Pour son nouvel EP, le musicien David Thomas Broughton a fait appel aux expérimentations du quatuor de Leeds, 7 Hertz. En cinq morceaux étalés sur un petit plus d’une heure, Broughton donne tout son sens au mot ‘urticaire’. Bien que le talent des musiciens de 7 Hertz soit incomparable, les envolées de violons et de basses communiquant sans aucun mal la chair de poule, la nouvelle œuvre de David Thomas Broughton souffre, ironiquement, de sa propre présence. Les vocalises irritantes de l’homme gâchent l’entièreté de la plaque et diminuent les efforts de 7 Hertz dans leur quête de transcendance. L’œuvre éponyme des collaborateurs partait pourtant d’une session d’enregistrement spontanée qui aurait pu être prometteuse si l’une des deux parties s’était désistée. Mais malgré ses affreuses intonations, on saluera tout de même la maîtrise de l’interprète dans la juxtaposition de ses vocalises sur des mélodies entièrement improvisées. De plus, lorsqu’il ne manie que la guitare, les élucubrations de Broughton se marient à merveille à celles du quartet. Ce dernier point laisse ainsi penser que cet ouvrage aurait gagné à n’être constitué que de plages instrumentales… 1 pour 7 Hertz, 0 pour Broughton.
Au Pays du Soleil Levant, sa terre natale, le trio Boris est considéré comme une icône du sludge/doom rock. Influencé par les Melvins et Merzbow (combo d’electro/noisy japonais), le groupe fait parler la poudre à l’aube de l’an 2000. Depuis, sept skeuds ont vu le jour, dont un enregistré en étroite collaboration avec le non moins culte SunnO )))
Sur le plan purement artistique, on peut écrire aisément que les Nippons exploitent de multiples sentiers, et cherche à mêler, dans une anarchie toute relative, le doom, le stoner, le psyché, le sludge et la noisy… à la japonaise, entendons-nous ! Pour le moins versatile, ce petit « Smile » ressemble à un joli bordel organisé. Un chaos bancal qui prête parfois à rire, souvent à pleurer. Les amateurs de post rock y trouveront probablement une dose de jouvence, mais les accros au Visual Kei (Moi dix Mois, Malice Mizer…) et surtout les nostalgiques de Vow Wow et de Loudness, auront bien du mal à s’identifier à ce rock mal dilué, décousu, et bourré de clichés. « Smile » devrait, selon toute vraisemblance, convaincre n’importe quel fan de Boris, et au final, de Boris uniquement !
Dans la catégorie foutage de gueule, il est difficile de faire mieux que ce second opus du groupe californien Asva. Quatre morceaux pour une rondelle de près de 70 minutes. Une heure dix de musique soporifique, profondément ennuyeuse, axée sur des riffs lents et ultra distordus auxquels viennent s’ajouter, dans un cafouillage inimaginable, des percussions probablement improvisées. Ne cherchez pas de structures, de logique, de mélodie, de technique… Ce disque en est complètement dépourvu. Certains justifieront ce choix en invoquant l’expérimental. Mais n’est pas Klaus Schulze, Hawkwind ou même Tool qui veut !
Ni stoner, ni doom, Asva se réclame du post rock. Un sous-genre où se retrouvent habituellement tous les combos qu’on n’arrive pas à classer dans un style bien précis ainsi que ceux dont on cherche encore et toujours l’essence même de leurs créations.
L’histoire d’Aqme commence par une petite annonce publiée dans un magazine métal en avril 1996. Puis par la rencontre entre un batteur et un guitariste devant le club parisien La Loco. Etienne est à fond sur Suicidal Tendencies et Machine Head. Ben, lui, est plutôt attiré par les Smashing Pumpkins et Nirvana. Onze ans plus tard, les deux gaillards ne se sont toujours pas séparés et proposent le quatrième album de leur combo ; un ensemble qui aura marqué la scène rock française de son empreinte ‘métallico-hip hopienne’. Un style qui n’a jamais été ma tasse de thé, autant le souligner une nouvelle fois. Mais objectivement, Aqme revient cette année en réutilisant tous les ingrédients qui ont fait son indéniable succès. Les textes sont plus vindicatifs que jamais. Les riffs de guitares syncopés dispensés sur « Uniformes », « Lourd Sacrifice », « Casser/Détruire » et le titre maître demeurent sévèrement burnés. A l’instar des précédents elpees, « Heresie » risque de provoquer des nausées chez les fans d’Iron Maiden, de Nightwish, Obituary, Rush, Dream Theater ou même Slayer, aussi de ravir les amateurs de Skarbone 14, Mass Hysteria, Lofofora et autre Enhancer. Même que parfois l’expression sonore évoque… un certain Kyo ! Aqme lorgnerait-il vers les plus hautes marches du hit parade français ? En grec, le mot acmé signifie l’apogée. Tout un symbole… A conseiller uniquement aux adeptes du rock festif à la française.
