Mitch est issu de Brooklyn, un quartier populaire de New York. En 1971, il s'installe du côté de San Francisco où il fonde son Red Hot Mama Band. En fait, il s’est inspiré du surnom de sa copine et chanteuse, Susan Savoy. Après avoir opéré un périple à Hawaï, il fonde les Rocket 88's en compagnie des membres du groupe de David Bromberg. Mitch a enregistré cinq albums pour le label Blind Pig : "Steady date" en 1984, "Mr Boogie is back in town" en 88 (NDR : pour lequel il a reçu le concours de l'excellent guitariste Danny Caron), "Solid gold Cadillac" en 91 (NDR : Charlie Musselwhite, Ronnie Earl et des membres de Roomful of Blues sont de la partie), "Shakin the shack" en 91 et "Jump for joy" en 2001. Mitch a également concocté un elpee solo : "Keeper of the flame". En 1996. Un hommage aux bluesmen qui l'ont le plus marqué. Mitch Woods est un artiste qui s’est toujours évertué à perpétuer l'héritage culturel d'une musique américaine née il y a des décennies. Un style appelé boogie woogie ou jump blues, dont l’apogée a été célébrée, fin des années 40, par les ensembles de Louis Jordan, Joe Liggins et Louis Prima.
Mitch vit sa musique. Une bête de scène qui donne tout ce qu’il a dans le ventre sur les planches. "Big easy boogie" est partagé entre un CD audio et un DVD live, immortalisé à New Orleans. Pour la circonstance, il est entouré de collaborateurs de couleur noire, parmi lesquels figurent de nombreux musiciens de Fats Domino (NDR : il fête ses 78 ans cette année !) ; et en particulier le batteur Earl Palmer, le bassiste Ervin Charles Jr et le saxophoniste ténor Herb Hardesty.
L'album studio a été enregistré au studio Boiler Room de New Orleans. En novembre 2000. Sous la houlette du légendaire Dave Bartholomew. "Big easy boogie" donne immédiatement le ton. Nous opérons un retour dans le passé de plus d'un demi-siècle. Le boogie est au menu. Toute la scène est occupée par un front de cuivres impressionnant : quatre saxophones et une trompette. Bien entendu, le piano de Mitch Woods est omniprésent. Il est incontestablement le roi de la scène. "Thought I heard Satchmo say" met en exergue la trompette du redoutable Dave Bortholomew. Le climat exotique peut surprendre ; mais ne sommes-nous pas dans la cité du Mardi gras ? Une ville qui a toujours eu le cœur à la fête! "Fallin' for you" est une ballade indolente, comme les aimait Fats Domino. Mitch chante passionnément, la main gauche sur le cœur pendant que la droite parcourt les ivoires. La guitare de Jimmy Molière est bien mise en évidence. Tout en rythme elle colore cette jolie mélodie empreinte de simplicité. Superbe ! Imprimé sur un tempo entraînant et face aux chœurs féminins chaleureux de Charmaine Neville et Maria Muldaur, "Counting the days" baigne encore dans la même ambiance néo-orléanaise. Les musiciens s'enfoncent davantage au sein du quartier français. Dans la Bourbon Street ! Caractérisé par les congos irrésistibles d'Alfred Roberts, un joyeux "Mojo Mambo" nous invite à faire la fête. Mr Woods se lance dans son exercice de style préféré : le boogie woogie instrumental. Tout au long de ce "Crescent city flyer", le piano est absolument superbe. Earl Palmer marque autoritairement le tempo. Les cuivres entrent dans la danse! "Heart and soul to you" est une tendre ballade abordée dans l’esprit de Domino. Le sax ténor de Hardesty se détache du front de cuivres. "Shout, sweet and tender" carbure au pur rock'n'roll. Un fragment vivace, efficace, enfiévré. Impossible de tenir en place. La rythmique de Molière est placée en avant. Les cuivres se conjuguent à l'unisson. "Back in my arms again" épouse un tempo plus modéré ; un rock'n'roll moins débridé mais légèrement parfumé d’exotisme. "I left my baby at the Mardi gras cryin" rend hommage de la plus belle manière la musique de New Orleans. Celle de Professor Longhair, Allen Toussaint, James Booker,… Les rythmes syncopés invitent à se trémousser. Pour la circonstance, il se réserve un solo sémillant. En fin de parcours la reprise du "I'm ready" de Fats Domino est un réel plaisir pour les oreilles. L'album s’achève par la ballade lente "The ballad of Dr Daddy-O". John Mooney se consacre à la six cordes. La voix de Tex Stephens, disc jockey légendaire de la Crescent City, est bien présente. L'album honore la mémoire d'Ervin Charles Jr, décédé en février 2003, quelque temps après ces enregistrements.
