Projet du bidouilleur/emcee mexicain Camilo Lara, le Mexican Institute of Sound rappelle cette époque des années nonante où des artistes anglais comme Bentley Rhythm Ace ou les Wiseguys s’amusaient (avec un bonheur inégal) à télescoper les musiques les plus improbables sur des rythmiques hip hop. C’est un peu la même chose ici, sauf que Camilo Lara puise ses idées (et ses samples) quasi exclusivement dans les musiques populaires mexicaines. Une exception qui confirme la règle : « Hip Hop no Pares ». Cette compo repique, sans le créditer, le reggae classique de Marcia Griffiths, « Feel Like Jumping ». Camilo a reçu le concours de Holger Beier, la moitié du duo allemand Hammond Inferno, à la production. Chris Frantz (Talking Heads), les Japonais de Plastic Machine, le emcee germano brésilien Pat-C viennent prêter main forte à la voix ou aux instruments. En résumé, sur douze plages, quatre sont vraiment excellentes (« Hip Hop No Pares », « El Microfono » et les deux versions de « la Kebradita »). Le reste se révèle au mieux anecdotique, au pire franchement indigeste.
Faris Nouralah a un gros souci. Il ne peut concevoir un morceau sans être sûr qu’il soit parfait. Sans l’assurance d’avoir formulé précisément les sentiments nécessaires à sa conception. Ce qui explique pourquoi, à nouveau, il a découpé, allégé, recomposé, collé et trifouillé malicieusement toutes les plages de son dernier album. Pour les rendre, une fois de plus, par cette démarche, simples et efficaces. Tant puissantes que précises, les munitions de son artillerie visent juste la cible choisie, et frappent sans attendre. « Gone » constitue le cinquième opus en cinq ans de Faris Nourallah et le premier album distribué par Blog Up Musique. Tissée à l’aide de bouts de ficelles, la toile sonore réunissant les treize morceaux de cette œuvre ressemble à un laboratoire clandestin. Les sons semblent posés de manière distraite mais se révèlent très vite, pernicieusement disposés à des endroits stratégiques de l’émotion. Loin du cliché texan, l’Américain à troqué son stetson contre une aura proche du mysticisme. Décrochant par la même occasion le soutien d’un public croissant de jour en jour. Songwriter talentueux et productif, Faris propose selon sa bonne habitude un son pop, riche, entraînant et apaisant à la fois. Non content d’émouvoir musicalement, l’artiste a décidé de renoncer à ses royalties et chargé Blog Up Musique d’en reverser l’intégralité à deux ONG : ‘KNK’ (Kokkyo naki Kodomotachi) et ‘Enfants Sans Frontières’. Deux raisons particulières pour s’enquérir rapidement de « Gone » : la première étant la qualité et la deuxième l’humanisme. Un parfait duo qui motivera votre écoute.
Affichant un ton neutre, la pochette d’« Ash Wednesday » semble solennelle, épurée de toute mise en forme mercantile. A l’intérieur du booklet, les titres et la longue liste d’artistes associés au projet d’Elvis Perkins précèdent la dédicace « For Berry ». Une dédicace simple, posée comme une rose sur la terre fraîche d’un sol détrempé. Berry, c’est Berry Berenson la maman d’Elvis, artiste photo réputée. Elle a disparu le onze septembre 2001 lors du vol 11 d’American Airlines qui s’est fracassé sur des tours aussi jumelles que tristement célèbres. Le sort semble s’acharner sur les géniteurs de l’Américain ; le papa de l’artiste n’étant autre que Anthony Perkins, égérie d’Hitchcock, décédé du sida dans les années nonante. Elvis Perkins jouit donc d’un patrimoine génétique assez sensible pour stimuler son besoin d’expression. A premier abord, on pourrait penser que cette œuvre sert d’ode à la tristesse, comme pour honorer la mémoire de ces blessures à vif, comme des déchirures que l’on recoudrait d’une marque de respect. Mais loin de là l’idée du fiston. En lieu et place d’une nostalgie lourde et lancinante, on prend plaisir à écouter une folk/pop légère, à l’instar du morceau « May Day ». Des ballades fraîches comme une rosée parcourant nos émotions servent d’exutoire, décrochant les étoiles à certains moments, nous invitant à nous coucher à même le sol pour écouter le monde avancer, à d’autres… Un fin mélange de pensées positives et de souvenirs touchants partagés en onze titres. « Ash Wednesday » est une pure merveille, c’est le partage d’un homme influencé immanquablement par les tragiques expériences qu’il a vécues, avec le recul et la sensibilité d’une dignité poignante. Les émotions nous envahissent dès la première plage. Un « While You Were Sleeping » qui vous forcera à interrompre toute activité en cours pour prendre part au partage et à la rêverie. Un album plus que recommandé, indispensable !