Petite Martha deviendra grande. Pour son second recueil au titre éloquent, la cadette des Wainwright prend son envol et répond aux attentes de la presse par un joli doigt d’honneur. Exit la pop du disque éponyme, aujourd’hui Martha fait ce qu’elle veut, comme elle le veut. Elle bidouille, brode, joue au yo-yo avec ses cordes vocales et fait de l’esprit sans en avoir l’air. La jeune femme se permet même d’emprunter le « See Emily Play » des Pink Floyd, de le dépouiller de sa carcasse et le modeler pour en faire un pur produit Wainwright. Des intonations ‘Kate Bush-iennes’ rôdent souvent autour des vocalises de la demoiselle qui en joue toujours au moment le plus opportun et de manière très subtile, comme sur « So Many Friends » ou le splendide « Tower ».
La petite sœur de Rufus, qui lui prête d’ailleurs ses talents de guitariste sur l’intense ballade country folk « In The Middle Of The Night », n’échappe malheureusement pas à quelques accidents de parcours (les banals « Comin’ Tonight », « Heart Club Band »). Ces derniers sont cependant très vite rattrapés par le savoir-faire de l’artiste qui balance sans ménagement tueries sur tueries (le magnifique « Jimi » côtoyé par les excellents « Niger River », « The George Song » et « See Emily Play »). Entourée d’une série d’invités de prestige tels que Pete Townshend, Donald Fagen (Steely Dan), Garth Hudson (The Band) ainsi qu’une bonne partie de sa famille (son frère, sa mère, sa tante et une cousine !), Martha Wainwright ne révolutionne pas nécessairement le genre mais s’est offert, en concoctant cet intelligent « I Know You’re Married But I’ve Got Feelings Too », une place en or sur la scène indie.
Cette compilation se penche sur le riche monde musical de Miami. Deuxième volume de la série consacré au label soul/funk Deep City, « The Outskirts » se concentre sur des titres qui n’ont pu être insérés sur la première compilation. La sélection est enrichie d’inédits récupérés dans un garage. Au cours de sa courte existence, le label Deep City n’a publié que quelques singles et un elpee. Des disques parus entre 1966 et 1968. Mais certaines chansons retenues datent de 69 à 71. Elles sont, en outre, signées par une série d’artistes assez obscurs. Deux exceptions : la chanteuse Helene Smith (diva soul de Miami) et Clarence Reid, mieux connu pour avoir créé le personnage de Blowfly, un super héro lubrique considéré comme un des précurseurs du rap.
Les morceaux inclus sont plutôt de bonne facture et oscillent entre le funk de la Nouvelle Orléans (en moins syncopé), la soul décontractée (comme l’ensoleillé « Do What you’re Doing ») ainsi que les ballades tragiques et arrache-larmes (il suffit d’écouter « Don’t Be Surprised » de Lynn Williams pour comprendre). D’autres plages s’inspirent de tubes de l’époque ; des hits concoctés par James Brown et les Jackson Five. On frôle quelquefois le plagiat, mais la qualité musicale est indéniable. Les bonnes mélodies aussi, souvent composées par ce vieux filou de Clarence Reid, sans son déguisement de Blowfly. En somme, les amateurs de soul ne devraient pas être déçus par ce beau recueil de ‘feel good music’.
Sympa ! Et bien plus encore… L’idée de rassembler les six finalistes du Concours circuit Rock Dur 2007 est d’autant plus réjouissante qu’elle offre aux heureux élus une superbe carte de visite. Et les protagonistes de l’évènement n’ont pas fait les choses à moitié. Ici, il ne s’agit pas d’un CD copié, flanqué d’une étiquette à la typographie douteuse, le tout glissé dans une pochette carton format promo. C’est bien en dépliant un superbe digipack que nous découvrons les noms des six combos belges et des douze titres qui ont été mis en place pour l’occasion.
