La Rotonde se remplit difficilement. Tokyo Police Club avait pourtant séduit par son premier EP, assurant admirablement la succession des Strokes de leurs débuts. « A lesson in crime », en condensé de guitares explosives mais mélodiques, annonçait un avenir radieux pour les quatre Canadiens.
D’observer la salle aussi aérée soulève quelque scepticisme ; et la première partie, The Moebius Band, est accueilli avec la plus grande réserve. Pourtant le trio new-yorkais déjanté fait tout son possible pour égayer l’atmosphère. Les compositions partent dans tous les sens, dégagées de tout conformisme, au risque de sacrifier la cohérence et la structure. Batterie, basse et guitare sont soutenues pas des machines, dans une formule électropop qui, malheureusement, ne couve plus beaucoup de mystères. La performance s’écoulera finalement sans heurts, comme sans véritable accroche malgré le bon esprit et la qualité de l’instrumentation. Il manque l’assaisonnement pour s’émoustiller. Pas de rappel ; les applaudissements s’éteignent rapidement et le ton hagard s’installe, qui ne quittera plus la soirée. Les Nuits du Botanique ont-elles épuisé tous les mélomanes ?
L’énergie de Tokyo Police Club fera à peine sourciller. Les guitares s’affolent toujours autant sur les premiers morceaux, tirés de leur dernier « Elephant Shell ». Mais l’urgence n’est plus fondue dans les mélodies croustillantes qu’on leur connaissait. Les visages s’animent surtout lors de l’interprétation de morceaux plus anciens, comme « Nature of the experiment » ou « If it works » ; mais davantage d’efforts sont nécessaires pour adhérer aux nouvelles créations. Seul le single "Your English Is Good" ranime spontanément l’effervescence du public. Pour le reste, la formule, toujours aussi brute et en puissance, a malheureusement perdu en efficacité. Les rythmes s’effilochent, la mélodie est moins perceptible, le son moins franc, le tout moins échevelé. Pourtant, la mise à l’honneur du synthé ajoute une consistance bienvenue et on ne devrait que se réjouir de voir ainsi s’émietter la parenté avec les Strokes. Malheureusement, ce qu’« Elephant Shell » gagne en singularité, semble fondre dans une power pop encore en cheminement et sans grande conviction.
L’indécision du public signe l’absence de rappel. Légère déception pour ce (très) jeune quatuor sur qui la presse et le buzz avaient peut-être simplement misé trop d’attentes.
Organisation Botanique
Lorsque le chanteur/harmoniciste californien Randy Chortkoff a créé le label Delta Groove, il avait plus d'une idée derrière la tête. Au départ, il avait monté ce collectif de musiciens en le destinant aux studios. Mais un peu plus tard, cet ensemble va prendre la route. C'est ainsi que sont nés les Mannish Boys, le band le plus fidèle du catalogue de Delta Groove, un label en plein essor. Ce nouvel opus constitue déjà le quatrième. Il fait suite à "That represent man", paru en 2004, "Live & In demand", en 2005 et "Big plans", en 2007. Le band a cumulé les nominations aux Awards, au cours des dernières années.
Les Boys réunissent des musiciens d’horizons divers. Mais la plupart sont établis à Los Angeles. En outre, chaque fois qu’ils enregistrent, ils reçoivent le concours d’invités de marque. Au sein du line up de base figurent au moins cinq chanteurs, trois guitaristes talentueux (Kid Ramos, Kirk Fletcher et Franck Goldwasser), le drummer Richard Innes ainsi que Ronnie James Weber ou Tom Leavey à la basse. Sans oublier Fred Kaplan préposé aux claviers sur la quasi-totalité des plages!