Mais la fête n'est pas terminée et se prolonge même lors de la lecture d’un DVD d’une durée de près de 2h15'. Il recèle quelques plages de cet album enregistrées live au New Orleans Jazz & Heritage Festival. En 2002. On y retrouve pratiquement les mêmes musiciens. La plaque inclut également quelques prises studio opérées, sous la direction de Dave Bartholomew, lors de l'enregistrement de l'elpee. Sans oublier des interviews accordées par Earl Palmer, Herb Hardesty, Mitch Woods et Cosimo Matassa (NDR : le propriétaire des studios J&M au sein desquels ont enregistré Little Richard, Fats Domino, Ray Charles et bien d'autres) ainsi que des extras bibliographiques et discographiques.
Atterri bien trop tardivement dans la discothèque de votre serviteur, ce premier CD sorti en 2005 ne mérite vraiment pas d'être passé sous silence. Les cinq Suédois qui forment Xsavior risquent fort, dès leur premier essai, d'intéresser le public qui a craqué pour un groupe comme Darkness. Ils mettent leur (impressionnant) background prog et métal au service d'une pop sophistiquée et oblique qui fait mouche à chaque plage. Inventivité, énergie et séduction sont toujours au rendez-vous. Entrée en matière, « April Skies » immédiatement le ton. C'est un condensé de prog articulé autour de nombreux breaks, mais qui évoque autant Queen que le Sparks des tout débuts. « Lex the Fly » poursuit sur la même lancée hyper- active chère à It Bites ponctuée de brillantes harmonies vocales. L'ombre du compatriote A.C.T (d'ailleurs sur le même label) plane également. Plus immédiatement accrocheuses, les deux plages suivantes installent de façon définitive cette pop foisonnante et festive mâtinée d'opéra-rock, à la fois technique et mélodique. Avant que la suite « Taj Mahal » enfonce le clou tout en élargissant ses horizons : voix féminine, mélodies en béton dignes du meilleur Saga et profondeur mélancolique (« Waves of the Sea »). Il reste encore cinq plages pour apprécier de nouvelles facettes du groupe : par ses performances vocales encadrées de métal, « Green Mile » évoque par exemple le regretté City Boy. Au passage, signalons que la voix secondaire y évoque furieusement Mario Guccio (Machiavel). Vous l'aurez compris, j'ai été fort impressionné par Xsavior. Moins cabotin que Darkness, le groupe canalise parfaitement son flot d'idées et la richesse des compositions ne nuit jamais à leur potentiel de séduction. L'album s’achève par un hit potentiel aux allures d’hymne. Une production irréprochable parachève ce travail d'excellence. Et rarement titre aura été aussi bien choisi!
Le label allemand Morr nous invite souvent à nous allonger pour mieux profiter de ses livraisons électroniques cotonneuses, rêveuses. Pour la circonstance, l’electronica n’est pas d’actualité. Le numérique au placard, The Year Of dépeint ses « Slow Days » en analogique. Piano, batterie, saxophone, vibraphone et guitares contribuent à façonner les expérimentations sonores de ces cinq Viennois. Belle et dépressive, la musique des Autrichiens fend le cœur de ses auditeurs. Et, même après la crise de nerfs jouissive engendrée à l’écoute de « Stephen Hawking », les temps ne sont pas aux grandes réjouissances. Pour la fête, on patientera. On se délecte donc de ces chansons désabusées, élancées sur les traces du Velvet, de Tarwater ou de Lambchop. Ces viennoiseries se dégusteront de préférence le soir autour d’un café noir. Histoire de remuer de sombres idées.