Ancien collaborateur de Manu Chao, le trompettiste sicilien Roy Paci est depuis plus de dix ans une des figures centrales de la musique underground et métissée en Italie. Pour ce quatrième album, il s’éloigne du ska/latino développé sur ses œuvres précédentes. Le reggae et le ska n’ont pas été gommés, mais les rythmes et programmations électroniques prennent une place prépondérante sur ce « Suono Global ». Roy Paci a aussi invité quelques uns de ses amis musiciens pour une longue collection de duos. L’invité le plus illustre est sans aucun doute Manu Chao. Il vient pousser la chansonnette sur « Toda Joia toda Beleza ». Ce n’est sûrement pas le meilleur titre du disque, mais il a déjà bénéficié d’une bonne diffusion radio sur les ondes italiennes. Les autres guests ont déjà collaboré aux projets de Roy, dans le passé. Ce sont des membres illustres de différentes scènes musicales italiennes. En général, ils relèvent du hip hop, comme les Romains de Cor Veleno et Caparezza. Dans le domaine ragga/reggae, le chanteur Raiz (des défunts dubbers napolitains Almamegretta) et le Sud Sound System viennent prêter main forte. Au rayon chanson et rock, les chanteurs des groupes Bandabardo et Negrita apportent leur concours. Tout ce beau monde chante en italien, sicilien, napolitain, espagnol, arabe, anglais et quelques idiomes non répertoriés. Les thèmes oscillent entre les peines d’amour (« Senza di te ») et les problèmes socio-économiques du sud de l’Italie (« Mezzogiorno di fuoco »). Même la banlieue française a droit à son rap : ‘Qu’est-ce qu’il se passe quand j’arrive sur la track ? C’est ça mon frère dehors il y a la merde, on a cassé tout, on a brûlé tout…’ Bref une sacrée tambouille au sein de laquelle le reggae est mélangé à toutes les sauces, de la salsa aux musiques traditionnelles du sud de l’Italie. A l’instar de tous les elpees de Roy Paci, le résultat n’est pas surprenant, puisque l’album est une nouvelle fois fortement inégal mais très attachant. Et surtout plutôt festif et ensoleillé. Par conséquent plus difficile à apprécier dans notre grise Belgique.
Icône absolue du mouvement Néo Métal, Korn continue d’expérimenter. Bien que son chemin tout tracé l’éloigne de ses premières amours, il a conservé sa marque de fabrique : une production toujours massive et saturée !
