Bien plus qu’un simple recueil farfelu, « Flight The Conchords » est un bijou d’humour concocté par un duo de comédiens néo-zélandais. Bande son de la série musicale éponyme (diffusée en Belgique sur BeTv), le troisième essai des zigotos condense les meilleurs passages chantés de cette dernière. Entamé par « Foux du Fafa », morceau interprété dans un français délicieusement approximatif, la collection de drôleries présente un très large éventail de genres, tout en conservant une étonnante cohérence du début à la fin.
Les deux hommes amusent la galerie, lui envoyant un amusant pastiche de Pet Shop Boys circa ‘80s (« Inner City Pressure ») avant d’embrayer –sans la moindre transition– sur un hip hop croustillant (« Hiphopopotamus vs. Rhymenoceros »), un folk ironiquement gentillet (« Think About It »), un soul r’n’b bien barré (« Ladies Of The World ») ou un morceau pop carrément psyché (« The Prince Of Parties »). L’hommage à Bowie sur… « Bowie » et le susmentionné « Foux du Fafa » valent à eux seuls le détour. Aussi délirant qu’un Tenacious D, la subtilité en plus, « Flight Of The Conchords » est, comme en témoigne la jolie pochette, une œuvre haute en couleur. Se consommant à volonté et indépendamment de son support télé, cette bande-son ravira les fans de la série et ralliera les novices à la cause des nouveaux trublions du paysage audiovisuel.
J’avais été agréablement surpris par leur set accordé début de cette année, dans le cadre du D’hiver Rock à Tournai. J’attendais donc leur tout premier album de pied ferme. Un disque pour lequel, le quatuor a reçu la collaboration du producteur Luc Van Acker (NDR : il est un des membres fondateurs de Revolting Cocks en compagnie d’Al Jourgensen de Ministry, mais a aussi mis en forme une multitude d’elpees de formations électro belges, parmi lesquelles figurent Arbeid Adelt !, The Neon Judgment, etc.) Et il faut reconnaître que ce personnage a apporté un soin tout particulier à la finition des compos. Douze en tout. Dont deux s’écartent de l’ensemble. Tout d’abord « The pop (in) song », une chanson dont les sonorités surannées peuvent rappeler les années 30. Et puis « White man’s right ». Alternant phases mid tempo parsemées de dérapages psychédéliques et envolées d’intensité (parfois presque symphoniques) elles peuvent rappeler le « Stairway to heaven » du Led Zeppelin. D’ailleurs, on a l’impression que les deux guitaristes sont manifestement influencés par les seventies. Et en particulier par les formations de blues/rock basique de l’époque. Pensez à The Cream ou à Free. Un des gratteurs joue d’ailleurs un peu à la manière d’Adrian Gurvitz, un londonien qui avait fondé Gun en 1967 ; un combo responsable d’un hit single, « Race with the devil » (NDR : c’est flagrant sur « Pictures of you » et « On your trail »). Deux fois six cordes dont les riffs ravageurs, tranchants, souvent décapants contrastent avec les mélodies franchement (brit)pop, souvent contagieuses, parfois soulignées d’harmonies vocales glamoureuses (NDR : et le timbre vocal falsetto de Fabrice accentue cette impression), dans l’esprit de Kiss et de Sweet, et balisées par une section rythmique solide, métronomique, parfois même binaire. L’opus recèle bien sûr des morceaux destinés à la bande FM (NDR : ou des singles si vous préférez !). Et notamment « Sentimental zoo », « Messiah of the nineties » ou encore « Foe of needless expenditure » ; mais si l’ensemble tient bien la route, et s’avère même agréable à écouter, on aurait espéré davantage de créativité dans leur chef. Surtout qu’ils en ont le potentiel. Et le final de cet opus éponyme en est la plus belle illustration…
Après les multiples versions de “La Musique de Paris Dernière”, imaginées suivant le module de versions improbables de covers ( ?!?!?), par des artistes parfois aussi inconnus que talentueux. Après les albums de reprises de Bowie (« Bowie Mania »), de musique classique (« Classic Mania »), de Claude François (« Cloclo Mania »),... débarque sous le jupon de Béatrice Ardisson, « Rock at Kong volume 2 ». Cette dernière galette est la suite logique du « Volume 1 », paru en 2005. Le principe est identique. Le Kong est un restaurant parisien qui appartient à Laurent Taïeb. La jolie Béatrice est employée comme DJ, sous le décor de David Starck. Non contente d’y proposer des univers sonores particuliers, elle invite les clients du restaurant à voter à la carte pour les morceaux qu’ils souhaitent entendre lors de leurs repas. Et on ne refuse rien à cette ‘illustratrice sonore’. Arès avoir opéré une sélection dans les suggestions, avancées au cours de ces différentes soirées, la belle en a retenu seize. C’est ce qu’elle nous propose aujourd’hui. Il s’agit donc plus d’une compilation des choix effectués dans l’établissement, que réellement de ces surprenantes reprises, comme la DJette à l’habitude de nous balancer. De Supergrass en passant par Jet ou Justice, le tracklisting épingle des morceaux archis connus de rock et d’electro. Préparations gastronomiques ou digestives. Il y subsiste, malgré tout, quelques reprises de bonne facture, comme le « Paint In Black » des Rolling Stones par GOB, « Creep » de Radiohead par Gazz ou le « I Love Rock’n’roll » de Joan Jett par Queen Of Japan. Des exercices de style rappelant le cachet habituel de la donzelle. Un restaurant, au sein duquel on propose ce genre de musique, ça ne peut exister qu’à Paris.
Après avoir concocté une magnifique symphonie pop intitulée “New Magnetic Wonder”, malheureusement passée un peu inaperçue, la troupe de Robert Schneider publie cette compilation d’inédits. Des titres enregistrés entre 1995 et 2007 réunissant des démos, des faces ‘b’, des titres enregistrés pour internet et une série télé.
Cette indie pop ultra mélodique constitue la marque de fabrique du groupe. Elle rappelle les 15 ans de votre serviteur. Le timbre très ‘lennonesque’ de Schneider est bien soutenu par celui plus délicat de Hilarie Sidney. Pas question ici de sophistication psychédélique à la « New Magnetic Wonder », mais une fraîcheur d’ensemble et une énergie très rock’n’roll qui va comme un gant à cette pop inspirée. En vérité, pas mal de groupes se contenteraient bien de ces plages pour sortir un album digne de ce nom, tant certaines d’entre elles (« Shine », « Onto Something », « On Your Own ») sont tout simplement excellentes.
