Tapes’N Tapes était parvenu à extraire le pur plaisir du rock urgent mais toujours mélodique sur « The Loon ». Un condensé d’énergie tirée par des mélodies indélébiles, une impeccable batterie, la voix touchante de Josh Grier. Aisé, sans détour et résistant, pour un album qui ne s’effiloche pas d’écoute en écoute. Autant ne pas nier les attentes perchées à l’annonce de ce second album des Américains. « Walk it off » n’emprunte pourtant pas la formule de la jouissance immédiate. Le chemin est plus approximatif. Tortueux quand l’atmosphère lo-fi achemine des guitares trop saturées (« Ruse », « Headshock »), incongru quand le rythme ralentit pour s’éprendre d’une émotion presque romantique (« Conquest », « Say back something »). On n’est plus dans la course effrénée du ‘c’est à prendre où à laisser’ ; « Walk it off « prend des pauses, questionne, s’attarde sur des états d’âme, tâtonne, expérimente. Mais ce que l’album gagne en innovation, il le perd en détermination. « Blunt » grimpe en crescendo vers un psychédélisme aussi essayiste que douteux, tandis que les cinq derniers morceaux, largement dispensables, déforcent l’ensemble. Un simple E.P., concentrant le meilleur, aurait été salutaire pour rester sur l’efficacité et l’ardeur si conquérante du premier album. Mais sur sa longueur, « Walk it off » finit par perdre toute conviction. Reste l’imparable single « Hang them all », pour réminiscence du potentiel ensommeillé des Tapes’N Tapes.           

Les Semifinalists ont tout simplement intitulé leur album, “2”. Eponyme, le premier avait fait un tabac. A cause de style psycho-pop. Depuis, la formation a emprunté une nouvelle direction musicale. La mixture proposée par le trio londonien puise son inspiration au sein de courants issus des années 80, comme la new wave, le funk et le disco, mais aussi dans le shoegazing électronique visionnaire. Rien d’étonnant dès lors de déceler des similitudes avec des groupes de cette époque ; et en particulier Staflyer 59 (NDR : pour le shoegazing) et encore Joy Electric en matière d’électronique. Et pour faire plus original encore, les sessions d’enregistrement se sont déroulées dans des endroits plus insolites les uns que les autres : une cabine sise près d’un lac gelé du Wisconsin, les rues de San Francisco ou encore les faubourgs de Chicago.

L’opus s’ouvre par “Our Body”. Les synthés dominent le sujet et annoncent la couleur quelque peu rétro de l’elpee. Malgré son solo de guitare, “Last Pretending” s’adresse d’abord aux dance-floors. Le sample audio utilisé au début de “Loud Heart” me rappelle ces petits pianos à 20 touches convertibles en calculatrice. Oui, celui qui vous a permis de composer vos premières et peut-être dernières partitions. Les vocaux ne sont pas assurés par Ferry Gouw, mais Adriana Alba ; histoire de varier les plaisirs, mais également d’apporter davantage de dynamisme à la compo. Dans l’ensemble, les chansons sont bien construites. Fluctuantes aussi, sans pour autant tomber dans le patchwork. Malheureusement le groupe semble perdre son ‘mojo’ vers la moitié du disque. En effet, à partir de cet instant, les chansons commencent à se ressembler et à perdre leur originalité et personnalité. Bien sûr, certains groupes font pire, se contentant de nous ressasser la même soupe, en boucle, pendant cinquante minutes. On peut donc considérer que les Semifinalists ont déjà fourni un bel effort en se montrant à la hauteur de leur sujet une bonne moitié de l’elpee ; mais comme le début était de toute bonne facture, il me semble tout à fait normal de manifester une certaine déception. 

En tout cas, si vous êtes fans des années 80, quelques moments chéris de votre passé risquent de vous revenir à la mémoire, même si le combo leur a insufflé une coloration plus moderne.

Pas la peine de chercher plus loin. Santi White, alias Santogold, est sans conteste la touche de Midas de l’été 2008, comme en témoignent les incalculables critiques élogieuses. Cet engouement, elle le doit à un premier essai éponyme brillamment produit et recélant onze compos à la fois exubérantes et fouillées. Virevoltant du pop-rock (« I’m A Lady », « Lights Out ») au reggae (« Shove It », « Unstoppable ») en passant par l’indietronica (« Creator », « Anne ») et la new-wave (l’immanquable single « L.E.S. Artistes »), Santogold jongle entre les styles musicaux avec une aisance et une cohérence remarquables. Après avoir officié pendant quelques années comme employée au sein d’Epic Records, puis produit quelques recueils et composé plusieurs morceaux pour divers artistes, la jeune MC originaire de Brooklyn semble avoir enfin trouvé sa voie.