Le single « Evolution » s’inscrit dans la tradition des grands classiques du groupe ayant mis le feu au Graspop 2007, tandis que « Hold On » évoque furieusement l’hymne « Got the Life ». Cependant, l’ensemble s’écarte de la déjà bien solide discographie du combo dont la tête pensante demeure la rock star Jonathan Davis. Le batteur David Silveria s’en est allé, et l’intérim est assuré aujourd’hui par un des drummers les plus techniques de l’histoire du rock. Permanent chez King Crimson, Terry Bozzio est aujourd’hui âgé de 57 ans. Comme musicien de session, il a accompagné des noms aussi prestigieux que Frank Zappa, Steve Vai et même Fantomas. Sa collaboration à la nouvelle livraison de Korn n’est malheureusement pas à la hauteur de nos espérances. Bozzio s’est juste contenté de suivre les instructions de Davis, et n’apporte aucune touche personnelle à cette œuvre éponyme. Globalement, les tempos sont plutôt lents, et l’agressivité toute relative. Et dorénavant, le piano s’incruste dans le monde torturé de Korn, accentuant le côté sombre d’une musique mécanique, parfois bizarroïde et difficile à digérer. Mélangeant l’industriel et le heavy à des couplets lyriques, la sphère musicale de la formation est en parfaite adéquation avec la pochette particulièrement réussie de cet opus, une œuvre qu’il faudra apprivoiser au fil des écoutes. Accuser Davis n’ Co de se reposer sur sa gloire et se répéter serait bien de mauvaise foi, mais cette nouvelle remise en question risque de dérouter les fans les plus hardcore tout en séduisant un public en manque de ce que l’on dénommait à la fin des années 80, le métal fusion. Loin d’être un chef d’œuvre, le Korn ‘cru 2007’ mérite largement que l’on y prête une oreille attentive.
Pour les inconditionnels, nous ne pouvons que recommander la très luxueuse édition limitée qui, outre son très bon titre inédit, recèle un poster de l’artwork de l’opus, des cartes à l’effigie des membres du groupe, et un DVD plutôt sympa.
Ce chanteur/guitariste réside dans l’Ohio. A Colombus, très exactement. Il est le président de la société locale de blues, la Colombus Ohio Blues Alliance. Concocté en compagnie des Night Owlz, son premier album remonte à 1998. Intitulé "Provisions", il avait reçu le concours de Christine Kittrell et de Willie Pooch. Sean a également collaboré aux sessions d’enregistrement de deux albums de la chanteuse noire Teeny Tucker (la fille de Tommy) : "Tommy's girl" en 1999 et "First class woman" en 2003. A l’instar de Ronnie Earl et Duke Robillard, Sean est considéré comme un des plus grands guitaristes contemporains.
Le titre maître ouvre l’album. Une compo qui baigne dans le jazz nightclubbien. Une plage typique des fins de soirées, lorsque les pistes de danse commencent à se vider, que les couples s’enlacent, et qu’un mélange de sueur, d’ivresse et de mauvais tabac commence à emplir l’atmosphère. Sean y rencontre le fantôme de T-Bone Walker devant la basse acoustique de Steve Perakis, les balais timides d’Eric Bloom et le piano circonstanciel de John Popovich. "All these worries" prend la direction de Chicago, dans le Westside. Le tempo est accrocheur. Les cordes suivent à la trace les incantations du chanteur. L’homme ne concède que les notes nécessaires face à l’orgue Hammond B3. L’exercice s’opère dans le naturel et la douceur. Les instruments se complètent pour sculpter ce style bien uniforme. Sean pince ses cordes comme un Albert Collins des meilleurs jours devant l’orgue naturellement chaleureux de Miss Linda Dachtyl, tandis que le sax ténor de Chuck Moore se pose à l’avant-plan. Mr Carney chante passionnément "Bad side baby". Une compo bien mise en relief et empreinte d’une extrême sensibilité. Plage intimiste, "I've got a gypsy woman" est illuminée d'un solo aussi incisif que dépouillé. Chicago shuffle, "Pennies & teardrops" libère une sonorité de guitare primaire, proche de celle d’un Jimmy Rogers qui en serait resté au stade des fifties. Sean impressionne, tant son style, tout en décontraction, semble facile. Cet opus, Sean a voulu le partager avec ses amis. Des amis, mais également des musiciens talentueux. Aussi il les