Le label indépendant RROOP a décidé de consacrer une compilation à la formation Amp. Une excellente initiative à mettre à leur actif. D’ailleurs ce label n’en est pas à son coup d’essai. Dans le passé, il s’est ainsi intéressé à Yellow 6. E de nouveaux projets sont pour l’instant à l’étude. Partagé en trois disques, ce superbe coffret recèle la bagatelle de 38 morceaux dont 10 figuraient sur « Passé présent », un vinyle datant de 1998 qui réunissait des singles de la formation, des versions alternatives de morceaux déjà parus, des inédits, des démos, des plages exclusivement gravées sur compilation, des flip sides et des raretés. Sans oublier une cover de Silver Apples et une autre de Spacemen 3. Les plages ne respectent pas l’ordre chronologique, mais les explications fournies par les notes de la pochette sont suffisamment précises pour s’y retrouver. On apprendra ainsi que Richard Amp a créé le projet en 1990. Il est le seul membre fondateur encore présent au sein du line up. La chanteuse Karine Charff y milite depuis 1994. Vingt-sept collaborateurs ont transité par le ou collaboré au groupe à des époques différentes. En quinze années d’existence, ce n’est donc pas trop surprenant. Parmi les plus notoires on retiendra les participations de Dave Pearce (Flying Sauce Attack), Matt Elliott (Third Eye Foundation) et Robert Hampton (Main).
Evoluant dans un style musical baptisé avant/rock/drone noise, le groupe tire et a tiré aussi bien parti de l’instrumentation conventionnelle (guitare surtout) qu’électronique. Suivant les périodes davantage vers l’une que vers l’autre. Et le résultat se révèle souvent fort intéressant. Son univers sonore kaléidoscopique lui a permis d’embrasser des styles aussi différents que le trip hop, l’ambient, l’electronica, l’électronique avantgardiste, la noisy et même la pop, des styles qui peuvent évoquer tantôt My Bloody Valentine, Terry Riley, Steve Reich, Loop, Galaxie 500, Slowdive, Portishead, Brian Eno et la liste n’est pas exhaustive. Tour à tour expérimentale ou mélodique, la musique d’Amp s’adresse d’abord à génération génétiquement modifiée. Et franchement, après avoir passé 3 heures et demie dans un labyrinthe traversé de feedback, de distorsion, de bourdonnements, de rêveries pastorales, de berceuses énigmatiques, de tempêtes aventureuses, de dissonances subtiles, de vocaux visionnaires, de pulsations et de tourbillons électriques, ce sont les circuits imprimés du cerveau qui sont modifiés. N’empêche ce box retrace de la plus belle des manières l’histoire d’un groupe devenu, au fil du temps, une véritable référence dans l’histoire de la musique pop/rock…
Agathe Ze Bouse, c’est la volonté d’allier l’humour et le jazz. Après avoir concocté deux albums complètement déjantés (« Vilain » et « L’album Bouse »), les huit membres du groupe ont décidé de poursuivre sur leur lancée en commettant l’inclassable « One, Two… » Si leur style s’avère original, il est surtout peu abordable ; et, il faut bien l’avouer, malgré une qualité musicale indéniable, qu’au fil de l’écoute, il devient franchement irritant ! Même en pratiquant l’humour au centième degré, difficile de rire ou de sourire en écoutant les paroles sans queue ni tête des 23 morceaux (!) de cet opus. Et pour cause, ils abordent des sujets aussi divers que déroutants. Des exemples ? L’évolution de l’Homme, l’histoire d’un bricoleur prénommé Robert et même… la sodomie... Le chant, quant à lui, s’apparente très souvent à celui des ménestrels d’antan, mais en plus criard ! Reste des mélodies jazzifiantes, faisant la part belle au saxophone et au piano, prenant de temps à autre des accents de musique du monde. Celles-ci sont jouées avec brio et, malgré quelques sonorités un peu ringardes, d’excellente facture. Mais ces atouts indéniables ne permettent pas de compenser le côté agaçant des vocaux et des textes. Comme dit le dicton, mieux vaut être seul que mal accompagné….