Assurément, des titres tels que « Creator », « Starstruck » et « Unstoppable » lorgnent légèrement du côté de M.I.A.. Mais que l’on ne s’y trompe pas ; bien que la presse ait une fâcheuse tendance à comparer systématiquement ces deux artistes, le seul point commun entre Santogold et M.I.A. procède de leur capacité à enchaîner tubes sur tubes et forcer les auditeurs à l’accoutumance. L’obsédante tuerie pop « You’ll Find A Way » suffit seule à appuyer cette affirmation. Frais et excitant, ce « Santogold » est d’ores et déjà une référence. A bon entendeur…

Petit mètre 60, sweat capuche aux mille têtes de morts, coiffure surmodelée de diva, Shara Worden est l’incarnation du contraste. Tantôt maturité et naturel lui donnent l’aura d’une femme fatale, tantôt indécision et pudeur ravivent son air de moineau égaré. Les propos sont réservés, orientés, puis on saisit une accroche; un accordéon sur la pochette –non, je n’en joue pas ! C’est mon père !– et c’est l’occasion de tisser le fil de l’histoire familiale d’une sensibilité musicale ; les rêves de gamines, les vocalises à l’âge de 7 ans, la formation ‘classique’. Mais alors, les têtes de mort sur le sweat ? Là, les résistances tombent et la posture sage et posée s’effiloche aussi vite que jaillissent les réminiscences. Clins d’œil amusés et elle se raconte enfin ; une ambition d’opérette, une passion de skateuse puis une audition à la limite de l’échec car l’élève tardive –étourdie ou impertinente ?– entre en scène toujours munie de ses skates. Une sérieuse réprimande, un choix, un tournant décisif et, les skates au placard, c’est la musicienne qui triomphe. Tout sourire après ces incursions dans de doux-amers souvenirs et, enfin, Shara Worden rayonne autant que sa voix grave et troublante. Puis la vie reprend son cours. Jolie rencontre pour un joli album ; mille dents de requins et à peu près autant de frissons.

Certaines chansons du deuxième album ont été écrites avant la sortie du précédent, “Bring me the workhorse”. Pourquoi ne pas les avoir intégrées?

Je m’explique. Au début, j’ai voulu distinguer les chansons enregistrées en compagnie du ‘String quartet arrangement’, parce qu’elles semblaient mieux coller ensemble; mais au fil du temps, j’ai commencé à embrasser une nouvelle approche du répertoire et à le trouver plus proche, plus homogène. Là j’ai pensé, c’est vrai, que les chansons « Pluto’s moon » and « Goodbye forever » auraient pu très bien figurer sur le premier album ; par contre « Inside a boy », « The ice and the storm » et « From the top of the moon » sont des nouveaux morceaux. Je les ai composés l’année dernière et ils sont vraiment liés à ce nouveau cd.

Veux-tu dire que tu étais vraiment dans un autre état d’esprit ?

Oui, je crois. Simplement, parce que je ne pouvais pas aller aussi loin qu’avant. Tu vois, sur le premier, la plupart des chansons, je les ai écrites surtout pour moi, au calme. A cette époque, je me contentais d’un concert par mois ; donc elles n’étaient pas spécifiquement destinées à meubler un an de tournée. Par contre, lors du deuxième, j’ai été plus réaliste ; et je me suis dit qu’elles allaient sans doute me servir pendant une année. Alors, qu’est-ce que j’ai envie de jouer ! Mais tu vois, je ne souhaite pas me taper « The diamond » tous les soirs ! A la limite, je n’ai pas trop l’intention de l’interpréter en public. Parce que c’est trop lourd et techniquement extrêmement difficile à reproduire. Et puis ça exige une grande dépense d’énergie.

Et quand as-tu commencé à chanter ?

En fait, je n’ai jamais cessé. J’ai commencé quand j’étais toute petite.

Tu as accompagné Sufjan Stevens, tout un temps ?

Nous avons accompli une tournée au Japon ensemble. C’est un musicien extraordinaire. Ce périple m’a donné l’inspiration pour me lancer dans le projet My Brightest Diamond.

Tu imagines une collaboration avec lui ?

Aucune idée, vraiment ! C’est comme essayer de capturer un papillon ! Sufjan est constamment occupé de zigzaguer. Il est impossible de prévoir sa trajectoire !

Le titre de l’elpee, si j’ai bien compris, les « 1 000 dents de requins » se réfèrent aux mille petits rayons de soleil qui te piquent doucement lorsque tu interagis avec quelqu’un ; ça représenterait donc la distance idéale à garder face aux proches pour être touché sans trop s’exposer… enfin, si j’ai bien compris ?