Une ‘time capsule’ parfaite pour les trentenaires qui ne se sont toujours pas remis de la fin de Pavement ; mais aussi pour le public soucieux de comprendre la signification du courant ‘indie pop’.
Hawksley Workman prendrait-il exemple sur Ryan Adams ? Non content de jouer aux artistes prolifiques en publiant son nouvel ouvrage seulement cinq mois après la sortie du précédent (« Between The Beautifuls », réservé au marché canadien et contenant quelques titres de ce nouvel opus), le singer-songwriter prend un nouveau virage en dépoussiérant ses grosses guitares. « Los Manlicious », ce sixième recueil, est à Hawksley Workman ce que « Rock’n’Roll » est à Ryan Adams. C’est-à-dire un faux-pas majeur, à la limite du pitoyable.
Finie la fraîcheur pop des « For Him And The Girls », « The Delicious Wolves » et « Lover/Fighter » ou la douceur de « Treeful Of Starling ». Workman veut désormais s’envoyer des gallons de bière au fond du gosier, sentir la sueur et casser la gueule aux mauviettes qui oseraient se mettre sur son chemin. Le Canadien tape du poing et entreprend sa métamorphose sur « When You Gonna Flower ? », premier morceau dispensable d’un ouvrage qui s’enfoncera progressivement le nez dans le derrière. Enchaînant les riffs attendus, Hawksley Workman dévoile un aspect de sa personnalité qu’il aurait bien mieux fait de garder pour lui. Hormis « Piano Blink », seul morceau plus ou moins potable, l’ensemble est souvent casse-bonbons et semble peu réfléchi. Comparé au reste de la discographie du bonhomme, « Los Manlicious » est une énorme déception.
Dès onze heures, ce dimanche matin, des familles entières sont arrivées aux Jeunes Rives. Explication : pour la troisième année consécutive, le dimanche du festival est orienté ‘familles’. La musique s’ouvre davantage au grand public (des plus jeunes aux plus âgés). Et l’événement permet ainsi à papa, maman et junior de profiter des spectacles, tous ensembles, plutôt que d’abandonner quelqu’un à la maison pour se charger du baby-sitting. Au programme, une série d’activités spécialement conçues pour les enfants (NDR : du concert aux activités ludiques, en passant par les stands ‘découverte’ ou encore de grimage). Une formule qui semble fonctionner, vu le nombre impressionnant de ‘petits hommes’ gambadant un peu partout sur le site.
Mais le festival ne se limite pas à la tranche 5-12 ans. Heureusement pour nous. C’est au sein d’une ambiance de ‘musique du monde’ que s’achève donc cette huitième édition du FestiNeuch. Pour la circonstance les organisateurs ont programmé des groupes comme Elandir, Florence Chitacumbi, Robe ou encore Julien Revilloud Trio. Après deux journées bien remplies, la fatigue commence à se faire sentir. En outre, votre serviteur a attrapé la crève (NDR : avis aux imprudents, si vous sortez d’une after party à 4 heures du mat et que vous avez bien transpiré, n’oubliez pas d’enfiler un pull). Il se contentera de couvrir les concerts les plus importants, tout en jetant avec plaisir une oreille aux quatre coins du site.
Direction donc le ‘Chapiteau’ pour assister au collectif de ska suisse, I Skarbonari. Suisse sur papier peut-être, mais ses membres viennent d’horizons aussi divers que l’Italie, le Brésil ou encore le Canada. J’avoue avoir émis quelques ‘à priori’ sur ce show. C’est donc sans grand enthousiasme que je m’y suis rendu. Pourtant, Mirko et sa bande auront tôt fait de balayer tous mes doutes. Loin du ska classique, le combo propose une musique festive imprégnée d’influences italiennes et sud-américaines. Et pour l’occasion, le line-up est renforcé par une section cuivres, un batteur et une accordéoniste, afin d’éviter aux cinq membres de base de devoir changer d’instrument en cours de route. Ces permutations peuvent parfois être perturbantes pour un groupe ; mais elles ne semblent pas gêner nos musiciens, surtout pas le chanteur et guitariste Mirko Dallacasagrande, qui n’arrête pas de remuer. Il court d’un côté à l’autre de la scène. Il monte sur sa chaise –bien sûr, c’est pour mieux voir la foule de la haut– et parfois retourne s’y asseoir. Il alterne chansons et histoires traitant de voyages imaginaires autour de la terre ; et il invite les spectateurs à participer à ses aventures. Le groupe parvient à faire danser petits et grands, festivaliers, VIPs, membres du staff et presse dans la joie et la bonne humeur sur un ska tantôt proche d’une bossa nova, tantôt à l’aide d’une solution sonore proche du jazz ou du funk. I Skarbonari a donc transformé ce chapiteau en café-théâtre ; et déjà près de 7.000 personnes s’y sont rassemblées.
Rokia Traoré nous vient du Mali. Sa musique jette un pont entre l’Occident et l’Afrique. La chanteuse est soutenue par un orchestre composé de métis. Sa voix est séduisante, envoûtante. Pourtant, le public rencontre quelques difficultés à entrer dans la danse (c’est bien connu : rares sont les Occidentaux qui ont le rythme dans la peau). Tous souriants, les musiciens prennent leur pied. Ils tentent quelques petites chorégraphies, tout en soignant leur prestation. La bonne humeur qui règne fait vraiment plaisir à voir et donne envie d’en savourer davantage. Et immédiatement après le solo époustouflant du bassiste, la chanteuse et sa choriste enchaînent par une danse typiquement africaine. Un vrai régal ! En fin de parcours, l’artiste diffuse un message de réconciliation. Elle invite chacun à mettre le passé africain entre parenthèses (colonisation, esclavage, ...), afin de repartir ensemble. Du bon pied. En regardant vers le futur.
Wax Tailor a le privilège de clore les débats sur la Lacustre. Un Français considéré aujourd’hui comme une valeur montante. Il est épaulé par une chanteuse, une flûtiste et une violoncelliste. Le décor a été aménagé. Sur le plateau, deux énormes meubles en bois blanc, mais dans un style quelque peu ancien, ont été installés. Le DJ, bidouilleur incontesté, surfe entre le trip hop, le jazz, la soul, le funk et le hip hop. La rencontre entre la musique électronique et l’instrumentation basique est épatante. Le public est ébahi. De nombreux spectateurs demeurent immobiles. Les yeux écarquillés ils semblent envoûtés. Vêtue de son kimono noir et blanc, la chanteuse séduit par son style à la fois classique et glamour. Bien sûr, le combo ne bouge pas beaucoup sur les planches, mais son set d’une heure a tout à fait convaincu.
