Les Insomniacs nous viennent de Portland, dans l’Oregon. Une nouvelle formation qui trempe dans le jump et le swing blues. Elle est dirigée par le jeune chanteur/guitariste/compositeur Vyasa Dodson (25 ans à peine). Son style s'inscrit bien dans le West Coast contemporain, célébré par le regretté Hollywood Fats, Junior Watson, Kid Ramos ainsi que Little Charlie and the Nightcats. Vyasa est épaulé par le bassiste Dean Muller, le batteur Dave Melyan et le claviériste Alex Shakeri. Tous les titres sont signés Mr Dodson.
Manifestement nos insomniaques ont bien saisi le west coast style. Et ils le démontrent dès l'ouverture. Un "Stick around" qui évolue au sein d’une atmosphère assez jazzyfiante. Le timbre vocal de Dodson est encore quelque peu juvénile, mais qu'est-ce qu'il est éclatant sur les cordes. Il ne dispense que les notes nécessaires et plaque ses accords comme un Hollywood Fats des grands jours. Une ouverture chargée de promesses. Cette manière parcimonieuse de jouer des six cordes prouve la maturité déjà atteinte par le soliste. Séduisant, "Serves me right" est tapissé par l'orgue Hammond tandis que les cordes sont un régal pour nos oreilles. Nos musiciens reprennent en chœur le refrain contagieux du rock’n roll "Watch your mouth" pendant qu’Alex se démène derrière son piano. "Struttering" nous ouvre les portes d'un cabaret de nuit. L'atmosphère est enfumée. Les couples s’enlacent sur la piste de danse. La musique se fait tendre et très alanguie. Dave effleure les peaux de ses balais. La douceur du piano nous enivre. Vyasa a revêtu son costume de T-Bone. Ce blues nous pénètre insidieusement. Instrumental enjoué, "Crime scene" est conduit par une guitare débridée. Cette plage pourrait servir de bande sonore pour un film d'action. Empreinte d’une grande simplicité, "Wrong kind of love" met surtout en évidence l’orgue de Shakeri. Son jeu est ici inspiré par Jimmy Smith et Jimmy McGriff. L'uniformité n’est pas au dico musical des Insomniacs. "I'll treat you right" émarge franchement au jazz. Les quatre membres participent à l’entretien de ce rythme nerveux. "Shake the chandelier" observe un même schéma. Cette compo est à nouveau caractérisée par des échanges de classe entre les deux solistes, des échanges soutenus par une base rythmique qui swingue naturellement. Blues classique, I'm not sorry" est imprimé sur un tempo indolent. Une plage très dépouillée au cours de laquelle les cordes de Dodson emportent à nouveau la partie. "I got money" emprunte quelque peu les rythmes percussifs, joyeux et festifs de la Nouvelle Orléans. Le piano prend toute son importance pendant que notre leader se met à attaquer ses cordes vigoureusement comme le ferait Jimmy Vaughan. Ce superbe album s’achève par un "Be quiet" dont les éclats instrumentaux évoluent dans le style jump le plus pur. Mais l’elpee n’est pas terminé, puisqu’il recèle deux bonus tracks. "Serves me right", déjà servi en début d'album et un tonique "No wine, no women", irradié par une guitare enchanteresse. Deux morceaux enregistrés ‘live’ à l'Avalon d'Hollywood, en mars dernier. Les Insomniacs prouvent ainsi de la plus belle des manières, qu'ils sont tout à fait au point face au public. A travers Une formation à suivre de très près!
Il est de ces disques que l’on sait excellents avant même de les introduire dans la platine laser. Il s’agit tout simplement de ceux dont plusieurs rédacteurs se disputent l’acquisition avec acharnement. « Not Fade Away » de David Kitt est le dernier en date à avoir subi ce ‘traitement de faveur’. C’est donc sur les genoux, la sueur au front et le visage ensanglanté que l’on s’est délecté du cinquième ouvrage (sixième si on compte « Misfits, vol. 1 ») de l’Irlandais. Initialement publié en octobre 2006, « Not fade Away » n’a trouvé officiellement le chemin des bacs belges que bien plus tard. De quoi forcer l’auditeur à rattraper le temps perdu en écoutant la splendide plaque en boucle, jour et nuit. Accompagné de Lisa Hannigan sur « Don’t Fuck With me » et une moitié de The Magic Numbers sur les excellents « Guilty Prayers, Pointless Ends » et « Up to You », David Kitt plonge nos tympans au cœur d’un chaleureux paysage sonore où chaque note semble avoir été étudiée minutieusement, où inspiration rime avec enchantement. Fignolant actuellement son projet electro, Sleepy Walker, en compagnie de son frangin (il participe d’ailleurs ici au morceau « Nothing Else »), David Kitt a réussit une fois de plus à ravir sans effort, nos conduits auditifs.
