Etrange choix opéré par Alligator en signant Eric Lindell. Et certainement pas dans les habitudes de la maison. Pourtant, il faut reconnaître que Bruce Iglauer a eu du flair en le recrutant. C’était en 2006. Cet auteur/compositeur jouit d’une superbe voix, particulièrement adaptée pour chanter sa roots music subtilement teintée de soul. Lindell est né en 1969. A San Mateo, en Californie. Il s’intéresse au blues en écoutant Buddy Guy, Jr Wells et Albert King ; mais s’oriente assez rapidement vers le R&B de Stevie Wonder. Depuis 1993, il dirige sa propre formation. En 98, il émigre à New York ; mais un an plus tard, il s’établit à la Nouvelle Orléans, où il vit toujours. Son premier elpee, "Change in the weather", a reçu des critiques élogieuses. Et ce « Low on cash, rich in love » risque fort de suivre la même voie. Sur les douze titres de cet opus, onze sont issus de la plume de Lindell. Une seule reprise. Eric chante, joue de la guitare et de l'harmonica. Il est soutenu par son band : Chris Mule à la guitare, Aaron Wilkinson à la basse et Chris Plyant aux drums. Les sessions se sont déroulées à la Nouvelle-Orléans, Eric se chargeant personnellement de la mise en forme.
"Lay back down" est une ouverture royale. La voix de Lindell est vraiment excellente. Elle est même souveraine devant l'orgue Hammond de Mark Adams, tout au long de ce morceau de roots music particulièrement brillant. "Low on cash" est sculpté dans du R&B cinq étoiles. Toute l’équipe participe au rythme de ce funk délicat et remarquable. L’aspect mélodique est un élément majeur dans l’écriture de Lindell. Invité, Blake Nolte nous réserve un solo dévastateur sur son saxophone ténor. La qualité et l’ingéniosité de son soul R&B sont permanentes. Que ce soit à travers "Josephine", "What I got", enrichi par le saxophone de Jimmy Carpenter ou encore "Mind your business", caractérisé par la délicieuse guitare de Mule. Petite perle soul/pop, "Tried and true" n’est pas tellement éloignée du meilleur de Sam Cooke. "Lady day and John Coltrane" constitue la seule cover. Poète et musicien de couleur noire, Gil Scott Heron en est l’auteur. C'est également une véritable tranche de blues rythmé, dynamisée par la guitare dont le traitement des cordes rappelle immanquablement Albert King. Eric intervient espièglement à l’harmonica. Très bon blues, "It's my pleasure" est balisé par deux grattes. Reverb, l’une d’entre elle est plantée dans le décor ; tandis que l'autre dispense des notes bien construites dont le flux et le reflux baignent la voix d'Eric! Très syncopé, "I got a girl" est imprimé sur un tempo abrupt. Eric laisse échapper de courtes phrases à l’harmonica. La toile de fond minimaliste met bien en relief la voix expressive d'Eric. "It's you'" est une autre composition qui affiche un potentiel commercial certain. En finale, "All night long" synthétise en moins de quatre minutes la quintessence de cet excellent album.
Il y a bien longtemps que ces deux gratteurs font équipe. Blanc, imposant et chevelu Smokin' Joe ne chante cependant pas. Noir et frêle, Bnois est excellent vocaliste. La paire est étroitement liée. Elle illustre d'ailleurs son effet Benetton sur la pochette en reproduisant les deux mains, la blanche et la noire, qui s'agrippent avec conviction. Le duo fait équipe depuis 1989, une association ponctuée par une douzaine d'albums de bonne facture. Bnois est l'aîné. Il affiche treize années de plus au compteur. Il assure surtout le rôle de guitariste rythmique, mais n'hésite jamais à mettre le nez à la fenêtre.