Depuis ses lunettes de collégienne et son air nature, Laura Veirs prend par surprise. Quelques écoutes suffisent pour être conquis par ses mélodies en apparence puisées au cœur de l’évidence. Portées par une voix douce et une instrumentation épurée, elles s’ouvrent comme des corolles. Piano, harpe, violon, batterie, basse et guitare s’y partagent une ambiance aigre-douce, où la vie s’épanche sans voile. Confession tremblante de vérité par laquelle la jeune américaine approfondit l’émotion qui faisait déjà le trésor de ses cinq précédents albums. Loin des chemins tortueux et indécis de l’expérimentation, « Saltbreakers » emprunte cette même voie narrative délicieusement fluide. Seule pointe d’amertume et d’électricité sur « Phantom mountain », où le papillon démontre d’insoupçonnées couleurs sombres. Mais la tension fond aussi instantanément que s’annonce la délicatesse de « Black Butterfly » où, s’élevant dans les aigus, sa voix flirte à la dérobée avec un piano diaphane. Les violons confirment ce son mélancolique dans lequel on se délaye sans résistance. Profondément humain, « Saltbreakers » s’écoule comme un poème à la simplicité désarmante.
“Like Love Lust & The open halls of the soul” constitue le troisième album de Jesse Sykes & The Sweet Hereafter, une formation au sein de laquelle on retrouve l’ancien guitariste de Whiskeytown, Phil Wanscher. Ce qui n’a pas empêché la chanteuse de faire appel à toute une panoplie de collaborateurs, dont le chanteur/compositeur/guitariste scandinave Nicolai Dunger, le claviériste de jazz Wayne Horvitz et le violoniste/compositeur avant-gardiste Eyvind Kang. Et de confier la production à Martine Tucker ( Decemberists, The Long Winters ), Martin Feveyear ( Mark Lanegan, Kings of Leon ) et même pour un titre à Randall Dunn ( Kinski, SunnO))) ). Basiquement alt country, cet opus embrasse une foultitude de styles musicaux différents. Et la richesse de l’instrumentation y est sans doute pour quelque chose. Balayés de soupirs célestes, « Spectral beings » épouse un profil sophistiqué et psychédélique digne de Love. Parce que les arrangements de cuivres et de cordes sont légion sur un peu plus de la moitié des compos. La guitare peut même atteindre l’intensité électrique d’un Crazy Horse, sur l’excellent « LLL », dont le rythme est pourtant calqué sur une valse. Une constante : la voix de Jesse. Tour à tour veloutée, râpeuse, douce-amère, confidente, elle traduit parfaitement la fragilité des émotions humaines, qu’elle épanche à travers ses lyrics. Hormis le plus allègre et presque dansant « You might walk away », la plupart des chansons évoluent sur un tempo particulièrement lent. Un peu comme chez Cowboy Junkies. Et dans le registre, le remarquable « How will we know ? » baigne au sein d’un climat fiévreux digne du « If I Could Only Remember My Name » de David Crosby. Alors que tout au long du douloureux « The air is thin » le murmure poussiéreux de Sykes finit par rejoindre un chœur presque gospel. Sans oublier « Aftermath », une ballade cuivrée qui glisse un orteil dans le jazz. Dans un autre style, « I like the sound » réverbère le son des la pop de la fin des sixties, et en particulier celui des Mamas & The Papas. Et si le reste opte résolument pour une formule nettement plus country/folk, ce n’est jamais sans saveur, ni sans surprise. A l’instar du sensuel et languissant « Hard not to believe ». Un bien bel album !
Chanteur/compositeur/harmoniciste, Paul Reddick est originaire du Canada. De l’Ontario très exactement. Flanqué de ses Sidemen, ce bluesman compte quatre albums à son actif, dont le notoire "Rattlebag", paru chez Northern Blues Music. Acoustique, son dernier opus avait été enregistré en compagnie de Colin Linden : "Villanelle". Paul aime le blues, celui du Mississippi. Et tout particulièrement issu des années 20 et 30. En outre, il affectionne le teinter de folk et de country. Blind Lemon Jefferson, Sleepy John Estes et Blind Blake figurent parmi ses artistes préférés. Sous-titré "The best of Paul Reddick", ce nouvel opus retrace ses vingt années de carrière. Passées en compagnie des Sidemen bien entendu, mais aussi de Colin Linden et du Rhythm & Truth Brass Band.