Chortkoff a déniché un excellent chanteur. Un Chicagolais qui shoutait déjà le blues dans la Cité des Vents au cœur des années cinquante : Bobby Jones. La guitare hispanisante de Kid Ramos et la trompette de Scott Steen ouvrent "These kind of blues", une plage subtilement R&B, cuivrée, caractérisé par un appétissant solo d'harmonica accordé par Randy! Bobby Jones possède une voix taillée pour le blues, assez proche de celle de Howlin' Wolf, même si elle recèle moins de gravité et de profondeur ; cependant susceptible de libérer un maximum d’expression elle parvient à se détacher de la slide gouailleuse de Franck Goldwasser. Et en particulier sur "Searchin' blues", une compo dynamisée par le tempo incisif de ‘Big Foot’ Innes, calé derrière ses fûts. Le titre maître est un premier sommet de l’elpee. Introduit par Ramos dans le plus pur style de T-Bone Walker, cuivres et piano y compris, il ouvre une voie royale au timbre exquis de Finis Tasby. "Chocolate drop" est un autre moment exceptionnel. Un morceau peu connu du répertoire de Howlin' Wolf. Jones est largement inspiré par le géant disparu. Invité ‘de luxe’, Junior Watson marque cette cover de son empreinte. Les excellents titres foisonnent. Tasby chante "If the washing don't get you, the rinsing will". Il conjugue talent et frénésie dans la voix. Désopilant, Kirk "Eli" Fletcher pince ses cordes pour concocter un solo monstrueux, dans l’esprit d’Albert King. Il est vrai que le King incluait cette composition de Homer Banks à son répertoire! Finis prête encore sa voix à une amusante rumba. Intitulée "Something's wrong", elle met en exergue un séduisant Ramos. Johnny Dyer interprète également le "The same thing" de Willie Dixon d’un timbre indolent, proche son vieil ami Muddy Waters. Il est talonné par la slide de Goldwasser. Al Blake injecte une fameuse dose de feeling à travers son harmo sur "Good times". Jr Watson se montre volontairement parcimonieux aux cordes. Parmi les surprises, on relèvera deux versions réservées par Chortkoff à deux compositions de Willy ‘The Kid’ Emerson. Tout d’abord "The woodchuck", un boogie nerveux, pour lequel il est épaulé par Paris Slim, Lynwood Slim ainsi que Ronnie Weber, dont la basse ronronne ici littéralement. Et puis "Figure head", un fragment envahi par la puissance vocale naturelle de Bobby Jones, et balayé par les cordes de Ramos ainsi que l'orgue Hammond B3 de Kaplan. Autre surprise, la présence sur deux compos du chanteur/harmoniciste Little Sammy Davis. Etabli aujourd'hui dans l'état de New York, il pratique le blues depuis plus d'un demi-siècle en compagnie d’Earl Hooker. Il se réserve ici "Fine lookin' woman", un Chicago shuffle torride. Son gratteur Fred Schribner est à la slide. Fred Kaplan tapote ses ivoires. Et puis "When I leave", un majestueux soul blues qu’il interprète d’une voix chargée d’une passion intérieure intense. Une seule plage instrumentale : un étonnant "You don't love me". Impérial, Fletcher retrace les riffs de Freddie King. Et on ne peut que remercier Randy Chortkoff pour nous avoir signé "Rude groove", une excellente composition qui évolue quelque part à mi-chemin entre le "Help me" de Rice Miller et le "Green onions" de Booker T. Près de 8' de bonheur intense ! Randy est aux vocaux. Il ne peut contenir sa joie. Goldwasser et Ramos s’autorisent de puissantes sorties aux cordes. Et Kaplan à l'orgue ne se fait pas prier pour leur emboîter le pas. Ne trahissant aucun point faible, ce "Lowdown feelin'" est déjà un des meilleurs albums de blues pour l'année 2008 !
Le concept de cette revue de R&B est née lors de l'une de ces croisières emportant les voyageurs dans les eaux bleues des Caraïbes ; croisières au cours desquelles des bluesmen talentueux se produisent sur la même scène. Quatre artistes sont ici impliqués : le chanteur/guitariste de San Francisco, Tommy Castro, le génial harmoniciste Magic Dick, le pianiste/saxophoniste Deanna Bogart et le chanteur/guitariste de couleur noire, Ronnie Baker Brooks (NDR : c’est également le fils du notoire Lonnie). Sur les planches, chaque artiste dirige la manœuvre pendant une demi-heure. Ils sont tous épaulés par le Tommy Castro Band. Et puis, enfin, ils se mettent à jammer tous ensemble. C'est ainsi qu'est venue l'idée d'enregistrer live ces fameux concerts accordés lors d'une tournée en Californie et en croisière.