"My dog's still walkin'" est un brûlot attisé par un riff emprunté à Albert King. Les échanges opérés entre les deux instruments sont complexes, vivants et surtout d’excellente qualité. Le tempo imprimé sur "Don't lose my number" demeure rapide. Joe a empoigné sa slide. La voix de Bnois est puissante. John Street siège derrière le piano. Constituée de Dave Konstantin et Paul Jenkins, la section rythmique propulse les deux leaders sur les rails. "Flamethrower" trempe dans un funk franc vigoureux. Smokin' Joe aligne les phrases favorites d'Albert King. Il répète ses motifs à l'infini, mais toujours en manifestement beaucoup de clarté. Signé naguère par Lightnin' Hopkins, "Stop drinking" est un merveilleux slow blues. Et on reconnaît immédiatement sa griffe. Les guitares ouvrent cette plage dépouillée mais très intense. King est convaincant aux vocaux. Il est vrai qu’à l’instar de son partenaire, il a traversé des moments difficiles. Motif : l’alcoolisme. Le jeu de guitare de Kubek se révèle pour la circonstance très personnel et impressionnant. Les sonorités dispensées par ses cordes sont d’une sensibilité extrême. Joe les fait pleurer, gémir, puis hurler à l'agonie. Celles de King les rejoignent, conférant au climat une réelle sensation d’oppression. Dommage que cette explosion de cordes s’achève de manière aussi abrupte. Cosigné Kubek, King, Collins et Iglauer, "Freezer burn" est un instrumental, manifestement inspiré par le maître de la Telecaster, Mr Albert Collins. Bnois chante passionnément le lent et intense "Coleman avenue". Il vit son interprétation. La paire semble épanouie dans sa collaboration. Les cordes sont claires et concises. Elles tissent des lignes très mélodieuses. Incapable de se contenir, King laisse échapper un solo un rien plus rude mais aussi captivant. La compagne de Joe, Phyllis, à coécrit "Bumpy ride", une compo de bonne facture. Bnois chante distinctement, d’un timbre velouté, cette plage bien construite aux arrangements de cordes finement ciselés. Autre blues impeccable, "That ring don't mean a thing" relève certainement du Chicago classique. La voix de King y fait merveille. C 'est lors de semblables moments qu’on peut mesurer le fruit de la longue collaboration entre les deux hommes qui partagent aujourd’hui le même feeling! La voix de King est très musicale. Elle l’est en permanence, comme un véritable instrument, hantée par son immense sensibilité. "Cold folks boogie" en est une parfaite illustration. Kubek se démène comme un beau diable sur son manche, égrenant ses notes à la manière d’Albert Collins et Freddie King. Et il passe à la slide sur le séduisant "Out on a limb". En fin de parcours, les frères de sang nous réservent l'une de leurs meilleures compositions : "The pleasure was all mine". Une plage empreinte de douceur. La voix est enchanteresse alors que Joe signe de fort belles phrases avant les deux guitares ne produisent quelques échanges souverains. « Blood brothers » n’est sans doute pas le meilleur opus de Smokin' Joe Kubek & Bnois King, mais il mérite largement un satisfecit.
Le trio australien Grey Daturas pratique une musique instrumentale et pachydermique, dont le style s’apparente à la scène ‘drone’ (merci à notre lectrice qui a réagi par rapport à la chronique du dernier Asva, pour nous avoir éclairés sur le terme). Les amateurs de Sunn0))) et autre Dead Meadow seront vraisemblablement séduits par cet amalgame malsain de psychédélisme, de doom metal, de free jazz et de noisy. Même si la galette comprend sept titres, à l’issue de l’écoute de « Return to Disruption », dont on ne sort pas indemne, on a la sensation d’avoir écouté une longue plage de près de 44 minutes. Chez Grey Daturas, chaque musicien débarque en studio avec sa propre partition. La musique est ensuite élaborée en collant les différentes parties les unes derrière les autres. Le tout est enrichi de bruitages divers, de percussions subtiles, mais aussi d’instruments plus ‘classiques’ comme le violon, afin de permettre à la tension ambiante d’atteindre son paroxysme. Pour les auditeurs non avertis, la pièce jouée par les trois de Melbourne sera bien vite cataloguée de bouillie sonore inaudible. Pour d’autres, cette offrande constituera une belle illustration musicale d’une bande son hypothétique de la fin du monde. Mais un point sur lequel il est impossible de faire erreur, c’est bien que le but du combo n’est pas de passer en radio, et encore moins de se remplir les fouilles. L’œuvre de cerveaux torturés, c’est une certitude !
Après deux années d’absence, Forward, Russia ! nous revient en pleine forme, un deuxième opus sous le bras. Intitulé « Give Me A Wall », son excellent premier elpee empruntait un profil dance/punk particulièrement excitant. Une œuvre dont le succès instantané avait surpris, D’ailleurs le quatuor de Leeds aurait pu attraper la grosse tête. Dieu merci, il n’en a rien été ; et tout au long de cette longue période de quasi-silence, le quatuor a beaucoup bossé afin d’exploiter au mieux son potentiel. Il a donc enregistré « Life Processes » sous forme de défi, un défi qu’il a relevé en compagnie du producteur Matt Bayles (Pearl Jam, The Blood Brothers, Mastodon).
« Life Processes » se révèle à première écoute moins tranchant et percutant que son précédent essai. Bien sûr, ce ne sont pas leurs qualités qui sont prises en défaut. La technique, les prouesses vocales et musicales ainsi que la production sont irréprochables. Cependant, trop de titres tirent en longueur. Heureusement, quelques compos sortent du lot. Et je pense tout particulièrement à « We Are Grey Matter ». A cause de ses beats électro minimalistes qui apportent de la profondeur à la rythmique intarissable. A l’irrésistible « Breaking Standing », démontrant que les Anglais ont toujours le rythme dans la peau. Sans oublier la magnifique ballade « Fosbury In Discontent », au cours de laquelle Tom Woodhead conjugue quiétude et séduction tant au piano qu’au chant.