Malheureusement il faut choisir entre le concert de Wax Tailor et de Goran Bregovic. Enfin, entre la fin du set du premier et le début du second. Cette dernière option sera probablement la meilleure. En effet, alors que la foule, agglutinée au premier rang et les yeux rivés sur l’estrade, guette l’arrivée du compositeur et de son orchestre constitué de quarante personnes, c’est dans notre dos que le départ est donné. Un air de trompette et de cor retentit à l’arrière droit du chapiteau. Tout le monde se retourne. Que se passe-t-il ? Une réponse à gauche. On assiste ensuite à un jeu de questions/réponses musical entre les musiciens de gauche et de droite, qui se rapprochent petit à petit du podium en se frayant un chemin parmi la foule compacte. C’est l’ovation, le public est aux anges ! Pendant que la plupart des yeux (NDR : et des oreilles) sont tourné(e)s vers les acteurs de cette invasion, la chorale et les autres musiciens en profitent pour grimper discrètement sur scène. Quel début de concert ! Goran fait fort ; et pourtant, le spectacle ne fait que commencer. Vu la présence de 40 personnes sur le podium, une petite description s’impose. Tout d’abord en avant-plan, l’homme, sa guitare et son ordinateur. Il est accompagné, à sa droite, par un percussionniste et chanteur dont la joie et l’entrain donnent presque les larmes aux yeux tellement c’est beau à voir. Derrière eux, au centre, s’installe une chorale masculine. Ses membres sont fringués de costards et portent des nœuds papillon. Tout comme l’équipe des instruments à cordes (violons, violoncelles, ...), postés de part et d’autre. Entre la chorale et le maître évoluent les cuivres, vêtus de costumes traditionnels tsiganes. Enfin, sur la gauche et un peu en avant, on distingue deux choristes bulgares habillées également de tuniques folkloriques. Et comme une image vaut mieux qu’un long discours, n’hésitez pas à faire un tour dans la section des photos pour vous forger une idée plus représentative de l’orchestre. Pendant près de 120 minutes, les milliers de festivaliers présents seront bercés ou remués au son de musiques, tantôt solennelles et compositions personnelles signées par le chef de file, tantôt empruntées à la musique populaire, militaire (“Chargeeeeez!”), voire même à des slogans publicitaires (comme la pub consacrée à Haribo, par exemple). Responsable de plusieurs B.O. de musique de films, le boss est accompagné de son orchestre ‘Wedding and Funeral Orchestra’ (en français : orchestre de mariages et d’enterrements). Ils ont lancé l’assaut sur le FestiNeuch et ne s’arrêteront que deux heures plus tard, pour clôturer en beauté cette huitième édition par le traditionnel « Kalashnikov ». C’est une vague monstrueuse d’applaudissements que la foule réservera au collectif. Et le public n’en est toujours pas revenu de ce qu’il a vécu.
Il est environ 22 heures, quand le MC nous annonce la fin officielle du festival. Il invite les festivaliers à s’attarder sur le site jusque minuit pour éviter toute confrontation avec les supporters portugais. Ils sont venus nombreux (par milliers) ce soir à Neuchâtel, pour accueillir leur équipe nationale, en vue de l’Euro 2008.
On retiendra de cette édition l’excellente programmation internationale, la qualité des groupes suisses programmés, la sécurité présente, mais discrète et très aimable, les facilités pour les personnes handicapées, le site paradisiaque au bord de l’eau, l’accueil chaleureux des services bénévoles mais aussi la journée des familles. Une réussite pour le festival open-air de Neuchâtel qui a accueilli plus de 24.000 festivaliers sur trois jours, un nombre en constante augmentation depuis quelques années. Un conseil, si vous passez dans la région début juin, faites un petit crochet par ce festival, vous ne le regretterez pas.
Lors de cette deuxième journée de festival, la météo est plus clémente. Il y a bien quelques nuages, mais le soleil est bien plus généreux. D’ailleurs, tout au long de cette journée, le tee-shirt est de rigueur. Résultat des courses, pour la première fois en huit années d’existence, le FestiNeuch affiche complet. Bien sûr, le temps n’est pas la seule explication de cette réussite. La programmation y est sans doute aussi pour quelque chose.
Dès 16h30, Regard du Nord donne le coup d’envoi. Une prestation essentiellement acoustique d’une soixantaine de minutes. Les compositions sont entraînantes et les lyrics plutôt surprenants. Les textes traitent ainsi de la vie des humains et même des animaux. Les musiciens invitent les spectateurs à les accompagner au chant, tandis que le bassiste se charge des bruitages et des onomatopées (‘cocorico’ du coq, aboiements de chien, etc.) Le public apprécie le spectacle. Et les spectateurs qui ne se prélassent pas dans l’herbe fraîche plantée autour de La Rive, manifestent leur enthousiasme.
Alors que Fleuve Congo (NDR : un ensemble suisse de ska festif) entame son set sur la Lacustre, de nombreux festivaliers se dirigent déjà vers le Chapiteau afin de se réserver une place de choix pour la suite du programme. C'est-à-dire Feist. Prévu à 18 heures 15, le spectacle commence avec une demi-heure de retard (NDR : les stars se font toujours attendre). Elle monte sur le podium affublée de lunettes de soleil peu discrètes. C’est le moins qu’on puisse dire. Elle est armée de sa guitare. Le début du concert est un peu mou. Et pour cause, elle interprète d’abord ses compos les plus paisibles. Puis le set va monter en puissance. Flanquée de son groupe, la Canadienne attaque alors son répertoire plus pop et plus dansant. Plus connu aussi. Enchantée, la foule lui réserve un accueil chaleureux. Sur les titres comme « 1 2 3 4 » et « I Feel It All », la communion est totale. Malheureusement, le concert a commencé en retard. Il n’y aura pas de rappel. Nous sommes en Suisse, pays de l’horlogerie ; donc on ne badine pas avec les horaires.