Nous sommes en automne 2007. Les musiciens ne tardent guère à mettre le feu au plancher du Horseman's Club de Sacramento par "Can't you see me". Ronnie Baker Brooks chante ce rock'n'roll endiablé avec une folle énergie. Il dirige la manœuvre par les riffs rock de sa guitare. Il nous rappelle qu'habituellement, derrière Eddie Clearwater, il a souvent l'opportunité de tisser les accords de Chuck Berry, tandis que le vieux bluesman noir exécute sa marche de canard. Une excellente mise en jambes pour le public nombreux. Le Californien Tommy Castro effectue son entrée et chante "I feel that old feeling coming on". Le tempo reste vif. Les vibrations sont excellentes. Le rhythm & blues show est sur les rails. Les cuivres reçoivent leur billet de sortie : Keith Crossan sur son saxophone et Tom Poole à la trompette. Et ce n'est qu'un début, car la féline Deanna a abandonné ses ivoires pour empoigner son sax ténor ; en outre, elle se met à honker de bonheur et d'ivresse. La lutte des cuivres est poignante. Soudain, derrière le rideau, on aperçoit une chevelure crépue se distingue : Magic Dick vient rejoindre le team. Il met ses poumons en jeu pour souffler un "Whammer Jammer", tel un Sonny Terry dynamité, comme à la meilleure époque du J Geils Band! Deanna n’a pas l’intention de passer inaperçue dans le décor. Elle chante son "Still the girl in the band". C’est la seule femme de la formation et sa présence est très remarquée. Elle manifeste beaucoup de vivacité pour interpréter ce boogie derrière son piano. « See you hurt no more » évolue sur un rythme particulièrement lent. Un de ces R&B indolents qui faisait la fierté du label Stax. Et on pense inévitablement à Otis Redding. Ronnie tire ici son épingle du jeu aux vocaux. Un rôle qu’il partage avec Deanna. Il excelle également aux cordes, ponctuant son intervention d’un solo brillant.
Lors de la croisière, d'autres artistes étaient également parfois montés sur scène. Cette réunion était consacrée au Chicago blues. Curtis Salgado chante et joue de l'harmonica sur le "If it ain't me" de Jimmy Rogers. Deux dames se partagent le piano : Miss Bogart et la longiligne Marcia Ball. Tommy Castro chante le blues, "If I had a nickel". Sa voix est pure et délicieuse. Il possède un organe vocal tout à fait extraordinaire, susceptible de communiquer une large palette d’émotions. Il est soutenu par son backing band au grand complet. En outre, il démontre ses talents incontestables de guitariste. La cover du "Will it go round in circle" de Billy Preston opère un retour au R&B. Les quatre vedettes se partagent le chant et se réservent des escapades solitaires sur leur instrument! Baker Brooks se met également en vedette lorsqu’il se fait Chicago southside. En l’occurrence quand ses cordes bien senties attaquent le célèbre "She's nineteen years old" de Muddy Waters. Magic Dick chante le "Tell me Mama" de Little Walter. Il malmène encore sa musique à bouche sur le bouillant "Looking for a love". Les vocaux de Tommy et de Deanna sont détonants. Tous les acteurs sortent tour à tour de leur réserve. L'ambiance est torride jusqu'à son terme. Elvin Bishop vient gratter personnellement sur "High on the hog". En finale, Marcia Ball chante pour l'occasion l’inévitable "Sea cruise" de Huey P Smith. Cet album est dédié à la mémoire d'Ike Turner. Ce n’est pas le meilleur opus ‘live’ du style enregistré à ce jour, mais il propose une solide tranche de blues et R&B, découpée par des artistes qui se donnent à fond pour leur public! Si vous souhaitez vous embarquer pour la prochaine croisière, pas de chance, celle d'octobre est déjà sold out. Elle épinglera Etta James, Koko Taylor, Dr John, Los Lobos, Magic Slim et bien d'autres dont Baker Brooks et Castro. Il ne vous reste plus qu’à vous inscrire pour celle de janvier 2009. Elle embarquera Taj Mahal, Etta James, les Fabulous Thunderbirds, John Hammond, Sugar Blue et quelques autres.
