Le marathon des Ardentes 2008, c'est parti ! Et Musiczine est bien présent pour en extraire la quintessence. Cette année, la manifestation a franchi un cap d'importance. Elle peut se targuer d'avoir atteint la taille critique d'un poids lourd dans le paysage festivalier wallon et belge. En seulement trois ans d'existence, c'est une gageure de taille. Plus de 50 000 personnes étaient attendues sur le site du Parc Astrid pour assister à plus de 80 concerts. La pluie s'est invitée à nouveau en ce deuxième jour et les spectateurs n'ont pas manqué d'imagination pour faire contre mauvaise fortune, bon cœur. Combats et mini-foot dans la boue égaieront les entractes entre chaque set. Epinglons les temps forts de cette journée.
Quand nous débarquons sur le site des Ardentes en ce lendemain d'averses, l'état du parc est indescriptible. Les accessoires indispensables pour bénéficier du minimum de confort au spectacle sont le poncho et les bottes.
Cool Kids monte sur le podium. L’assistance n’est pas encore nombreuse devant l'‘Open air’. La prestation du groupe hip-hop n'est pas transcendante. En début de parcours Mikey Rock et Chuck Inglish ne semblent pas en phase et leurs voix dissonantes finissent par écorcher nos pauvres oreilles.
Shameboy est la première bonne surprise de la journée. La musique electro dispensée par Jimmy Dewit et Luuk Cox est irrésistible et réveille le dancefloor. Et pourtant, on s’enfonce dans une boue collante, parfois jusqu'aux chevilles. Mais cet inconfort ne semble pas constituer un obstacle. Dommage quand même que nos amis Flamands n’aient pas été programmés plus tard dans la journée. La clarté diurne et les nombreuses éclaircies n’ont pas permis aux jeux de lumières de donner toute leur mesure.
Yelle succède à Shameboy. Leur pop très électro est moins savante que celle des Belges. Plus sucrée, aussi. Mais tout aussi entraînante. « Je veux te voir » et « A Cause des Garçons », reprise d’Alain Chamfort, persuadent les derniers réticents (NDR : sans doute des maniaques de la propreté !) de jumper au son des rythmes ‘frenchies’ dispensés par Yelle, GrandMarnier et Tepr.
Et on n’oubliera pas non plus d’épingler la prestation très efficace de Soldout. Faut dire qu’il est bientôt 20 heures et que rythmée par la musique de danse, toute l’après-midi a été un véritable enchantement. Et comme il n’est pas tombé une goutte de pluie… (NDR : on a même eu droit à quelques timides rayons de soleil)
La suite du programme de ce vendredi très electro va encore nous réserver deux bonnes surprises : Chloé et Booka Shade. Mais aussi une moins bonne : le retour de la flotte ! Chloé tout d'abord. La DJ parisienne a un talent fou pour faire décoller une atmosphère (NDLR : on dit aussi de la musique planante !) Son électro est raffinée. Et le martèlement des rythmes tribaux communiquent à l'‘Aquarium’, troisième scène du festival, un climat inquiétant, voire angoissant, malgré la décoration des lieux assez enluminée (NDR : des bonbons géants et des parapluies multicolores). Chloé est une des toutes grosses surprises de ce festival. Mais la pluie a décidé de ne pas nous lâcher les baskets ( ?!?!?). Sans crier gare, de véritables trombes d'eau s’abattent sur nos têtes. Pas le temps d’enfiler nos ponchos et nous sommes trempés jusqu’aux os. En bons festivaliers alertes, nous nous décidons alors de nous réfugier sous les tentes du ‘Village des artisans’.
Vu les conditions météorologiques, la suite des concerts programmés à l’extérieur me semblait compromise. Mais heureusement, l'averse s’est arrêtée aussi vite qu’elle était apparue : un orage ! Et Booka Shade est monté sur le podium on ne concédant qu’un petit quart d'heure de retard. Avec Walter Merziger et Arno Kammermeier, c'est le grand Reich qui s'invite dans la cité ardente. Oui le jeu de mots est léger et facile. Mais en bons festivaliers aguerris, nous avons déjà écoulé nos trente tickets boissons du jour et l'atmosphère est à l'euphorie. Pourtant, ce n'est pas tant la bière que la musique sympathique de Booka Shade qui est la principale cause de notre bonne humeur. En compagnie des Berlinois, c'est toute l'excellence d'outre-Rhin qui se met au service du dancefloor. Le groupe nous sert de la musique electro souvent rythmée de techno. En outre, le spectacle bénéficie de ce qui a manqué à Shameboy : un light show conséquent.
En bons festivaliers consciencieux, il est temps pour nous de rentrer après la prestation des Allemands ; car il faudra être frais pour s'engager dans le marathon du samedi. Nous ne résistons cependant pas aux promesses de fête des ‘Halles des Foires’. Nous nous y en engouffrons en nous fixant une échéance : une petite demi-heure, histoire de prendre la température de ce début de nuit. Mais sous la férule des maîtres de la nuit qui se succèderont jusqu'au petit jour, l’ambiance est survoltée. Nous dansons sur les compos de Red Shape, Sasha Funke, Matthew Dear & Ryan Elliott. Et déjà 2 heures se sont écoulées. La fatigue commence à se faire sentir dans les jambes. Nous abandonnons le navire sans trop de remords car nous savons déjà que la fête se poursuivra demain.
Le marathon des Ardentes 2008, c'est parti ! Et Musiczine est bien présent pour en extraire la quintessence. Cette année, la manifestation a franchi un cap d'importance. Elle peut se targuer d'avoir atteint la taille critique d'un poids lourd dans le paysage festivalier wallon et belge. En seulement trois ans d'existence, c'est une gageure de taille. Plus de 50 000 personnes étaient attendues sur le site du Parc Astrid pour assister à plus de 80 concerts. Notons d'emblée un détail qui a son importance dans ce type de manifestation : la propreté. Certes, on réalise difficilement des miracles lors de rassemblements de cette importance, mais un réel effort a été accompli pour maintenir la qualité du site à un niveau acceptable. L'effort, payant à plus d'un égard, mérite d'être salué. Les nombreuses poubelles à tri sélectif et les toilettes qui ne dégagent généralement pas d'odeur pestilentielle ont grandement contribué au bien-être de tous. Si ces conditions n’avaient pas été remplies, le temps épouvantable de cette première journée de festival aurait peut-être réussi à entamer la bonne humeur des Liégeois. Mais établissons un petit état des lieux des concerts auxquels nous avons assisté...
