Créé en 2006, Empyr a déjà fait couler beaucoup d’encre. Et pour cause, ses membres affichent une fameuse carte de visite. Le line up implique ainsi Benoit Poher (Kyo) au chant, Florian Dubos (Kyo) au chant et à la guitare, Frédéric Duquesne (Watcha) à la guitare, Benoît Julliard (Pleymo) à la basse et au chant ainsi que Jocelyn Moze à la batterie. Rien d’étonnant dès lors que les majors se soient précipités pour signer le jeune groupe. Finalement, c’est SonyBmg qui a remporté la palme. Et c’est sous son égide que vient de paraître leur premier elpee, intitulé « The Peaceful Riot ».
Première surprise, Empyr a choisi de s’exprimer dans la langue de Shakespeare, histoire de dépasser le cadre de son territoire hexagonal et de ses quelques satellites perdus à droite et à gauche. En outre, il a pris soin de concocter des textes plus intelligents. L’aventure Kyo a suffisamment souffert de cette carence ; et puis au fil de l’âge, la maturité s’acquiert naturellement.
Musicalement, leur rock est puissant, énergique, très ‘heavy’, flirtant parfois avec le screamo ou le neo metal ; mais elle se limite au flirt ! Car on y retrouve également des climats atmosphériques dignes des Deftones et un sens mélodique emprunté tantôt à Radiohead, tantôt à Smashing Pumkins. Ajoutez-y quand même une bonne dose de piment. Bien sûr, Empyr n’offre rien de neuf ; et vu le nombre de groupes militant au sein de cette catégorie, on aurait plutôt tendance à faire la moue. Cependant, si ce combo ne débarque pas d’outre-Atlantique, c’est bien au pays de l’Oncle Sam et sous la houlette de Ken Andrews (A Perfect Circle, Beck, Jimmy Eat World) que les douze plages –d’une longueur totale de 50 minutes– de The Peaceful Riot ont été enregistrées et produites. Le son est d’ailleurs plus léché et franchement différent de ce qui nous est proposé chez nous. Alors, ouvrez grands vos pavillons !
L’album s’ouvre par “God Is My Lover”. Guitare et voix plantent le décor. La basse entre en scène et augure une suite plus musclée. Il faut une bonne minute avant que le reste du groupe ne rejoigne les éclaireurs. Mais à cet instant, plus rien ne les empêche de lâcher la purée, définissant ainsi une fois pour toutes le style musical d’Empyr. Plus pop, « New Day » constitue le titre radiophonique de l’elpee. “Birth” porte encore les stigmates d’un certain passé. Celui du chanteur. Sans pour autant être calqué sur son ancien projet. L’ambiance est plus calme, mais en même temps triste et sombre. Elle invite l’auditeur à entrer pleinement dans cet univers et à s’y identifier. Malgré la mélancolie qui en émane, “Birth” est probablement un des titres qui boosteront nos rockeurs en avant. “Tonight” et “The Voice of the Lost Souls” déménagent davantage. Au cours de ce dernier morceau, Benoît Poher hurle dans un style neo-metal, alimenté par des guitares décoiffantes. Et la ballade “Forbidden Song” nous réserve un peu de calme (NDR : avant la tempête ?), même si elle monte judicieusement en puissance et en temps opportun.
Dans l’ensemble, “The Peaceful Riot” est un disque de bonne facture. Les parties vocales sont parfaitement équilibrées. Le tracklisting ne souffre pas d’une trop grande linéarité et évite surtout d’enchaîner des plages trop semblables. Enfin, la production est irréprochable. Reste à savoir si ces qualités techniques seront suffisantes pour compenser la carence d’originalité. C’est au public d’en décider. Toujours est-il qu’Empyr a probablement encore de beaux jours devant lui.