Ce recueil réunit toute une série d’enregistrements opérés par la formation aussie entre 1983 et 1985. A ce jour, ils n’étaient disponibles que sous la forme du vinyle. On a ainsi droit aux deux mini-albums (« Raining pleasure » et « Lawson Square Infirmary »), l’EP « Fields of glass » (NDR : à l’écoute du titre maître on ne peut que penser à Ed Kuepper), les singles « Beautiful waste » et « Wide open road » ainsi que sa flip side « Dear Miss lonely hearts », sans oublier un morceau jamais édité à ce jour, « Native bride ». Particulièrement éclectique, cette compile a été remasterisée par Lachlan Carrick et Franc Tétaz aux studios Moose Mastering de Melbourne.
« Treeless Plain » est le tout premier opus de cette formation australienne. Il a été enregistré entre août et septembre 1983, en douze nuits, au sein des studios Emerald City de Sydney. A l’époque, il avait été coproduit par le groupe et l’ingénieur du son inexpérimenté Nick Mainbridge. C’est pourtant ce dernier qui a retravaillé les bandes de cette réédition en septembre/octobre de l’année dernière, afin de lui rendre un son bien plus conforme à notre époque. Faut dire aussi qu’en un quart de siècle, il a pris de la bouteille. Sur cet elpee figure la cover de Bob Dylan, « I am a lonesome Hobo ». Le compact disc a été enrichi d’une interview et de six plages immortalisées ‘live’. Et ma foi en le réécoutant, il faut avouer que c’est un petit bijou… qui ne demandait qu’à être poli.
A l’origine, “The Black Swan” devait être double. Et devenir en quelque sorte le « Double blanc » des Triffids. Ce sera plutôt son chant du cygne (NDR : ce titre !) le label Islands n’est pas trop satisfait des ventes du groupe et décide donc de lui coller un producteur : Stephen Street (Morrissey). Il paraît donc en 1989. Et dès sa sortie il divise les aficionados. Il recèle bien l’une ou l’autre bonne compo, mais l’ensemble paraît trop poli pour être honnête. On a même l’impression qu’il mange à tous les râteliers. On y recèle ainsi des traces de hip hop, de jazz, du tango, du ‘lennonisme’ et même de l’électro. Bref, il faut reconnaître que le combo allait droit dans le mur ; et la séparation était inévitable. Quitte à recommencer l’aventure, quelques mois ou quelques années plus tard… Il y aura bien encore un live. Intitulé « Stockholm », il paraîtra en 1990. Puis une réunion l’an dernier, à l’occasion d’une mini-tournée qui a transité par la Belgique. Différents chanteurs avaient ainsi tenté de suppléer David McComb. Mais un David McComb, il n’y en avait qu’un seul. Aussi, on ne voit pas trop l’intérêt d’une telle entreprise. C’est un peu comme les Doors sans Jim Morrison ou remplacé par Ian Astbury. C’est n’importe quoi. Ah oui, j’oubliais ; cette réédition est donc bien double. Et pour corser le tout, suffisait pas que les plages soient sophistiquées ; elles ont été remasterisées par Lachlan Carrick et Franc Tétaz aux studios Moose Mastering de Melbourne. Etait-ce nécessaire ? Ah oui, j’oubliais l’album est bien double. Pas non plus initiative heureuse, puisque les chutes de bandes ici récupérées ne devraient satisfaire que les inconditionnels et les collectionneurs.