invite à monter sur les planches. Tout d’abord, Joe Weaver. Pote à Johnny Bassett, ce vocaliste noir est issu de Detroit. Il reprend "Outskirts of town", une compo signée Louis Jordan. Une fois encore, un blues destiné aux enfumés. Lorsqu’il chante, un frisson vous parcourt d’abord l'échine ; puis vous ne pouvez que succomber au charme de son timbre. Carney en profite pour nous communiquer, note après note, l'émotion qui le hante. Joe revient tapoter sur son piano pour interpréter "Farmboy". Il chante d’une voix assez éraillée. Son ami King Saxe Gene Walker le soutient au saxophone. Sean joue comme un Duke Robillard très inspiré. Willie Pooch est un autre chanteur noir. Originaire de Tupelo, dans le Mississippi, il vit aujourd’hui à Chicago. Il interprète passionnément le célèbre "Tramp" de Lowell Fulsom. Teeny Tucker est une chanteuse talentueuse. Sean et Teeny se rencontrent régulièrement. Pour bosser. Et actuellement, ils tournent d’ailleurs ensemble. Elle vient interpréter son "I live alone", un blues rocker bien enlevé. La diablesse possède une sacrée voix. Sean ne se sent plus. L'ami Phil Berkowitz vient souffler comme un démon dans son harmonica. "I know your wig is gone" marque un retour au jazz. Signée T-Bone Walker, cette plage permet à Jack Popovich Sr de s'illustrer sur les 88 touches en ivoire. Sean chante "That man". Son timbre vocal s’adapte décidément à tous les styles. Un style plutôt proche ici de Jimmy McCracklin. Chuck Moore s’illustre au honky sax. Versatile, Mr Carney emprunte alors la douceur toute californienne de Pee Wee Crayton pour délivrer son "When I trains it pours". Dans ce registre, il épanche des moments très intenses d’émotion, de bien-être et de quiétude. Les trois dernières plages ont été immortalisées ‘live’. Deux au Skylark Lounge de Denver. En mars 2006. Son ami guitariste Steve Gerard y participe. Et une au Smokin' Oyster Brewery. A Ft Meyers. La finale. Willie Pooch y fête son retour pour chanter "Take off your shoes". Sean vient de signer un album véritablement exceptionnel !
Loin des mélodies sirupeuses italiennes, à base de "Ti amo", les 4 Génois des Banshee nous livrent un rock abrasif et incendiaire inspiré par ce qui se passe et surtout s’est passé de l’autre côté de la Manche. Sur « Public Talks », l’énergie de « Time’s up » des Buzzcocks croise la spontanéité de « I should coco » de Supergrass, le punk brut des Sex Pistols et la pop racée de Pulp. Les mélodies sont entêtantes, les chœurs suraigus, les rythmes dansants. Les hymnes en puissance se succèdent sans pour autant être répétitifs. Mention spéciale pour le désabusé « City » et le pétulant « Holiday drink » qui mettent en lumière les différentes facettes du groupe. Ce qui les distingue des actuels Franz Ferdinand et consorts, avec lesquels ils partagent beaucoup? Un sens de l’ironie et de la dérision, particulièrement marqué sur le titre « Maybe Baby » au cours duquel The Banshee se joue des clichés rock and roll. Ils traduisent en musique leurs sorties et leur amour pour les filles, y ajoutant une petite touche intello qui rend leur album d’autant plus irrésistible. The Banshee s’est attribué la mission de communiquer, amuser et rendre les gens heureux. Trois objectifs que ces Italiens ont atteints!
A l’issue de l’écoute du premier et décapant single « Sick, sick, sick », extrait de la nouvelle livraison des Queens, un seul mot nous venait à la bouche : jouissif ! Si son prédécesseur « Lullabies to Paralyse » (2005) marquait déjà un recul fortement marqué par rapport à l’indéracinable et très metal « Songs for the Deaf » (2002), « Era Vulgaris » s’aventure encore bien plus loin dans l’expérimental et le rock barré. Il remportera encore davantage l’enthousiasme d’un public ‘branché’ qui l’ignorait à ses débuts, à une époque où le combo se produisait dans des clubs devant 80 fans de Stoner et de Heavy rock.
Mais le groupe, même s’il est originaire du désert, ne croit pas au mirage, et malgré la pression médiatique qui l’a conduit à être exposé au plus grand monde, « Era Vulgaris » se caractérise aussi par un retour à un son garage et rugueux comme du papier de verre.
