L’honnêteté paie. La preuve par cette première œuvre des Ting Tings dont l’intitulé résume à merveille la démarche du duo. « We Started Nothing », déclarent-ils avec fierté. Jules De Martino et Katie White surfent donc sur la vague pop aux accents électroniques la plus hype possible, composant des ritournelles aux refrains obsédants et aux mélodies entraînantes. Usant de formules mille fois usitées, The Ting Tings n’en ont rien à foutre et le démontrent en dix petites leçons. S’approprier un genre musical ne leur semble pas constituer une priorité. Pas vraiment un tort, au vu des innombrables ‘next-big-things’ qui s’y attèlent chaque semaine en échouant lamentablement. Le duo, lui, accepte la situation et crée de la zique dans l’unique but de secouer le derrière de son auditoire et lui esquisser un sourire aux lèvres. Les mélodies de « Be The One », « Fruit Machine » ou des inévitables « Great DJ », « Shut And Let Me Go » et « That’s Not My Name » sont de celles qui vous obsèdent jusqu’à la nausée. Symptôme dévoilant une formule manifestement gagnante. Et si la nouvelle définition de l’originalité en était justement son absence ?
Shawn Mullins est actif sur la scène musicale depuis près de deux décennies. Baptisé du doux titre “Honeydew”, son nouvel opus le dépeint dans un style au sein duquel il excelle ; c’est à dire un mélange de folk, de rock et de country. Toutes les chansons sont d’ailleurs essentiellement tramées sur la guitare sèche et la voix du chanteur. Une structure de base sur laquelle viennent se greffer toute une série d’instruments comme des percussions, un orgue et un harmonica. Et même une guitare électrique dont la sonorité peut même rappeler celle du soliste d’Aerosmith sur “Cryin’”; mais de là à comparer les deux artistes, il y a un pas que je ne franchirai pas. Dans le style, le risque de basculer dans la monotonie est souvent flagrant. Heureusement, Shawn parvient à éviter ce piège. Il nous invite à participer à une longue balade, transitant par les montagnes, le désert, traversant rivières et forêts, sans jamais prendre le temps de reprendre son souffle. L’artiste passe de la tristesse à l’allégresse, de la country au rock, en manifestant une homogénéité surprenante.
Côté textes, Shawn dépeint, au cours des douze morceaux du dernier opus, des personnages typiquement américains. Il raconte également leurs histoires, leurs aventures, leur vécu. “The Ballad Of Kathryn Johnston” narre ainsi les péripéties d’une femme qui ne se sent plus en sécurité. Et elle s’achète un fusil. Une arme qu’elle finira par utiliser par erreur contre un policier. “Homeless Joe” nous parle d’un musicien SDF. Il vit à Atlanta et dort dans la rue. Il ne dispose pas de foyer, mais est heureux de son sort, car il compose de la belle musique. “See That Train” relate l’aventure d’un amant abandonné près d’un château d’eau par sa fiancée, alors qu’il dormait. Quant à “Fraction of a Man”, il décrit le parcours d’un représentant commercial. Avalant les kilomètres à longueur de journée, il noie sa solitude dans l’alcool.
“Honeydew” est un album de toute bonne facture. Très agréable à écouter, il se démarque de la programmation formatée proposée sur la plupart de stations radiophoniques FM. En outre, rien de tel qu’un peu de Shawn Mullins pour agrémenter des soirées entre amis, autour d’un feu de camp.
Tête pensante des Decemberists, Colin Meloy s’est offert en 2006 une petite escapade en solitaire sur les routes américaines, emportant dans ses bagages une guitare acoustique pour seul matériel. De New York à Los Angeles en passant par Chicago, l’interprète a tranquillement parcouru le pays afin de s’offrir deux petites semaines d’entretiens privés entre lui et son public. Deux ans plus tard paraît « Colin Meloy Sings Live ! », le fruit d’une virée qui risque de rendre vert de jalousie la majorité des fans internationaux du bonhomme. Et pour cause, il n’a pas consenti à emporter sa gratte sèche en dehors des frontières états-uniennes.
Quelques privilégiés ont donc pu se régaler de versions dépouillées de plusieurs compositions des Decemberists, interprétés en solo par leur géniteur. Celui-ci parcourt ainsi le meilleur de la discographie de sa formation (« Here I Dreamt I Was An Architect », « On The Bus Mall », « The Gymnast, High Above The Ground », « A Cautionary Song ») mais ne se gêne pas pour présenter également le plus mauvais de ses écrits tel qu’un « Dracula’s Daughter », fredonné avec dérision.