Il est déjà 19h30 et un choix s’impose. Se coltiner le reggae dub ska electro acoustique d’Open Season ou le country blues trash de Watchmaking Metropolis Orchestra, brass band gipsy particulièrement excitant. C’est vers ce dernier que le choix s’est posé. A La Rive. Le chanteur entame son show en solo. Il aligne quelques morceaux relativement calmes, pendant que les sept autres musiciens, bière à la main et clope au bout des doigts, assistent, mêlés à la foule, à sa prestation. Tiens serait-ce une émeute ? Ah non, le reste du combo a décidé de rejoindre son leader par le chemin le plus court, en escaladant la scène. Basse, batterie, saxophone, trombone, cor et j’en passe, l’orchestre est au complet. Et la fête commence réellement. Difficile de décrire leur musique, tant le mélange de styles est ample. Mais pour mettre de l’ambiance, il faut reconnaître que le collectif sait y faire. L’orchestre communique sa bonne humeur. Les vocaux sont interprétés dans un anglais incompréhensible (NDLR : du yaourt ?) ; à moins que ce ne soit de l’espagnol (?!?!?) Après quelques titres, la pluie opère son retour. Mais, ô surprise, au lieu de faire fuir les spectateurs, elle les aimante vers le podium. Pour aussi profiter de l’abri d’une petite aubette destinée à protéger les installations. Mais pas question d’arrêter de danser pour quelques gouttes ! Et The Watchmaking Metropolis Orchestra ira jusqu’au bout de son set pour le plus grand bonheur des spectateurs, conquis par leur combinaison détonante d’instruments à vent, de basse, de guitare et de percussions. Et tant pis si ce n’était pas une tête d’affiche ; l’important c’est que prestation ait plu ; d’ailleurs, c’est ce type de groupe qui tire son épingle du jeu lors des festivals.
Direction Chapiteau pour retrouver un artiste certes local, mais dont la célébrité est reconnue dans le monde entier : Stephan Eicher. En particulier grâce à ses hits “Déjeuner en paix” ou encore “Combien de temps”. L’artiste n’est plus tout jeune. Pour son set, il est uniquement épaulé par un drummer et un pianiste. Invitation au recueillement et aux murmures, son nouvel album, “Eldorado”, baigne au sein d’une quiétude certaine. C’est donc en douceur que l’homme commence son show. Il alterne la langue française, anglaise, mais également allemande. Minimaliste, le line up impressionne et en impose. Certains spectateurs en sont même bouche bée. D’autres reprennent les chansons en chœur. Malgré les rides qui sculptent son visage, Stephan Eicher n’a pas vieilli. Mûri bien sûr, mais vieilli, non. Lors de son spectacle, il retourne sa guitare blanche et chante à l’intérieur. Il se penche aussi sur son vieux modulateur –d’après les échos recueillis, il l’accompagne depuis ses débuts ; c’est-à-dire depuis plus de vingt ans, époque à laquelle il s’en servait dans la cave de ses parents. Le drummer participe également au spectacle. Et change de batterie au beau milieu de la chanson. Il doit même courir d’un bout à l’autre de la grande scène. Inévitablement, Eicher interprétera les deux grands succès de son répertoire. Qui ne laisseront bien sûr, personne indifférent. Même pas les enfants, pourtant alors –et c’est étonnant– nombreux sous le Chapiteau. Un set ponctué par une longue salve d’applaudissements amplement méritée. Et pourtant, malgré sa notoriété, la star est demeurée simple. C’est sans doute aussi ce qui lui permet de thésauriser un tel capital sympathie. Assurément un des meilleurs moments du festival.
Pour le public qui n’apprécie pas trop la variété française, la Lacustre accueille le groupe de hip hop français La Caution. En special guest Mouloud (Canal+) et Cuizinier (TTC). Le public est alors bien plus jeune. A l’aide de leurs beats hip hop bien marqués, mais aussi leurs lyrics intelligents (NDR : de nombreux congénères y accordent beaucoup moins d’importance) les rappeurs atypiques français sont parvenus à mettre le souk. Flanqués de leur DJ, les deux chanteurs entament le spectacle. Ils seront bientôt remplacés par leurs invités avant de revenir pour participer à la grosse fiesta sur scène ; l’équipe au grand complet s’impliquant lors des dernières chansons.
Alors que la foule se dissipe à la Lacustre, elle se densifie sous le Chapiteau. Antonin, un des organisateurs, annonce, la larme à l’œil, le premier sold out de FestiNeuch. Puis il présente l’artiste événement de la soirée : le rappeur britannique Mike Skinner alias The Streets. Il est épaulé par toute une troupe de musiciens. Dès qu’il débarque sur les planches, il déchaîne les passions dans la foule. L’ambassadeur du rap britannique entame son set par quelques chansons bien enlevées. Et le public n’a qu’une seule envie : ‘jumper’. D’ailleurs, l’artiste montre l’exemple. Tout comme son compère, Mike remue, bondit, court, arpente toute la largeur de la scène, exploitant tous ses recoins, même les rehaussements prévus peut-être à cet effet, mais essentiellement utilisés par les cameramen. Ils sont probablement branchés sur des piles Duracell (NDR : Mike et son pote, bien sûr !) Après un départ percutant, le spectacle va perdre en intensité. En cause –enfin, ceci est une question de goût– un recours trop systématique aux clichés claqués sur un style flairant le déjà vu, et surtout entendu. Un hip hop plus racoleur, mélancolique, uniquement destiné aux mecs qui ont envie d’embrasser leur copine. Dommage, toutes les conditions étaient réunies au départ pour vivre un concert unique.
Alors que DJ Luciano et MC Jiggy Jones chauffent le public pour Rahzel à la Lacustre, La Rive accueille Fantazio. Champion de l’endurance, ce contrebassiste français est entouré de ses musiciens. Le frontman stimule un public, avouons-le, un peu moins nombreux, mais tout autant motivé. Son secret ? Un mélange de styles bien dosé, dynamisé par des rythmes jazzyfiants. Il agrège ainsi culture issue des pays de l’Est, rock, punk et garage pour concevoir une musique finalement populaire. Et puis consomme une énergie folle dispensée sans le moindre temps mort. Les membres de la formation dégoulinent de sueur et n’hésitent pas à se décarcasser pour le plaisir de cinq ou six motivés, proche de la scène, qui –comme hypnotisés– danseront sans relâche, pendant une heure…
Du côté de la Lacustre, DJ Luciano, MC Jiggy Jones et leur compère sont toujours d’attaque. Rahzel, la star de la soirée programmée sur cette scène, est en retard. Aussi le trio suisse est invité à combler le vide, et surtout à faire patienter la foule. Pari réussi, même si d’humeur festive, le public y mettra aussi du sien.