Pauvre en mélodie, l’œuvre se veut bruitiste, complexe dans ses structures, stoner dans l’esprit. La présence de Chris Goss -responsable des joyaux de feu Kyuss- derrière les manettes n’est certes pas étrangère à ce joli bordel organisé.
« I’m Designer », « River in the Road » ou « 3’s & 7’s » trahissent le climat qui a prévalu tout au long des sessions d’enregistrement : le combo s’est bien amusé en studio. Mark Lanegan fait une apparition sur « Into the Hollow », d’où cette sensation de mélancolie qui se dégage de ce morceau en demi-teinte. On s’étonnera de la présence de « Make it Wit Chu », excellent titre issu des fameuses « Desert Sessions », que la formation a pris l’habitude d’interpréter lors de chacune de ses prestations.
Un bon album vu dans son ensemble, mais il faut se faire à l’idée que QOTSA a bien évolué, sans craindre de prendre de gros risques commerciaux, et que l’idée de voir sortir dans un futur proche un « Songs For the Deaf 2 » tient de la pure utopie. Rockers graisseux dans une autre vie, les Queens ont des allures de dandys chics qui s’éclatent en jouant du bon rock n’roll !
Originaire de San Antonio, Chris s'est révélé dans les années 90 sur la scène d'Austin, alors orpheline de Stevie Ray Vaughan. Tous les espoirs étaient permis. Certains ont évoqué la réincarnation d’un nouveau Dieu de la six cordes. D’autres tout simplement la naissance d’une nouvelle révélation. Une chose est sûre, Duarte est un fameux musicien. Un soliste talentueux, mais certainement pas un ersatz de l'ange disparu d'Austin. Ce chanteur/guitariste a été largement inspiré par Albert King. Puis par BB King, Buddy Guy, Albert Collins et, tout comme SRV, Jimi Hendrix. Il confesse aussi avoir été fortement marqué par l’approche intimiste et la profondeur musicale de John Coltrane. Si Chris aime bien entendu le blues, il est aussi très marqué par la musique rock et cette empreinte se ressent tout au long de ce nouvel opus. Chris nous avait déjà gratifié d'excellents elpees : "Texas sugar/Strat Magick" en 1995, "Tailspin Headwhack" en 1997, "Love is greater than me" en 2000 et "Romp" en 2003. Quatre œuvres qui ne peuvent laisser indifférent vu le talent de ce musicien.
L'embarquement est opéré par "Amy Lee". L'inspiration est largement blues. La voix de Chris est naturellement puissante et colle parfaitement à son répertoire. La guitare est déjà impatiente de se libérer. Et lorsqu’elle rugit enfin, c’est dans l’esprit du grand Albert King. Bien enlevé, "Do it again" consomme du rock'n'roll à la Duarte. Les cordes occupent tout l'espace! Superbe blues, "Hard mind" est imprimé sur un tempo élevé. Notre Texan a rage au ventre et laisse éclater toute son énergie. Il ne se fixe jamais de limites et déverse des torrents de notes bien senties. Ses interventions ne suscitent jamais l’ennui ; et pour cause, elles sont constamment remises en question par sa créativité débordante. Manifestement, Stevie Ray n'est pas loin ; mais nous ne sommes jamais en présence d’une copie carbone, tant l'artiste affiche une maîtrise déconcertante. Et l’écoute de cette plage procure un immense plaisir. "Something wicked" nous prend aux tripes. Un slow blues torride au cours duquel Duarte nous prend aux tripes et ne nous lâche plus pendant un bon quart d'heure ; en fait, le temps que dure cette plage. Qui peut, bien sûr, évoquer "Texas Flood" ou "Tin Pan Alley" ; mais c'est tellement bon! Rocker, Chris Duarte se révèle tout aussi brillant. A l’instar d’"I’ll never know", dont les accents semblent empruntés aux Beatles voire même à Hendrix. Un Jimi Hendrix qui hante à nouveau "Sun Prairie blues", un nouveau long blues. A cause des courtes phrases des cordes qui répondent au chant. Et puis "R U 4 Real", dont l'ambiance aérienne, atmosphérique, constitue une invitation au voyage psychédélique. Cependant, il transparaît constamment une recherche personnelle dans les compos ; et le très souvent aux moments les plus inattendus. A contrario, sculpté dans le hard pur et dur, "Never gonna change" n’est pas d’un grand intérêt. Lorgner du côté de Detroit, la Motor City, est louable ; mais prendre pour modèle le vieux Ted Nugent n’était pas nécessairement un bon choix.