Seules deux des trois scènes sont ouvertes pour cette première journée de festivités. La programmation a été savamment pensée pour nous obliger à courir d'un podium à l'autre ; un concert proposé dans les ‘Halles des Foires’ commençant exactement à la minute où le précédent se terminait à l'‘Open air’. Car longue est la ‘Route des Saveurs’ –allée gastronomique– qui relie les deux tableaux. Aussi, nous avions, à la nuit tombée déjà, quelques kilomètres dans les jambes.
La pluie s'est invitée dès les premières prestations. A notre arrivée, il subsiste encore de l'herbe sur les pelouses du parc, mais devant la scène principale, le sol s'est déjà transformé en fange aux remarquables vertus d’engluement. La prestation de The Do était particulièrement attendue ce jeudi. Evénement de ce début d'année, nous voulions voir si le buzz qui a boosté la sortie de leur premier album était justifié. L’accueil réservé par la foule au couple franco-finlandais est mesuré. Après un début plutôt animé, au cours duquel Olivia Merilahti gratte sa guitare, le set ramollit. En fait, dès que la chanteuse abandonne son instrument. Il retrouvera des couleurs lors des dernières chansons, c’est-à-dire lorsqu’Olivia va reprendre sa six cordes, redynamisant du même coup l’enthousiasme du public. Le groupe nous a cependant gâtés en nous réservant un « On my shoulders » tant espéré et bien sûr, apprécié.
Nos pas nous dirigent ensuite vers les ‘Halles des Foires’, où se déroule le concert d'Empyr. C'est en manifestant une certaine satisfaction que nous retrouvons le jeune groupe sur une scène couverte (NDR : et donc à l'abri des averses !) Le public est encore peu nombreux et très hétéroclite. Quelques égarés se sont plantés là, simplement séduits par la perspective d'un endroit chaud et sec. Ce genre de motivation va croître au fil des heures et de la dégradation du temps. Le quintette présente son premier album « The Peacefull Riot », livrant une musique très rock, lourde et bien bruyante. Benoît Poher s'agite sur scène comme à son habitude. Rôdés à l'exercice, les cinq artistes confirmés accordent un concert d’honnête facture ; mais le jeu plus brutal de Benoît et sa bande ne parvient pas à se départir d'un accent teenager qui parle davantage au jeune public. Le spectre de Kyo hanterait-il toujours Benoît ?
Ecourtant notre crochet, nous repartons vers l'‘Open air’ pour ne pas manquer l'entrée en scène de Yeal Naïm. La pluie s'est remise à tomber et alourdit de plus en plus les pelouses ( ?!?!?). Mais la chanteuse apparaît, et sa voix douce et chaleureuse ramène un peu de soleil dans nos cœurs. La pop teintée de folk servie par la chanteuse franco-israélienne constitue une excellente surprise, après les débuts rock de la journée. La jeune femme s’accompagne d’un tambourin, joue volontiers du piano ou de l’ukulélé. Sa prestation est rafraîchissante et met de bonne humeur. Quand la musique se fait plus soul, elle semble développer un lointain lien de parenté avec Amy Winehouse. Et en finale, elle nous a régalés d’un excellent « New Soul ».
Sébastien Tellier débarque ensuite. Dans les ‘Halles des Foires’, bien sûr. Sinon ce ne serait pas drôle ! Nous marchons d'un bon pas pour prendre le concert en cours. Après la douceur soul de Yeal, nous sommes invités à baigner dans de l'electro bien remuante. Le public apprécie, s'anime et danse. Le Français atypique et un brin provocateur n'économise pas ses efforts pour créer une atmosphère électrique et torride, à l’instar de celle qu’il a inoculé tout au long de son dernier album, « Sexuality », un manifeste débridé dont le titre suffit amplement à en exprimer le message.
Camille, pour sa part, nous aura un peu déçus. La chanteuse se lance dans son trip, mais oublie de convier l’audience à la rejoindre. Elle a beau être flanquée d’un chanteur de beat boxing, ses exercices d'imitation de boîtes à rythmes en tous genres font un peu pâle figure. La prestation de Yeal, qui venait de se produire juste avant elle, sur la scène extérieure, explique sans doute la réaction tiède de la foule. Et puis Naïm s’était montré tellement habile pour communiquer aux festivaliers son désir de fête. Bref, Camille nous a servi un numéro très musical, en apparence un peu fou, mais en somme, plutôt froid.
Arsenal est venu ensuite ou plutôt, nous sommes allés vers lui. De retour en intérieur, nous sommes bercés par la chaleur un peu latino de son expression sonore. L'ambiance est très bonne, les jeux de lumières donnent du relief à un style très electro et exotique. Cette nouvelle prestation est une autre rupture dans le fil de la programmation qui, décidément, se veut éclectique. Mais tant que la musique est bonne, qui s'en plaindra ?
Après le départ de nos amis Hendrik Willemyns et John Roan, nous décidons de camper sur place pour attendre Siouxsie. Nous nous asseyons à même le sol, tels des festivaliers chevronnés, méprisant les flaques de bière et autres breuvages collants qui ont été renversés négligemment. Le public est de plus en plus nombreux. Il faut dire que la pluie retombe de plus belle, dehors... Siouxsie Sioux, c'est un poids lourd du rock. Elle fait son entrée. Une apparition qui fait un peu penser à celle d'une star sur le retour. Affublée d'un tailleur digne d’une armure de 'power ranger' –évocation accidentelle vraisemblablement– la chanteuse nous a, avant tout, montré un joli jeu de jambes. Si l'on pouvait émettre quelques réserves sur la souplesse de la star, nous avons été, sur ce point, rassurés. Et comme ‘showwoman’, pas de doute, elle est rompue à l'exercice. Siouxsie et ses musiciens nous ont offert un spectacle de bonne facture, mêlant le rock à la pop, n’oubliant pas de nous dispenser le répertoire de son nouvel elpee, « Mantaray ». Bien sûr, on peut reprocher à ce set un manque de fantaisie. D’ailleurs, si les fans ont apprécié, une bonne partie de l’audience, venue dans les ‘Halles’ à la recherche d’un endroit sec, est restée de marbre.
Trentemoller et Cypress Hill assuraient la fin de soirée. Le premier, malgré une pluie persistante, a réussi le tour de force de faire danser les festivaliers dans la gadoue au son d'une musique inclassable mêlant electro, techno, house et tutti quanti.
Cypress Hill est le dernier groupe du jour que nous avons eu l'occasion de voir et d'écouter. Le groupe de hip hop a sorti la grosse artillerie. Sur scène, un roi squelette géant gonflable (NDR: et gonflé) est assis sur son trône. La salle ‘HF6’ est bondée. Déchaîné, le public jumpe et scande les paroles des chansons. L'atmosphère est étouffante mais on se dépense. Bonne ambiance!