Le roi du ‘beat box’ monte sur le podium. Il accuse un quart d’heure de retard. Il est accompagné par son dj, DJ JS-1. D’entrée de jeu, l’Américain s’excuse : il a mal à la gorge. Ce qui ne va pas l’empêcher d’étaler toutes les facettes de son talent et surtout d’émerveiller l’audience. Pendant la première partie du concert, son dj et complice diffuse quelques secondes d’un titre connu. Mais Rahzel coupe le souffle à tout le monde. Il reproduit musique et paroles en utilisant uniquement ses cordes vocales. Malgré ce début quelque peu chaotique –l’artiste passe allègrement d’un titre à l’autre–, le public est réceptif. Revisitant et remixant bon nombre de hits dans un style hip hop, le concert va se poursuivre sous cette forme pendant une bonne trentaine de minutes. On pensait avoir tout vu, mais la machine à son humaine décide alors de relancer l’intrigue. Il apporte sur scène un vase rempli de roses rouges. ‘Où sont les filles ?’ lance-t-il ? Il ne faudra pas plus de deux secondes pour que le public se déchaîne. Les filles montent sur le dos de leur copain, d’un ami voire même du premier voisin consentant. Objectif ? Recevoir une de ces roses. Tout au long de cette vague de furie fanatique, le chanteur s’offre une tranche de romantisme en dédiant quelques morceaux aux ‘Misses’ de l’audience. Les premières roses sont rapidement distribuées. Mais Rahzel tient une jolie blonde en haleine pendant près de cinq minutes, feignant lui donner la der des ders, mais se ravisant à chaque fois. Finalement, sa patience sera récompensée, deux titres avant la fin du set. Et pour finir en beauté, l’inventeur du beatbox prendra une photo souvenir du public. A cet instant, la foule est en délire. On pardonnera donc facilement le petit retard de Rahzel ; parce qu’il n’a pas déçu. Au contraire. Il a même impressionné, à la fois par ses capacités vocales, sa présence sur les planches et ses aptitudes à chauffer le public.
Les concerts officiels sont désormais terminés ; mais pour les plus motivés, il reste l’after. Et aujourd’hui place à Etienne de Crécy. Le casino de la Rotonde est entièrement balayé d’effets lumineux. La musique dispensée par le Français –il programme ses propres tubes, mais pas seulement, tout en prenant soin de conserver sa ‘french touch’– est puissante. Le maître de cette nuit garantira l’homogénéité de son spectacle jusque 4 heures du matin, dans une salle presque comble.
Il est 17 heures. Un orage vient de s’abattre sur la petite ville de Neuchâtel, alors que le site du FestiNeuch vient d’ouvrir ses portes. Malgré la pluie, quelques irréductibles Helvètes se présentent à l’entrée, en essayant tant bien que mal de se préserver des intempéries ; mais les dégâts sont irrémédiables : trois concerts de groupes régionaux (Ska Nerfs, The Passengers et The Licks) sont annulés sur la scène ‘La Rive’. Fort heureusement le moral des troupes n’est guère atteint.
C’est dans ces conditions difficiles que s’ouvre la huitième édition du festival ‘open-air’ de Neuchâtel. Heureusement, elles vont changer assez rapidement ; et quoique un peu frais, le temps va, au fil des heures, devenir de plus en plus clément. Une situation idéale pour profiter pleinement du cadre des ‘Jeunes Rives’ et en particulier du lac. Il faut dire que l’événement est idéalement situé, à deux pas du centre ville et carrément au bord du l’eau, bénéficiant ainsi de la proximité des infrastructures citadines et, si le temps le permet, d’assister au spectacle les pieds dans l’eau, à moins que vous ne préfériez, si la visibilité le permet, d’admirer la vue sur les Alpes.
Il est déjà 18 heures, et une petite troupe commence à s’assembler sous le grand chapiteau. Changement de dernière minute, The Young Gods remplace The Hoosiers. Ils se produisent en set acoustique et ouvrent le bal. Ils sont tous assis. Trois sèches (NDR : pas reconnu qui était le quatrième du band! D’après les infos recueillies, il participe régulièrement aux sets acoustiques du band suisse) et un drummer ; même si Franz Treichler souffle de temps à autre dans son harmonica. Leur prestation est très rafraîchissante (NDR : vu le temps !) On ne se bouscule pas encore devant cette grande scène, mais cette situation s’explique : nous sommes vendredi soir et la météo n’incite pas trop à mettre le nez dehors. Pourtant, tout au long du show des Fribourgeois, la foule commence à grossir pour atteindre 7.000 entrées en fin de soirée, le site étant susceptible d’en accueillir 10.000, chaque jour.
Petite pause de 45 minutes entre les concerts ; l’occasion de découvrir les lieux plus en détail. Ils sont découpés en cinq zones.
Le ‘Chapiteau’, scène principale, accueille les têtes d’affiches. Outre son espace VIP surélevé et un bar dédié, il réserve une zone spécifique aux personnes handicapées ; ce qui leur permet d’assister confortablement aux spectacles sans devoir se mêler à la foule.
La scène ‘Lacustre’ ressemble à un demi-tonneau ouvert de part en part. Elle accueille les groupes dits ‘secondaires’. Cette scène dispose également de son propre bar ; très pratique lorsqu’on souhaite se ravitailler sans risquer de manquer la moindre partie du spectacle. ‘La Rive’, une nouveauté de cette édition, tourne le dos au lac. Ce qui permet aux spectateurs de choisir entre le panorama et les shows en live. Elle accueille les artistes régionaux ; bien que ce soir, les trois-quarts de sa programmation soit ‘tombée à l’eau’ ; et l’expression n’a jamais été aussi proche de la réalité. Près de l’entrée, une zone destinée à la relaxation a été aménagée. C’est la plage de galets. Un village d’échoppes ou de stands –prononcez comme ‘sans’ mais avec un ‘t’ sinon les gens vous regardent de travers– a été également été érigé. On y trouve les produits ou objets habituels proposés lors des festivals… Enfin, à l’autre extrémité, le ‘Dôme’ accueille une série de DJs, tout en permettant aux spectateurs de se reposer dans des fauteuils très confortables, installés au bord du lac.