'J'aime les trains'… Si les cinq jeunes hommes qui montent sur la scène de la rotonde sont endimanchés comme des contrôleurs de la British Rail en goguette à Bruxelles, c'est parce qu'ils 'aiment les trains', comme nos vaches bleu blanc belge. Sauf qu'ici nous les regardons passer, en ruminant nos vieux souvenirs de 'shoegazing' et de Joy Division.
iLiKETRAiNS est un nouveau groupe à la mode, qui devrait faire parler de lui ces prochaines semaines. Il y a de l'Interpol (la voix, théâtrale, profonde), du Ride, du Cousteau chez ces cinq barbus (moins 1) au poil à peine pubère, qui parlent dans leurs chansons de figures historiques de la grande Angleterre. Il y a le Capitaine Scott, parti à la découverte de l'Antarctique en 1912 (« Terra Nova »), Bobby Fischer, champion du monde aux échecs pendant la Guerre Froide (« A Rook House For Bobby »), Richard Beeching, l'ex-président de la British Railways Board (« The Beeching Report ») ou encore « Spencer Perceval » (l'un des deux inédits de ce live), le seul premier Ministre anglais à s'être fait assassiner, en 1812… iLiKETRAiNS serait-il un groupe de jeunes licenciés en histoire, qui profitent du rock pour enseigner leur savoir pompeux à la masse boutonneuse ?
Mieux qu'un cours poussiéreux donné par une vieille rombière à la bouche pâteuse, le disque de ces cinq Britanniques assoiffés de savoir divertit donc le quidam rock tout en l'instruisant. En 'live' il en résulte un condensé de rock vaporeux toutes guitares dehors, à peine ragaillardi par une voix spectrale qui rappelle comme d'hab' celle de feu Ian Curtis. Huit titres (l'intégrale du mini-album « Progress – Reform », excepté « No Military Parade », et deux inédits), à peine une petite heure de concert : il n'en faut pourtant pas davantage au quintet pour récolter de francs applaudissements. Le signe avant-coureur d'un buzz qui ne devrait qu'enfler. 'Si on s'appelle iLiKETRAiNS, c'est parce qu'en Angleterre personne ne prend le train, et c'est bien dommage', bredouillera Guy Bannister (guitare, synthés) en vendant quelques disques dans le couloir du Bota.
Chez eux les kids leur demandent où acheter l'uniforme de la British Rail. Mais on ne sait pas si la vente de Go Pass a connu ces temps-ci un 'revival' économique .Le 'shoegazing', si, et c'est tant mieux pour les fans de riffs qui durent et crapahutent. Dommage qu'une fois mis sur ces rails (déjà tant de fois empruntés…), iLiKETRAiNS ne dévie pas d'un pouce : 8 titres, certes, mais huit titres qui sonnent comme un seul, à la vigueur interchangeable… C'est ainsi, quand on prend les transports en commun : ça roule peut-être vite, mais c'est vite monotone. 'La prochaine hype en provenance de Leeds arrivera à la voie 11 à 22h12'. Ah m…, il est 22h13 ! Bah, tant pis, on prendra la prochaine !