Bien sûr, notre cœur bat très fort pour les gagnants de Suicide of Demons dont le death metal technique évoque à la fois Morbid Angel et Megadeth, mais les titres de The Chargers résonnent comme du pur bonheur dans nos oreilles de métalleux, et Kill My Doll sort plutôt bien son épingle du jeu dans un style plus néo et metalcore. Black Bleeding et Amadeus se lancent dans des expérimentations de bon aloi, tandis que les Tournaisiens d’Evergrey Sky tentent de nous faire croire que le mois de juin tombe en hiver, sur fond de hard-core impitoyable et sauvage.
Un objet de collection puisque hors commerce. A se procurer via les groupes concernés ou en envoyant un mail à Cette adresse e-mail est protégée contre les robots spammeurs. Vous devez activer le JavaScript pour la visualiser.
Qu’on aime ou que l’on déteste le style, force est de constater que Joe Satriani est le seul rescapé de la vague des fameux ‘guitar heroes’ issus des années 80. Bien sûr, les Yngwie Malmsteen, Vinie Moore et autre Tony Mc Alpine ne sont pas relégués aux oubliettes, mais leurs œuvres ne sont plus distribuées par une major, comme c’est le cas de cette nouvelle offrande du Satch. Son secret ? Aussi à l’aise dans le heavy, que dans le jazz, le folk, ou le funk, Satriani a compris qu’il fallait se renouveler pour garder toute crédibilité dans le domaine du hard rock instrumental. Bien sûr, on se demande bien où il est allé chercher un nom d’album pareil ; mais ce douzième opus se révèle tout aussi mystérieux et passionnant au fil des écoutes. D’emblée, le riff de « Musterion » évoque le classique « Surfing with the Alien ». On reconnaît immédiatement la patte du maître ! Le son se révèle plus agressif sur « Overdriver », mais la mélodie est quelque peu délaissée, au profit de la virtuosité. « I Just Wanna Rock » est le seul titre véritablement accessible dès la première écoute. On y entend Joe y chanter d’une voix métallique, façon Peter Frampton. Pas étonnant qu’il soit sorti en format single. Plus dansant, et introduit par un saxophone, « Professor Satchafunkilus » contraste avec la ballade « Revelation » et son lyrisme exacerbé. Si « Out of the Sunrise » s’oriente sans pudeur vers un blues rock sexy et vénéneux, le sommet de la technique instrumentale explose sur les deux titres finaux. Les sonorités du fantastique « Asik Vaysel » ne sont pas sans rappeler l’incontournable « The Extremist ». A déconseiller aux ‘sixcordistes’ en herbe, sauf s’ils souhaitent être dégoûtés à vie de leur instrument de prédilection !
Un excellent album, signé par un grand musicien, pour des amateurs de grande musique… chapeau bas !
RJ est un des meilleurs chanteurs/harmonicistes contemporains. Il arpente les routes du blues depuis plus de vingt ans, et se produit régulièrement, chez nous. Il a accompli ses débuts au sein de son Minneapolis natal. Notamment pour y accompagner des musiciens noirs locaux : Mojo Buford, Sonny Rogers, Percy Strother et Milwaukee Slim. Il est d'ailleurs l'un des enfants chéris du label allemand Crosscut. Cette écurie a ainsi distribué quatre de ses albums : "Cool disposition" en 1997, "West wind blowin'" en de 98 ainsi que les superbes "Meet me o the Coast" en 2001 et "He came to play" en 2004. Pour enregistrer « King of a mighty good time », Mischo n’a conservé qu’un seul musicien ayant participé à son opus précédent : le Norvégien Chris ‘Kid’ Andersen. Ce dernier s’est chargé des parties de guitare, du mixing, et de la production. RJ s'est entretemps établi en Californie. Il réside, semble-t-il, à Fayetteville, dans l'Arkansas.