Ben Harper jouit d’une des plus jolies voix de la musique populaire contemporaine. D’ailleurs ce toujours jeune Californien court de succès en succès! Il aime la France et souhaitait enregistrer au sein de la capitale hexagonale. C’est désormais chose faite. A l’issue d’une tournée européenne de huit semaines, il est entré, début d'année, dans les Studios Gang à Paris, entouré de ses fidèles Innocent Criminals. Pour la circonstance, il a concocté onze nouvelles compositions qui font suite au remarquable opus "Both sides of a gun".
Des cordes acoustiques balaient "Fight outta you", une chanson douce et intimiste mêlant légèreté et intensité. Un soupçon de funk parfume "In the colors". La voix divine prend en effet ici toutes ses couleurs. Elle est douce, naturelle, expressive et profonde. Et se lance à la poursuite du train solitaire sur "Fool for a lonesome train". Et lorsqu'il élève le ton sur "Needed you tonight", elle conserve toute sa majesté passant de la souffrance intérieure au désir le plus intense, de la douleur à la quiétude apaisante. En interprétant "Having wings", Ben s'envole en jetant un regard introspectif sur son passé. Une formule qu’il réitère sur le mélancolique "Younger than today", une plage au cours de laquelle le désespoir émane des accords du piano de Jason Yates. Il chante pourtant de manière guillerette "Say you will". Un soupçon de joie envahit sa voix alors que les lyrics soulèvent les graves interrogations de Louis XVI et de Marie-Antoinette, face à leur avenir déjà proche de l’échafaud. Deux voix féminines soutiennent Mr Harper. Celle de Rovleta Fraser et Michelle Haynes. Elles demeurent auprès de lui pour attaquer "Put it on me", un R&B solidement rythmé. S’appuyant sur ce tempo implacable, Michael Ward profite de l'occasion pour libérer sa slide. "Heart of matters" est un dernier cri d'amour. Ben chante comme un ange, au centre des chœurs. Assis, seul dans le studio, il laisse épancher son inspiration de l’instant. L'émotion le hante en permanence. Ses cordes acoustiques aux sonorités métalliques soupirent tout au long de "Paris sunrise". On entend distinctement ses doigts qui les caressent. Sa voix envoûtante se retire et nous quitte sur un cri d'amour, celui du titre maître : "Lifeline"…
Le nouveau patronyme du groupe de Rod Piazza est surprenant, puisqu’il met aujourd’hui en exergue, son leader. Et pour rester dans l’ordre des événements, les Mighty Flyers ont été rebaptisés le Mighty Flyers Blues Quartet. Plus que quatre musiciens au sein du line up, puisque désormais, la féline Honey assure les parties de basse depuis ses claviers. Le timide Henry Carvajal est toujours préposé à la guitare, tandis qu'un petit nouveau fait son entrée : le drummer Dave Kida. Quoique méconnu, ce dernier n’est pas un néophyte, puisqu’il a déjà bossé pour Janiva Magness, George Fiend (sur l'excellent "Looka here!", concocté en 2004) et Doug McLeod! Les Mighty Flyers avaient commis, l'an dernier, un superbe CD/DVD. Intitulé "For the chosen who", il avait bénéficié de la production de Randy Chortkoff, le patron de Delta Groove. Pour ce « ThrillVille », il a laissé carte blanche à Rod, responsable du répertoire, des arrangements, du mixing et de la mise en forme. Rod voulait retrouver la spontanéité inhérente à ses premiers enregistrements réalisés en compagnie du Dirty Blues Band et de Bacon Fat, il y a déjà près de 40 ans. Il voulait aussi démontrer la cohésion de son nouveau quartet. Consacré largement au blues, cet opus concède quelques touches de soul, de R&B et même de funk. L'influence la plus profonde demeure cependant le blues urbain de Chicago, et en particulier celui de George Smith, le mentor de Piazza. A cause de cette tonalité caractéristique de la West Coast.