Trente-neuf minutes, pas une seconde de plus ou de moins. Trente-neuf minutes de bonheur intense ne tolérant pas le moindre déchet sonore. Tout est déjà presque dit. Presque. Les New-yorkais sont en train de connaître un succès amplement mérité et incontestable à l’écoute de cet album miraculeux. Dès les premiers riffs et la démonstration du charisme vocal de Karen O, on se retrouve happé par un tourbillon de chansons claires, nettes, efficaces et diablement ensorcelantes. Du rock sincère et bien vivant, maîtrisé de bout en bout par des musiciens qui ont décidé de s’appliquer sur chaque arrangement et chaque changement de rythme. Quatre ans après le (déjà) tonitruant « Fever to Tell », ils confirment leur volonté de faire rimer vitalité avec électricité, raison probable pour laquelle ils ont fait appel, pour mixer le tout, aux services d’Alan Moulder (Nine Inch Nails, The Cure, My Bloody Valentine). Karen O et les siens semblent partis pour ne jamais décevoir, à condition de conserver cette énergie jouissive qui les anime. Et leur permet, sans reproche possible, de quitter ce « Show Your Bones » sur une ballade acoustique…
Le boombal, véritable phénomène de société, invite tout le Benelux à la danse folk. Investissant parfois des salles immenses (Sportpaleis d'Anvers, par exemple), il se décline en 4 ou 5 manifestations chaque semaine. Sélection basée sur 5 années de bal, cette compilation propose un bel échantillon de groupes folk belges. Les genres et sources d'inspiration, systématiquement traditionnelles, s'avèrent variés. Le celtique domine toutefois. Grande diversité dans les groupes, également, depuis les jeunots de Aedo (20 ans à peine) jusqu'aux vétérans de Kadril (30 ans de carrière), en passant par le groupe de Sophie Cavez (accordéoniste chez Urban Trad). De nombreuses plages séduisent par leurs qualités mélodiques, mais il est clair que ce CD propose avant tout de la musique pour les pieds. Dans cette perspective, le travail a été accompli avec sérieux. La captation live est de très bonne qualité, aucun groupe ne démérite et le livret est on ne peut plus complet: il présente chaque formation dans le détail et mentionne même ses coordonnées. Vous n'avez plus qu'à faire votre marché pour votre prochaine soirée folk… En attendant, Boombal Vol I mettra de l'ambiance dans vos chaumières. Pour les amateurs du genre, sans conteste un bel objet. Et si un test live vous tente, l'agenda boombal (http://boombal.be/) vous indiquera l'adresse
Après avoir accordé de fructueuses prestations au Domino festival de l'AB et à Rock Werchter, les Ecossais de Mogwai venaient présenter au public belge, pour la troisième fois en six mois, leur dernière plaque en date, « Mr. Beast ». Sans oublier les quelques merveilleux classiques de la formation issus de « Rock Action » ou encore « Young Team », pour n'en citer que deux.
Kid 666, qui assurait la première partie, n'a pas convaincu grand monde. Dissimulé derrière son laptop, l'homme enchaîne les beats electro-noise. Mais l'ensemble manque manifestement de cohésion. La sauce prend à peine que le DJ relâche la vapeur. Si, dans d'autres circonstances, cette performance aurait pu être créditée de potable, en tant que 'support act' d'un groupe tel que Mogwai, elle était plutôt non avenue.
Ces derniers ont offert au public du Cirque Royal une prestation hors du temps, un show resplendissant mais un peu trop statique. Après avoir ouvert son set par un envoûtant « Xmas Step », Mogwai ne doit déjà plus trop se décarcasser pour convaincre l'assistance. D'ailleurs, sur scène, les mecs n'ont pas vraiment l'air de se fouler, enchaînant leurs compos comme d'autres enchaînent les heures de travail derrière un bureau. Mais l'intensité des « Hunted By A Freak », « Friend Of The Night » ou encore « Acid Food » excite tellement nos petites neurones que les corps figés des membres de la troupe sont presque admissibles. Agrémentée d'un sympathique light show, la déferlante noise s'achève par un épique rappel au cours duquel ils enchaînent « Mogwai Fear Satan » et « My Father, My King », une suite qui a semblé durer une éternité. Après 1h50 de stimulation cérébrale, Mogwai desserre l'étreinte exercée sur un public émerveillé et quasi sourd. Une chose est sûre : même en ne prestant que le strict minimum, les Ecossais ont confirmé, ce soir, leur réputation de dieux du post-rock.