Au creux de l’hiver, Dan Boeckner et sa fiancée se sont épris des blanches étendues canadiennes. La tête pensante de Wolf Parade en a passionnément épousé les formes et, accompagné de sa blanche-neige, les a figées dans un album hivernal. On y retrouvera avec émotion l’univers torturé du leader montréalais ; malheureusement, pour le reste, les retrouvailles sont frileuses. A la différence du fébrile « Apologies for the Queen Mary », dont l’urgence maintenait l’album en ébullition du début jusqu’à la fin, ici le froid de l’hiver les a transis au coin du feu, à regarder les flocons se poser, imperturbablement, sur le rebord de la fenêtre. La batterie a perdu son tempérament débridé, les mélodies sont engourdies et, par dessus tout, un beat électro incongru achève de refroidir l’atmosphère. Handsome Furs a, certes, le mérite d’avoir délibérément élu la formule lo-fi, l’instrumentation aérée et les vocalises à découvert. Aussi louable soit l’intention, on ne peut que regretter la densité jouissive des Wolf Parade. A l’exception du septième titre, où l’énergie s’éveille, sur le reste de l’album, la mélancolie à pris ses quartiers, lovée dans la résignation. Seule consolation, la voix si singulière de Dan Boeckner qui n’a rien perdu en émotion, et à elle seule, rallume une petite flamme chancelante, qui ‘brûlottera’ jusqu’à la fonte des neiges. Lorsque la parade des loups sortira enfin pour hurler à la lune.
En dix années d’existence, Piano Magic a enregistré la bagatelle de sept albums studio (on passera donc sous silence les éventuelles compiles) ; « Part-Monster » constituant le septième. Un disque qui fête le retour de la collaboratrice ponctuelle/habituelle (biffez la mention inutile) et membre de Klima, Angèle David-Guillou, dont la voix me rappelle parfois celle d’Anneli Drecker. Le solennel « Soldier song » évolue ainsi dans un registre fort proche de Bel Canto, même si les samples, sont ici remplacés par de véritables cordes acoustiques. Elle ne chante pas sur tous les morceaux, mais son timbre troublant apporte, à chacune de ses interventions, une sensibilité davantage mélancolique. Et on imagine la dose d’émotion libérée sur cet opus, lorsqu’on sait que celle de Glen Johnson est à la fois fragile et torturée. Glen est également le leader de la formation et surtout le compositeur. Souvent autobiographiques, ses lyrics n’hésitent pas à vilipender le système social et politique en Grande-Bretagne. Et au vu de son vécu, il en a des choses à raconter. Au sein du line up de Piano Magic, on recense pour l’instant trois Français et deux Britanniques. Une formule à géométrie variable qui n’influe guère sur le style du groupe, résolument focalisé vers le début des eighties. L’ombre de Sad Lovers & Giants plane ainsi sur le très atmosphérique « The king cannot be found » ; mais surtout sur le fantastique « The last engineer », une plage sculptée dans les cordes de guitare chatoyantes, éthérées, effervescentes et envoûtantes. Celle de Luna hante les contagieux « Incurable (reprise) » ainsi que le pastoral et mystérieux titre maître, même si cette chanson qui clôt l’opus privilégie les tonalités acoustiques. De Durutti Columnn, tout au long de l’instrumental épique « Great escapes ». Et même de My Blooddy Valentine lorsque « Saints preserve us » nous immerge dans sa noisy nébuleuse. Une impression qui n’est pas surprenante, lorsqu’on sait que c’est Guy Fixsen (Laika, Pixies, Moonshake, Breeders, Stereolab, Lush, Slowdive, Chapterhouse, Moose et surtout la bande à Kevin Shields pour l’album incontournable « Loveless ») qui en assure la production. Dans un registre différent, embué de trompettes aériennes, « England’s always better (as you’re pulling away) » campe un requiem douloureux et intimiste que n’aurait pas désavoué Nick Cave. La voix de Simon Rivers, le chanteur de The Bitter Spring, invité pour la circonstance, se révélant aussi profonde et abrasive que celle du crooner australien.