L’elpee ne démarre pas par un brûlot, mais un morceau divertissant : "Cheap wine". Apparemment assoiffé, RJ est à la recherche de vin bon marché. Instrumental, "Joint!" libère du groove et de l'énergie. La cohésion entre les musiciens est parfaite. La voix de RJ me plaît beaucoup. Rugueuse mais très mélodique, elle se révèle terriblement expressive sur "Too little love" (too much religion)". Une plage quasi tribale au cours de laquelle Hans Bosse secoue ses maigres percussions. Jon Lawton glisse son bottleneck sur son Resonator. L’étonnant Kid produit des sons incroyables sur un sitar tandis que l'harmonica gémit au cœur de ce décor étrange. Signé Otis Spann, "Who's out there?" est introduit par le piano de Bob Welsh. RJ est très en verve sur son instrument tout au long de ce Chicago blues. L'émotion envahit "Crawlin' kingsnake", un fragment imprimé sur un tempo primaire, indolent. RJ épuise tous les artifices chers à Sonny Boy Williamson II. Manifestement son influence majeure. "Greyhound" nous invite ensuite à accomplir un périple sur les routes californiennes. Propice à la bonne humeur, cette plage déborde d’enthousiasme. On y sillonne les itinéraires ensoleillés de l'Ouest. Kid sort enfin de sa réserve et produit un solo nerveux tout en picking. Mr Mischo nous avertit : "RJ's back in town". Toujours aussi soutenu, le rythme semble pour la circonstance emprunté à Jimmy Reed. Il déménage même. L'harmo se déchaîne face aux cordes rythmiques d'Andersen et Welsh. Plus classique, "Bird nest on the ground" évolue sur un tempo aussi élevé. Tout au long de cette compo musclée, mais légèrement teintée de R&B, la rythmique d’Andersen est implacable, pendant que Welsh assure sur ses ivoires. Mischo rend enfin un hommage à son maître Rice Miller alias Sonny Boy II sur le blues lent et dépouillé "I can't do without you". Il embraie par un shuffle léger. La basse acoustique de Kedar Roy colle à l'harmo dont la magie expressive de Sonny Boy est à nouveau parfaitement rendue, alors que Bob Welsh entretient parfaitement l'ambiance fiévreuse des clubs du Chicago southside. Cet excellent opus nous réserve encore d’autres facettes de son talent. A l’instar de "Good bad Co", un morceau découpé dans un swing léger presque manouche. Il rend un autre hommage, mais à un de ses mentors qui ont guidé sa voie lors de ses débuts, à Minneapolis : George ‘Mojo’ Buford. Il reprend ici l'excellent "Watch dog", en appuyant ses phrasés d'harmo comme le faisait cet ancien membre du Muddy Waters Band. Cet elpee s’achève dans la bonne humeur. Il pose une couronne sur sa tête et devient le "King of a mighty goodtime", en exécutant une musique joyeusement acoustique, face aux chœurs des Heart Stoppers.
Décidément, les dieux de la musique sont cléments. Et c’est une fois de plus, sous une chaleur de plomb que les Nuits du Bota ouvrent leurs portes ce dimanche 11 mai. Outre les prévisions météorologiques succulentes, l’affiche a de quoi surchauffer un peu plus nos esprits. En effet, le même soir, se produisent sous le chapiteau, James Deano, Missill, Scratch Perverts et Puppetmastaz. Des artistes ou des groupes décidés à nous plonger au sein de leurs univers respectifs.
Le désormais classique attroupement du public sur les marches, face aux jardins, est déjà bien dense. Il n’est pas encore 20 heures. Les odeurs de frites et pittas pèsent lourd sur l’estomac. Ce sera uniquement de bière que je remplirai le mien. Où le brasseur passe, le boulanger ne passe plus, c’est bien connu.