Peter Frampton s’est rendu célèbre en écoulant plus de 16 millions d’exemplaires de "Frampton comes alive", un double elpee paru en 1976 ! Un ‘live’ enregistré au Winterland Ballroom de San Francisco. Aujourd’hui encore, certaines plages n'ont pas pris une ride. Et je pense tout particulièrement à "Show me the way" ou encore "Do you feel like we do", au cours desquelles il utilise la fameuse talkbox (NDR : un boîtier électronique particulier qui donne à sa voix et à la guitare une sonorité synthétique). Bel homme au sourire généreux, ce guitariste anglais s’est tout d’abord illustré au sein d’un goupe pop : the Herd. Née au cœur des 60’s, cette formation a décroché quelques succès d'estime, sous la forme de 45 tours. A l’instar de "From the underworld". En 1969, il fonde un des tous premiers super-groupes, Humble Pie, au sein duquel sévira l'extraordinaire chanteur/guitariste des Small Faces, Steve Marriott. Peter y militera le temps de cinq albums dont le remarquable (NDR : déjà !) double "Rockin' the Fillmore". Nonobstant le succès important rencontré par cette œuvre, il entame une carrière solo. Une carrière émaillée par la sortie de plusieurs opus ; mais dont le succès commercial, hormis le phénoménal "Frampton comes alive", ne lui sourira plus guère…
Agé aujourd’hui de 56 balais, Frampton nous revient pour un opus instrumental. Le disque s’ouvre sur un ton dynamique. La batterie marque un tempo solide et implacable. L’orgue lui emboîte le pas. Alerte, la guitare est suivie à la trace par le saxophone de Courtney Pine, un jazzman anglais notoire. Les percussions demeurent un élément moteur tout au long d’"Ida Y Vuelta", une plage parfumée d'exotisme hispanique. Peter y joue de la guitare acoustique avec un feeling digne de Paco de Lucia. Un parfum qu’on retrouve en fin d’opus, sur "Oh when", nonobstant une orientation davantage jazzyfiante. La cover du "Black hole sun" de Soundgarden est déjà le sommet de l’elpee. Une aventure radicalement différente mais très réussie. Une expérience fort intéressante aussi qu’il a opérée en compagnie de Matt Cameron et Mike McCready de Pearl Jam. Le tempo est lent. Les climats sont instables. Les cordes tour à tour sereines, accablantes ou tourmentées. Elles se croisent, s’entrecroisent, se superposent dans un bel ensemble, mais avec une puissance et une effervescence étonnantes. Une réussite incontestable ! Légèrement bluesy et empreinte de douceur, "Float" est une ballade à la très jolie mélodie. Les guitares s’y dédoublent dans un élan de lyrisme esthétique. Guitariste de studio, dont la carte de visite mentionne des collaborations auprès d’Elvis Presley, de Roy Orbison et de Bob Dylan, Gordon Kennedy y apporte son concours. Cette grâce et cette délicatesse contaminent également "My cup of tea", une compo mêlant harmonieusement cordes acoustiques et électriques. Chirurgien des cordes, Hank Marvin est ici épaulé par Brian Bennett, son acolyte chez les Shadows, bien sûr! Comme son titre l’indique, "Blooze" est une jam blues. Une partie réservée pour deux guitares au cours de laquelle Warren Haynes est convié. Impliqué chez Allman Brothers Band et Govt Mule, il est considéré comme un des gratteurs les plus prolifiques du southern rock blues. Un gage de qualité manifeste! Peter n’abandonne pas les douze mesures pour attaquer "Cornerstones". Il y est épaulé par de véritables légendes vivantes. Et pour cause, il s’agit de l'inoubliable section rythmique de la grande époque des Rolling Stones : Charlie Watts et Bill Wyman. Peter a d'ailleurs régulièrement joué chez les Rhythm Kings de Wyman. Thème pour guitares en rythmes, "Double nickels" évolue dans un registre assez proche de ce que peuvent proposer les groupes sudistes ; avec plus de délicatesse et de sagesse. Légèrement country, le résultat est savoureux. Paul Franklin s’y réserve la pedal steel. "Smoky" marque un retour au blues. Mais un blues inspiré par le jazz, très fin de soirée. Peter y étale toute la subtilité de son doigté. De très bonne facture, cet opus s’achève par la ballade aux accents gypsy, "Souvenirs de nos pères". Frampton y opère un échange de cordes en compagnie d’un spécialiste du genre, John Jorgenson (des Hellcasters), dans un style qui nous rappelle l'inoubliable Django Reinhardt.