Né le 24 juin, à Colfax, en Californie, Terry Riley est considéré comme un des fondateurs de la musique répétitive et minimaliste. Automne 1978, il part en tournée mondiale. Il y expérimente un générateur de delay créé par le technicien Chester Wood, module qu’il couple à son orgue Yamaha YC-45D. Le 10 novembre, son périple passe par le Théâtre Edouard VII de Paris. Il y accorde un concert absolument remarquable, teinté d’orientalisme, un set considéré comme un de ses chefs-d’œuvre dans le domaine de l’improvisation. C’est cette prestation qui a été immortalisé sur ce compact disc. Intitulé « The last Camel in Paris », c’est une relecture de « Shri Camel », paru alors en été de la même année. A l’issue de cette tournée, Riley va définitivement abandonner les concerts d’orgue électrique. Si vous êtes accros à la musique électronique, je vous invite à potasser la discographie de cet illustre personnage, histoire de bien comprendre que l’électro ne date pas de la fin du XXème siècle…
Fondée en 1969 par Santiago Giacobbe et Jorge Gonzalez, Quinteplus est une formation argentine qui a toujours manifesté une grande admiration pour le jazzman américain Cannonball Adderley. Vampisoul réédite l’unique album de ce groupe de jazz, un disque entregistré en 1971, qui bénéficie, pour la circonstance de quelques bonus tracks immortalisés ‘live’.
L’influence de Cannonball Adderley est manifeste : les mélodies soutenues par des cuivres très r&b mènent la danse et les rythmiques sont musclées (écoutez la batterie proto hip hop de « El Marques »). On nage aussi en plein jazz électrique, un moment où les musiciens du genre ont commencé à aller voir ce qui se passait du côté de la musique pop et rock mais aussi au cœur des musiques traditionnelles. Pour personnaliser quelque peu son expression sonore, Quinteplus ajoute cependant à son jazz très yankee de petites touches percussives argentines. Néanmoins, il faut une nouvelle fois souligner que leur musique doit beaucoup (trop) à ses maîtres américains.
Jamais à court de concepts étranges à transférer sur disque, le duo électronique américain a cette fois-ci décidé d’enregistrer un disque sans utiliser de micro. Tous les sons de « Supreme Balloon » sont donc générés par une batterie de synthétiseurs de toutes les époques, qui rendront jaloux les collectionneurs. Du Moog au Arp en passant par le Coupigny (vieux synthétiseur de l’I.N.A. utilisé par les compositeurs de musique concrète), les instruments de culte ne manquent pas.
Les sept pièces musicales (dont une dépasse les vingt minutes) réunies sur ce « Supreme Balloon » convient l’auditeur à un voyage décalé dans un monde un peu grotesque et désuet. Les hostilités débutent par « Rainbow Flag », une sorte de bossa moqueuse et flasque traversée de sons ‘bruissants’. Dans le même style, « Les Folies Françaises » pastiche les travaux de Wendy Carlos, pionnière du Moog dont les adaptations de Bach ont été largement utilisées par Kubrick dans Orange Mécanique. Moins anecdotique, « Mister Mouth » est rehaussé par la présence de Marshall Allen (Sun Ra Arkestra) à l’‘Electronic Voice Instrument’ (un oscillateur vocal). Cette pièce évoque les travaux décalés de Mr Oizo. Une espèce de funk futuriste qui part dans tous les sens, mais aussi un des sommets créatifs de l’album. Le titre maître s’étale sur plus de vingt minutes. Il semble avoir été conçu pour illustrer un documentaire. Guère passionnant, il soulève cependant la question de la vie extra-terrestre.
A l’atterrissage, l’album séduit plus par la qualité indiscutable de la recherche sonore du duo que par la qualité des titres proposés. Hormis l’un ou l’autre morceau (« Polychords », « Cloudhoppers »), il ne suscite guère d’intérêt. Et si vous êtes patients, après dix minutes de silence, vous avez encore droit à un bonus track. Une sorte de titre house dont le traitement dub est finalement assez convaincant…
Déjà des superstars dans leur Norvège natale, les emcees Tshawe Baqwa et Yosef Wolde-Mariam proposent un rap très mélodique qui n’est pas sans rappeler les travaux d’Andre 3000 au sein d’Outkast. “Beggin’”, une belle reprise d’une chanson des Four Seasons, est déjà un tube en Norvège et truste déjà les ondes F.M. belges.