Même s’il est parvenu à élargir son registre, ¡Forward, Russia! n’a pas totalement convaincu sur cet elpee. Disons simplement qu’il s’en est tiré très honorablement. Mais s’il risque de décevoir ses nombreux aficionados, les quatre trublions disposent de toutes les aptitudes pour rebondir et même à nouveau surprendre. C’est de toutes manières de bon augure pour la suite.
Bon, d’accord, il convient d’être indulgent lorsqu’on rédige la chronique du premier effort d’un jeune groupe, même si celui-ci risque d’être oublié avant d’être connu. Car des combos qui officient dans le style power mélodique de Dream Steel, il en existe des tonnes sur le marché. On ne peut pas reprocher au groupe italien son manque de technique ou de puissance, ni même son côté symphonique pourtant particulièrement prévisible. On peut même déceler dans la voix d’Alessandro Antonelli certaines qualités, comme la facilité de passer du registre grave au registre aigu. Le premier titre, « The Flight of a Butterfly », au refrain sympa, s’en sort pourtant honorablement ; mais malheureusement, le reste de l’album s’effondre lamentablement. De « Behind » à « Neverstar », rien ne nous est épargné, ni les pires clichés, ni les solos les plus ennuyeux ! Une authentique catastrophe, qui, par bonheur se décline en huit plages seulement (neuf si on tient compte de la version ‘radio edit’ de « The Flight of a Butterfly »). Triste…
Ancien Raggasonic, Daddy Mory est un des pionniers du reggae en France. Ce nouvel album (le premier depuis 2003) s’ouvre dans un registre très ragga. Un style où notre homme est moins à l’aise : la première moitié de « Reality » vise donc les dancefloors avec plus ou moins de bonheur. En ce qui concerne l’espace sonore réservé, entre autres par Clive Hunt et le duo The Ballaz, on passe du pénible « Showsky » (plombé par le flow exagéré du Daddy) à l’ultra efficace « Muzik de l’espoir » ou un « Get Paid » très hip hop, bien mieux balancés.
Changement de cap à partir de « Je Ferais », bel instru roots concocté en compagnie de pointures telles que l’omniprésent Dean Fraser, ‘Horsemouth’ Wallace et Earl ‘China’ Smith. Daddy Mory renoue pour un temps avec les thématiques ‘conscientes’ et balance quelques rimes acérées sur des rythmiques plus organiques qui renvoient au reggae des seventies. Notre homme excelle dans ce style rappelant une époque vécue auprès de Big Red dans Raggasonic. Il nous livre des textes très politiques sur « System » et « Seigneurs de guerre », belles critiques en règle de la France ‘sarkozyenne’ et des marchands d’armes. Le marrant « Cette fille là » tempère la gravité des titres précédents, tandis que « Supa Fly » (NDR : le Jamaïcain Voice Mail et Mokobé du 113 y participent) nous replonge au cœur des sonorités dancefloors du début d’elpee. L’opus s’achève par le grave « Prison », relatant sans fioritures ni romantisme un séjour derrière les barreaux.
En guise de conclusion, ce « Reality » déconcerte un peu par son manque d’unité stylistique, mais une bonne moitié de disque passe bien la rampe ; ce qui n’est déjà pas si mal.
Il y a 60 ans, le petit Eddie Harrington montait dans le bus à Birmingham, dans l'Alabama. Il n’est alors âgé que de 15 ans. Et débarque à Chicago. Et pourtant, il va devenir une des valeurs sûres du quartier Westside de la Cité des Vents, auprès d'artistes très prestigieux comme Otis Rush, Magic Sam, Freddie King et Luther Allison. Cet opus rend hommage à cette époque ; mais également à cette ville, qui débordait alors d’une folle énergie…
Le vieux Chief ouvre judicieusement l’elpee par le saignant "A good leavin' alone". L’intervention de Billy Branch, à l’harmonica est magistrale. "Hypnotized" redouble d'énergie ? Un R&B puissant soutenu par une section de cuivres. Et par un second gratteur. Celui-ci a mangé du lion. Il arrache de ses cordes des sonorités incroyables, manifestement inspirées du grand Albert King. Ronnie Baker Brooks signe cette sortie pourrie de classe. Il est vrai que Ronnie a de qui tenir ; et pour cause, c’est le fils du grand Lonnie Brooks. La voix d’Eddy est chargée de soul tout au long de "Gotta move on", une compo imprimée sur un tempo lent. Dennis Taylor s’autorise une belle envolée au sax ténor lors de cette ballade cuivrée, interprétée dans l’esprit du label Stax. La reprise du "Walkin through the park" de Muddy Waters est un classique. Tous les musiciens poussent sur le champignon ; et en particulier Branch à l'harmonica! "Do unto others" constitue probablement la plus belle plage de l’elpee. Le tempo est lent. Superbes, les vocaux sont partagés entre Otis Clay et Jimmy