C’est à l’heure pile que le sale gosse de Waterloo ouvre les festivités. Il lance l’appel aux troupes ; mais les gens pénètrent sous le chapiteau au compte-gouttes. L’atmosphère est moite, mais Deano, Maxime –son excellent co-équipier– et Dj Odi-C aux platines ne sont certainement pas venus pour refroidir les lieux. Casquette vissées, les deux lascars au mic, commencent à débiter des bûches qu’ils déposent sous le chaudron, qui s’apprête déjà à bouillir. Le set va durer une heure. Une heure au cours de laquelle la bande va s’éclater, haranguant le public entre chaque chanson. Les morceaux s’enchaînent malgré tout très vite. Planning oblige. « El Playboy », « Tu t’es vu quand t’abuses ? » chauffent la salle. Même si elle n’est pas complètement remplie, elle s’électrise au fil des morceaux. Il adresse une petite dédicace aux mamans, en ce jour de fête des mères : « Les Femmes ». Il est mixé sur un beat de Pharell et Snoop Dog : « Beautiful », et tout le monde danse. Pour le « Le Fils du Commissaire », la température monte encore d’un cran. Deano invite les spectateurs à ‘lever les bras en l’air’. On voit bien que ce n’est pas lui qui se tape les effluves délicats produits par les dessous de bras de mes voisins immédiats. Mais comment rester stoïque face au flow et à l’énergie dispensés par le trio ? Alors qu’habituellement l’homme aime glisser quelques bons mots entre ses chansons, il se limite ici à quelques clins d’oeil, à quelques boutades. Toujours souriant il enchaîne « Arrête de Fuir » l’excellent « Riz Sauce Rien », « Les Gens sont Stressés », « Koh Lanta » et l’inévitable « Les Blancs Ne Savent Pas Danser ». Vers la fin du concert, un petit clin d’œil est adressé à NTM lors d’une reprise du morceau « Tout n’est pas si facile », me semble t-il. « Drogue dur à la drogue douce » me file la chair de poule tant les paroles sont d’une sincérité et d’une justesse à toute épreuve. Il conclut le show par « 11 du 9 » et « Ma Vie de Célibataire ». Passé à toute vitesse, les 60 minutes de set m’ont donné encore plus soif, et je sors me rafraîchir aux abords du chapiteau.
21h00 et une chique, Missil débarque. Seule aux platines, la petite Française n’a peur de rien. Elle balance du gros son, du très gros son. Un peu trop gros peut-être. Le public vraiment clairsemé est composé de quelques fans et clubbers qui ‘skatent’ un pas de danse sous la chaleur ; les curieux désertent petit à petit la salle sous les lancinants beats de la demoiselle. C’est qu’elle n’y va vraiment pas avec le dos de la cuiller. Et franchement, il fallait être préparé pour supporter le choc. C’est donc à la vitesse de son patronyme que je vide les lieux. Trop c’est trop, mes oreilles sifflent déjà. Je rejoins l’air un peu plus frais dehors. J’y croise Deano et ses potes. Il signe des autographes, pose pour des photos, se plie au jeu de la vedette, sans vraiment se la raconter.
22h10 un grand guignol s’installe sur le podium : le Puppetmastaz. Une toile sur laquelle est peint le logo du groupe est tendue sur toute la longueur de la scène. Elle doit faire 1m80 de hauteur. Derrière cette toile, 5 malades mentaux agitent des pupazzi. Ils sont allemands et font vivre en moyenne, pas moins de 20 poupées différentes. A la manière du Muppet Show de Jim Henson version trash, elles s’agitent frénétiquement, pour le plus grand plaisir des tout petits que nous sommes restés. J’avoue que j’avais déjà entendu parler de ce ‘phénomène’ du hip hop, mais je n’avais jamais eu l’occasion de le vivre en live. Et bien je n’ai pas été déçu !! Derrière la façade enfantine et peu sérieuse, Puppetmastaz déchire sa race grave. Des beats incroyables, un flow décapant, le tout agrémenté d’un spectacle de marionnettes désopilant, parfaitement génial ! Les sons crachés par les enceintes enflamment complètement le chapiteau. Le public est ravi et en redemande. On vogue entre le hip hop, le ragga et la jungle. Les poupées se démènent sur des chorégraphies minutieusement préparées mais délirantes. De Mister Maloke, en passant par Snuggles the Bunny, Ryno, Ducci Prosetti ou Dogga Dacoda pour ne citer qu’eux, la trame de leur histoire se compose d’un œuf géant (The Egg) qui recèle leur pouvoir. Autour de cet œuf les personnages luttent pour devenir le chef, le Ministre. Pour diriger le monde des puppets. Toute l’intrigue repose sur ce scénario. Mais que contient cet œuf ? Vous êtes invités à découvrir la solution de cette énigme lors de leur prochain set live ; et surtout attendre la fin du spectacle, si vous ne vous êtes pas liquéfié entretemps, sous la chaleur de leur beats.