Et déjà il est temps pour nous de prétendre au repos du juste. Au loin, Laurent Garnier termine d'embraser la plaine. Dans l'ensemble la journée a été très bonne : pas de grandes surprises mais pas de grosses déceptions non plus. La pluie, quant à elle, n'aura réussi que très modérément à ternir la fête.
Quarante ans que Tony Joe White roule sa bosse. Quatre décennies au cours desquelles il a traversé les générations, sans modifier l’esprit de son style musical ; un style louisianais né dans les swamps, entretenu par sa voix chaleureuse et si présente. Baptisé 'Swamp Fox' (NDR : le renard des marais) Tony a écrit des chansons marquantes, dont certaines ont été reprises par des artistes aussi prestigieux qu'Elvis Presley, Ray Charles, Tina Turner et Hank Williams.
Pour ce nouvel opus, il continue à faire équipe en compagnie de son fils Jody. Ce dernier assure la production et la programmation sonore. En fait, le concept de cette œuvre consiste à reprendre quelques unes des meilleures compositions de Tony Joe et de les transposer dans le monde musical contemporain. Une manière pour White de pouvoir s'identifier aux nouvelles générations, et de montrer qu’il est capable de faire progresser ses idées premières. C'est un risque, particulièrement vis-à-vis de ses vieux fans ; mais c'est aussi un pari largement gagné. Il reprend ainsi ses succès de bayou rock et les adapte au style funky qui colle bien au Tennessee où s'est opéré l'enregistrement. Il est cependant parfois difficile de bien reconnaître les versions originales. Tant "Willie and Laura Mae Jones", "Soul Francisco" et "Aspen, Colorado" (extraits du tout premier album, "Black & White", paru en 68), "Roosevelt & Ira Lee" (issu de "Continued", édité en 1969), "High sheriff of Calhoun Parrish" (il figurait sur "Tony Joe", un disque gravé en 1970), "As the crow flies" (publié sur "The train I'm on" en 1972) ou encore "Homemade ice cream" (titre maître de cet elpee, commis en 73). Le disque recèle également trois instrumentaux composés en compagnie de son fils Jody.
TJW engage ses cordes largement amplifiées au sein de ce climat suffocant. Il souffle dans l'harmonica posé sur le rack. La batterie est à l'avant-plan. Jody s'amuse en introduisant des sons programmés. Mais très vite, nous pénétrons dans le premier "Deep cut". "As the crow flies" est introduit délicatement. Progressivement l’atmosphère devient lourde. Le timbre de Tony est toujours aussi torride, envoûtant. Le funk des marais passe bien la rampe. L'ensemble fonctionne suivant ce schéma, tracé dès l'intro. La voix épouse un profil encore plus profond. Elle devient même brûlante. Pourtant, les percussions sont hypnotiques et cherchent à rafler la mise. Mais la ligne mélodique de "Willie and Laura Mae Jones" tient la distance. La souffrance est bien de ce monde. La guitare ravagée au fuzz box remplit l'écran sonore, tout en laissant l'orgue Hammond de Tyson Rogers participer au décor. Cette fresque a de l'allure. Elle va crescendo jusqu'à son terme. L’introduction des nouveaux instruments s’opère progressivement. Un orgue lointain crache ses dernières cartouches. La guitare est à l'agonie. L’ambiance est on ne peut plus lugubre lorsque les percussions annoncent le vieux hit "Soul Francisco". Il est pratiquement méconnaissable. Il évolue au beau milieu d’une orgie sonore indescriptible ; mais il faut reconnaître la richesse du travail sur les cordes. "Run with the bulls" revient à un format moins dévastateur, moins torturé. L’atmosphère y est même hispanique et relaxante. Un seul morceau échappe au travail de dissection et de contrôle des sons : le calme et intimiste "Aspen Colorado". Une quiétude qui persiste sur "Homemade ice cream", mais en trahissant une touche orientale. Le dernier 'deep cut", "Roosevelt and Ira Lee", est un parfait résumé de cet opus. L’atmosphère est humide et presque irrespirable. Nous traversons les marais louisianais, refuge des terribles alligators dont le cuir vert illustre la pochette et le disque lui-même, comme une estampe d'appellation contrôlée.
Le lecteur se met en marche. Après dix secondes, on se demande si on ne s’est pas trompé de disque. Vérification faite, on est rassuré : ce n’est pas un album de Muse. Heureusement les événements reprennent rapidement leur cours normal et on est d’attaque pour écouter le huitième opus de The Offspring. Intitulé “Rise and Fall, Rage and Grace” il manifeste un sérieux qu’on ne connaissait guère chez la formation californienne, une austérité que certains médias n’ont pas hésité à comparer au Green Day d’“American Idiot”.
Musicalement, cependant, l’heure n’est pas encore au changement. D’ailleurs, tant le groupe que les fans souhaitent-ils un véritable changement ? L’abandon de la pop ‘cartoonesque’ (“Pretty Fly (For A White Guy)”) est même plutôt de nature à réconcilier les deux parties. D’autant que l’aspect énergique de leur punk rock qui a fait sa réputation est ici davantage mis en exergue, même si “Rise and Fall” n’est pas encore de la trempe de “Smash”. Le quatuor aux multiples disques de platine annonce la couleur : quelque chose ne tourne pas rond. Le message politique est clair. Les lyrics abordent des thèmes qui touchent tout particulièrement le peuple américain comme la guerre en Irak (“Hammerhead”) ou la téléréalité (“Stuff Is Messed Up”). Mais également des relations humaines qui se détériorent (“Fix You”) ou simplement la manifestation de la colère (“Takes Me Nowhere”). Tous ces sujets sont exprimés par la voix atypique et unique du chanteur Dexter Holland, un chant soutenu par les harmonies vocales de Noodles et Greg K, probablement les meilleures qui puissent exister dans l’univers du punk. “Half-Truism”, “Trust In You” et “Hammerhead” rappellent davantage la période “Smash”. Les rythmes sont rapides. La guitare est agressive et mélodique. Bref tout ce qui nous a fait flasher à l’époque. Bien sûr, aujourd’hui le son est plus léché ; mais difficile de résister à une telle mise en forme, lorsqu’on bénéficie des moyens financiers de leur label Columbia. Si “Takes Me Nowhere” campe la chanson traditionnelle du skateur de la côte ouest (pour les amateurs de Tony Hawk), “Fix You” et “Nothingtown” sont destinées aux stations radiophoniques. Le quatuor concède une ballade plus paisible : “Kristy, Are You Doing Okay?”. Excellente par ailleurs. A conseiller pour sonoriser vos rassemblements autour d’un feu de camp ou d’un barbecue. Bob Rock assure la mise en forme de cet elpee ; et il faut reconnaître qu’il a fait de l’excellent boulot. D’une part il est parvenu à préserver l’esprit punk d’Offspring, mais en même temps, il y a réinjecté un feeling réminiscent d’« Epitaph ».