Johnson. Des parties vocales enrichies par les chœurs d’Eddie, de Lonnie Brooks et de son rejeton. Ronnie Baker signe un solo de guitare tout en puissance ; un exercice de style inhabituel pour un album du Chief. Branch et Clearwater échangent quelques phrases bien acérées tout au long de "Blue over you", une plage d’excellente facture. "Trouble trouble" constitue la seconde reprise. Un blues lent issu de la plume de Lowell Fulsom. Eddie pousse sa voix avec passion. Daryl Coutts siège derrière le piano. Quoique fluide et libre, le jeu du leader demeure conventionnel. Il nous balance un solo bien juteux face aux cuivres en liesse. Un dialogue est amorcé entre Clearwater et son vieil ami Lonnie Brooks, au début de "Too old to get married". Cette conversation est ponctuée par un bon vieux rock'n'roll. Puissant, furieux, sans concession et sauvage. Les deux hommes se partagent le chant et les cordes. Pour calmer les esprits, Eddie concède une ballade acoustique, "Came up the hardway". Un titre au cours duquel il se remémore une période de son existence bien moins enthousiasmante ; en l’occurrence, lorsqu’il travaillait dans les champs de coton. A Macon, dans le Mississippi. Une pointe de férocité se mêle à la mélancolie de sa voix. Ronnie change le tempo. Il chante les vertus de la vie urbaine. Un excellent moment partagé par ces deux générations qui se complètent si bien. Tant qu’il sera de ce monde, Eddie Clearwater n'oubliera jamais que du sang de cherokee circule dans ses veines. Il a toujours affiché des signes distinctifs de chef indien. Des insignes ou un couvre-chef, par exemple… "They call me the chief" est dynamisé par des percus. Une compo issue de la plume de Brooks. Le vieil homme se déhanche comme dans ses jeunes années. Il arrache des sons écorchés de sa Gibson rouge. Et les cuivres embraient de leurs cris douloureux. Eddie chante son étrange "Rock-a-blues away". Le climat est davantage rock que blues. Les tonalités modernes sont surprenantes. Il achève cet elpee par "A time for peace", une plage agréable empreinte d’une grande sérénité. Les accents gospels sont alimentés par des chœurs féminins apaisants. En enregistrant cet opus pour Alligator, le label blues de Chicago par excellence, le Chief vient de réaliser son rêve. Et c'est un très bon album…
« Panamericana » constitue le deuxième opus de ce musicien argentin. Il a été produit par Thievery Corporation et publié sur leur propre label, le bien nommé Eighteenth Street Lounge Music. Car c’est bien de lounge dont il est ici question. Une succession de titres tramés sur la guitare sèche de Federico, enrichis d’arrangements qui renvoient un peu au reggae et beaucoup (trop) à l’électronique aseptisée. Bref, si cet opus se targue de condenser les sonorités du continent américain (le titre !), il n’arrive jamais à susciter la moindre passion. La faute à un manque de compos solides, un style vocal pas très inspiré et un traitement sonore uniforme s’évertuant à gommer toute trace de spontanéité dans l’expression sonore. Bref, on s’ennuie ferme.
Spécialisé dans la réédition encyclopédique des travaux de personnages ‘culte’ de la musique soul, le label Kent se penche ici sur le parcours d’Al Wilson. Originaire de la région du Mississippi, notre homme est surtout connu pour avoir composé « The Snake ». Inclus sur cet elpee, cette superbe chanson avait, à une certaine époque, fait fureur dans les cercles ‘Northern soul’ en Angleterre.
Cette réédition se concentre sur l’album « Searching for the Dolphins », un elpee paru en 1968 sur le label californien Soul City. Elle est enrichie d’une dizaine de singles enregistrés pour différents label entre 1967 et 1971. La musique interprétée par Al Wilson sur « Searching for the Dolphins » se démarque des titres soul dits ‘classiques’. Pour commencer, Al Wilson possède une voix baryton rappelant… Tom Jones (en moins sirupeux, rassurez-vous !) Ensuite, la musique explore des territoires proches du folk et de la country ; les guitares sèches sont d’ailleurs présentes sur la plupart des titres. Les arrangements très sophistiqués (cordes, cuivres, lignes de basses élégantes) lorgnent davantage vers la pop symphonique que la soul de Memphis. Passée la phase d’adaptation, on finit par apprécier ces plages souvent romantiques, même si à la première écoute elles peuvent paraître un peu mielleuses. Quoi qu’il en soit, ce disque probablement conçu dans l’idée de séduire un public plus large n’a pas récolté le succès escompté à l’époque de sa sortie. Par contre, il est devenu un objet de culte au Japon et chez les fanatiques de Norhern Soul.