Excellente transposition live contenant quelques clins d’œil aux idoles de l’interprète (Pink Floyd, Shirley Collins, R.E.M.), « Colin Meloy Sings Live ! » aurait néanmoins pu inclure l’un ou l’autre extrait de « The Crane’s Wife », dernier essai des Decemberists, publié quelques mois après cette tournée. Mais au terme de l’œuvre, on reprochera principalement à l’homme d’avoir snobé le reste d’un monde qu’il lui reste pourtant encore à conquérir.
Ibrahim Maalouf, que l’on a pu voir dernièrement aux Nuits Botanique aux côtés de Yaël Naim, distille un savant mélange de jazz et de musique orientale nappé d’une légère couche de musique électronique. Ode aux pérégrinations multiculturelles, « Diasporas » est le résultat de quatre longues années de labeur durant lesquelles le trompettiste a virevolté de Paris à Beyrouth, en passant par Montréal. De ces voyages sont nées onze compositions bien produites mais par trop souvent inégales. En effet, bien que la fusion des genres musicaux de ce « Diasporas » soit quasiment impeccable, Maalouf a parfois tendance à se perdre dans des complaintes interminables (« Last Wishes », « Shadows »). Et lorsqu’il joue la carte de l’audace, le résultat n’est malheureusement pas plus convaincant. En atteste « Missin’ Ya (Night In Tunisia) », reprise du « Night In Tunisia » de Dizzie Gillespie, dont on ne comprend ni les tenants ni les aboutissants. De cette œuvre, on retiendra essentiellement les quelques plages improvisées qui démontrent de la manière la plus adéquate l’étendue du talent du jeune trompettiste. Pas mal, ni plus ni moins.
« Bleed American » constitue pour Jimmy Eat World l’album de la consécration. Publié originellement en 2001, la troisième œuvre du quatuor connaît aujourd’hui une seconde vie sous la forme d’une édition « Deluxe ». Traitement de faveur justifié par le succès conséquent et inattendu de la plaque. Un succès provoqué par la sortie de l’incontournable second single, « The Middle ». Entièrement enregistré et financé par les membres du groupe eux-mêmes après leur éjection du label Capitol, « Bleed American » a finalement impressionné le défunt label Grand Royal qui l’a envoyé dans les bacs internationaux en juillet 2001.
Précédé par le single éponyme, l’œuvre a toutefois dû subir une modification de taille quelques mois plus tard. En effet, après les attaques du 11 septembre, l’intitulé « Bleed American » est jugé trop insensible et déplacé par rapport à la situation politique du pays. Le groupe a donc décidé de rebaptiser le premier single « Salt Sweat Sugar » et son opus en éponyme. Aujourd’hui, le recueil retrouve les bacs dans son appellation originelle mais doublement plus chargé qu’il y a sept ans. Un premier disque présente donc les onze titres initiaux, dont les tubes « Bleed American », « The Middle », « A Praise Chorus » et « Sweetness », auxquels s’ajoutent trois petits bonus issus de divers EPs. La seconde partie est, elle, consacrée à une série de dix-huit B-Sides, versions ‘live’ et autres démos, parmi lesquelles une excellente reprise du « Firestarter » de Prodigy et un moins efficace « Last Christmas » de Wham. Mais c’est surtout lorsque l’on compare les démos aux versions finalisées que ce second disque prend tout son sens. Les dissemblances entre les deux variantes permettent de témoigner d’un réel travail de composition et de l’excellence des réarrangements. Désormais considéré comme une œuvre pop rock plutôt qu’emocore, le toujours aussi frais « Bleed American » reste, à ce jour, le meilleur ouvrage de Jimmy Eat World.
Eric Gales est né à Memphis. Au sein d’une famille de musiciens. Ses deux frères aînés jou(ai)ent de la guitare. Manuel (Little Jimmy King) est décédé à l'âge de 33 ans. En 2002. A l’âge de 16 ans, Eric signait son premier elpee en compagnie de son autre frangin, Eugene. Un opus intitulé "The Eric Gales Band" et paru sur Elektra. En 1991. Cinq ans plus tard, les trois frères commettaient "Left hand brand", une œuvre parue chez House of Blues. Depuis, Eric poursuit une carrière en solitaire, un parcours ponctué par un contrat signé auprès du label de Los Angeles, Shrapnel Records, il y a quelques années. Il y a sorti notamment "Crystal vision" en 2006 et "The psychedelic underground" en 2007. L’écurie se consacre essentiellement au heavy metal, une ligne de conduite clairement perceptible. A l’instar des deux derniers opus, Mike Varney assure la production. Il a également coécrit les onze plages en compagnie d’Eric. Dès son plus jeune âge, Gales a été plongé dans un grand bain électrique. Celui de Jimi Hendrix. Il n'en est jamais sorti. Tout comme la légende, il est gaucher et afro-américain.