La critique vis-à-vis de “Rise and Fall, Rage and Grace” risque pourtant de ne pas partager mon point de vue. Je lis déjà : ‘ce disque n’est pas aussi bon que les précédents, ‘leur musique continue désespérément de stagner’ ou encore ‘le groupe a succombé aux sirènes de l’argent’, etc., etc.’. Quoiqu’il en soit, j’ai pris mon pied en écoutant cet opus. Et pas seulement parce que les textes de The Offspring sont solides. Rien que ceux dispensés tout au long de ce “Stuff Is Messed Up” démontrent que leur philosophie de vie est très loin de se confondre voire de se conformer dans et à la masse. “Rise and Fall, Rage and Grace” n’est peut-être pas l’album du siècle ; mais c’est un bon disque et surtout il marque un très bon retour du combo punk.
Le ‘Night Tripper’ participe depuis très longtemps à la vie musicale de la Nouvelle Orléans, une cité qui a pourtant cruellement souffert des ravages de l'ouragan Katrina, et dont une bonne partie de sa population a été forcée de vider les lieux. Ce qui n’a pas empêché notre bon docteur de délivrer inlassablement ses prescriptions sonores. De son véritable nom Malcolm Rebennack, Dr John est aujourd’hui âgé de 67 ans. Il squatte les scènes musicales depuis les fifties. Il a composé et joué de la guitare pour des célébrités locales comme Professor Longhair et Art Neville. Il a entamé sa carrière personnelle au cœur des sixties. A l’époque, il dispensait un curieux cocktail de funk, de R&B, d'exotisme et de psychédélisme, hanté par une sorte de culture vaudou. Victime d’une manipulation maladroite d’arme à feu, il était entre-temps passé de la guitare aux claviers, au piano et à l’orgue. Il devient alors responsable d’elpees qui vont maquer son époque comme "Gris gris" en 1968, "Sun, moon and herbs" en 71 ou encore "In the right place" en 73. Pour enregistrer « City that care forgot », John est épaulé par sa formation : le Lower 911. C’est-à-dire le guitariste John Fohl, le drummer/percussionniste Herman Ernest III et le bassiste David Barard.
Dès les premières mesures de "Keep on doin'", la musique baigne au sein d’un climat funky. Et la présence d’une section de cuivres n’y est pas étrangère. La voix de fausset du docteur est caractérisée par sa nonchalance habituelle. Tous les musiciens collaborent aux chœurs. "Time for a change" trempe dans une même solution sonore. Eric Clapton apporte son concours à la guitare. Son toucher aux six cordes est immédiatement saisissable. Willie Nelson participe à "Promises, promises". Le chant semble joyeux. Mais c’est loin d’être le cas. La réalité est toute autre. L’heure est grave. Souligné par un chant gospel participatif, le piano alerte de John anime les débats. ‘Le chemin pour la Maison Blanche est pavé de mensonges. Les enfants ont faim. Ils souffrent. Ils pleurent et meurent dans les rues’. Notre terre n'est décidément pas faite pour tout le monde! Les Créodelphic Strings colorent de leurs violons la ballade lente "You might be surprised". Le funk hypnotique refait surface sur "Dream warrior". John est passé à l'orgue. Il a revêtu le kimono du samouraï. Ce combattant du rêve brandit son glaive pour protéger les rivières et bayous louisianais. Le mysticisme vaudou plane. Le climat passe au jazz New Orleans sur "Black gold". Il évoque le rôle de cet or noir, si prisé par les financiers. La trompette et les saxophones marquent le rythme! L'amertume de l'artiste s'accentue davantage sur "We gettin' there", une compo au cours de laquelle on relève la présence de Terence Blanchard, l’ex trompettiste des Jazz Messengers. Les cordes de Clapton enrichissent deux autres plages. Tout d’abord "Stripped away". Ses partenaires en profitent pour libérer une dose maximum de groove. Et puis le titre maître. Une ballade majestueuse mais tellement critique sur le sort de la cité ravagée. Son sentiment douleur ne faiblit pas sur le titre suivant. Le docteur s’interroge même sur l’implacable "Say whut?". Ballade paresseuse "My people need a second line" se mue en dixieland dévastateur, lors de l’intervention de Troy ‘Trombone’ Shorty Andrews (ce jeune prodige tromboniste n’a que 22 ans !), rejoint par son frère aîné James, à la trompette (c’est aussi le leader du New Birth Brass Band). Cet album d’excellente facture s’achève par "Save our wetlands", une prière dont les accents plaisants sont dispensés sur un mode zydeco. En outre Terence Simien, un des meilleurs artistes de ce style, y partage les vocaux.
Elvis' Ghettoblaster est un groupe issu de la région de Bruxelles. Une formation responsable d’un nouvel album. Mortel ! Son titre ? « Love is a Schizophrenic Hungry Monster ». Si vous habitez la capitale, vous ne pouvez passer à côté de cette affiche jaune illustrée par un poste de radio. C’est aussi l’image reproduite au recto de la pochette. Elvis' Ghettoblaster c’est également un groupe dont les prestations ‘live’ sont accordées à l’arrache et avec les tripes. De joyeux drilles qui ne se prennent pas au sérieux. Pourtant, ils injectent dans leur musique toute leur passion et toute leur énergie. Une manière de démontrer leur sincérité. Cette interview a presque été volée au peu de temps libre dont ils disposent. Ce qui ne les a pas empêchés de répondre aux questions en leur âme et conscience.
Alors première question, Elvis' GhettoBlaster pourquoi ? Et pourquoi pas Jonnhy Radio Cassette d’abord ?
Julien : C’est une longue histoire… Une ‘private joke’.
Enzo : Le nom du groupe est un hommage à Elvis Presley et au hip hop, mais aussi aux ghettoblasters, des radios souvent énormes que trimballaient les breakdancers. Aux débuts de l’aventure je me chargeais des bruitages et des collages à l’aide d’un ghettoblaster et Greg (notre chanteur) y ajoutait le chant en imitant Elvis. Le nom du groupe s’est ainsi imposé, même si les gens l’écorchent ou l’oublient quinze secondes après l’avoir entendu.
John: C’est surtout qu’Elvis est meilleur que Johnny et c’est un ghettoblaster est indémodable !