Retour aux concerts en compagnie de Tafta, une formation romande, qui ouvre sur la scène Lacustre. On sent qu’elle joue à la maison. Le public connaît les paroles –normal le groupe chante en français– et accompagne le chanteur tout au long des chansons. Pourtant, leur rock bien puissant, légèrement teinté d’électronique, se révèle de toute bonne facture.
Le set est à peine terminé, que le gros de la foule fonce vers le grand chapiteau afin d’assister à la performance d’Empyr. Le nouveau projet du chanteur de Kyo, Benoît Poher, implique des musiciens français qui ont déjà bien roulé leur bosse : Florian Dubos (ex-Kyo), Frédéric Duquesne (ex-Watcha), Benoît Julliard (ex-Pleymo) et Jocelyn Moze (ex-Vegastar). Changement important, les lyrics sont exprimés dans la langue de Shakespeare, plus de Voltaire. Affichant parfois un look rappelant les membres de Tokio Hotel, la majorité du public est très jeune. Ce qui n’est pas étonnant. Des ados dont certain(e)s sont au bord de l’hystérie. Manifestement, ces fans sont ravis de la présence de leurs idoles et extériorisent leur satisfaction bruyamment. Faut dire que leur gros rock, même s’il trahit des tendances emo screamo et neo metal, leur est personnellement destiné. Leur premier opus, « The Peaceful Riot », est dans les bacs depuis ce 24 mars.
Alors que Zenzile et son dub/rock expérimental mettent de l’ambiance sur la Lacustre, une grande partie de l’affluence se dirige déjà vers la scène principale. Normal, c’est là que se produira The Verve. Mais quelques mots quand même du quintet angevin. Un ensemble qui transforme en dub tout ce qu’il touche : le rock, le rap, la new wave, le punk, post punk, funk blanc, et j’en passe. Un goût de l’expérimentation que la bande à Raggy explore le mieux en ‘live’ ; et surtout grâce à l’excellente osmose entre les différents instruments : guitare, basse, claviers, batterie, saxo et percussions.
Mais place au clou de la soirée, j’ai nommé The Verve. Le groupe s’était séparé. Richard Ashcroft ne s’en était pas tiré trop mal en solo, même si la magie n’opérait plus, comme au sein de sa formation précédente (NDR : parfois pourtant bien en ‘live’). Le guitariste Nick McCabe avait bien tenté de monter l’un ou l’autre projet ; mais sans grand résultat. Le combo de Wigan, s’est donc, de manière plutôt inattendue, reformé. Et est immédiatement reparti en tournée. Un périple qui passait donc par Neuchâtel ce vendredi et qui repassera par Werchter en juillet. Bien sûr, les plus jeunes, venus applaudir Empyr, ne doivent pas trop connaître. Et même pas du tout. Par contre, ceux qui ont vécu leur histoire entre 1992 et 1999 n’ont pas envie de manquer ce come-back. Veste de cuir (au début du set), pas de lunettes fumées, Richard Ashcroft ressemble aujourd’hui davantage à Roger Daltrey (NDR : pas les cheveux !) qu’à Mick Jagger. Il joue de plus en plus souvent de la guitare. Une heure quinze de spectacle (pas de rappel) au cours duquel, le combo britannique va dispenser sa britpop mélodique et tellement savoureuse, nous balançant ses inévitables « The Drugs Don’t Work », « Lucky Man » et bien sûr l’incontournable « Bitter Sweet Symphony ». Mais également deux extraits de « A Northern soul » (« This is music » et « Life's an ocean »), référence discographique incontestable du néo-psychédélisme des nineties. Pas d’extraits de « A storm in heaven ». Deux nouveaux titres quand même, dont « Love is a noize », morceau maître d’un nouvel elpee qui devrait paraître en automne. Sans surprise, The Verve a donc clôturé le festival en beauté.
Mais ce n’est pas la fin pour autant, puisqu’on a encore droit à une petite soirée électro. Tout d’abord un set ‘live’ exécuté par Simian Mobile Disco. Balayé de multiples jeux de lumières LED, son show impressionne. Responsable pour la circonstance d’un excellent (NDR : et surtout original !) cocktail d’électro de fantaisie et d'énergie, le duo anglais parviendra à faire danser le public ; une performance que l’on a d’ailleurs déjà pu découvrir à maintes reprises dans nos contrées. Une excellente manière pour ceux qui n’avaient pas rejoints leur lit, dès la fin des derniers accords de « Bitter Sweet Symphony », de se défouler jusqu’au bout de la nuit. Enfin, plus ou moins jusqu’à 2 heures du matin. Faut dire qu’on n'a pas vu le temps passer...
Et last but not least, pour les plus courageux, une after payante et sold out était organisée au casino de la Rotonde. Animation : le dj local Orange Dub, suivi par les Allemands de Boys Noize. Fin des festivités : 4 heures du mat’!
Aucun doute, cette première journée, malgré le petit incident sur ‘La Rive’, a tenu ses promesses et nous donne déjà envie de vivre la suite !
On vous invite également à aller voir les superbes photos de cet événement…
A l’origine, ce disque ne devait sortir qu’en vinyle ou être disponible via téléchargement sur Internet. Il est finalement également paru sous la forme du compact disc. Après avoir trempé dans l’univers du blues, de la country et de la symphonie orchestrale, Costello a donc décidé de revenir aux sources (NDR : c’est la mode !) Il a donc tout d’abord convaincu ses Imposters (NDR : et ce n’était pas une imposture) de le rejoindre. C’est-à-dire le bassiste Davey Faragher, le drummer Pete Thomas et le claviériste Steve Nieve. Mais également, Jonathan Rice, Dave Scher (Beachwood Sparks, All Night Radio) et Jenny Lewis (Rilo Kiley) pour assurer les chœurs, David Hidalgo (Los Lobos) ainsi que l’un ou l’autre invité dont la fille de Pete, Tennessee (elle milite chez Like), qui naturellement joue… des drums. Mais sur un morceau. Tout ceci ne nous donne pas encore une idée du contenu de cet opus.