Il démarre tout en puissance par un morceau de métal particulièrement coriace : "Save yourself". Pourtant, sa voix ‘hendrixienne’, caressante, atténue l’attaque implacable. Les cordes évoluent constamment en dérapage contrôlé. Prêtes à bondir à tout instant, elles explorent une large palette d’artifices. Et son éventail de pédales n’y est pas étranger. Eric maîtrise bien son sujet. Il ne trahit aucune faille. Blues électrique séduisant, "I aint no shrink" marque une pause. "The story of my life" lorgne vers le Cream circa 1967. L'époque d'un Clapton découvrant l'aventure psychédélique. La formule trio réunit des quadragénaires. Dont le drummer Colson et le bassiste Steve Evans, un support sans faille. Blues contemporain, "Layin' down the blues" évolue sur un mid tempo. Le timbre d’Eric est serein. Il ponctue chacune de ses phrases par de petits soli nets et précis. La fureur métallique revient à grands pas sur "The sound of electric guitar". Gales étale au grand jour son adresse sur sa panoplie de pédales. L'image d'Hendrix, un petit matin de 1969, alors que le jour se levait à peine sur Woodstock, lorsqu’il s’est mis à célébrer l'hymne national américain sur ses cordes déjantées, est toujours dans la tête de Gales. Et c'est de cette manière qu'Eric a choisi d'introduire le calme "Red, white and blues", un morceau mêlant cordes acoustiques et électriques. Mais cette gentille ballade s’achève dans un ouragan de notes torturées. Gales, le hard rocker, refait vite surface en dispensant des morceaux aussi impitoyables que "Very educated", le boogie métallique "Cut and run" ou encore "Borderline personality". L'artiste libère son mal de vivre sur le long blues lent "You ain't the boss of me" ; mais il épanche ses émotions en manifestant beaucoup de retenue, démontrant ainsi qu’au sein de la famille Gales, on sait ce que blues veut dire! "Brigin' the hammer down" s’achève dans le pur style Cream. Epoque "Disraeli gears" pour les puristes. Mais l’opus n’est pas terminé. On a encore droit à deux bonus tracks. Tout d’abord "You don't move me", un morceau funky destiné à accorder un billet de sortie à la section rythmique. Ses deux membres s'autorisent ainsi chacun leur petit solo! "Gypsy" referme l'album. Presque pop, il est cependant ponctué par une dernière sortie généreuse des cordes.
Fin 2007, Flying Lotus nous gratifiait de « Reset », un EP dubstep irrésistible qui a réussi à se faufiler dans les hautes sphères de quelques classements de fin d’année. Bien heureux de nous avoir efficacement mis l’eau à la bouche, le Californien déballe « Los Angeles », un deuxième ouvrage incontestablement supérieur à son prédécesseur, « 1983 », paru en 2006.
Flying Lotus, qui nous avait lâchement largués au milieu de la route, est donc finalement revenu sur ses pas, comme on l’espérait il y a quelques mois (cfr. review « Reset EP »). La portière s’ouvre sur des « Brainfeeder », « Breathe. Something/Stellar Star » et, surtout, « Beginners Falafel » annonçant un road trip des plus planants. La route va être longue et exquise. On le ressent déjà. A travers la vitrine, le panorama semble se métamorphoser. L’interminable rangée d’arbres se met à secouer ses branches. Les troncs ondulent lascivement au son des « Camel » et autres « Melt! ». Avant même de pouvoir prendre exemple sur ces derniers, le véhicule quitte le sol pour poursuivre sa route aux abords de la stratosphère sous les beats monstrueux de « Comet Course » et « Orbit 405 ».
A moins qu’il ne s’agisse uniquement du fruit de notre subconscient, intoxiqué par les dangereusement hallucinatoires « Riot », « RobertaFlack », « Testament » ou l’intense « Auntie’s Lock/Infintum », titre marquant la fin de la virée. On s’extirpe alors du véhicule, complètement déphasés et suants à grosses gouttes. Flying Lotus s’est encore une fois joué de notre état mental. En nous refourguant sa meilleure marchandise jusqu’à présent, le DJ vient de s’assurer une clientèle fidèle qui en redemandera encore et encore, jusqu’à l’arrêt complet de toute activité cérébrale.