La dizaine de titres ajoutés à l’album illustrent encore plus l’éclectisme d’Al Wilson. Une série de compos qui renoue avec le style direct de la soul du sud des Etats-Unis, mais aussi avec le rock psychédélique (le délirant « Falling »), le boogie-rock (« Lodi ») et même la country-folk (« Gettin’ Ready for Tomorrow »). Eclectique, on vous dit.
Tetine est le patronyme d’un duo qui ne vous dit probablement rien. Pourtant, c’est grâce à lui que l’on doit les succès fulgurants de Bonde Do Role et autre Cansei De Ser Sexy (CSS). Et pour cause, il est un des pionniers du mouvement disco/punk sud américain. Formé en 1995, le tandem constitué de Bruno Verner (NDR : c’est la tête pensante !) et d’Eliete Mejorado en est d’ailleurs déjà à son huitième album. Mais c’est curieusement seulement aujourd’hui que les deux complices s’exportent à travers l’Europe. Bien sûr, le choix d’enregistrer cet elpee à Londres leur a sans doute facilité cette ouverture. Bref, en signant ce « Let Your Xs Be Ys » sur l’excellent label londonien Soul Jazz Records, Tetine risque fort bien de cartonner dans les charts, tant l’album regorge de titres géniaux. Une odeur de sexe fleure même de leur punk/electro, lorsque la féline Eliete joue de ses charmes. Une espèce d’Asia Argento de la chanson, qui sur scène, se lâche définitivement, histoire d’embraser le public.
Et on ne change pas une recette qui gagne. Même en studio ! Ce huitième opus en est d’ailleurs une belle preuve. Dès l’entame, « I Go To The Doctor » nous plonge dans une ambiance frôlant l’hystérie. Pourtant les synthés sont très basiques et la samba de médiocre facture. En outre, le duo se lâche sans complexe en se servant d’un vocabulaire issu de leur Brésil profond. Plus technique « Let The X Be X » permet d’atteindre une autre dimension. Beats électro y sont manipulés avec beaucoup de maîtrise. Le tout est balayé par la voix trash de Bruno Verner. On écoute, on savoure et on danse. Danser, c’est très certainement le message que le duo essaye de faire passer. Car la suite coule de source. Et fichtre, on se demande pourquoi deux malins comme eux viennent seulement de parvenir à frapper aux portes du Vieux Continent! Quatorze titres démentiels sculptés dans le baile funk do Brazil, destinés à faire la fête jusqu’au bout de la nuit. En prime, le disque recèle un remix du « I Go To The Doctor » de CSS, un titre caractérisé par sa ligne de basse caoutchouteuse et son énergie carnavalesque.
Tetine est un groupe incontournable. Mais aujourd’hui, il risque fort de devenir le phénomène de l’été et pourquoi pas des festivals. C’est tout le mal qu’on lui souhaite !!!
Alors qu’il compte près de 40 années d’existence, le vieux big band de Rhode Island se porte toujours bien. Aujourd'hui, cet ensemble constitué de huit musiciens est dirigé par le guitariste Chris Vachon. Ce dernier avait d’ailleurs naguère, pris la difficile succession de deux gratteurs de génie : Duke Robillard et Ronnie Earl. Pour concrétiser cette nouvelle aventure, le line up a accueilli l’arrivée d’un nouveau chanteur/harmoniciste, Dave Howard, et d’une nouvelle section rythmique, constituée d’Ephraim Lowell aux drums et de Dimitry Gorodetsky à la basse. Par contre, les cuivres et le claviériste sont restés fidèles au line up.
Chris Vachon ouvre la plage d'ouverture par des notes empruntées à un instrumental de Freddie King. La voix chaude de Dave Howard ne tarde pas à faire son entrée. Le sax de Rich Lataille sort de sa réserve. En moins de trois minutes, cet "Every dog has its day" campe une excellente mise en jambes. Le rythme s'accélère. Le front de cuivres occupe le devant de la scène. Derrière son piano, les doigts de Travis Colby frétillent. "Lower on your list of priorities" rameute le public qui se met à rocker et roller sur le devant de la scène. Jump et swing s'affrontent tout au long de "Talkin' to you eye to eye". On y assiste ainsi à une lutte fratricide entre les trois cuivres. Les musiciens ne relâchent pas leur étreinte. Le rythme imposé au "Big Mamou" de Link Davis est racoleur. Tous les musiciens reprennent le refrain en chœur, alors que la trompette de Bob Enos est au bord de la rupture. Le rythme de "Round it down" est bien soutenu, un blues au cours duquel Chris en profite pour confectionner un solo. Et il est superbement bien construit. Les climats musicaux varient constamment. Le tempo souvent très syncopé. "I would be a sinner" consacre une nouveau duel, mais entre les saxophones de Rich Lataille et Mark Earley. Signé Jessie Mae Robinson, le notoire "Black night" constitue le blues lent de rigueur. Les notes produites par Vachon sont dispensées parcimonieusement, mais l’envolée s’avère de grande qualité. L'heure de Travis Colby vient de sonner. Il s’agite derrière les ivoires pour balancer un "Boogie woogie country girl" très excitant. La qualité de ce cocktail de blues, R&B, swing, jump et jazz est constante. Howard se met dans la peau d’un crooner pour interpréter "Sweet Petite", face aux cuivres en plein délire. Et lorsque les musiciens se relâchent, c’est pour s’abandonner dans la quiétude paresseuse des swamps louisianais. Bethie Vachon a composé "While I can". Elle chante cette plage exquise et chaleureuse, en compagnie de Dave Howard. Mais lors du bouquet final, Chris s’autorise une sortie… attendue. Le titre maître est un instrumental très jazz. Ephraim aux balais, Dimitry à la basse acoustique et Travis au piano servent de rampe de lancement au sax alto de Lataille, au baryton d'Earley et à la trompette d'Enos. Rassasiés, les acteurs se libèrent sur "New Orleans", un R&B participatif et festif, au cours duquel ils se mettent tous à chanter. Mais à tue-tête. Si ce dernier elpee de Roomful of Blues est de toute bonne facture, c’est également et malheureusement le testament musical du trompettiste Bob Enos, qui nous a quittés le 11 janvier 2008!