23h20, le spectacle Puppetmastaz est terminé. J’ai mon compte. Je quitte le Bota l’esprit traversé de turbulences. Encore une excellente soirée à mettre sur le compte du festival. Et je n’ai toujours pas envie de manger des frites… je vieillis il me semble…
James Deano + Missill + Scratch Perverts + Puppetmastaz
Organisation Botanique
Forest National, dans sa mouture ‘club’, accueillait ce dimanche 11 mai le légendaire Robert Plant venu présenter « Raising Sand », album de reprises enregistré en compagnie de la jolie country girl Alison Krauss. Pour sa tournée mondiale, le duo a également emmené dans ses bagages le producteur et musicien de talent, T. Bone Burnett, responsable de la mise en forme de cet excellent « Raising Sand ». Entre country, bluegrass, folk et rock, les trois stars ont électrifié l’assistance pendant deux bonnes heures.
A 20h précises, Scott Matthews –il assurait la première partie– prend place sur le podium, accompagné de deux musiciens. Pendant une toute petite demi-heure, l’Australien enchaîne en version acoustique quelques titres de son premier album, « Passing Stranger ». Des morceaux tels que « Dream Song », « Elusive » ou « Passing Stranger » ont merveilleusement survécu à leur dépouillement. Si bien que la courte prestation de Matthews a laissé un goût de trop peu, au moment de sa clôture.
Ensuite, à 21h, le grand Robert Plant effectue une entrée tout en délicatesse tandis qu’apparaît à l’autre bout de la scène sa compagne de route, Alison Krauss. Réuni au milieu de la scène, le duo entame sa prestation par quelques extraits du recueil « Raising Sand ». La délicieuse voix de Krauss mariée aux intonations familières de Plant atteint des sommets de beauté dès les premiers instants, notamment lors d’un introductif « Rich Woman », bien plus intense que sur disque. Après avoir survolé une série de morceaux tirés de leur album né de leur collaboration, Robert Plant commence à se montrer plus discret, laissant la lumière du projecteur illuminer la jeune femme qui transporte l’assistance à coups d’incroyables envolées lyriques, comme sur le joli « House Of Cries ». Plant laisse alors sa partenaire jouer un bon moment, n’intervenant qu’ici et là pour placer sa voix aux moments opportuns. Derrière eux, les musiciens se concentrent sur leurs tâches avec une passion visible. Le producteur et guitariste T. Bone Burnett s’installe d’ailleurs au centre de la scène afin d’interpréter deux titres extraits de son propre ouvrage. Un exercice quelque peu inefficace et futile qui sera vite effacé des mémoires à l’instant même où le duo refait son apparition. Le bluegrass des « Gone Gone Gone (Done Moved On) », « Please Read The Letter » et autres « Polly Come Home » vont conduire à la ‘standing ovation’ après 2h10 d’un show tout en grâce et élégance. On regrettera toutefois le trop plein d’humilité de Plant qui s’est montré légèrement trop circonspect. Certainement pour ne pas voler la vedette à Krauss et Burnett...
Organisation : Live Nation
Le soleil tape fort au-dessus du jardin Botanique. La foule s’agglutine autour des bars, histoire de se rafraîchir avant de profiter de la grande soirée que lui ont concoctée les organisateurs des Nuits. En effet, ce soir, c’est grand soir. Le sésame : un ticket d’entrée unique, donnant accès à la fois au chapiteau, à la Rotonde et à l’Orangerie. Au menu : treize formations oscillant entre pop, rock, folk et indie. Le gros désavantage : il faut opérer certains choix.
Bien que la soirée n’affiche pas ‘complet’ ce 9 mai, une grande masse d’aficionados et de néophytes se retrouvent sous les serres du Bota. A 20h, ¡Foward Russia! donne le signal de départ de la soirée sous le chapiteau et les formations belges The Germans et Nestor! se chargent de remplir les plus petites salles.
Mais Of Montreal est le premier groupe à véritablement attirer notre attention. Venu présenter son excellent dernier essai, « Hissing Fauna, Are You The Destroyer ? », les Ricains sont parvenus à mettre le feu dès 21h, à l’aide de leur univers ‘Velvet Goldmin-ien’. Vêtus de costumes kitsch extravagants à mourir, la mise en scène de 40 minutes est parvenue à flirter avec le grotesque, sans pour autant l’atteindre. En prenant du recul, cette prestation a été une des meilleures accordées au cours de la soirée.
Cette dernière s’est d’ailleurs poursuivie en demi-teinte. Par des Two Gallants un peu trop fidèles à eux-mêmes et des We Are Scientists n’ayant pas trop l’air de s’améliorer au fil du temps.