Le blues classique est donc bien présent. Dès l'ouverture, le collectif se fend d’un medley, partagé entre le "Hate to see you go" de Little Walter et le "Shake your hips" du Louisianais Slim Harpo, un trait d'union qu'affectionne notre souffleur. Le passage de Walter à Harpo s’opère d'une manière très naturelle et sur un même rythme soutenu. Piazza est déjà au sommet de son art. Le "Hoodoo man blues" de Junior Wells est une autre cover de classe. Une version éclatante au cours de laquelle Madame Piazza tapote comme Otis Spann. Inspiré par Wells et Little Walter, Rod souffle comme un dieu. Kida imprime les changements de rythme tout au long du "I don't play" de Willie Dixon. Un régal ! Le "Stranger blues" d’Elmore James a subi un traitement assez classique. Rod et Henry se partagent le chant lors de cette compo décontractée, nonchalante. Très musical, cet opus laisse aussi la part belle aux plages instrumentales. Et tout d’abord "Westcoaster". L'artiste souffle dans son harmonica chromatique en hommage à son maître et compagnon des premiers jours, George ‘Harmonica’ Smith. "The civilian", ensuite. En l'absence de Rod, c'est Henry qui passe sous le feu des projecteurs. Il concède un brillant exercice de jump style sur les cordes. "Snap crackle hop" est un fragment percutant. Et au sein de son ambiance de bar nocturne, "Sad hours" nous rappelle une dernière fois l'influence de Little Walter. Mais d’autres styles sont également abordés. Ballade soul teintée de R&B, "Sugar" bénéficie du concours des saxophones de Johnny Viau et d'Allen Ortiz. Ils prennent tous deux un billet de sortie tandis qu’Henry semble particulièrement et agréablement inspiré. "MFBQ" est le titre qui s’inscrit le plus dans le cadre de la musique actuelle. Largement funk, il est soutenu par des cuivres très James Brown. Henry est très en verve. Les quatre partenaires participent aux vocaux. Ballade soul aux accents swamp très perceptibles, le délicieux "It can't be true" lorgne du côté de Guitar Slim. Le MFBQ prouve en effet ici la cohésion sans faille de ses membres. L’œuvre recèle évidemment quelques morceaux correspondant au schéma classique des Mighty Flyers. Dont "Get wise". Le piano boogie woogie de Honey roule pendant que la guitare nerveuse et rageuse de Carvajal est très en rythme. "Honey Bee", également. Très West Coast, parcouru par un merveilleux harmo chromatique. "Stranded", enfin. Il met en exergue les talents naturels de Honey sur les ivoires. Un album de classe. C’est évident!
Après deux albums enregistrés dans leur propre studio, Coparck décide de mettre en suspens la mentalité ‘do it yourself’ et s’attache les services du producteur Reyn. Le troisième essai bénéficie donc de son concours. Un excellent opus, sobrement intitulé « The 3rd album ». Emmené de main de maître par l’excellent Odilo Girod, le quatuor amstellodamois est en passe d’accéder au rang de super groupe hollandais. Pourquoi ? Parce que cet elpee est beaucoup plus accessible et qu’il devrait plaire à tous les amateurs de pop. Il recèle ainsi le single « A good year for the robots » dont le clip est déjà visible sur MTV, l’ironique « God dress America » et l’édifiant « You will fall ».
Puisant ses influences dans le jazz et le post rock, ce groupe apprécie autant Beck, Blur que les Beatles. Et ces références s’entendent dans leur musique. Une musique capable de nous sensibiliser voire de nous émouvoir. Les riffs de guitare sont chatoyants. Les accords subtils du piano sont littéralement suspendus à nos oreilles. Deux instruments qui constituent la structure de base du groupe.