Les chansons de « Momofuku » ont été écrites en un temps record. Afin qu’elles puissent véhiculer un max de spontanéité, d’énergie et de dynamisme. Elles ont donc été prises pratiquement en ‘live’, même si elles ont bénéficié ultérieurement d’inévitables arrangements. Mais pas question de sophistication à outrance, comme le Londonien nous avait habitués dernièrement. Et finalement le résultat est plutôt convaincant, même si en fin de parcours (NDR : pour trois chansons seulement), il s’abandonne dans la ballade emphatique, romantique et finalement sans grand intérêt, avant de se ressaisir magistralement sur le dernier morceau, « Go away ». La meilleure plage de l’opus. Une compo contagieuse, irrésistible, qui baigne dans un r&b excitant, rogné par des claviers ‘vintage’ plus ‘Booker T.esque’ que ‘Manzarekien’. Ce qui n’empêche pas les 8 premiers fragments de faire bonne figure. Depuis le rock « No hiding place » au ‘beatlenesque’ « Mr Feathers », en passant par le venimeux « American gangster time », le tourbillonnant et psychédélique « Turpentine », la bossa nova « Harry worth », un « Drum & bone » superbement vivifié par un groove acoustique, la ballade soul mid tempo « Flutter & wow » et le noisy « Stella hurt », une plage caractérisée par ses riffs qui crépitent, ses accords de piano menaçants, hypnotiques, et un orgue subrepticement rogné. Des claviers très présents tout au long de cette œuvre, comme la guitare de Costello. Le tout parcouru par le timbre vocal très particulier d’Elvis, à la fois versatile et râpeux, mais tellement savoureux. A la limite, on a parfois l’impression d’en être revenu à la période des Attractions, ce « Momofuku » étant même très susceptible de devenir le chaînon manquant entre « This year’s model » et « Armed forces ». Seul l’avenir nous le dira !
Marc Bolan était un pote de John Peel. Ce qui explique pourquoi il était souvent invité à son émission ‘Top gear’, sur la BBC. D’ailleurs, on suppose qu’aujourd’hui les deux compères doivent à nouveau partager de nouvelles aventures musicales, dans l’au-delà… Ce recueil réunit 24 titres issus de trois compiles parues entre 1996 et 2006 (double, cette dernière épinglait 32 enregistrements opérés à la BBC de 1970 et 1976, dont la moitié n’avaient jamais été édités). Véritable mythe pour la génération punk, Bolan est décédé suite à un accident de voiture, alors qu’il n’avait pas trente ans. Depuis, il fait l’objet de multiples compiles, rééditions et même de bouquins décrivant sa vie en long et en large. Ce recueil épingle les inévitables « Jeepster », « Get it on », « Hot love » et « Telegram Sam », ainsi que la cover du « Summertime blues » d’Eddie Cochran. Mais il serait peut-être temps qu’on se penche sur son aventure Tyrannosaurus Rex. Moins glam mais beaucoup plus psychédélique dans l’esprit de Syd Barrett, elle épousait une forme, finalement bien plus alternative…
Réduit à un trio, REM a donc décidé d’en revenir à une formule plus rock. On était donc très curieux de voir (NDR : et surtout d’entendre) le résultat du nouveau projet. Enregistré sous la houlette de Jacknife Lee (U2, Green Day, Snow Patrol, Bloc Party, The Hives, Weezer, Editors,…), cet elpee a été enregistré entre Athens, Dublin (le fief de Jacknife) et Vancouver. Et manifestement l’électricité y est plus présente. Un opus qui s’inscrit dans la lignée tantôt de « Document », « Monster » et surtout de « Reckoning ». En moins de 35 minutes, la formation d’Athens cherche donc à se réconcilier avec les fans de la première heure. Pari presque réussi, parce que si l’aspect mélodique (voire contagieux) est beaucoup moins palpable, l’intensité dispensée contamine la plupart des compos. Sur les 11 titres de cette plaque, seul « Until the day is done » rappelle un REM plus conventionnel. Le reste s’avère tour à tour pêchu (« Living well is the best revenge » et « Man-sized wreath »), garage (le titre maître), ténébreux (« Sing for the submarine »), offensif (« Horse to water ») ou encore punkysant (« I’m gonna Dj »). J’avoue un petit faible quand même pour le single « Supernatural superserious » et « Hollow man », deux fragments caractérisés par les guitares tintinnabulantes, ‘byrdsiennes’ ; et puis la valse mid tempo (NDR : un rythme qui revient régulièrement au cours de l’album) « Houston », la compo la plus engagée de l’œuvre, dénonçant la gestion catastrophique du gouvernement US lors de l’ouragan Katrina. Et c’est tout auréolé de cette authenticité rock retrouvée, que le groupe souhaite en découdre ‘live’, lors de sa tournée qui passera par le festival de Werchter. Pourvu que ça dure !
Ce mercredi soir, dans les rues de Lausanne, le temps est lourd, orageux. De gros nuages se profilent à l’horizon. Pourtant, c’est du Romandie qu’éclatera le tonnerre. La salle lausannoise accueille en effet le groupe Explosions in the Sky. En supporting act : l’artiste américain Eluvium. Un événement très attendu, vu l’engouement du public pour ce spectacle.
La foule commence à se presser contre la scène. La chaleur monte et devient bientôt à la limite du supportable. Eluvium monte sur les planches, le show commence. Le multi-instrumentiste parvient à focaliser l’attention de l’auditoire pendant la trentaine de minutes qui lui sont imparties. Il y dispensera un rock expérimental et instrumental, passant allègrement du piano électrique à la guitare, tout en gérant les pédales de répétition de boucles et les pistes préenregistrées, programmées par son ordinateur.
Le set achevé, le ‘changement de scène’ est opéré assez rapidement, afin de laisser la place à l’événement pour lequel 300 personnes se sont agglutinées jusque dans les escaliers de la salle. Et elles ne seront pas déçues par cet orage sonore. Hors pair, le quatuor joue pendant plus d’une heure, faisant déferler tantôt avec puissance, tantôt douceur, mais toujours une grande implication émotionnelle et physique, son rock indie instrumental. C’est clair, les musiciens vivent leur musique. Et ils ne sont pas les seuls. Car de nombreux spectateurs ferment les yeux, essaient tant bien que mal –vu le peu d’espace disponible– de danser ou se balancent au rythme de la musique. Tout le monde cherche à se connecter au groupe. Le combo texan est l’exemple vivant qu’il n’est pas toujours nécessaire d’avoir recours aux paroles pour communiquer.