(rires) Ah ! Maintenant tu comprends combien il est dur pour moi d’expliquer le titre de cet album aux journalistes ! Oui, c’est vraiment l’idée que j’essaie de faire passer ; mais elle demeure très abstraite. Dans toute relation, tu rencontres des dysfonctionnements. Quand tu débranches les connections malsaines, il faut les remplacer par des bonnes connections ; autrement dit, changer sa façon d’aimer. Et j’ai l’impression que la vie c’est ça ; les connections malsaines, c’est l’insécurité, tes propres peurs, tes habitudes, tes façons de te protéger dont tu n’es pas conscient ; alors tu fonces dedans, et c’est en te blessant que ça devient conscient ; là, tu te dis, la prochaine fois que je verrai l’obstacle, je ne foncerai plus dedans ; et donc c’est ça l’équilibre à rechercher, à travers les mille dents de requins.

Sur le morceau « Black’n costaud » figurent des phrases en français. As-tu eu l’occasion de l’apprendre?

Un peu, j’ai pris des cours. Je le comprends mais le parle mal. En fait, ces paroles se résument simplement à quelques phrases issues d’un opéra de Ravel ; la seule ligne que j’ai vraiment changée c’est ‘marmalad’moi’.

Aimerais-tu travailler en compagnie d’artistes francophones ?

Malheureusement, je n’en connais pas beaucoup. J’aime beaucoup les romantiques des années 90. Debussy surtout. C’est toute mon éducation musicale !

Est-ce un choix de se tourner essentiellement vers une formation classique ?

En vérité, je préfère ; car dans le style classique, tu vas plutôt composer ta musique en fonction de l’écriture, alors qu’en rock tu vas peut-être penser les paroles en fonction d’un rythme déjà établi. Personnellement, j’ai plutôt l’envie de conserver une liberté de choix dans l’écriture. Donc j’attache une valeur plus importante au songwriting. C’est la raison pour laquelle j’adopte le profil de type classique. Le rythme y est secondaire, alors qu’il est primordial dans le rock.

Y a-t-il des artistes que tu admires en compagnie desquels tu rêverais de tourner ?

Mais ça serait une véritable torture ! Je fondrais littéralement. J’avoue, ce serait clairement Nina Simone. Je l’aime énormément. Mais vraiment, je me décomposerais sur scène. Et puis j’aurais aimé voir Tom Waits, Peter Gabriel, Sonic Youth… Edith Piaf… Ils sont tous magnifiques.

L’accordéon sur la pochette… C’est bien toi, et pourtant tu n’en joues pas ?

Non, bien vu ! Je n’en joue pas. C’est mon père! Et c’est un symbole fort de ma famille, qui m’a baigné dans la musique. Et puis j’estime que l’accordéon est un pont entre la musique moderne et traditionnelle.

Et l’échelle sur la pochette ?

En fait, j’ai pompé l’idée chez un peintre allemand qui peint toujours des échelles ; c’est un symbole sur lequel il travaille beaucoup. Elle représente le pont entre la terre et le ciel. J’aimais bien cette idée.

« Bring me the workhorse » a été entièrement remixé dans un second album. Projettes-tu de recommencer une semblable expérience pour « A thousand shark’ teeth »?

C’est déjà prévu ! Il y aura plusieurs remixes, mais pas réunis sur un seul disque. Pour la circonstance, le concept impliquera trois artistes différents qui remixeront et produiront 3 EP’s.

Tu aimes aussi les sons électroniques alors, malgré ta formation de classique ?

J’aime tout !

Te sens-tu prêt à enregistrer un album électro ?

Pourquoi pas ! Maintenant, je ne suis pas une experte en matière de technique ; mais il est vrai que j’utilise les programmes informatiques pour enregistrer tout moi-même ; donc je pourrais apprendre vite ; je crois. Un jour, qui sait ! Et il est vrai qu’à une certaine époque j’écoutais un large spectre de styles musicaux. Même du punk ! Au collège, je sortais avec mes amis punks et j’étais skateuse. En réalité, j’ai un peu le vertige quand je regarde mon passé. Je me demande vraiment ‘mais qui suis-je au fond ?’ Et je crois que dans ma vie j’ai essayé de me chercher. A travers différentes façons d’être. J’étais une adolescente tourmentée à l’époque et le monde du skate me permettait un peu de sortir ma colère. Mais alors, le contraste, c’est que je me consacrais à l’opéra en même temps. Et j’ai même presque perdu un emploi à cause de mon comportement. Lors d’une audience, à la pause, avec trois collègues, on se rendait sur le parking où il y avait une rampe de skate. Et un jour, j’ai presque raté une épreuve, car j’étais occupée à faire du skate ! Par la suite, je n’ai plus travaillé au sein de cette boîte. Par mesure de prudence, ils voulaient me confisquer mes skates ! C’est vrai que mon attitude n’était pas très professionnelle ; j’ai presque raté mon entrée… J’étais tellement en retard que je suis arrivée sur scène chaussée de mes skates !

Pratiques-tu toujours du skate ?

Non… rires… Ca ne collait pas trop à l’opéra… J’ai fait mon choix !

Album : A thousand shark’s teeth; sortie le 17 juin 2008