“So Dark The Con Of Man » exploite la recette gagnante de “Beggin’”: un flow mi rappé/chanté et des productions archi efficaces qui s’aventurent du côté des sons caraïbes (reggae, reggaeton et sons cubains) tout en restant dans un contexte hip hop moderne.
Ce qui est perdu en variété (l’opus est un peu uniforme) est récupéré en efficacité: le disque regorge de tubes susceptibles d’être chantés dans sa salle de bains ou de cavalcades à danser sur les pistes. “Liar”, “Blessed”, “Me & My Brother”, “Dandelion” (très Pharrel Williams), le reggae “Let it Be Known” (NDR : il sample sans le créditer le “Run Run” de Delroy Wilson). Ce sont les quelques réussites jalonnant ce « So Dark The Con Of Man », un elpee destiné à celles et ceux qui sont incapables d’attendre la sortie du prochain album des Black Eyed Peas.
Venus à été assassinée ? En voilà une surprise. La deuxième surprise, c’est que l’équipe de détectives en charge du dossier, n’est composée que d’ados post-boutonneux, répondant au nom de Les Shades. Leur disque a été enregistré sous la houlette de Betrand Burgalat qui les a accueillis dans son lupanar personnel de Montreuil. Les cinq membres du groupe dépassent donc à peine la majorité sexuelle. Pourtant, ils tentent déjà de nous parler des désillusions de l’amour. Je pouffe ! Et je me le permets sans scrupules. J’entends d’ici les critiques, me taxant de vieux con, de réac qui n’accepte pas ‘la-vague-déferlante-d’une-jeunesse-rockeuse-sur-les-traces-de-leurs- aînés’. Que nenni ! J’applaudis en général l’audace et l’âge n’a pas d’influence dans cette démarche. Mais les 12 plages que recèle « Le Meurtre de Venus », présentés comme ‘Le nouveau rock garage’, me fait beaucoup trop penser aux BB Brunes sous lexotan. Ce n’est pas pour rien d’ailleurs, que les combos sont potes. Des refrains un peu ‘bateau’, un univers aseptisé, et une armada de fans qui les adulent sont les éléments qui finissent par les rendre siamois. Tout ceci n’empêche pas le succès incroyable que leur témoigne le public. Derrière la volonté d’intellectualiser un rock teenager, « Le Meurtre de Venus » se veut sérieux et de qualité. On ne peut pas nier, en effet, certaines qualités sonores dans leur chef. On ne peut pas dire non plus, qu’ils ne maîtrisent pas, pour leur jeune âge, le médiator et les fûts de manière prometteuse. Mais de là à les porter au nues, et les afficher comme la solution, comme le lien qui réunit les générations antérieures du rock’n roll, on met clairement la charrue avant les bœufs. Espérons pour eux, qu’ils prendront de l’âge et de la maturité ; et surtout qu’on leur en laisse le temps. C’est signé chez Tricatel, voilà certainement le seul point qui me surprend vraiment dans cette histoire.
Tuomari Nurmio est finlandais. C’est une véritable légende vivante du rock'n'roll dans son pays. Il s'y est d'ailleurs toujours exprimé dans sa langue maternelle. Pourtant, cet universitaire (NDR : il est diplômé de la faculté de droit) a décidé de se mettre à langue de Shakespeare. Histoire de mettre tous les atouts dans son jeu pour obtenir une certaine reconnaissance internationale. Il aurait pu être juge (tuomari en finnois) mais a opté pour les voies musicales. Il a choisi pour adjoint, Markku Hillilä… un médecin! Manifestement, le duo –qui a choisi pour patronyme Judge Bone et Doc Hill– ne manque pas de matière grise. Le bon juge signe l’intégralité de cette "Porte du Grand Ours". Les sessions d’enregistrement se sont déroulées dans le garage du disciple d'Hippocrate. Doc affiche le physique décharné et le regard plutôt énigmatique, un grain de folie attaché aux paupières, il tient ses guitares rageusement près du corps. Il aime le blues, la musique country et le rock. Il emporte le tout dans son laboratoire expérimental avant de le transborder dans son univers déjanté.