La plaque est enrichie d’un livret illustré de magnifiques photos, clichés réalisés par des artistes hollandais. Chaque texte est expliqué par son lyriciste. En l’occurrence, Mr. Girod himself. Des textes capables de toucher le plus profond de l’âme. De la musique, des photos et des mots : il ne me reste plus maintenant qu’à m’allonger en écoutant « The 3rd album » et de me laisser mourir heureux, le sourire aux lèvres…
Ode à la contemplation, remède contre tous les maux, « You Can’t Win », troisième essai de la formation originaire de l’Oregon, constitue la bande sonore idéale des longues journées pourries que nous offre si gracieusement les cieux belges depuis le début de l’été. Emmené par Al James, Dolorean nous transporte l’espace d’un instant loin de la foule, loin des paysages maussades, loin des soucis, loin de tout. Accompagné d’une pochette illustrée par Gus Van Sant (rien que ça…), l’œuvre thérapeutique condense en 11 morceaux ce qu’il y a de plus beau et de subtil dans le son folk-americana tout en évoquant à la fois Neil Young, Winterpills, Low ou encore Damien Jurado, pour lequel Dolorean a par ailleurs fait figure de backing band le temps de quelques tournées. « You Can’t Win » nous susurre à l’oreille Al James tout au long de la plage éponyme et, comme hypnotisés, on se laisse aller à rêver, jusqu’à en oublier à jamais, défaites et autres fautes de parcours. Un peu de douceur dans ce monde de brutes ne peut vraiment pas faire de mal…
Issus de la même nation que Röyskopp ou Kings of Convenience, les Norvégiens de Deleted Waveform Gatherings démontrent une fois de plus tout le bien que l’on peut penser de leur terre natale. Bon j’admets, les Cardigans en sont aussi originaires. Mais des âmes se perdent, non ? Choisi par Øyvind Holm (ex Norway’s Dipsomaniacs) et ses comparses, le titre de cet opus est très loin de refléter la simplicité et la fraîcheur qui en émanent. Influencés par les Beatles, Pavement et Beck, « Complicated View » puise une bonne dose de psychédélisme aux sixties.
Dès l’ouverture, « Morgue Itch » vient placarder l’intention des auteurs en superposant des effets psychés, aux guitares entraînantes, comme une ballade ensoleillée sur le toit d’un Imperial Bus à Londres. Pas de doute, ici, la pop est reine ! A la manière d’un Peter Bjorn & John, l’équipe semble s’amuser à sautiller, gratter et déployer une énergie positive tout au long des douze morceaux de l’elpee. La basse du groupe ronronne sur une batterie claire et entraînante. Quelques effets electro bien sentis ne gâchent jamais l’ensemble. Il s’enrichit, de temps à autre, d’un solo de guitare électrisé, d’une flûte ou d’une mandoline. Les influences revendiquées par la formation sont parfois troublantes. A l’instar de « Ramshackle Paranoia Stomp » qui semble tout droit sorti d’un livre oublié de Mc Cartney (Sir Paul) ou de « Second Of Your Time » dont les sonorités pompées dans les 60’s nous laissent bouche bée. Seriez-vous surpris d’apprendre que cette excellente galette sorte des ateliers Rainbow Quartz ? Moi pas, un label new-yorkais qui, j’en mettrais ma main au feu, nous réserve encore quelques belles surprises.
Succédant au mal aimé « Lifeblood » -il a récolté une volée de bois vert de la part des critiques alors qu’il contenait de vrais pépites-, « Send Away the Tigers » se situe dans la lignée des précédents albums des Manic Street Preachers, véhiculant des messages pseudo-révolutionnaires au son d’un rock un peu lourdingue. Il faut pourtant reconnaître à James Dean Bradfield une capacité à viser dans le mille en matière de chansons accrocheuses. On oublie le sens des paroles pour s’en tenir à ceux des titres, histoire de se laisser bercer par son timbre de voix si caractéristique et les guitares héroïques balançant des solos imparables.
« Send away the Tigers » a reçu un accueil critique plutôt favorable, alors que les compos oscillent entre rock pompeux et morceaux pseudo-métal (« Rendition »). Il souffre, en outre, d’un anglo-centrisme un peu trop marqué. Une situation préfigurant mal toute éventuelle tournée européenne. Bien malin celui ou celle qui peut s’improviser devin ; mais les M.S.P. semblent condamnés à produire des albums potables à défaut d’être inoubliables. Ajoutons-y l’artwork médiocre de la pochette. Résultat : torché en 30 minutes cet album nous a laissé sur notre faim.