J’ai la berlue ou quoi ? Le booklet mentionne un line-up de 4 musiciens et vous ne vous produisez que sous la forme d’un trio, sur scène ? Quel est le schizo dans le groupe qui se paie un dédoublement de personnalité ?
Julien : C’est moi ! Non, je rigole. En fait, c’est moins marrant…
Enzo : Nous avons composé l’album à quatre. On s’apprêtait à le sortir en novembre de l’année passée mais notre chanteur est tombé malade. Il ne pourra plus participer aux concerts avant 2009. On a un peu réfléchi sur la suite des événements. On ne souhaitait pas repousser la sortie du disque à 2009. Le projet aurait perdu de sa fraîcheur, et musicalement on serait passé à autre chose. Le choix n’a pas été facile à opérer, mais on a décidé de continuer à trois. Maintenant nous partageons tous les vocaux ; d’ailleurs nous avons reçu de bons échos de cette nouvelle formule. Nous ambitionnons même de devenir les Beach Boys du rock garage.
Julien : La formule marche plutôt bien, même s’il a fallu deux ou trois concerts pour s’y habituer.
Sinon les événements se bousculent pour vous. On voit vos affiches un peu partout chez les disquaires et celles de vos concerts sont bien mises en évidence. Le bouche à oreille marche bien aussi. Que vous manque-t-il pour passer à la radio ?
John : De bonnes chansons…
Julien : Qu’on soit vêtus de jeans slims, chaussés de souliers pointus et coiffés comme George Michael à l’époque de « Wham ! ». Plus sérieusement, on n’entre apparemment pas dans le moule ; c’est du moins les échos que nous avons reçus.
Enzo : Nos morceaux sont surtout diffusés sur les radios libres et universitaires. En ce qui concerne les grosses stations comme Pure FM ou feu Mint, c’est plus compliqué. Chez Pure, des animateurs comme Jacques de Pierpont ou Sylvestre Defontaine nous programment régulièrement dans leurs émissions respectives. Mais pour passer en journée, c’est une autre paire de manches. Comme disait IAM, reste underground…
Julien : Si tu as l’esprit d’observation, le rock crasseux ne passe plus trop sur antenne, pour l’instant. Ce qui marche ? C’est le rock de stade ultra produit générateur de grands hymnes héroïques ou bien alors le folk. Personnellement, j’ai vraiment l’impression qu’on est revenu à l’époque des groupes de garçons coiffeurs. C’est « The final Countdown » d’Europe, les panties léopard en moins… Je crois que certaines radios n’osent plus sélectionner de musique un peu plus barrée… On n’est plus en 1998… De plus, le marché en Belgique est très petit. Tout le monde se connaît ; et ce sont souvent les mêmes qui trustent les temps d’antenne…
J’ai assisté à un de vos sets sur les planches. Quelle pèche ! C’est encoure plus puissant que sur le disque ! Vous vous bridez en studio ou vous ne vous imposez pas les mêmes limites en ‘live’ ?
Enzo : Dans tous les cas, le studio c’est une autre manière de travailler. La palette de sons utilisés est plus riche et il y a plus d’arrangements. Un concert rencontre une autre dynamique, c’est vrai. C’est plus vivant. Et cet esprit n’est pas toujours facile à restituer sur disque. Pour le prochain peut-être…
John : Ce sont deux aspects complètement différents ; et le traitement est donc distinct. Mais nous en sommes conscients. Et puis sur scène, tu bénéficies de la présence du public qu’il n’est pas possible d’inviter en studio... on devrait y penser à l’avenir.
Julien : Non. Mais c’est très compliqué de restituer sur disque, l’énergie ‘live’… Et puis on ne disposait pas des moyens techniques pour enregistrer tout en une seule prise. Tous ensemble dans la même pièce. Ce qui aurait été plus rock and roll… Il n’y a que « Stoner » qui a été réalisé dans ces conditions. Pour le reste, c’était de manière classique, instrument par instrument. Le résultat de ce type d’enregistrement est souvent un peu plus sage. Mais bon, c’est quand même pas de la variété hein ?
« Love is a Schizophrenic Hungry Monster » constitue votre deuxième album. Eprouvez-vous davantage de fierté à son égard que vis-à-vis du premier ?
Julien : Largement plus que pour le premier. Il n’était qu’à moitié réussi. Une expérience de jeunesse avec laquelle on a fait nos armes.
Enzo : Le premier a des côtés attachants. On l’a enregistré alors que le groupe existait depuis deux ans. C’est notre première expérience en studio et on l’a enregistré dans des conditions un peu chaotiques. L’ingé son fumait trop de pétards et notre producteur de l’époque épousait un mode de vie rock’n’roll. J’ai mixé l’album avec lui en une journée et une nuit, à l’arrache sur des bandes huit pistes qu’on avait saturées pour obtenir des sons plus chauds. C’est pas vraiment la meilleure manière de procéder… Résultat, il est partagé entre des bonnes choses et d’autres totalement ratées qui me font encore rire aujourd’hui. Entre le premier album et le second, on a tous participé à d’autres projets musicaux et on a acquis des connaissances techniques qui nous ont permis de ne pas faire deux fois les mêmes conneries. Donc, artistiquement, on a réalisé notre projet en concoctant ce « Love, etc. ». Christine Verschorren (Ghinzu, Kris Dane et quelques autres) a également apporté son concours. Elle a mixé l’album de main de maître. Au fil du temps, tu finis toujours par te dire qu’un morceau aurait pu sonner mieux ou plus audacieux… Mais faut pas se fixer là-dessus et essayer de continuer à avancer artistiquement.
Julien : Pour « Love is a Schizophrenic Hungry Monster », je suis convaincu qu’on pourra le reprendre en main dans dix ans et se regarder sans honte dans une glace en se disant : ‘On a fait un bon album de rock’. Et puis on a dû se battre presque seuls pendant deux ans pour mener le projet à son terme. Ce qui rend son aboutissement encore plus jubilatoire…
Vous changez constamment de label. Vous vous engueulez avec tout le monde ou quoi ?
Julien : Non, mais c’est dur de dénicher un label qui veuille vraiment travailler sur ton disque.