Petit aperçu de ce que les Fleet Foxes nous réservent dans leur premier opus éponyme à paraître incessamment sous peu en Europe, « Sun Giant » constitue une œuvre introductive des plus enthousiasmantes. En cinq titres et moins de vingt minutes, le quintet fait flancher nos cœurs en s’adressant sans détour à nos âmes. Pour y parvenir, la formation originaire de Seattle introduit de manière inattendue des éléments gospel et Motown au sein de leurs compositions, réinventant habilement le mélange des genres. Elle distille ainsi un folk peu conventionnel, constituant ainsi une série d’hymnes spirituels transgressant les limites inavouées de ce genre musical. Sans concession, les Fleet Foxes font la nique à leurs contemporains, Grizzly Bear et My Morning Jacket en tête, en prenant une longueur d’avance sur eux grâce aux irrésistibles et limpides mélodies des « English House » et autres « Drops In the River ». En attendant la sortie européenne de l’œuvre éponyme, prévue pour la fin du mois d’août, vous pouvez d’ores et déjà réserver une place privilégiée pour ce « Sun Giant EP » dans vos I-Pods et autres accompagnateurs auditifs.
Producteur de son état, Robin Danar s’est mis en tête de confectionner un recueil regroupant une série de reprises interprétées par quelques uns de ses artistes favoris. Initiative à priori banale. Sauf que le New-Yorkais, dans son infinie sagesse, a décidé d’ajouter un peu de piment à l’ensemble. Pour différencier son « Altered States » des innombrables compiles du genre, il s’est adressé en majorité à des artistes originaires de Los Angeles qui ont dû, pour l’occasion, se prêter à un petit exercice de style plutôt intéressant. Prêchant l’originalité, Robin Danar a présenté à ses invités une série de morceaux improbables que ces derniers n’auraient, par conséquent, probablement jamais interprété de leur propre chef. Entièrement réorchestrés, ces reprises ont ensuite été enregistrées en live dans des lieux aussi divers que des garages ou des salons. Exit le studio d’enregistrement.
Assurément, Danar réussit quelques coups de maître. Ainsi, il pousse Inara George (The Bird & The Bee) à réinterpréter (NDR : et le résultat est magnifique !) le « Chances Are » de Johnny Matthis ; permet à Julian Coryell de triturer gracieusement le « Don’t Stop ‘Till You Get Enough » de Michael Jackson ou encore de métamorphoser le « Use Me » de Billy Withers en un incontournable tube pop interprété par Pete Yorn et Kinky. « Altered States » aurait néanmoins pu se préserver de la présence de l’un ou l’autre trouble-fête, gâchant un peu l’unité de l’ouvrage. On citera principalement Andy Levin & Holly Palmer (« Fool », reprise d’un morceau d’Andy Levin lui-même), Minibar (flinguant le « First Of The Gang To Die » des Smiths) et Quincy Coleman (massacrant le « Fearless » de Pink Floyd).
Bande son d’un film imaginaire uniquement disponible pour l’instant en import, « Altered State » demeure probablement un secret bien gardé. Mais l’on ne peut que conseiller aux fans des artistes participant au projet de jeter une oreille plus qu’attentive à cette agréable petite plaque pleine d’ambition mais sans prétention.
Ecrire la chronique d’un nouvel album de Coldplay est un exercice de style périlleux. Si vous encensez, les puristes vous traiteront de faux cul. Si vous le descendez en flammes, les nombreux aficionados vous prendront pour un blasé. Enfin, si vous lui trouvez des qualités et des défauts, vous ne contenterez ni les uns, ni les autres. Finalement, c’est pour le troisième choix que votre serviteur a opté, histoire de susciter la polémique.
Mais tout d’abord, parlons de l’aspect technique de cet opus. La pochette. Superbe. Elle reproduit une peinture révolutionnaire de Delacroix. Le titre de l’album : « Viva la vida… ». Il s’inspire des natures mortes de Frida Kahlo. La production. Elle a été assurée par Brian Eno et son disciple Markus Dravs ; ce dernier parce qu’il avait été conseillé par Win Butler, le leader d’Arcade Fire. Un opus qui a nécessité deux ans de travail. Ce qui explique sans doute pourquoi il a été piraté et que les pistes illégales sont plus nombreuses que celles retenues pour l’elpee.