Le titre maître ouvre l’elpee. Les accents métalliques de la guitare sont découpés sur le fil du rasoir. La voix semble venir d'outre-tombe. Les percussions se concentrent autour des cordes. Les règles du jeu du blues ont bien changé depuis l’époque au cours de laquelle les sonorités émergeaient des Collines du Nord Mississippi. C'est-à-dire les créateurs du son Fat Possum. Manifestement, c’est le message dispensé par "You hate me and my stepson hat". Le monde est bien cruel et difficile à vivre. Boogie se consumant sur des braises incandescentes, "Do the Hoodang" célèbre une danse macabre. Bone y répète indéfiniment son message de terreur. Plus classique, "Down to the cold cold ground" trace une ligne mélodique qui relève presque d’un monde ordinaire. Il chante nerveusement des lyrics destinés à forcer un passage au creux de nos méninges, ébahies par cette audace. Judge Bone a l'intelligence de varier son répertoire. En solitaire, il est capable de se frotter à du folk blues de bonne facture. A l’instar de "Bonnie George Campbell". "Ramona" baigne au sein d’un climat plus pop, même si l'attaque des cordes se révèle particulièrement nerveuse ou encore sur "Seventeen and in misery", un tantinet plus débridé et nous entraînant à la limite du délire. Et au sein de cet univers un peu fou, le juge semble raffoler des rechutes spectaculaires. Il assène ainsi des riffs menaçants, meurtriers même, à "Buffalo's Bone" ou encore à "Fare thee well". Un combat mené à la manière du Magic Band d'un certain Captain Beefheart, sous son meilleur jour. Deux titres de rockabilly sont susceptibles de perturber les esprits : "15,000 head" et "Train train train". Un peu comme si la magie des studios était parvenu à ressusciter Elvis Presley au cœur du berceau de Fat Possum. L'atterrissage s’opère en douceur. Et nous permet de quitter cette œuvre l’âme en paix. Voire même de célébrer un hymne à la joie : "I let the angels do the dreaming". Si « Big bear's gate » est un opus fort intéressant, il nous permet surtout de découvrir les multiples facettes exaltées et exaltantes du Juge Bone…
Pour célébrer les 10 ans d’existence d’Isis, Ipecac vient de sortir ce maxi-single consacré à « Holy tears », compo qui figurait sur le dernier album « In the absence of truth ». Le disque recèle également une version ‘live’, immortalisée au Continental Airlines Arena et une autre vidéo réalisée sous la houlette de Dominic Hailstone. Sans oublier le remix « Not in rivers, but in drops », opéré par les Melvins. Un véritable honneur pour la formation de Los Angeles qui a toujours considéré la bande à Buzz Osborne, comme une des ses influences majeures.
Retiré de la scène musicale depuis un certain temps, pour se consacrer davantage à sa mission de pasteur, Al Green a opéré, depuis quelques années, un come-back particulièrement réussi. Ce troisième album constitue un hommage très marqué au son imaginé par le producteur Willie Mitchell, pour le label de Memphis ‘Hi Records’, une écurie au sein de laquelle militait Al mais aussi l’essentielle Ann Peebles.
Coproduit par James Poyser et ?uestlove (Roots, D’Angelo, Erykah Badu, etc.), « Lay It Down » bénéficie aussi de la participation de Corinne Bailey Rae, John Legend et la section cuivres des Daptones, collaborateurs de Sharon Jones, Joe Bataan et… Amy Winehouse. Une équipe de rêve responsable d’une belle réussite artistique. « Lay It Down » soutient la comparaison avec les albums du grand Al produits dans les années septante. Les mélomanes apprécieront la pure perfection musicale de l’elpee mais aussi ces titres très inspirés qui chantent plus les amours terrestres que les contemplations divines sensées avoir occupé l’esprit d’Al Green ces dernières années. La voix de notre homme ne semble d’ailleurs pas avoir souffert du temps qui passe, tant elle est à l’aise dans tous les registres.
Un tout bon disque de soul à l’ancienne, à mettre entre toutes les oreilles !