Robert Fischer est imprévisible. Après avoir écouté son dernier album, « Pilgrim road », je me suis demandé quelle mouche l’avait donc bien piqué pour accoucher d’une musique aussi orchestrale. D’ailleurs, je dois avouer avoir imaginé que cet opus était un projet sans lendemain. Et je me suis lourdement trompé. La plus belle preuve par son set accordé ce samedi 24 mai au Handelbeurs de Gand.
Howe Gelb assure le supporting act de la nouvelle tournée de WGC. Il joue même sur le piano d’un des musiciens du groupe, alors que son compère emprunte la contrebasse d’Eric Van Loo. Au milieu de sa prestation, le drummer de la bande à Fischer vient même donner quelques coups de balais. Mais venons-en à la prestation de Gelb. Il joue des ivoires sur la moitié de son set. Ses chansons baignent manifestement dans le jazz. Aussi bien allègre que mélancolique. Et les accords tout en nuances accordés par le contrebassiste accentuent cette impression d’intimisme syncopé. Heureusement, Gelb parsème sa prestation de traits d’humour. Il se lève régulièrement de son tabouret pour aller pincer les cordes à l’intérieur du piano à queue. Fait craquer son support de micro lorsqu’il achève ses morceaux. Balance l’une ou l’autre plaisanterie. Converse parfois avec le public. Après 7 ou 8 titres, il passe à la guitare à 12 cordes dont il parvient à sortir des sonorités incroyables, tout en recadrant constamment une ligne de conduite essentiellement semi-acoustique. Et en fin de parcours, il revient siéger derrière le piano pour interpréter une compo à la limite du dixieland. On est quand même très loin de ses expérimentations extrêmes opérées au sein de Giant Sand, voici plus de 10 ans. L’homme à mûri. Seules ses expressions du visage trahissent encore son esprit malicieux.
Pas le temps d’avaler sa blanche (NDR : un petit quart d’heure !) et Willard Grant Conspiracy monte sur le podium. Ils sont onze sur scène (*)! Tous assis, sauf le contrebassiste Eric Van Loo, légèrement en retrait, sur la gauche. En fait de contrebasse, il s’agit réellement d’une double basse. En front de scène et de gauche à droite s’installent un pianiste (guitariste aussi, mais surtout à mi-parcours), Robert (il ne jouera pas de gratte avant le 11ème morceau), une charmante vocaliste (dès son arrivée, elle a planté une fleur sur son pied de micro) douée d’un timbre vocal exceptionnel rappelant Joan Baez (elle n’assure pourtant que la contre voix), un guitariste (et pas n’importe qui, puisqu’il s’agit de Chris Eckman !) et le drummer. Derrière, dans le même ordre, campent une claviériste (toute menue, d’origine asiatique, elle viendra prendre place derrière les ivoires lors du tout dernier morceau, « Distant shore »), un violoncelliste coiffé d’un drôle de chapeau, un violoniste, un trompettiste/accordéoniste et un tromboniste. Le compte est bon ! Et surtout le team prêt à jouer son « Pilgrim road ». Robert (il est imberbe !) se concentre sur ses vocaux. Et son baryton sensible, chaleureux, est souvent proche de celui de Neil Diamond, même lorsqu’il s’exprime à travers une forme de prière (le très beau « Painter blue »), alors que la musique majestueuse, belle, luxuriante rappelle plutôt le Divine Comedy. Aussi lorsque l’orchestration monte en intensité, on en attrape des frissons dans le dos. La fin du set est plus électrique. Robert à empoigné sa sèche. Certains musiciens changent de rôle. Un ballet décrit par Robert comme de la chorégraphie. C’est le moment choisi par les deux gratteurs pour injecter leur dose maximale d’électricité dans les compos, parfois même en se servant du bottleneck, mais surtout de pédales de distorsion. On aura ainsi droit à une version fabuleuse de « Let it roll », proche de l’envoûtement. Mais sous cette forme, lorsque les arrangements orchestraux viennent enrichir la solution sonore, je ne peux m’empêcher de penser à Sophia. Un seul rappel consacré à une seule chanson. Encore plus rock. D’ailleurs le drummer a alors changé ses balais contre des baguettes. Mais franchement, ce set m’a véritablement impressionné, même s’il n’a duré qu’une heure et une bonne quinzaine de minutes…
(*)
Malcolm Lindsay - piano et guitare
Erik Van Loo - double basse
Yuko Murata - claviers et piano
Peter Harvey - violoncelle
Josh Hillman - alto
Dennis Hillman - trompette et accordéon
Tom King - drums
Chris Eckman - guitare acoustique et électique
John Songdahl - trombone and orgue
Iona MacDonald - chant
Et bien sûr Robert Fischer au chant et à la guitare.