Venons-en maintenant au contenu. Et procédons par élimination. Quatre plages font très pâle figure. Tout d’abord les U2esque « Lovers in Japan/Reign of love » et le premier single “Violet hill”. Sur le dernier morceau, la voix réverbérée et les accords de piano lorgnent excessivement vers John Lennon. Le titre maître ensuite. Un peu trop allègre pour être honnête. Et enfin la ballade mid tempo « Strawberry swing ». Je cherche vainement le swing. Quant à la framboise, elle est sans saveur. Loin d’être exceptionnel, le final « Death and all his friends » s’ouvre dans un style dépouillé réminiscent de « Parachutes », avant de s’autoriser un léger flirt avec la prog. Mais trop léger pour vraiment convaincre. Intro instrumentale, « Life in technicolor » ne dure que 2’30 et a un goût de trop peu.
On en arrive donc au meilleur. C’est-à-dire lorsque Coldplay démontre tout son art unique à communiquer ses émotions à travers la mélodie. Caractérisé par ses cordes de guitares tintinnabulantes, « Cemeteries of London » est dynamisé par de judicieuses boîtes à rythmes. Tout comme « Lost », infiltré de claviers omniprésents, presque ‘cathédralesques’. Faut dire que le recours à la technologie moderne y est plus systématique. « 42 » est une ballade romantique qui se mue progressivement en morceau complexe, somptueux, une compo au cours de laquelle la conjugaison des guitares chatoyantes et vivifiantes s’avère on ne peut plus savoureuse. Mais le morceau qui mérite vraiment la palme est « Yes ». Oui, oui ! Découpé en deux parties, il s’ouvre par des accès de cordes au sein duquel se détache un violon grinçant, un peu comme chez Tarmac, avant de glisser vers une noisy pétillante, virulente, éthérée, digne de Ride voire de My Bloody Valentine. Remarquable ! Dommage que tout l’opus ne soit pas de cette veine, car 4 morceaux sur 10, c’est quand même insuffisant pour un groupe de la trempe de Coldplay. En outre, Eno s’est déjà montré bien plus inspiré lors de ses mises en forme…
C’était quasiment impossible et pour tant c’est arrivé ! Car pour réunir au sein d’un même studio Wes Borland (Limp Biskit), Josh Freese (Devo, A Perfect Circle…), Danny Lohner (Nine Inch Nails) et Josh Eustis (Telefon Tel Aviv) il fallait avoir un sacré sens de l’organisation ou être titulaire d’un doctorat en coordination des agendas. Black Light Burns, vous l’aurez compris, est à la fois un all-stars band et le projet solo de Borland, qui signe également la toile utilisée pour l’artwork de la pochette. Sous un tel line up, ce « Cruel Melody » ne risquait pas de sonner comme du Tokio Hotel, mais bien comme du metal indus made in USA. Grâce au son énorme signé Ross Robinson, Black Light Burns peut rivaliser sans aucune crainte avec des combos tels que Filter ou même Queens of the Stone Age. Et pour cause, les quatre complices sont parvenus à insuffler quelques bouffées de stoner rock à leur musique industrielle.
Malgré un petit côté pop que l’on décèle au gré de ces treize plages superbement arrangées, on se régale du début à la fin. Si le chant évoque le timbre de Trent Reznor, dès les premières mesures du phénoménal « Mesopotamia », la comparaison avec « Nine inch Nails » se justifie davantage sur la deuxième partie de l’album. Plus nuancés et légèrement torturés, « One of Yours » ou « New hunger » n’aurait pas fait tâche sur une œuvre comme « The Fragile ». Mais une grande majorité des morceaux sont déjà des singles en puissance.
Bien rock, bien électro et surtout très metal, Black Light Burns nous lamine les tympans, nous balance des riffs incendiaires et des refrains rageurs, sans pour autant tomber dans les clichés faciles et tout en veillant à varier les atmosphères et la structure de ses titres.
Ceux qui attendaient Wes Borland au tournant, en l’imaginant dans une nouvelle aventure de pop-rap-metal calibrée pour les ados, en auront pour leurs frais ! Un coup de maître pour le moins inattendu.