Non, les Etats-Unis n’ont plus le monopole de la pop audacieuse. Non, il ne faut pas avoir souffert de mille blessures pour être cohérent dans ce genre musical. Débarrassé de l’esprit pop sombre qui les hantait, la formation néo-zélandaise vient donc de concocter son deuxième elpee. Un disque sculpté de main de maître, par un certain Ryan McPhun, Californien d’origine et transfuge de The Brunette. Oyez, oyez, troubadours, prenez exemple et soyez fous, car après avoir écouté « Sea Lion », il y a fort à parier que vous changerez vos accords. L’énergie communicative des 3 larrons de The Ruby Suns inondent les dix plages de cette plaque, où rodent les fantômes des Beach Boys et des Byrds. Fini le sourire timide, place à la joie et à la découverte, tout en préservant intacte l’empreinte des ancêtres. Exsangue la discrétion, faut que ça pète, et vite. A croire que le groupe a pris des leçons de puissance chez les All Blacks tant l’énergie et la témérité sont au rendez-vous. Il y circule un esprit de voyage et d’ambition qui fait chaud au cœur. Après avoir savouré des perles comme « Tane Mahuta », « Ole Rinka » ou « Morning Sun », on a vite fait de se foutre de tout ce qui se passe autour, pour n’y rentrer qu’à l’intérieur. S’emmitoufler et laisser agir le charme. Envolé le superflu, il n’y subsiste que l’essence même du bien être et de la félicité. Une bien belle surprise que je vous invite à acquérir sans plus attendre. Voire même de toute urgence.
Ils en auront mis du temps, les salauds. Près de 11 insoutenables années après la sortie de leur dernier ouvrage studio, Beth Gibbons et ses acolytes, Geoff Barrow et Adrian Utley, mettent enfin un terme à leur retraite anticipée. Pour fêter leur retour, les trois prédateurs usent de stratagèmes plus efficaces les uns que les autres pour mettre le grappin sur leurs cibles, appâtés par un « Third » aussi menaçant que captivant. L’imminence du danger se ressent dès la première complainte. Au fil des prodigieux « Silence », « Hunter » et « Neon Smile », les griffes du trio se resserrent autour des leurs victimes. Ceux-ci, volontaires mais inconscients du sort qui leur est réservé, subissent cette exquise douleur avec délectation.
Suite à la présentation des énigmatiques « The Rip » et « Plastic », les proies prennent conscience, un peu tard, que la formation les mène vers une destination inattendue. Le trio entonne alors « We Carry On », dévorant ses victimes sans la moindre révérence. Dans le ventre de la bête, rien ne sert de se débattre. Broyés par le son de l’incroyable « Machine Gun », les pauvres fous qui se seront laissé happer par le sombre univers de « Third » seront contraints de céder unilatéralement à leur destinée. Tel un puissant venin, les séduisants « Magic Doors » et « Thread » se propagent dans le système nerveux de ces derniers, refermant le piège une fois pour toutes. Une mort douce et lente à laquelle on se laisserait aller indéfiniment. Et un nouveau carton plein pour Portishead.
Encore inconnu il y a peu, Mypark a soudainement été projeté sur le devant de la scène. En cause, un spot publicitaire diffusé par la célèbre marque de parfum Lancôme au cours duquel, une de leurs chansons, « Seventeen », a été utilisée. C’était, en l’occurrence, pour leur nouveau produit, ‘Hypnôse’. Depuis ce jour, tout s’est enchaîné assez rapidement. Un peu trop peut-être ; et on se demande si leur premier elpee n’a pas été concocté dans la précipitation.
Tout au long de cet opus, le duo mixte de Reims cherche à nous entraîner au cœur d’une ambiance ténébreuse, à l’aide de titres teintés de rock/électro ; une impression accentuée par cette voix féminine saturée à l’excès. Les arrangements sont de bonne facture, mais on perd facilement le fil conducteur de cette œuvre. Seuls deux ou trois titres parviennent à sortir du lot. Mais paradoxalement, ils parviennent à ébaucher l’éclosion d’un nouveau style. C’est ainsi que Mi-yung Park et François Pavan élaborent d’une façon décomplexée. « Out of Control », « Seventeen » ou encore « Seventeen or Eighteen ». Une direction qu’on les invite à suivre dans le futur, tout en évitant les multiples obstacles qui pourraient entraver leur longue route. Tout vient à point à qui sait attendre !