Organisation : Handelsbeurs
Sean Carney est loin d’être un débutant ; mais qu’il ne nous en veuille pas si on le considère toujours comme une révélation. Et au vu de son parcours opéré au cours de ces dernières années, il mérite assurément ce statut. Etabli à Colombus, dans l'Ohio, ce guitariste a manifestement la classe. Il se produit régulièrement sur le Vieux Continent ; et à chaque périple il élargit son cercle d’amis et d’aficionados. Son dernier elpee, "Life of ease", était paru en 2006. « Provisions » n’est en fait que la réédition d’un opus édité sur Main Street Records. En 1998. Et pour notre plus grand bonheur, il est enrichi de trois bonus tracks datant de la même époque. C’est la raison pour laquelle l'étiquette ‘A second helping’ a été apposée sur le booklet.
"That's better for me" ouvre les hostilités. L’autorité manifestée rappelle le début des fifties. Tout au long de cette plage saturée de swing, Carney chante à la manière d'un shouter. Le piano de John Popovich est omniprésent. Les deux saxophones ne le sont pas moins, même si le ténor d'Eddie Bayard se met davantage en évidence. Le maître arrache de ses cordes un petit bijou de solo. Chanteur local, Willie Pooch interprète "It's my life baby". Sa voix est naturellement puissante et chaleureuse. Les cuivres le suivent à la trace. Invité, Gene Walker brille sur son ténor. Slow blues fin de soirée, "Love is just a gamble" est exécuté en toute humilité sous la formule du quartet. Sean chante et joue à la manière du grand T-Bone Walker. En toile de fond, Popovich tisse discrètement ses accords de piano pendant que la section rythmique, constituée de Keith Koby à la basse acoustique et de David West aux baguettes, balise l’ensemble. Rythme et swing embrasent les Nightowls tout au long du "I believe I'll give it up" de Lowell Fulsom. Mais c’est un trio qui embraie facilement par une version très personnelle du "I'll die tryin'" de JB Lenoir. Un Chicago shuffle impeccable au cours duquel Sean comble tous les espaces de sa guitare bien amplifiée. Carney impressionne lorsqu'il aborde les thèmes lents. Très expressive, sa voix épouse les cordes. Et il y puise une sensibilité qui le hante en permanence, tout au long du "Sweet woman from Maine" de Robert Lockwood. Le merveilleux "True love untold" est chanté par la regrettée Christine Kittrell (NDR : elle nous a quittés en décembre 2001). Sa voix était manifestement taillée pour le blues. Ce morceau démontre la subtile complicité établie entre le piano et le sax ténor de Gene Walker. L’elpee recèle deux instrumentaux. Tout d’abord "The push". Caractérisé par de vifs échanges opérés entre les guitares de Carney et de James Ibold, il autorise l'envol du sax ténor d'Eddie Bayard. Et puis "Ain't that Dandy", signé Clarence Gatemouth Brown, un fragment contaminé par d’indéniables accents jazz. Le jeu de Sean s’y révèle incroyablement complexe et franchement génial ! La palette de blues est très large. On y retrouve ainsi des compos signées Ike Turner, Elmore James, Pee Wee Crayton et Johnny ‘Guitar’ Watson. Livrée à l’état brut, la performance réalisée à la slide par Ray Fuller (NDR : un pote issu également de Colombus à qui Sean a confié la coproduction de cet opus), sur la version du "I'm worried" de James, est remarquable. Ce tracklisting incarnait donc la première mouture de "Provisions", une œuvre dense, parfaitement interprétée par un musicien talentueux ; même s’il n’avait signé aucun des titres. La nouvelle version de l’opus propose trois inédits. D’une qualité identique à l’elpee paru, voici une décennie. "I got news" recèle un des meilleurs envols de Carney. Popovich excelle aux claviers sur l’adaptation d’"It's obdacious" de Buddy Johnson, une plage très jazz. Et en fin de parcours la version du "Good rockin' tonight" de Roy Brown est plutôt saignante. Ce disque constitue manifestement une remarquable performance ; surtout lorsqu’on pense qu'à l'époque, Carney avait à peine 25 ans.