Si feu Roy Orbison était une femme, elle se prénommerait à coup sûr Nicole. Outre le fait que cette native du New Jersey jouisse d’un timbre proche du rival éternel du King Elvis, cette chanteuse possède ce don de distiller avec beaucoup de romantisme obscur, une country pop inspirée par les 60’s. Après avoir passé trois ans au sein du groupe Los Parasols, dormi dans une Dodge le long de l’Avenue A à New York, elle a pu compter sur l’aide de quelques amis dont David Muller (musicien occasionnel de Yoko Ono, Fiery Furnaces ou encore Fischerspooner), pour déterminer ce qui lui correspondait le mieux à son profil.
Tout au long de ce « Neptune City », Nicole Atkins lâche tout ce qu’elle a sur le cœur. Histoire de sa ville, de sa famille, de ses amis et rupture amoureuse. Mais ce melting-pot est bourré de clichés typiquement américains ; et franchement, il ne vaut pas le détour. La pauvre Nicole ressent le besoin de cracher le morceau et au fil de l’elpee, on a l’impression de se muer en psychologue ou en assistant social. Bien sûr, sa performance vocale est irréprochable, mais son expression sonore se complaît dans un folk banal lorsqu’elle n’est pas gonflée aux orchestrations de cordes pompeuses. En outre, ses textes finissent par nous assommer. Ses histoires, on a les a d’ailleurs trop souvent entendues, même dans une file d’attente à la boulangerie. « Neptune City » ne parvient jamais à décoller et ne provoque jamais la moindre onde de frisson. Quant à la magie, n’en parlons pas ; elle est encore à des années lumière de celle qui hante et hantait les œuvres de Leonard Cohen ou encore de feu Roy Orbison. On y revient !
En 1981, le petit label indépendant Neat Records, spécialisé dans la New wave of British Heavy Metal, était loin de penser qu’en distribuant le premier album de Venom, explicitement intitulé « Welcome to Hell », il allait engendrer tout un courant et une imagerie. Considéré comme le premier ouvrage de metal extrême, et ouvertement satanique, « Welcome to Hell » est une pierre angulaire de l’histoire du metal. Car avant Venom, les pentacles, démons, signes cabalistiques et autres ‘666’ étaient peu courants sur les pochettes des disques de hard rock. Le son chaotique, la vitesse des morceaux, la voix ‘death’ de Cronos, les textes blasphématoires constituaient la marque de fabrique de cette première œuvre du genre. Chaque titre est culte. Le violent « Sons of Satan », le classique « Welcome to Hell », le déjà très thrash « Schizo », l’hommage à Motorhead « Live like an Angel », sans oublier l’excellent « Witching Hour » et son riff redoutable, rien n’est à jeter sur cet album ‘étalon’.
En 2008, soit 27 ans après la sortie de cette œuvre majeure, Venom tente de rappeler qu’il est l’instigateur du death et du black metal. Seul rescapé de la formation de l’époque, Cronos nous livre, derrière un superbe artwork, la plus grosse daube de toute sa carrière. « Hell » est hyper mal ficelé, la production est lamentable, les musiciens incompétents, et aucun titre n’échappe à ce naufrage absolu. A tel point qu’on se demande, dès les premières notes de « Straight to Hell », si le CD glissé dans le lecteur n’est pas celui d’un très mauvais groupe amateur. Pitoyable, quand on sait que le trio a prouvé, en 2000, qu’il était capable d’écrire et de jouer de la très bonne musique, en livrant un « Resurrection » intelligent, moderne et diversifié !
A conseiller à vos ennemis, exclusivement.
Nouvelle signature de Freaksville Record, label dirigé d’une main de maître par Miam Monster Miam, UFO Goes UFA est un projet loufdingue derrière lequel se cache Sophie Galet, Pascal Scalp (bassiste des Jacques Duvall) et Brian Carney, alias Brian Droid. Semblant tout droit éjecté d’un long métrage de série B des fifties ou sixties, « Pop Garage Symphony No. 9 » remonte à la source du Garage Rock pour en extraire l’essence et l’esprit. En résulte dix compositions surprenantes ne pouvant qu’attiser la curiosité. Démarrant sur « Hong Kong Slasher », « Twilight Salope » et « Black Mountain Blues », trois plages plutôt sobres mais efficaces, le recueil est soudainement pris d’assaut par des « Hit Parade Creature », « Zombie Nation III » et autres « Interlude Extraterrestre » complètement tapés. Assisté par Miam Monster Miam et The Yéyé Girls, UFO Goes UFA défie les normes établies de la scène rock wallonne. Reste à voir si les médias de la région suivront ces nouveaux trublions dans leur voyage spatio-temporel trippant.
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