On a échappé de justesse à l’ennui grâce à la prestation hypnotique de Chrome Hoof. Au programme : costumes à paillettes, jeux de lumières, chorégraphies absurdes, chants robotiques et mélodies putassières. Un cocktail pas très avenant de prime abord mais qui, manifestement, fonctionne à merveille. A voir également à Dour cet été.
La programmation s’est achevée par les Suédois de I’m From Barcelona. Ils sont parvenus à transformer le Chapiteau en une énorme cour de récréation. Un joyeux bordel propice à une ambiance bon enfant. Mais un spectacle pas nécessairement convaincant, la formation ayant l’air de se répéter quelque peu, au fur et à mesure de sa prestation.
On retiendra donc principalement de cette soirée, les concerts d’Of Montreal et de Chrome Hoof. Ils se sont distingués sans trop de mal. A cause de leur mise en scène intéressante et des compositions relativement plus passionnantes que celles du reste de l’affiche proposée ce vendredi 9 mai…
I’m Barcelona + Chrome Hoof + We Are Scientists + Of Montreal + Two Gallants + Blood Red Shoes + Timesbold + V.O. + ¡Foward Russia! + The Germans + Nestor
Organisation : Botanique.
De l’émotion au bruit, il n’y a qu’un pas. A égale distance des deux, il y a Xiu Xiu, qui frôle inlassablement le trop plaintif et le trop bruyant, sans pourtant jamais franchir le point de non retour. Étrange expérience sonore que cette pop déstructurée acheminant sans transition une triste mélancolie en explosions noise et new wave. Et dans cette atmosphère successivement légère puis plombée, prévisible puis tâtonnante, on ne sait pas toujours sur quel pied danser. La froideur inébranlable des musiciens (pas un regard, pas un mot) ne nous donne pas plus d’indication. La voie salutaire, pour les quatre Anglais, réside alors dans leurs percussions franches et directives (une batterie tantôt classique, tantôt électronique). Car tant que l’énergie et la rythmique parviennent à ne pas s’égarer dans ces méandres emocore douteux, l’ensemble reste aussi surprenant qu’envoûtant.
Retour à un univers plus homogène et moins torturé : celui de Why. Cette fois, le déluge n’est pas sonore mais bavard. Un flot zélé de tirades rappeuses, accompagné de guitare bien lunée, de batterie allégée et de tambourin; on est bien loin de l’abstract hip-hop de Clouddead (l’autre projet du chanteur) ; ça tangue, ça scande, surtout sur les morceaux d’Alopecia, leur troisième album ; on se laisse rapidement gagner par l’alliage fluide de hip-hop et électro qui, sous couvert d’une nonchalante légèreté, est loin d’être superficiel.
Dans la BD Buffalo Bill, Archie Bronson Outfit n’est autre qu’un gang de brutes du Far West. Ça donne le ton. Repérés dans un pub à Londres par leur label Domino, ça donne l’ampleur. Quatre barbus, deux saxophones, un batteur fou furieux. Le bruit déferle. Brut et brutal. Des voix s’élèvent dans la salle ‘le son est pourri !’ ; c’est, sans conteste, le grand regret de ce concert, même si on pouvait se douter qu’un son frisant déjà le saturé, en studio, s’accommoderait mal du chapiteau monté pour l’occasion. Dommage pour l’inlassable crépitement en bruit de fond. On l’oublie parfois, quand l’urgence dévastatrice des deux grattes prend le dessus. On l’exècre souvent, quand il devient responsable d’un piètre confort d’écoute. En l’occurrence, lorsqu’une guitare se noie dans l’autre et vice versa ou quand la voix, pourtant si singulière de Sam Windett, se décolore. Au final, on ne peut que voter l’indulgence puisque le cœur y est autant que le bruit. « Dart for my sweetheart » est toujours aussi puissant et démantèle les dernières résistances. C’est crade mais efficace et sans répit. L’effet est dévastateur et la tornade laisse nos esprits bourdonnants et embrumés. A refaire, vite, dans un contexte sonore plus digeste.