Explosions in the Sky est vraiment à voir et à revoir. Le seul regret procède de l’exiguïté des lieux. Lorsqu’ils sont combles, le mercure grimpe rapidement dans les thermomètres. Mais lorsqu’en plus à l’extérieur, la météo s’en mêle, la température devient très vite étouffante. Hormis cette réserve, la soirée est réussie. Bien que puissant, le son –la loi suisse oblige les organisateurs à fournir gratuitement des boules-Quiès ; une initiative à souligner– est de bonne qualité, et le personnel organisateur ainsi que préposé à la sécurité est accueillant. En outre, il se distingue par sa bonne humeur.
Michael est surnommé l'homme de fer (‘The iron man’), à cause de sa présence physique sur scène ; et surtout des sonorités qu’il est capable d’arracher de ses cordes. Il joue sur une Gibson ‘Flying V’, un instrument réputé pour ses spécificités métalliques, dont avant lui, Albert King et Son Seals en avaient tiré l’essence. D’Albert, il a hérité les riffs tranchants. De Son, l’attaque incisive, effilée, sur le fil du rasoir. Néanmoins, son approche est plus radicalement rock que celle de ses deux références. En fait, aujourd’hui, son expression lorgne davantage vers Tinsley Ellis, un artiste signé sur le même label. Pourtant, les deux hommes n’affichent pas la même couleur de peau. Ellis est blanc. Michael a la peau d'ébène. Le colosse jouit d’une voix surpuissante qui colle parfaitement à son attaque agressive sur les cordes. Il signe la plus grande partie de son répertoire, dans un style qui lui est bien personnel. « Iron man » constitue son troisième elpee paru chez Alligator. Il fait suite à "Make it rain" et "I smell smoke".
"Strange feeling" repose sur un riff menaçant. Burks éructe ses vocaux, tel un homme très en colère. Il malmène son bottleneck. Manifestement ses cordes doivent en souffrir. Bien jolie ballade, "Empty promises" évolue dans un registre assez proche de son compagnon d'écurie, Ellis. La voix et la guitare partagent des liens familiaux ; mais c’est pour la bonne cause. Un cri d’amour qui libère beaucoup d'intensité. Michael implore, supplie et se montre finalement terriblement persuasif ! La chaleur et la puissance de la voix conjuguée à l'amplification des cordes le rapprochent du grand Luther Allison ; c'est d'une évidence ! Et la place est bien à prendre. Burks est encore jeune. Il affiche à peine cinquante balais. Depuis ses débuts accomplis chez lui, dans l'Arkansas, aux confins du Sud profond, il a cependant déjà parcouru un fameux parcours.
L’opus est très homogène. Les morceaux défilent comme si on assistait à un concert. Pas pour rien qu’il est soutenu par ses musiciens de tournée ; en l’occurrence Wayne Sharp aux claviers, Don Garrett à la basse et Chuck Louder à la batterie. Le point fort de Burks est incontestablement illustré lors des morceaux imprimés sur les tempos les plus lents. Un climat qui lui permet de déborder de sensibilité et de colère contenue. A l’instar du "Ashes in my ashtray" de Jimmy Johnson. Sa guitare répond à son chant. Il tire, écrase, déforme ses cordes pour en extraire ce son écorché, meurtri. L’émotion transmise, même au sein d’un flot de décibels, atteint, transperce toujours sa cible, tant il décoche de flèches. Il se rapproche à nouveau d'Ellis, tout en s’éloignant d’Allison, lorsqu’il embrasse des sonorités désavantage ‘southern rock’. La ballade "Don't waster my time" en est une parfaite illustration. Et inévitablement, le moment attendu arrive lorsqu’il reprend le "Hard come, easy go" d'Ellis. Lorsque le tempo est plus enlevé, comme sur "Quiet little town", on lui reprochera sans doute une certaine lourdeur, une certaine rigidité. Bruce Iglauer et Burks partagent la signature de deux plages. Evidemment, le boss d'Alligator a bien compris ce qui fait la force de l'iron man. Et en écoutant le lent "Icepick through my heart" on ne peut que partager son avis. A cause de son intensité dramatique, des cordes qui tissent cette atmosphère empreinte d’une tristesse infinie et de la voix, dont la profondeur est sans cesse poussée dans ses derniers retranchements par la guitare. Une guitare qui ne cesse de soupirer et de s'esclaffer. Un grand moment! L'autre titre, c'est le nerveux "Changed man". Il clôt l’elpee. Calqué sur le riff le plus célèbre de Chicago, il se révèle moins éblouissant. Burks reprend même un des meilleurs morceaux du groupe anglais Free : "Fire and water". Michael parvient à s'approprier cette plage composée 40 ans plus tôt par les jeunes Anglais issus du british blues boom. La puissance de feu de l'homme de fer est inextinguible…
Près de trois ans après s’être confessé sur les pistes de danse, la Madonne opère un retour extrêmement bien calculé. Comme à son habitude, la diva sait ce qui marche et ne se gêne pas pour en user à son avantage. Rien de plus logique alors que de s’entourer de valeurs sûres du moment telles que Timbaland et Pharrell Williams, les incontournables producteurs/compositeurs ou encore Kanye West, l’inévitable premier de classe ; sans oublier Justin Timberlake, l’indispensable beau gosse…
Pour la plus grande satisfaction des amateurs de friandises, la reine de la pop ouvre les portes de son palais des plaisirs pour la 11ème et dernière petite sauterie financée par Warner Records. Après un accueil faiblard (« Candy Shop »), Madonna met les petits plats dans les grands en invitant Justin Timberlake et Timbaland à la rejoindre en faisant croire aux convives qu’ils n’ont que « 4 Minutes » pour sauver le monde. Mais l’assistance, peu crédule, snobe gentiment le trio. Ne désirant pas trop gaver ses invités dès le début des festivités, l’hôtesse se reprend alors assez vite. Elle leur offre alors une série de sucreries légères et relativement goûteuses (« Give It 2 Me », « Incredible », « Miles Away »).
Ce n’est pourtant que lorsque la Madonne entonne « She’s Not Me », plaisir délicieusement coupable, et le terriblement addictif « Beat Goes On », partagé en compagnie de Kanye West, que la fête commence réellement à battre son plein. Les invités, enfin conquis, continuent à mâchouiller les confiseries, non sans écarquiller les yeux pendant la présentation du dispensable « Spanish Lesson ». Mais dans l’ensemble, les convives garderont un bon souvenir de la onzième petite sauterie de la reine de la pop, bien qu’elle ait été autrefois plus consistante…
Nederlands 
Français 