En ouverture, "I’m a criminal" est un condensé parfait du savoir-faire de cet artiste. La voix est bouleversante. Balisé par la section rythmique constituée de Greg Marshak à la basse et de Vince Maccarone aux percus, le tempo est hypnotique. Et les deux solistes en profitent pour se libérer : Paul à l’harmonica et Kyle Ferguson à la guitare. "2nd street" opère un changement radical de style. Un country blues acoustique issu de l’album "When the sun goes down" (Joe Louis Walker en avait alors assuré la production). L’exercice au bottleneck est excellent et l’harmonica vivace et inventif. Plage étonnante, "Template blues" trempe dans le country blues. Imprégné de cet harmo insatiable, il est envahi par l’accompagnement atypique du Rhythm & Truth Brass Band, impliquant trompettes, trombone, saxophones, sousaphone pour les lignes de basse, et percussions. Un Brass Band toujours bien présent pour "Queens hotel" et "Rosemary". Cinq plages sont extraites de son dernier album acoustique "Villanelle", un disque dont il partage, je le rappelle, la paternité avec son compatriote Colin Linden. Dont "Big not small ". Paul chante d’une voix distante et énigmatique ce blues qui baigne au sein d’un climat mystérieux. "Round this time of the year", ensuite. Une magnifique ballade aux accents country. La pedal steel y libère des flots de mélancolie. Et également "Hook's in the water". Une plage caractérisée par sa richesse mélodique, malgré les sonorités écorchées des cordes. Country blues, "Smokehouse" est imprimé sur le rythme du chemin de fer. Radicalement ragtime, "Am I right or wrong?" réunit Linden, Stephen Hodges et Larry Taylor. Le titre maître est un solide shuffle mené à la texane. Signé Johnny Cash, "Train of love" est un excellent country blues caractérisé par une remarquable envolée de Colin Liden au dobro. Datant de 1991, "Waitin" figurait sur le tout premier album des Sidemen. L’approche est plus directe et rugueuse. Mais moins travaillée, la voix possède un impact indéniable! L’elpee bénéficie encore de la présence de deux bonus tracks : deux inédits qui remontent aux tous débuts des Sidemen. Si les musiciens ne sont pas encore tout à fait aguerris, ces compos dégagent une énergie considérable et surtout rafraîchissante. Le "It ain't right" de Little Walter se distingue ainsi par l’envol de l’harmonica débridé ; et en final leur "Sidemen boogie" pose manifestement les jalons d’un talent en devenir… Excellent!
En fondant son label blues, Randy Chortkoff a manifestement eu le nez creux. Au cours des dernières années, il a ainsi signé les Mannish Boys, Hollywood Blue Flames, Philip Walker, Mitch Kashmar, sans oublier les Mighty Flyers de Rod Piazza. Il a cependant décidé de lancer une nouvelle écurie : ElectroGroove / Delta Groove. Une initiative destinée à servir de rampe de lancement à Ana Popovic. A-t-il succombé au magnétisme (NDLR : ou aux charmes) de la belle et charmante Ana ? Une chose est sûre, tout semble aujourd’hui sourire à cette jeune fille blonde âgée de 31 ans à peine ; en outre, les Etats-Unis découvrent enfin le talent de cette guitariste slave. Elle avait déjà enregistré deux albums aux States. Tout d’abord "Hush". En 2001. Chez Ruf records. Un opus produit par Jim Gaines en personne. Puis "Comfort to the soul". En 2003. Gaines ayant ici reçu le soutien de David Z. « Still making history » a été concocté sous la houlette de John Porter, dont la carte de visite mentionne des collaborations auprès de Buddy Guy, Bonnie Raitt et Keb Mo.
La plaque ne s’ouvre pas sur des accents très blues, mais par une compo particulièrement hard : "U complete me". Dans un style qu’Ana irradie de sa guitare. Une plage très dense, largement funky et très électrique. Les musiciens sont irréprochables. Et pour cause, il s’agit des partenaires habituels du Phantom Blues Band de Taj Mahal : Mike Finnigan à l’orgue Hammond, Terry Wilson à la basse, Tony Braunagel aux drums, sans oublier le talentueux claviériste, John Cleary. La seconde plage "Hold on" est bien plus percutante. Elle s’attarde cependant dans le registre funk. L’attaque est vive et captivante. Ana est soutenue par de multiples voix ainsi que la trompette de Scott Thompson et le saxophone de Jim Spake. Un concours qui confère de l’épaisseur à la solution sonore. Miss Popovic confirme son ouverture musicale en abordant le reggae et ses rythmes exotiques sur "Between our worlds". Un titre enrichi par les cuivres de Joe Sublet et Darrell Leonard des Texicali Horns et dynamisé par les percussions de Lenny Castro. Tout en puissance, "Is this eveything there is ?" est taillé dans le rock pur et dur. L’instrumentation est bien en place. La guitare n’attend guère pour se libérer face à la section rythmique. Opulente et solide, elle réunit