Enzo : Celui de notre premier album s’appelait Magnet Records. C’était une structure bruxelloise montée par Jean-Pol Van Ham, un type très branché sur la musique et particulièrement enthousiaste. A l’époque il a signé une dizaine de groupes en même temps. Mais il ne parvenait plus à suivre l’ensemble de son écurie. C’était un peu trop pour un seul homme. Conséquence : les albums étaient quasi ignorés et ne bénéficiaient d’aucune promo. Sortir le premier album a été un parcours du combattant, car Magnet commençait à péricliter. Un peu plus tard Jean Pol a revu le cadre de ses activités. Il a commencé à bosser avec Vaya Con Dios et il a construit un studio à Louvain. Signer des groupes n’est plus sa priorité. Pour le deuxième d’Elvis, on n’avait donc plus de label. On a essayé de trouver un deal pour l’album en Belgique et à l’étranger mais nos recherches n’ont pas abouties. Vu qu’on n’est jamais mieux servi que par soi-même, on a décidé de s’en charger personnellement.
Julien : Pour nous, on préfère une petite structure qui se bat vraiment pour nous qu’un gros truc au sein duquel tu n’es qu’un groupe parmi 50 autres.
Le paquet d’effets electro tout le long de l’album est franchement succulent. D’où proviennent tous ces sons ?
Julien : C’est Enzo qui les a imaginés dans sa cave, en buvant du vin sarde… !
Enzo : J’ai toujours aimé triturer les sons et cette technique a toujours été une composante importante du groupe. Je suis fan de reggae et de hip hop. Ce sont des genres qui utilisent beaucoup l’électronique. Il était donc naturel que je les injecte dans les morceaux…
Comment se déroule le processus de composition chez Elvis ? Chacun vient y mettre son grain de sel ou vous composez en tribu ?
Enzo : Le processus de base est collectif : quelqu’un amène une idée et le groupe la retravaille.
John : Chacun amène des idées et les autres viennent greffer les leurs. C’est ainsi depuis le début.
Julien : La plupart du temps on crée les morceaux ensemble. Quelquefois, les idées démarrent lors de chipotages en répet’…
Enzo : Dès que la structure du titre est fixée, on enregistre pour voir comment la compo sonne. Si c’est bon, je m’amuse à ajouter des sons et d’autres instruments, histoire de voir où on peut ‘amener’ le titre.
La durée assez courte des morceaux, c’est un peu dans l’esprit punk-rock, non ?
Julien : Tout à fait ! On est de grand partisans du format 2 minutes 30 ou 3 minutes. C’est l’essence même du rock non ?
Enzo : On est tous des fans de punk rock et puis notre musique passe mieux si elle est concise.
John : Oui, essayer d'aller à l'essentiel ! Avant on jouait un morceau qui pouvait durer 10 minutes. La structure n'était pas figée et on se laissait aller.
Julien : Il faut qu’une chanson soit directe et pas trop longue, sinon le public se lasse. Tu imagines un morceau d’Elvis’ Ghettoblaster long de 7 minutes ? Quelle horreur ! Les gens prendraient leurs jambes à leur cou. C’est trop bruyant…
En adoptant un format aussi court, ne craignez-vous pas justement de réduire l’univers qui gravite autour de vous ? Des morceaux de 25 minutes à la Mars Volta sont dans vos cordes. Ce genre de délire peut marquer les esprits, non ?
Enzo : Comme John te disait, à l'époque où on était quatre, on disposait d’un très long morceau qui dépassait souvent le quart d'heure. Cette longue transe bruitiste, très ‘free’, était devenue assez chouette à jouer. On pourrait y revenir un jour. Pour les chansons courtes, c'est une critique qui revient souvent, mais on est des inconditionnels de la maxime ‘less is more’
L’elpee recèle quelques petites perles. Et je pense à « Stoner » ou « Fears » par exemple, deux titres qui sentent le souffre et la damnation. Le coté ‘dark’ colle bien à votre image. Envisagez-vous de poursuivre dans cette voie ?
Julien : A une certaine époque on assumait moins ce côté un peu plus ‘sombre’, peut être un peu cliché… Nous apprécions la perspective du deuxième degré, voire même, carrément du quinzième…
Enzo : Il est probable qu’il existe une tendance dépressive dans ce groupe. J’imagine qu’on continuera à réaliser des choses légères et d’autres moins. Même si au sein de chaque morceau on injecte une petite dose d’humour !
John : On verra …
Comment voyez-vous l’avenir ?
John : Je pense qu'on peut encore faire un très bon album
Julien : Difficile à dire aujourd’hui. On va d’abord le défendre… Et puis voir si on en a un troisième dans le ventre.
Et comment le concevez-vous dans votre esprit ?
Enzo : A une certaine époque, on a tous espéré pouvoir vivre de notre art. On en est un peu revenus.
John : Personnellement, je verrais bien un deal signé auprès d’un label qui s'occupe de tout ce qui est administratif... et nous on se concentre sur ce qui nous intéresse...
Julien : Franchement, si lorsque nous avons entamé l’aventure Elvis, on m’avait dit que je vivrais tout ce que j’y ai déjà vécu, j’aurais signé à deux mains. Même si on a aussi traversé des moments très difficiles.
La scène belge éprouve d'énormes difficultés pour faire décoller les projets. Vous avez tenté d’ouvrir d’autres horizons ?
Julien : Pour t’exporter, tu dois avoir déjà vendu pas mal d’albums dans ton propre pays... C’est le problème. Mais on est en contact avec la France…
Enzo : Julien et moi-même avons participé à l’organisation des soirées Rock&Brol, des soirées éclectiques où le rock croise l’électro qui croise le hip hop qui croise le reggae. En plus on invite des groupes qu’on aime bien. John John Bretzel (notre bassiste) milite chez Austin Lace depuis de nombreuses années. J’ai aussi vécu une bonne partie du parcours d’Austin Lace (NDR : il vient de cesser sa collaboration). J’ai également pris part à d’autres projets comme Hallo Kosmo (du hip hop en allemand) et je m’amuse à assurer le rôle de dj, de temps en temps. Notre chanteur, Greg, est également impliqué au sein d’autres projets : Mr Mo In Jojoland et Albern Borges. J’ai brièvement participé à ce dernier. Il est toujours enrichissant de multiplier les collaborations artistiques. Elles te permettent de progresser tout en nourrissant ta propre muse. Mais attention à l’indigestion !
Quels sont vos prochains concerts ??
Julien : Dour, Bucolique Festival, Botanique en octobre,… le mieux est de consulter notre page Myspace http://www.myspace.com/elvisghettoblaster
Une dernière question en Private Joke comme vous en savourez : qui est ce photographe qui réalise vos clichés tout pourris ?
Enzo : Un cas désespéré. Un type bizarre passionné par la taille des déjections des dinosaures.
John : Silvio, un dealer d'Etterbeek !