Prince, aka The Kid, aka TAFKAP (The Artist Formerly Known As Prince) aka Gemini aka ‘3121’, aka plein de trucs encore, fait de nouveau parler de lui. Non content de chanter, produire, écrire et de se consacrer aux développements des diverses étapes de la création musicale, il marque d’un coup d’éclat (!), la sortie de son dernier album. En Angleterre, le prince de la chamaillerie a décidé d’envoyer dans les cordes les maisons de disques impatientes de distribuer son dernier opus. Début juillet, il a proposé gratuitement, via le Mail on Sunday, son 24ème enfant : « Planet Earth ». De nombreux Britanniques se sont donc retrouvés, malgré eux, propriétaires d’un album soigné selon le ‘bon’ goût de l’artiste. Le packaging est alléchant. La pochette holographique change d’illustration suivant le profil adopté. Sous un certain angle, apparaît le désormais ultra célèbre ‘love symbol’. D’un autre, l’image du ‘nabot du Minnesota’ corseté, survole de ses mains, tel un Dieu, notre bonne vieille terre. La galette elle-même est une reproduction de notre planète, mais axée plus précisément sur l’Afrique. Son contenu sonore par contre, est beaucoup moins en accord avec tout le tintamarre et toute l’imagerie qui l’entoure. En pénétrant sur la « Planet Earth », on se retrouve planté dans un opéra rock au cours duquel la voix presque castrée de l’auteur vient fendre la composition un peu balourde, en son milieu. Passant du slow (« Somewhere Here On Earth ») au rock endiablé (« The One U Wanna C »), Prince déchire tous les morceaux par des traits de guitare successifs. Il finit ainsi, au fur et à mesure, par lasser l’auditeur. Deux plages sortent cependant du lot : « Mr Goodnight » et « Chelsea Rogers ». Deux tracks dance qui libèrent un fameux groove. Le reste se résume à de la récurrence ou a des effets déjà maîtrisés, réunis en une masse indigeste à écouter. Bon, à la base Prince n’est pas trop ma tasse de thé ; mais j’ai cependant pris la température auprès d’un ami. Un fan inconditionnel du personnage qui m’a dit texto : ‘Booaah, il casse pas la baraque cet album’. Ce pote semblait las d’attendre le retour du Messie. Tiens, il n’a pas encore choisi ce patronyme le petit bonhomme…
Paul Simon est né dans le 13 octobre 1941. A Newark, dans le New Jersey. En compagnie d’Art Gardfunkel, il a constitué un des duos les plus populaires de l’histoire de la musique pop et rock. Une aventure vécue au cours des golden sixties qui leur ont valu moult ‘classiques’. Après leur séparation, Paul a entamé une carrière individuelle. C’était en 1971. Il s’est alors davantage intéressé aux autres musiques et en particulier le gospel, le zydeco, le jazz, le reggae (il est le premier musicien blanc à avoir enregistré ce type de musique à Kingston, en Jamaïque), le doo-wop et surtout la world pour les mêler à la pop ou au rock’n roll. Cette double compile réunit 36 titres parmi lesquels figurent tous ses plus grands succès : depuis « 50 ways to leave your lover » à « The boy in the bubble », en passant par « You can call me Al », « Mother and child reunion » et même « Outrageous », issu de son album « Surprise », paru en 2006, pour lequel il échange un duo avec Brian Eno.
Pour son second essai, Mickaël Mottet, alias Angil, s’est entouré d’une formation classique, voire jazzy (les Hidden Tracks). On passe donc d’un univers folk balayé de légers courants électroniques (« Teaser for Matter », en 2004) à une orchestration miniature où se bousculent cordes, cuivres et percussions. C’est inattendu mais pas désagréable. Parfois pourtant, l’univers poétique d’Angil se perd dans des forêts de complexité, des détours obscurs, compliquant inutilement l’intelligibilité de cette œuvre aboutie. Sur « Ouliposaliva », Angil flirte avec les styles sans jamais se borner aux rituels d’usage. La pop de « Liftripto Mars » se voit ainsi sabotée par un piano désarticulé, le hip-hop façon Beck sous morphine (« Trying to fit ») balance son énergie sous les clairons d’un trombone à coulisse. « Ouliposaliva » se veut hommage contracté : au célèbre roman de Georges Perec (« La Disparition ») et au collectif ‘Oulipo’ de Raymond Quenaud. On salue ici le travail d’un artisan, tisserand de perles sauvages, véritablement inclassables.