Victime d’un accident de circulation à 19 ans –alors qu’elle circule en bicyclette, elle est renversée par une voiture, et s’en sort avec de multiples fractures– Melody Gardot porte encore aujourd’hui les séquelles de cette mésaventure. Souffrant de névropathie, elle s’aide d’une canne pour marcher, porte des lunettes fumées et doit régulièrement avoir recours à un stimulateur pour soulager ses douleurs névralgiques. Et finalement, c’est à l’initiative de son médecin qu’elle a décidé de composer. C’est bien connu, la musique constitue une thérapie universelle. Sa carrière musicale a commencé à l’âge de 16 ans. Elle se produisait alors le week-end dans les bars. Et son répertoire était alors constitué de reprises (Duke Ellington, Mamas & The Papas, Radiohead, etc.)
Après avoir concocté un premier Ep intitulé « Some Lessons - The Bedroom Sessions », elle nous propose son premier elpee. Et il faut reconnaître que pour une artiste de 22 ans, le résultat est assez probant. Un disque pour lequel elle a reçu le concours de musiciens notoires. En l’occurrence le guitariste Jef Lee Johnson (George Duke, Aretha Franklin), le claviériste Joel Bryant (Aretha Franklin, Harry Connick Jr.), et le trompettiste Matt Cappy (Jill Scott, Kirk Franklin). Evoluant quelque part entre pop, trip hop, blues et jazz (surtout !) les dix plages de cet opus nous plongent au cœur d’une ambiance feutrée, nightclubienne, apaisante. Etonnant lorsqu’on sait que les lyrics sont parfois douloureux (NDR : le titre maître !), reflétant l’inévitable mal-être de l’artiste. Pourtant, bercé par le timbre velouté, sensuel, indolent de Melody, rappelant parfois Norah Jones voire Diana Krall, on ne peut que succomber à un tel charme et à un tel enchantement.
On a presque assisté à une émeute chez les fans de Kyo, quand en 2005, Benoît Poher a décidé d’octroyer une pause à sa poule aux œufs d’or. Qu’ils se rassurent ! Après un détour par la comédie musicale, ce dernier a décidé de reprendre du service en montant un nouveau projet aux ambitions à la mesure du nom choisi. Empyr propose ici un titre percutant afin de mettre son public en appétit avant la sortie de l’album, « The Peaceful Riot ».
Entouré de la crème des gentils rebelles du rock français (Watcha, Pleymo,…), Benoît repart donc sur les sentiers balisés par son ancienne formation. Et, comme d’habitude, ça se tord de douleur à tous les étages : du romantisme exacerbé des voaux évoquant comme jamais les grands frères de Muse au lyrisme dégoulinant de l’instrumentation, en passant par les poses contrites des musiciens.
Néanmoins, on a vu bien pire dans le genre : sous une production dopée aux hormones, la ligne mélodique est plutôt agréable et l’énergie communicative. Ce titre, chanté en anglais, fera un carton auprès des adolescents bouillonnants de mal-être sous leurs couches de Biactol et devrait provoquer assurément une hystérie générale, dans les premiers rangs des spectateurs du festival des Ardentes, où le groupe se produira ce 10 juillet.
Rarement un groupe aura aussi bien porté son nom: Earth, c’est la terre dans sa matérialité la plus boueuse, la plus lourde. Depuis sa formation, opérée au début des années nonante, le groupe ne cesse de réaliser de longs travelings au ras du sol : la gravité érigée en expérience musicale, esthétique. Une expérience lente et suffocante, parfois éprouvante, représentative de ce sous-genre du metal, le Drone, dont Earth est un des plus importants représentants aux côtés des terrifiants Sunn O))).
A l’écoute de ce nouvel opus, il apparaît cependant que la référence au métal n’est plus si évidente. Earth a en effet eu la bonne idée de varier son propos, en conviant notamment le légendaire guitariste de jazz, Bill Frisell. Celui- ci apporte une touche de légèreté en contrepoint aux arpèges apocalyptiques de Dylan Carson et à la rythmique imperturbable d’Adrienne Davies. Instrumentale, toujours hypnotique et extrêmement lancinante, la musique de Earth prend ainsi, sur certaines plages, une tournure jazzy bienvenue, renforcée par le jeu d’orgue subtil de Steve Moore.