Jeudi 29 mai. Bruxelles. Le temps est lourd. Très lourd. Le soleil n’y est pas, mais tout le monde sait où le retrouver : au Cirque Royal. Ce soir, le soleil porte un nom : Alain Bashung. Il est venu présenter son nouvel album, « Bleu Pétrole ». Ce soir, pas de set intimiste ; car le concert affiche complet depuis belle lurette. Mais qu’importe, la présence de Monsieur Bashung est tellement rare qu’on irait le voir n’importe où.
En première partie, Chloé Mons est complètement passée à travers. Elle a même dû quitter le podium après seulement 15 bonnes minutes. Faut dire que pour elle, rien ne collait. On avait même parfois l’impression qu’elle chantait faux. En outre, on ne lui attribuera pas le premier prix d’élégance… Sur scène, la pauvre fille semble abandonnée à son triste sort. Elle n’a pour seul compagnon qu’une guitare. Mais elle ne lui est pas d’un grand secours. Pourtant, elle a quand même enregistré un album en duo avec Bashung (« Cantique des Cantiques »). Mais au sein de cet immense espace, elle semble perdue. Et la foule est impatiente. Elle est venue voir le ténor. Le réclame déjà. Et le folk/blues de la donzelle lui tape rapidement sur le système. C’est donc sous les sifflets et les huées que Chloé Mons a vidé les lieux.
Après cet interlude de mauvais goût, l’auditoire semble soulagé, mais recommence à exiger la présence de Bashung. De plus en plus fort. Il est 21h10. Un homme usé, rongé par la maladie, fait son apparition. Il est tout de noir vêtu, coiffé d’un chapeau, les yeux cachés par des lunettes fumées. Les applaudissements sont déjà nourris. Malgré son teint livide et les moments douloureux qu’il traverse actuellement, Bashung semble d’humeur conquérante. Il prononce quelques mots dont il a le secret, nonchalamment. Mais malgré son attitude ‘je m’enfoutiste’, ont ressent une grande sincérité dans ses propos. Des propos fidèles au personnage qu’il incarne depuis le début de sa carrière. Il entame son set par un extrait de son dernier opus, « Comme un lego ». Assis, en jouant de la guitare. Le public retient son souffle pendant plus de 5 minutes. La voix suave et grave de Bashung augure un spectacle unique, intense et magique. Mais pour y parvenir, il peut compter sur son groupe : guitariste, batteur, bassiste et violoncelliste. Le band soutient magistralement l’homme qui voulait devenir l’Elvis de l’Hexagone. Et ce soir, Bashung joue tous ses plus grands succès pour le plus grand plaisir d’un public multi-générationnel. Un public, en quête de nostalgie. Qui ne se lasse pas d’écouter ou de réécouter l’elpee « Fantaisie Militaire », dont il interprète les compos à la perfection. Et ce ne sont pas les saturations causées par un ingénieur du son, sorti de nulle part, qui y changeront quelque chose. On est même à deux doigts de verser une larme, lorsqu’il entonne « La Nuit Je Mens ». C’est une version dynamique de « Osez Joséphine » qui fera exploser l’ambiance. Après une heure de trente de prestation, au cours de laquelle il n’oubliera pas de nous réserver ses incontournables « Fantaisie Militaire » et « Résident de la République », il décide de se retirer.
Le rappel est inévitable. La clameur ‘hénaurme’. L’homme revient chanter l’inusable « Madame Rêve ». Ravi, le public lui adresse –comme si c’était logique– un ‘Merci Alain !’ Le Français poursuit par un duo auquel participe… Chloé Mons. Paradoxalement, son accueil est plus chaleureux. Après nous avoir réservé quelques compos tantôt douces, tantôt énervées, le chanteur quitte une deuxième fois les planches, sous une salve nourrie d’applaudissements, laissant le soin à ses complices d’achever un spectacle chargé d’une dose d’émotion inouïe.
Et comme pour prolonger cette vive émotion, l’artiste, seul à la guitare, remonte sur le podium partager un dernier moment d’intimité en interprétant « Angora » et la cover du « Night in White Satin » de Procol Harum. Visiblement ému, Monsieur Bashung prend alors congé de son auditoire, en lui adressant un dernier salut. Il laisse alors, après deux heures de prestation, un public charmé, conquis, évacuant le Cirque Royal, des étoiles plein la tête… Merci Alain !
Nouvelle date le 27 novembre 2008 à l’AB.
Organisation Ubu Concerts
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