Julien : Ouais, c’est lui qui fournit Enzo en vin du terroir…
(photo : Silvio Cassano)
Il est vrai qu’on est un peu loin de Noël, mais le karma a voulu que ce disque finisse par conquérir mes oreilles à la faveur de ce bel été. Vous l’aurez donc compris, les douze titres de « Oh Santa ! » parlent du Père Noël et de tous les amis qui vont avec. L’elpee baigne au sein d’une une ambiance désuète et/ou anecdotique, entre punk potache, punkabilly, glam rock, country et boogie rock ‘burné’. La première partie de « Oh santa ! » n’est pas passionnante. La faute peut-être à l’utilisation/dérision d’une certaine imagerie américaine, mais surtout parce que les titres ne tiennent pas trop la route. Les choses s’améliorent dès les essentiels Apples In Stereo et leur très beau « Holiday Mood », ‘lennonesque’ en diable. Sympathique aussi le « God Rest Ye Merry Gentlemen » des Legendary Shack Shakers. Ils se fendent d’un boogie poisseux que ne renierait Tom Waits. La dernière étincelle revient aux Moaners, dont le titre évoque Hole dans ses meilleurs moments. Le reste n’est pas vraiment mauvais mais tout de même trop anecdotique pour vraiment intéresser qui que ce soit de ce côté-ci de l’Atlantique, même un soir de Noël…
Usher marque son retour en concoctant cet ambitieux « Here I Stand ». Il s’agit du cinquième album de ce chanteur plutôt doué, après une absence de quatre ans. Le tube crunk-pop « Love In This Club » a déjà largement squatté divers canaux médiatiques et ouvre la voie aux quelques futurs tubes qui sommeillent pour l’instant au cœur de copieux album (18 titres).
C’est quand il pose sa voix sur des titres musicalement audacieux que Usher marque des points, comme sur l’efficace « What’s your Name » partagé en compagnie de will.i.am ou « Best Thing » (flanqué de Jay-Z). Il se révèle un des meilleurs chanteurs de sa génération lorsqu’il rend hommage à des maîtres comme Michael Jackson et Stevie Wonder (« This Ain’t Sex », « Something Special » et le titre maître). Hormis ces excellentes compositions, Usher se perd un peu trop dans les trop nombreuses bluettes fades ‘for the ladies’ qui polluent le disque. Elles finissent par envahir « Here I Stand ». Et pourtant, même si l’effet exercé est sporadique, on entrevoit déjà le grand talent du bonhomme…
Le nouveau tombeur de ces dames se nomme Sam Sparro. Et le bougre sait exactement ce qu’il faut faire pour faire fondre le cœur des demoiselles tout en obtenant l’approbation de leurs petits copains. Aussi bien capable de susurrer des mots doux à leurs oreilles que de les inviter à secouer l’arrière-train, l’Australien immigré à Los Angeles met fin à la guerre des sexes. Sur sa piste de danse, l’égalité est de mise. Le machisme et le crêpage de chignon sont gentiment rangés au vestiaire. Une fois installés sur le dancefloor, les couples se forment tandis que Sparro amorce la soirée sur un electrofunk galvanisant (« Too Many Questions ») qui donne tout de suite le ton. La nuit sera chaude.
S’ensuivent des « Black And Gold », « 21st Century Life », « Cottonmouth », « Sally », « Can’t Stop This ! » et « Sick » invitant aux danses les plus lascives. La température grimpe. Les gouttes de sueur commencent à perler sur le sol. Les vêtements se mettent à voler dans tous les sens. Les corps brûlants s’échangent et se mélangent à mesure que le funk, la soul, le disco et l’electro du jeune artiste s’extirpe des énormes baffles. La foule électrifiée se noie alors dans une vague de ravissement intégral, dépassant les limites de la décence. Michael Jackson (circa 80s), Calvin Harris, Prince, Jamie Lidell ou encore Scissor Sisters, assistent tous à la scène, fiers de leur petit frère spirituel. La soirée la plus chaude de l’année se clôture sur les très justement intitulés « Can’t Stop This! » et « Still Hungry ». Les corps se détachent progressivement les uns des autres et les convives quittent alors l’établissement, impatients de recevoir leur invitation à la prochaine réunion charnelle de Sam Sparro…
‘Avec un bourdonnement dans nos oreilles, nous jouons infiniment’ nous annoncent les Islandais sur la pochette de leur cinquième essai. Résolument plus pop que ses prédécesseurs « Með Suð í Eyrum Við Spilum Endalaust » constitue une nouvelle et splendide ode à la liberté. Au naturel, comme au premier jour, Sigur Ròs se découvre et explore des capacités nouvellement acquises. Le quatuor s’analyse, opère des choix parfois surprenants et se créé un univers imperméable à tout élément perturbateur. Dans son nouveau monde, Sigur Ròs n’a de compte à rendre à personne. La formation peut aussi bien visiter des terres inconnues que faire marche arrière afin de passer quelques instants dans des recoins autrefois parcourus. Peu importe la direction vers laquelle ils se dirigent, la magie opère instantanément. Comme si l’on était voués à tomber sous le charme des moindres faits de ces quatre Islandais.
Sur ce « Með Suð í Eyrum Við Spilum Endalaust », les vocalises de Jónsi n’atteignent pas toujours la même intensité que sur les essais précédents. Une légère perte d’intensité qui semble cependant justifiée par l’inédite légèreté des compositions. Sigur Ròs n’essaie plus d’atteindre le nirvana en apposant un climax au sein de chaque titre. Ils privilégient ici un dépouillement qui aurait pu porter préjudice à l’ensemble s’il n’était pas aussi bien maîtrisé. Preuve que la formation n’a pas peur de prendre des risques, comme elle le prouve d’ailleurs sur « All Alright », une toute première exploration de la langue de Shakespeare plutôt réussie. Il faut avouer néanmoins que cet opus au titre imprononçable met plus de temps à convaincre que ses prédécesseurs. Reste qu’une fois séduit, plus moyen de s’en débarrasser. ‘Avec un bourdonnement dans nos oreilles, nous écoutons infiniment’.
« Els Invertebrats », oui madame, c'est de l'espagnol et c'est le titre du quatrième album de Refree. Pour ce nouvel opus, Refree, alias Raül Fernandez (quand je vous dis que le gars est espagnol), s’est entouré d’excellents collaborateurs. En notamment Giovanni Di Domenico au piano, Manolo Cabras à la basse et Oriol Roca aux percussions. Un elpee dont les sessions d’enregistrement se sont déroulées à Bruxelles. Ce qui explique sans doute pourquoi la musique du Barcelonais (NDR : qui oserait encore douter des origines de notre ami Raül ?) dégage un petit côté sympathique.