Ce n’est pas tous les jours qu’un album des Chemical Brothers nous tombe entre les mains. Alors, on les ouvre bien grandes, comme celles qui nous regardent sur la pochette du récent « We Are The Night ». Des doigts, des étoiles, des montagnes, des pupilles : le grand tourbillon hallucinogène des frères chimiques nous emporte dans une chute vertigineuse. Au réveil, c’est déjà la fin. « The Pills Won’t Help You Now » nous chuchote le chanteur de Midlake. On note pour plus tard. Pour l’instant, on tente de remonter la pente, de comprendre comment Tom Rowlands et Ed Simons parviennent à rester au top malgré le poids des années. Douze ans après « Exit Planet Dust », les frangins nous gratifient d’un sixième album extatique, à écouter les yeux fermés. Comme toujours, les Chemical Brothers s’entourent de pourtours à la mode. En passant en revue la liste des invités, on en vient rapidement à la conclusion qu’en 2007, les Chemical maîtrisent aussi bien la hype que les nappes électroniques. Dès l’entrée en matière, on rencontre Willy Mason, une figure improbable dans ces contrées habitées d’androïdes camés. Les pilules ne nous aideront plus ? On va voir ce qu’on va voir ! Tiens, les Klaxons sont là, accompagnés du folkeux Devonte Hynes, alias Lightspeed Champion (l’ex-leader des fougueux Test Icicles) pour un « All Rights Reversed » d’anthologie. Pouet pouet, frétillons sur « The Salmon Dance », hymne barré, guidé par le flow imparable de Fatlip. On n’oubliera pas, non plus, de se déchirer les tibias sur « Do It Again », tube énorme, où l’on retrouve une partie de guitare jouée par... Little Barrie. Les Chemical Brothers reviennent donc avec un disque pour prendre des pilules entre amis. On n’avait pas noté quelque chose, nous ?
Œuvre distinguée, aérienne, « Fur and Gold » met directement en évidence la tessiture flamboyante de sa chanteuse, Natasha Khan. D’emblée, sa puissance vocale éthérée se confronte aux inflexions royales de Björk. Le rapprochement est inévitable. Réputée inclassable, l’Islandaise entrevoit donc les premiers pas de sa progéniture. Bien moins porté sur les expérimentations, Bat For Lashes prône le retour à la nature, les promenades en forêt et quelques virées champêtres. Aujourd’hui installée dans la riche cité de Brighton après des années de bourlingue à travers les Etats-Unis et l’Europe, Natasha Khan se pose, entourée de ses instruments. Ici, le folklore croise le classicisme avec une élégance rare. Du folk psychédélique aux grandes dérives pianistiques, c’est tout un pan de la musique voluptueuse qui est revisité. De Björk (« Horse and I », « Tahiti ») à Kate Bush (« The Wizard ») en passant par Shannon Wright (« Sad Eyes »), Natasha Khan se faufile dans l’histoire de la pop tel un caméléon. Au rang de ses invités, on reconnaît les visages de Ben Chritophers (sur « Sarah ») et de Josh Pearson, l’ex Lift To Experience, venu poser sa voix et sa guitare sur deux titres (« Trophy » et « Seal Jubilee »). Enfin, les politesses d’usage imposent un clin d’œil appuyé au gourou barbu de la transe hippie, le beau Devendra Banhart. Tout cela est donc bien poli mais fort joli.
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