Paru en 1988, cet elpee fait l’objet d’une réédition sous forme de compact disc. Il s’agissait du troisième album solo de Phil Miller, un guitariste de jazz/prog/rock qui a contribué au développement de la scène de Canterbury, fin des sixties/début, à l’instar de Hugh Hopper, Steve Hillage, Dave Stewart, Robert Wyatt, Kevin Ayers, Daevid Allen, Mike Ratledge, Fred Frith, Peter Blegvad et quelques autres. Et dont Soft Machine, Caravan et Hatfield & The North étaient les plus beaux fleurons. Hatfield & the North, c’est justement la formation au sein de laquelle militait Phil et qu’il a reformé en 2005, pour accomplir une tournée. Sans quoi ce presque sexagénaire (il est né le 22 janvier 1949), a également sévi au sein d’une multitude de projets (Delivery, Matching Mole, National Health, etc.), dont son dernier, In Cahoots est toujours en activité. Pour enregistrer « Digging in », Miller avait reçu le concours du bassiste Fred Baker, du trompettiste Pete Lemer et de feu Pip Pyle aux drums. Un disque qui fait largement appel –et pour l’époque c’etait assez révolutionnaire– à la technologie moderne, dont ce fameux MIDI. Mais sans jamais la laisser prendre le pas sur leur musique. Une musique très complexe qui s’adresse à un public très spécifique. Même en 2008 !
Mats Öberg (keyboards) et Morgan Ågren (drums) jouent ensemble depuis 1981. A cette époque, ils fondent Zappsteetoot, un groupe qui se forge une réputation internationale en adaptant le répertoire de Frank Zappa. Et finalement, le duo suédois aura l’occasion de se joindre à Zappa en 1988, lors d’une tournée accomplie dans leur Suède natale. Ce qui va permettre au duo de jouer en compagnie de Terry Bozzion, Mike Keneally, Steve Vai, Denny Walley ou encore Dweezil Zappa, sur différents projets, dont le célèbre hommage au maître de la guitare « Zappa’s Universe », paru en 1994. Edité à l’origine en 1996, « Trends and other diseases » n’avait été distribué que dans leur pays. Bénéficiant aujourd’hui d’une remasterisation, il est, en outre, enrichi d’un bonus d’une quinzaine de minutes. Un disque pour lequel, la paire avait bénéficié de la participation de toute une volée de musiciens locaux. Sans quoi, capricieuse, élaborée, leur musique navigue quelque part entre Frank Zappa (vous vous en doutez), Todd Rundgren, Prince, Genesis (époque de l’Archange), Hatfield & The North, Varèse, Supertramp (sous ses angles les plus mélodiques), Hall & Oates… et je dois en avoir oublié une brouette !
“Silence is golden” constitue le deuxième opus des Hush Puppies. Une formation française dont la plupart des membres sont originaires de la région de Perpignan. Elle s’est cependant établie à Paris, pour des raisons de visibilité bien compréhensibles. Le quintet a même décroché deux contrats publicitaires pour réaliser la bande son de spots publicitaires chez Mennen et Toyota. Ce qui manifestement leur a permis de mettre du beurre dans leurs épinards.
