il a bien intégré toutes les ficelles du west coast jump. L’ensemble de la panoplie des phrasés de Kim est passée en revue. Trois plages préfigurent l'album live "Smokin' joint", sorti en 2001: "I can tell", "I ain't gonna do it" et "High & lonesome". Cet elpee ne souffre d’aucune faiblesse. Kim chante "I'm trying". Ses compères l’épaulent brillamment. Les sorties de Kaplan et de Zinn sont étonnantes et détonantes. Rusty n'est pas un vocaliste remarquable, mais il se débrouille plutôt bien sur "How long". Kim en profite pour se concentrer sur son instrument.
Le deuxième set s'ouvre par "I ain't gonna do it", un boogie woogie au cours duquel Fred Kaplan malmène ses ivoires, Kim monte doucement en puissance. Tous les partenaires rament dans le même sens. Ce qui explique sans doute pourquoi la musique atteint de tels sommets. Le disque recèle également "Tigerman", le morceau maître du premier opus solo, paru en 1993. "Date bait" (extrait de "My blues") et "Why I sing the blues" sont enchaînés sous la forme d’un medley. Tout comme "High & lonesome", dispensé en fin de concert ; un blues lent, bien relaxant, qui accélère progressivement pour se muer en "T-Bone shuffle". Rusty Zinn et Kim Wilson y étalent pour la toute dernière fois leurs prouesses. Cet album de Rusty Zinn & the Roadmasters est un indispensable témoignage du Kim Wilson Band.
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