Après le son uniformément saturé des Archie Bronson Outfit, la voix féminine de Black Mountain frise l’apparition maritale. Le contraste est tel que ce premier morceau s’élève dans la fascination. Un instant on croirait entendre Alison Goldfrapp ; le nouvel album (« In the future ») semble emprunter des chemins inattendus où l’électronique prend parfois le dessus sur l’électrique. Étrange surprise pour ceux qui, de coutume, ressuscitent si bien l’univers des Led Zep. Dès le second morceau, on retrouve avec bonheur la tessiture tremblante de Stephen Mc Bean (rappelant sérieusement Eddie Vedder) ; le Canadien est toujours aussi échevelé, toujours aussi sobre et en retrait. Coincé en dehors des faisceaux de lumière, son chant n’a rien perdu en émotion et en gravité. Enchaînant alors quelques morceaux au blues-rock psychédélique, on replonge instantanément dans la fusion ingénieuse du premier album. Les guitares saturées y côtoient sans complexes les plages d’orgue épurées, pour un univers décalé, irrésistiblement 70’s. Un seul regret : on aurait donné beaucoup pour un morceau de ses projets parallèles Lightning Dust et Pink Mountain Tops (surtout la terrible reprise d’« Atmosphere » des Joy Division). Mais on conçoit parfaitement que Black Mountain, à lui seul, valait déjà largement le détour.
Xiu Xiu + Why + Archie Bronson Outfit + Black Mountain
Organisation Botanique
Le cadet de la famille Gales poursuit son aventure musicale… Cependant, ses frères Eugene et le regretté Jimmy King doivent lui manquer ; car, à l’instar de la pochette, il se multiplie par trois tout au long de cet opus. Le chanteur/gratteur de Memphis est toujours aussi hanté par le fantôme du légendaire Jimi Hendrix. Il imagine même ce que son maître des sixties aurait pu concocter, s’il était encore de ce monde. Se réclamant héritier naturel de Johnny Allen, il nous entraîne donc dans une aventure posthume en se projetant dans un autre siècle. Eric est lui aussi gaucher et, ne le nions pas, surdoué. Non seulement ce musicien est brillant, mais il possède une bonne voix… nous rappelant, comme par hasard, ce bon Jimi. Les amateurs de blues chercheront longtemps avant de trouver quelque trace de leurs bons accords. Lors de son expérience psychédélique, Eric a tout naturellement opté pour la formule d'un trio. Il ne tolère que sa section rythmique composée du drummer Thomas Pridgen et du bassiste Steve Evans ; c'est-à-dire les mêmes collaborateurs qui avaient participé à la confection de son elpee précédent, "Crystal vision". Cette nouvelle œuvre jouit incontestablement d’une homogénéité et d’un son qui relèvent de l’univers rock.
La ligne mélodique de "Day of reckoning" accroche instantanément. Les musiciens manifestent une cohésion impressionnante. Soutenu par l'orgue de Mark Robertson, le riff de guitare est constamment aventureux, propice à ce voyage lysergique. La structure d’"Ive got something on you" me rappelle celle des chansons pop de la fin des sixties, des chansons allumées, typiquement britanniques, que l'on qualifiait de ‘nuggets’. Des compos évoquant parfois les premiers 45 tours du Pink Floyd de Syd Barett! Malgré son titre, "Dark corners of my mind" (‘Les coins sombres de mon esprit’) campe un blues presque classique, une plage reflétant la sensibilité naturelle de l'artiste. Si la ligne mélodique s’avère ici infaillible, la sonorité épouse une forme plus contemporaine. Le titre maître ressuscite à nouveau la légende de Hendrix. Tout au long de ce cocktail de psychédélisme et de southern rock (les guitares !), Pridgen se distingue par la richesse de son drumming. Très blues rock dans la démarche, "Circling the drain " est caractérisé par un style très aérien, dense et même complexe, entretenu par les acteurs du rythme. Mais sans doute aussi une conséquence directe de la mise en forme opérée par le producteur Mike Varney! Le montage sonore réalisé tout au long de "Honey in the comb" ne maque pas d’intérêt ; mais plutôt curieux, encombré d'artifices divers, il résulte davantage d’un travail savant sur le son. Paradoxalement, au beau milieu ce délire sonore, "Someday" se pose en blues rythmé, traditionnel dans la démarche. Ce bon album de rock s’achève comme il avait débuté : de bonnes chansons sont interprétées par de bons musiciens, sous l’œil et le sourire généreux du spectre de Jimi Hendrix planant au-dessus des nuages… Encore que, la dernière plage est découpée dans un blues ordinaire, sans artifice. Ressemblant sensiblement à "Need your love so bad", "Somebody else's problem" révèle le talent de Gales à la gratte. Econome de ses notes, son feeling est bien contenu…
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