Partagé entre ballades, parfois mid tempo et titres garage, cet album s’inscrit parfaitement dans la ligné de « Trap », leur précédent long playing. Les claviers rognés infiltrent la plupart des compos. Les chœurs sont souvent vindicatifs. Les mélodies hymniques. Pour le public ado, la solution sonore évolue à la croisée des chemins de The Coral, Blur, Inspiral Carpets et The Hives. Pour le critique moins jeune, elle puise directement son inspiration dans les sixties. Pensez aux compiles Nuggets et Pebbles. Pourtant, si leur musique est manifestement revivaliste, elle n’en est pas moins rafraîchissante et même très excitante. Ce « Silence is golden » s’aventure même dans le psychédélisme, A l’instar du single « Bad taste and gold on the doors », imprimé sur un tempo tribal. Et puis en finale, « Harmonium » lorgne manifestement vers les débuts d’Oasis ; le vocaliste épousant même les inflexions de Liam Gallagher, sans en avoir le timbre. Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que ce disque a été enregistré aux studios Black Box d’Angers, sous la houlette de Peter Deimel, c’est à dire le même personnage qui avait bossé sur leur premier essai.
Sous un titre fallacieux, Hot Chip espérait-il nous faire avaler avoir concocté son dernier elpee « Made in The Dark », à l’abri des sunlights du show bizness ? Ou alors, Alexis Taylor et sa bande de nerd auraient-ils chaussé des lunettes de soleil pour ne pas être aveuglés ? En tout cas, ils remettent le couvert, deux ans seulement après nous avoir infligé une magistrale claque sous la forme de « The Warming ». Souvenez-vous, l’album précédent était blindé à la gueule de singles plus dance les uns que les autres ; et il était rare de passer une journée sans que nos oreilles ne viennent croiser les accords de l’un de ceux ci. Etait-ce un coup de bol d’être parvenu à réunir autant de bombes sur le même support ? Pour rappel, paru en 2004, le premier essai (« Coming On Strong ») n’avait pas vraiment réussi à faire décoller le groupe, même si la galette était déjà d’excellente facture. Ce troisième album était donc solidement attendu au tournant. Au moins pour voir s’ils étaient capables d’égaler à nouveau leur dernière performance. Et manifestement, l’objectif est atteint. Ils auraient pu s’endormir sur leurs lauriers, et enregistrer vite fait un album, afin de rallonger la sauce. Que nenni, c’est à l’issue d’un travail plus introspectif, qu’ils dégainent leurs 13 dernières cartouches, en proposant des sons plus expérimentaux. Une démarche destinée à opérer une recherche plus approfondie du beat. De « Out at The Pictures » en passant par « Bendable Poseable », « Touch Too Much » et « Don’t Dance », on sent la volonté d’emporter l’auditeur dans des lieux plus intimes ou tout son contraire, totalement en exhibition. C’est balancé d’émotion en émotion, que l’on s’enfile les 54 minutes de l’album et l’on finit par tirer son chapeau aux Londoniens, les moins bien habillés de la scène electro. Ce qui, peut-être, est le seul défaut susceptible de leur être reproché.
L’Allemagne pourrait remplacer la France comme pourvoyeur européen d’artistes reggae. Après Seeed, Patrice et Jahcoustix, bienvenue à Otto Tillman. Issu de Cologne, il se produit sous le patronyme de Gentleman. Passionné de musique jamaïcaine depuis ses 17 ans, le bonhomme est tellement mordu de reggae qu’il a potassé le dialecte ‘yardie’ ; et il y a recours pour interpréter ses chansons. Son quatrième album est ambitieux. Il a bénéficié du concours de pointures comme l’omniprésent Dean Fraser, Alborosie (NDR : cet artiste sicilien jouit d’une certaine notoriété en Jamaïque), Sizzla et Bobby Digital. Gentleman compose la plupart des titres. Il explore une veine neo-roots très mélodique et légèrement mélancolique. Le copieux menu (17 titres) de cet elpee suscite le respect. A cause de la qualité musicale du travail proposé. Malheureusement, les compos manquent quelque peu de consistance. D’une part l’elpee souffre d’un trop grand éclectisme. En outre, la succession de titres mid tempo finit par lasser. D’autre part, et c’est ici que le bât blesse, cette imitation respectueuse de modèles jamaïcains trahit un manque flagrant de personnalité. Une impression renforcée par cette imitation d’un patois –à mon humble avis– guère pratiqué du côté de Cologne. Next time, more Germany, less Kingston !
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