Le groupe a le mérite de fouler des contrées inexplorées, quelque part entre post- rock, heavy metal (voir la pochette, kitsch à souhait) et jazz rock progressif des années septante.
Si l’expérience s’avère étourdissante pour qui prendra la peine de s’y abandonner, il sera toujours difficile au néophyte de pénétrer l’univers souvent glauque, voire malsain, de Earth. Et pour que votre info soit complète, on vous rappelle que la formation se produira au festival de Dour ce 20 juillet.
« Home before dark » constitue déjà le 29ème opus studio de l’artiste américain. Maintenant, il faut reconnaître qu’il compte quand même 42 ans de carrière. Mais franchement, si ce crooner possède une voix d’or (NDR : pas de diamant ?) incomparable, sa discographie ne m’a jamais trop bottée. En fait, j’en suis toujours resté à la B.O du film "Jonathan Livingston Seagull", parue en 1973. Curieusement, c’est à partir de 1976, qu’il a cessé de composer. Pas de chanter ni de sortir des albums. Se contentant alors de la muse d’une pléiade de collaborateurs. Sous l’impulsion de Rick Rubin (producteur célèbre de métal qui avait déjà remis en selle Johnny Cash et Donovan), il avait repris la plume en 2005. Et un opus fort encourageant, « 12 songs », était paru en 2005. La recette de Rubin : en revenir à davantage de simplicité instrumentale (une sèche, un clavier rogné, une basse, l’une ou l’autre intervention de guitare et des arrangements réduits à leur plus simple expression). Et ma foi le pari semble réussi, puisque je suis parvenu à écouter ce disque jusqu’à son terme. A la limite, on n’est pas loin des exercices de style acoustiques opérés par Bruce Springsteen (NDR : pensez à « Devils And Dust »). « Home before dark » recèle 12 plages introspectives, déchirées entre désespoir et psychanalyse, probablement inspirées par son divorce vécu voici maintenant trois ans (NDR : qui lui a coûté un pont !), douze compos dont la plupart dépassent les 5 minutes. C’est sans doute le seul reproche que l’on peut reprocher à cet elpee. Sans quoi, on en épinglera le bouleversant titre maître, « Another day », au cours duquel il partage un duo avec la Dixie Chick Natalie Maines ainsi que le plus allègre « Pretty amazing grace ».
Alors que pour l’instant la Suisse nous rappelle à son bon souvenir en tant que coorganisatrice de l’Euro 2008, sachez que cette nation ne se limite pas à accueillir des supporters venus des quatre coins de l’Europe, encourager vingt-deux joueurs courir derrière un ballon. Il existe également une scène pop/rock florissante. Et Genève a ainsi enfanté Commodor.
Un trio constitué d’Adriano Perlini (guitare / chant), de Tim Robert-Charrue (basse / claviers) et de Christophe Henchoz (batterie). Intitulé “Driving Out Of Focus”, leur opus est découpé en huit fragments. Huit titres évoluant au sein d’un (post) rock noisy, rageur et puissant, mais mélodique. La presse spécialisée estime qu’elle emprunte à Young Widows son énergie sèche, et à Unwound son groove malade ; cependant leur solution sonore trahit des similitudes bien plus flagrantes avec des groupes comme Ventura, Trauma ou encore Frodus. Surtout pour les sonorités brutes à la limite dissonantes de la guitare et des vocaux rêches, proches de la vocifération. Le tout dynamisé par des drums épileptiques, particulièrement énergiques et surplombé par une ligne de basse bien présente. Des caractéristiques qui communiquent à cet opus studio, une coloration très ‘live’, pure, naturelle et imparfaite.
Un elpee solide et homogène, alternant moments calmes et endiablés. En outre, Commodor se réserve l’un ou l’autre trip instrumental, utilisant même parfois des patterns répétitifs qui cumulés au timbre discordant conduisent à –sans vouloir être péjoratif– un lavage de cerveau...
“Driving Out Of Focus” constitue donc un très bon début pour des Genevois qui viennent enrichir une nouvelle scène helvète de plus en plus dynamique...
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