La simple évocation de Caribou nous rappelle aux bons souvenirs de Manitoba. Mais au fond, c’est le même combat. Car, sous ces improbables patronymes, on piste un seul et même animal : le prolifique Daniel Snaith. D’emblée, le nouvel album de Caribou résonne comme une surprise, le fruit d’une nouvelle maturation moins portée sur les expérimentations. Cette fois, le Canadien s’éloigne de l’electronica, s’ouvre à la pop et avale une dose médicamenteuse capable de ‘psychédéliser’ un troupeau de chevaux. Autre nouveauté apportée par la principauté « Andorra » : une voix, celle de Snaith, vient se poser subtilement sur tous les écrins mélodiques proposés ici-bas. En neufs titres, Caribou nous invite à traverser ses atmosphères pour un trip spatial d’envergure intergalactique. Pour concocter cet opus, Dan Snaith aura composé quelque 670 morceaux (!) pour n’en conserver que l’essence la plus pure. Au terme de cette collecte d’exception, on se délecte d’un excellent millésime, un disque de pop, aérien à souhait, guidé par une kyrielle d’instruments. En bon multi-instrumentiste, notre cervidé de service s’empare de toutes les sources harmonieuses et les convie à la danse : basse, guitare, batterie, synthétiseurs, flûte, trompette. Et on en passe. Invité sur « Andorra », Jeremy Greenspan (Junior Boys) vient enchanter ‘She’s the One’, grand moment de lévitation. Varié, accessible, ce nouvel album de Caribou demeure une niche de trouvailles inépuisables. « Andorra » est donc le lieu de tous les émerveillements.
Trois ans après avoir concocté "Our Endless Numbered Days", l’ami Sam Beam nous revient flanqué une fois de plus, d’un excellent album. Dans la pure lignée des petits bijoux qu’il nous a déjà proposés, « The Shepherd’s Dog » s’écoute avec les oreilles mais aussi le cœur. Touchant la part de rêverie que nous oublions souvent dans un coin de notre mémoire, Sam rouvre des portes de notre subconscient tel un cerbère attentif et précieux. Accompagné dans la manœuvre, comme à son habitude, par sa sœur et quelques amis. Quelques : le mot est faible. Dix personnes au moins ont collaboré à l’exercice : Jim Becker, Rob Burger, Joey Burns, Brian Deck et d’autres larrons excellemment bien inspirés. Lyrique, onirique « The Shepherd’s Dog » arrive à séduire par une simplicité et une élégance qui ne quitte jamais une seconde l’œuvre. Dessinant un trait qui n’en finit plus, l’album s’ouvre par « Pagan Angel and a Borroweed Car », une ballade folk aérienne. Poursuivant sa route, ce trait dessine des courbes tantôt plus serrées (« Carousel »), tantôt arrondies, comme sur « Lovesong of the Buzzard » où un orgue et un accordéon virevoltants viennent élever la fantaisie du morceau. L’excellent « The Devil Never Sleep » trahit une influence rock purement américaine. Il nous rappelle furtivement l’origine du groupe. Fier de sa patrie pour ses aspects positifs, Sam Beam se projette tel un être vivant sur terre et son dialogue international passe par le ressenti ainsi que la créativité. Cinquante minutes de pur plaisir, de voyage et d’intimité constituent l’aboutissement d’un travail d’équipe signé chez Sub Pop records (The Rapture, The Shins, CSS,…) A lire : l’interview que Sam Beam a accordée à Musiczine. La rencontre extraordinaire d’un personnage charismatique...
Révélés au grand jour par l’entremise d’un tube (« Do The Whirlwind ») et d’un second album jouissif (« In Case We Die »), les Australiens d’Architecture In Helsinki se sont rapidement postés aux devants d’un rock lo-fi festif, naïf et délibérément délirant. Grand manitou de cette œuvre allumée, Cameron Bird amorçait une ère insouciante où les refrains se scandaient avec le sourire et où la musique restait l’affaire d’une bande de joyeux drilles. Aujourd’hui, on ne compte plus les formations qui se sont glissées dans cette brèche débridée (de I’m From Barcelona à Tilly and the Wall). Sur « Places Like This », leur nouvel album, les résidents de Melbourne relancent l’effervescence pop de leurs débuts (« Fingers Crossed ») et poussent la frénésie dans ses ultimes retranchements, parfois de façon simpliste et anecdotique (écoutez le faiblard « Hold Music » ou les vaines onomatopées de « Like It or Not »). Néanmoins, Architecture In Helsinki demeure indomptable lorsqu’il s’agit de lancer des feux d’artifice de pop moderne (l’excellent single « Heart It Races » ou « Debbie » pour se tortiller toute la nuit en dansant sur un pied). Si les Australiens ne signent pas le grand disque attendu, ils persévèrent dans l’allégresse et la bonne humeur. Et quand l’ennui pointe le bout du nez, « Place Like This » prend vite des airs d’arme de destruction massive.
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