Dave Smith à la basse et Steve Potts à la batterie. "Hungry" constitue le premier véritable sommet de l’œuvre. Toujours aussi puissant, ce morceau invite à la danse. Un fragment nourri de chœurs luxuriants. Bien en rythme et très mélodique l’intervention d’Ana à la slide s’y révèle très poignante. "Doubt evryone but me" baigne au sein d’un climat cabaret. L’approche jazzyfiante est délicatement entretenue par le piano de John Cleary. La maîtresse de cérémonie y révèle beaucoup de clarté dans son jeu. Et le blues tant attendu fait enfin son apparition. Une cover saignante et excellente du "You don’t move me" de Big Mama Thornton. Traitée à la BB King, cette reprise met en exergue le doigté et le feeling de Popovic. Elégants et atmosphériques, "Still making history" et "Calendars" sont bercés par une jolie mélodie. Et même si le blues ne coule pas en abondance, il opère son retour en rythme sur le « How'd You Learn to Shake It Like That ? » de Snooky Pryor, un titre entretenu par le piano et la slide. L’elpee recèle un bonus track : une version blues, ralentie au maximum de "U complete me", compo qui ouvrait le disque. Et franchement, cette adaptation est bien meilleure…
Le titre de cet Ep intrigue. Et il en dit long sur l’atmosphère entretenue par cette jeune formation issue de l’Hexagone. Une atmosphère lunaire directement inspirée de groupes maîtres du genre tels Pink Floyd ou encore Archive. Encore que la formation française soit davantage attirée par les sonorités indie-électro. Pas besoin pour les auteurs de ce disque de préciser comme ils l’ont fait dans l’intitulé de chacun de ses morceaux, le sentiment qu’ils ont voulu susciter chez leurs auditeurs. Dès les premières notes, une sensation de relaxation, d’apaisement, de flottement dans les airs s’immisce en nous. Et le timbre vocal, tantôt féminin, tantôt masculin, amplifie la sensation de douceur qui commence à nous inonder. Malheureusement, au bout de deux chansons, la monotonie commence à s’installer (peut-être est-ce dû à la longueur des pistes qui avoisinent toutes les 6 minutes ?) et machinalement une envie de bâiller nous envahit. Ce qui n’empêche pas les compos de se révéler agréables à écouter. A suivre…
Psycho Stag ou psychopathe? Car c’est bien d’une voix mâtinée de sadisme et de folie, proche de celle des ‘serials killers’ peuplant les meilleurs thrillers américains, que sont chantés les 9 morceaux de cet album. C’est donc dans une ambiance lugubre et malsaine que l’auditeur se plonge en écoutant cet album. Ambiance qui oscille au gré des titres parfois punk (« Emotional Bondage »), parfois metal (« The song Whaterver »), parfois new-wave (« Lolita Girls »). La palette de styles offerte par la formation belge est si diverse qu’elle évoque des groupes aussi différents que ‘cultissimes’ : The Prodigy, The Cure, The Libertines ou encore The Red Hot Chili Peppers. Bref, bien que la longueur de certains morceaux suscite une envie de zapper, leur musique variée et déjantée tient la route. D’ailleurs, si vous aimez le rock sous toutes ses formes et que vous êtes de nature curieuse, vous prendrez plaisir à découvrir l’univers sombre et déstabilisant de Psycho Stag.
Il y a quelques mois déjà que le nom de Death Vessel circule dans les circonférences mélomanes les plus alertes. ‘L’album est magnifique paraît-il ! Le chanteur, c’est un gars, un Américain, il s’appelle Joel Thibodeau. Il a joué en première partie de la dernière tournée de Low. Et c’est tellement bien que le prochain album sera signé chez Sub Pop. Ouais, le label de CSS, de Mudhoney et de The Shins. Dingue, non ? Certains disent même que ce groupe va retourner les récentes habitudes du renouveau folk !’ En glissant l’album de Death Vessel dans le lecteur, le premier réflexe de tout auditeur sera de vérifier qu’un échange malheureux de boîtier ne s’est produit au magasin… Car, oui, ce type chante comme une fille ! Ici, on ne parle pas d’androgynie à la Anthony. Non, vraiment, Joel Thibodeau a une femme au fond de la gorge, une tessiture de gonzesse sans commune mesure (sur ce coup-là, même Christophe Willem est battu à plate couture).
Après avoir digéré cette surdose de féminité enchantée, on se laisse entraîner à travers les dix paysages dessinant « Stay Close », premier album poétique et lyrique, mélodique et gentiment nostalgique. Les chansons sont courtes, efficaces, hésitant toujours entre les détours boisés du folk et le confort de la country nationale. Et, paradoxalement, on se retrouve confronté à un tout bon disque de pop, orchestré de banjo, de mandoline et de maracas. Pour peu, on oublierait presque de signaler que Laura et Meg Baird d’Espers viennent chanter dessus. Mais bien malin, celui –ou celle– qui parviendra à discerner les voix de ces deux-là !