En épinglant le côté pop de la musique d'« Els Invertebrats », la bio accompagnant le cd m'a plutôt surpris. Malgré les quelques effets peu orthodoxes susceptibles de ponctuer l’une ou l’autre mélodie, l'album est plutôt classique dans sa structure. Et pour cause, l’expression sonore est essentiellement alimentée par des instruments classiques (la contrebasse et le piano tout particulièrement) ; alors que lorsqu’elle s’autorise l’un ou l’autre dérapage un peu fou, l'ambiance vire au jazz. Nous sommes ici bien loin du pacte surprenant, passé entre une musique instrumentale et le rock. Bien loin du jeu hallucinant d'un Dresden Dolls ou plus intimiste d’An Pierlé et de son album « Mud Stories ». Plus conventionnel, l'artiste espagnol manifeste davantage de sagesse.
Mais qu'importe les genres, ce qui compte c'est la musique ! Et celle de Refree est très agréable à écouter. Si nous sommes plongés au beau milieu de la canicule de l'été catalan, Raül Fernandez est bien présent pour nous rafraîchir de sa voix. La mélodie est travaillée, voire savante, mais toujours légère et entraînante. Parfois même contagieuse. A l’instar d’« Un Oficio Antiguo » ou de « Marlina ». Et finalement si ces mélodies s’attardent dans notre esprit, ce n'est pas pour nous déplaire. L’aspect festif de certaines compos contraste avec le caractère secret d’autres. On passe ainsi de grands espaces ensoleillés aux intérieurs feutrés des bars branchés. Ce n'est pas un paradoxe, c'est simplement Refree. Serait-ce ainsi la bohème à Barcelone ? En tout cas « Els Invertebrats » s'écoute et se réécoute avec plaisir sans risque d'indigestion. Et ce disque risque fort de ravir tous les amateurs du genre.
« Images Of Sigrid » constitue le deuxième album des Parisiens de Poni Hoax. Oui, aussi étonnant que cela puisse paraître, sous l’excellent accent et le parfum résolument américain, le combo débarque de Barbes, plutôt paradis du rap que de l’indie. Sous les coups de butoir de la rythmique qui s’emballe au fur et à mesure, les 5 gaillards fréquentent des sons aussi familiers que difficiles d’approche. Traduisez : il en faut plus à Poni Hoax pour se laisser piéger par les styles établis. D’ailleurs chez cette formation, les touches rock/electro/cold wave voire même disco ont la vie dure ; en outre, il serait ardu de leur attribuer un style bien précis. Cette envie de détourner des ambiances agréables en scènes percutantes dérange. C’est indéniablement le fer de lance du groupe. Assis sur la tombe de Ian Curtis, Nicolas Ker dégaine son stylo pour écrire les textes. Même que le chanteur s’est sans doute fait un shoot avec l’âme qui se dégageait de la sépulture. Noires comme la new-wave, explosives comme le disco, puissantes comme le rock, les 13 plages de cet opus se consomment en 72 minutes. Elles ne cessent de percuter tout en parvenant à nous enflammer jusqu’à nous immoler à l’aide de notre propre conformisme. Vu son éclectisme, l’opus peut revendiquer une intemporalité. L’association improbable de tous ces genres ne crée pas un capharnaüm auditif, il retrace juste des anciens plans, pour les mettre au goût du jour. « Images Of Sigrid » est un très bon album, même si plusieurs écoutes sont nécessaires pour le décoder. Recommandé donc aux mélomanes à l’esprit curieux et patient.
Difficile d’être plus prolifique que Robert Pollard. Depuis que Guided By Voices a splitté, c’est-à-dire en 2004, Bob a participé à l’enregistrement d’au moins dix-sept albums. Et au cours des douze derniers mois, il en a gravé trois. En outre, les deux précédents –plus expérimentaux, il faut le souligner– dépassaient allègrement les 70 minutes. « Robert Pollard is Off to Business » en revient à un format plus conventionnel, puisque non seulement il va à peine au-delà des 35 minutes, mais il ne compte que 10 plages, dont la plupart ne dépassent pas les 4 minutes. Un disque plus accessible. Plus pop donc. Dont les sessions d’enregistrement se sont déroulées de manière assez particulière. Robert a tout d’abord enregistré les pistes vocales, puis les a transmises via internet à son ami de longue date Todd Tobias (NDR : le frère de Tim, ex-bassiste de GBV) pour qu’il y ajoute l’instrumentation et assure la mise en forme. Une technique dont Pollard nous avait parlé dans une interview accordée voici déjà 5 ans.
Après avoir signé quatre elpees chez Merge, Robert vient donc de sortir son premier disque sur son propre label : Guided By Voices. Un œuvre au cours de laquelle il démontre à nouveau son art à torcher de superbes mélodies. Ensoleillées, contagieuses, hymniques, mid tempo, tantôt semi acoustiques, tantôt savoureusement électriques, bien dans l’esprit d’une de ses influences majeures : le Who circa « Tommy ». Le tout enrichi d’arrangements luxuriants et particulièrement soignés.
Figure emblématique et véritable pionnier de la scène electro/pop, le New Yorkais Moby est probablement l’un des artistes contemporains les plus énigmatiques. Impressionnant sur « I Like to Score », œuvre au cours de laquelle il a martelé bien les têtes de ses splendides beats techno, l’Américain a créé la surprise, quelques années plus tard, en concoctant « Play », un ‘buzz’ aux titres forts et marquants. Après cette apothéose, place au gouffre ! « Hotel » n’est jamais parvenu à recueillir la ferveur de ses aficionados ; et son « Best Of », terni par la présence d’un duo partagé en compagnie de Mylène Farmer, a définitivement plongé Richard Melville Hall au plus bas de son crédit. Conscient de ces échecs commerciaux, l’artiste de la Grosse Pomme cherche manifestement à rebondir. Et une chose est sûre, son nouvel opus revient sur les traces de ses origines : la dance music. Tout en y ajoutant une touche d’ambiance 80’s. Le producteur rend en même temps ici un vibrant hommage à sa ville. « Ooh Yeah », « Everyday It’s 1989 » ainsi que « Alice » illustrent parfaitement cette semi-résurrection. Parce que tout n’est pas encore parfait. On se consolera néanmoins par l’énergie qu’il inocule tout au long de cette œuvre et son art à dispenser des beats comme il est le seul à pouvoir le faire, même si pour réaliser cet elpee, Moby a reçu le concours de quelques collaborateurs issus de la City. Un retour en forme ne serait pas pour nous déplaire. « Last Night » en est peut-être une première manifestation. C’est tout le mal qu’on lui souhaite.
Nederlands 
Français 