Créateur d’ambiances aussi prolifique que talentueux (l’un ne va pas toujours avec l’autre), Benjamin Schoos trône devant John Lennon, Bruce Lee ou encore Serge Gainsbourg sur la pochette de ce nouvel album. La photo de famille est certes perturbante mais ne cherchons pas midi à quatorze heures. Car pour une oreille de passage, le zoom se focalisera sur un seul d’entre eux : Gainsbourg. Si le gaillard n’a jamais caché ses affinités avec l’homme à tête de choux, il ne les a probablement jamais autant mises en lumière qu’à travers ce voyage songeur et envoûtant au pays des hommes, des ninjas et des libellules. En nous ouvrant la porte d’un univers surréaliste où les mots fredonnés se posent sur des atmosphères raffinées, il signe surtout un album redoutablement attachant. Les mélodies, semblant tout droites sorties des murmures sonores du duo Air (version « Virgin Suicides »), se marient à merveille aux poèmes de notre hôte, et les petites voix féminines distillées ici et là confortent notre engouement. Sur « 69 love songs » (coécrit par Jacques Duval), on croirait entendre Jane Birkin. Sur le titre qui suit, « Inspectorama en mélodie pop », on découvre la voix de Sophie Galet, muse avouée du chanteur. A la fois simple, beau, soyeux, élégant et enjoué, l’album ne recule devant aucune saveur pour nous appâter. Et on dit ‘miam’.
Cinq ans séparent l’écriture de la sortie de « Ciel de fête ». Je n’ai pas écouté le premier album d’Alexandre Varlet ; mais bon, en cinq ans on peut progresser. Souchon y parvient, lui. Vous me direz, Alexandre Varlet n’a que 28 ans… Mais la scène française ne manque pas de jeunes talents et celui-ci me parait falot. Bien que les arrangements se conjuguent en harmonie avec sa belle voix grave et la mettent en valeur, les paroles ne suivent pas. Cet aspartame poète ne parvient pas à m’entraîner dans son univers introspectif qu’il veut probablement sophistiqué. Il s’écoute chanter son carnet de poésie post ado aux rimes lourdes et quand, comme, par exemple, dans la chanson « Le sens de l’orientation », il répète à l’infini ses paroles, là, je sens monter la réaction épidermique que déclenche une alarme lancinante de voiture. Dommage, car les mélodies et les musiciens soutiennent efficacement le chanteur. Alors, pour le suivant, soit il améliore sa copie, soit il a l’humilité d’accepter d’autres textes. A suivre donc.
Ahhhhh ! Un coquelicot chante. Une robe rouge toute simple qui découvre de jolies jambes quand elle tourne. De la légèreté, de la couleur, de la passion se balade sur l’original filet de voix de Daphné. Il y a de la Björk, de la Keren Ann, de l’Olivia Ruiz. Daphné, comme quelques nouvelles venues de la chanson française, nous offre un monde à l’imaginaire féminin et féerique, profond et instinctif. On apprécie particulièrement ses textes à la fantaisie poétique et l’espièglerie des mots. Coté musique, ça balance pas mal entre le folk et la valse nostalgique. Et de vrais instruments, dont on entend le souffle, contribuent à l’esprit général de l’album. Mais également de beaux arrangements, délicats, presque romantiques, laissent la voix légère de Daphné en avant. Parfois, des sonorités enfantines à la Tiersen donnent l’impression d’être allongé, bercé dans les grandes herbes. Du vent dans les graminées. C’est onirique, c’est sensuel. Une harmonie musique/voix/texte que l’on retrouve en fil… carmin dans le livret camaïeux d’hémoglobine, textes dans le désordre : le souffle d’une fée est passé par là. A écouter des cerises accrochées aux oreilles. Juste pour être raccord.
Mini album 6 titres pour l’ex bassiste des Scientists, de Beast of Bourbon et des Dubrovniks. Mais le plus paradoxal, sur cet opus, est que l’Australien ne joue pas de la basse, mais de la guitare dont il assure toutes les parties. Un seul partenaire : une boîte à rythmes qu’il a baptisée : Franki The Machine. Une idée dont la paternité revient bien évidemment à Sisters of Mercy pour son Doctor Avalanche. Hormis le cauchemardesque « Give up », enrichi d’arrangements ‘philspectoriens’, les cinq autres plages macèrent dans une solution sonore psychotique, sauvage, implacable, fruit d’un mélange astucieux entre garage et noisy hérité en ligne droite de Suicide et surtout de Jesus & Mary Chain. Et les vocaux laconiques de Boris collent parfaitement à cette musique à la fois envoûtante et ténébreuse…
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