Les Chicanos de l'est de Los Angeles sont de retour ! Fondée en 1973, cette formation pratique depuis toujours un cocktail de rock, de blues et de jazz ; une sorte de roots qui respecte les racines et traditions latines puisées dans leur héritage mexicain. Le groupe est invariablement drivé par les guitaristes/chanteurs David Hidalgo et César Rosas. Ils sont soutenus par Louie Perez, Conrad Lozano et le très anglais Steve Berlin aux claviers, au saxophone et à la flûte. Leur dernier véritable album studio, "The ride", était paru en 2004. Ce qui ne veut pas dire que le combo s’était tourné les pouces. D’ailleurs, il avait aligné depuis un Dvd ("Live at the Fillmore"), un opus acoustique et traditionnel ("Acoustic En Vico") et une compile ("Wolf tracks", paru début de cette année).
"The Valley" ouvre le disque. Les cordes sont torturées, mais les voix chantent dans la quiétude d’une verte vallée à la nuit bleue. Elles imaginent l'espoir de vivre libre et heureux sur une terre promise. Les guitares semblent lutter contre le charme désuet manifesté par la compo. Un conflit perpétuel. Un peu comme si c’était une invitation permanente au voyage difficile. "Hold on" est imprimé sur un tempo modéré. Dave Hidalgo murmure ce chant bluesy au cœur d’un univers cadencé par le flux et le reflux de sonorités étranges, de bruitages synthétiques épars, destinés à accentuer ce sentiment d’inquiétude et d'émoi. Sentiment qui transparaît dans la voix. Elle invite à tenir bon, à vivre, voire à survivre! Le rythme s'accélère pour emprunter "The road to Gila Bend". Cette route mène au désert de l'Arizona. Elle est difficile. A l’instar du monde étrange et ingrat au sein duquel nous plonge Los Lobos. Les cordes de guitares sont tranchantes, écorchées. La rythmique puissante. "Chuco's Cumbia" pend la direction plein Sud pour célébrer une première fois les traditions mexicaines. Cordes et percussions croisent le saxophone de Berlin. Des chants traditionnels qui réapparaissent sur "Luna". Le cœur chargé de tristesse et empreint d’émotion, Dave chante "If you were only here tonight". La solitude d’une nuit sans fin. Solide shuffle, "Two dogs and a bone" mélange vigoureusement rock et blues, dans un style, ma foi, fort classique chez les Lobos. "Little things" affiche une grande richesse mélodique. Une ballade tendre soulignée par l'orgue de Berlin. Le chant est empreint de tristesse, de cette tristesse qui accable les immigrés dans le grand pays où les différences sont si marquées. "The city" invite à sortir dans la ville. Une nouvelle fois le théâtre de sentiments divers est bien mis en évidence par les changements de rythme : depuis le timide Bo Diddley beat aux climats étranges synthétisés par les claviers. Tout est d'une évidente complexité dans la tête de ces immigrés du sud. Ces questions sans réponses inspirent encore "Don't ask why", un blues contemporain qui reflète le mal de vivre. Aucun instrument n'exprime le moindre sentiment de joie. Paradoxalement, la musique rayonne, nonobstant l’atmosphère lugubre et blafarde. Chanté dans la langue de Cervantès, "No puedo mas" (NDR : vous l’auriez deviné !) adopte un rythme contaminé à la fois par les influences latines et caraïbes. Une plage bien électrique rappelant la quintessence de Santana. Mais abordée dans l’esprit de Los Lobos. Probablement la plage au sein de laquelle les guitares sont les mieux mises en évidence. Parfumé d’exotisme, "Free up" est imprimé sur un rythme hypnotique. Une supplique formulée sur un funk léger. "The town" conclut cet opus. Derechef très riche musicalement, cette chanson épanche une mélancolie inconsolable, le regard rivé sur la ville de l'enfance. Le traitement nonchalant de cordes est un véritable moment de magie. Cet excellent album est digne des œuvre intemporelles "Colossal head" et "Kiko" ; en outre, il rappelle le projet des Latin Playboys monté naguère par Perez et Hidalgo, un projet au cours duquel ils étaient alors déjà parvenus à faire cohabiter racines et avant-garde…
Rev Raven est issu du South Side de Chicago. C’est après avoir assisté à un concert de Freddie King qu’il se décide à jouer le blues. Il y a déjà 35 ans. Avant de se fixer définitivement dans le Milwaukee, il a servi dans la Marine. Pendant 15 ans. Son 1er album, "Slow burn", date déjà de 1998. A cette époque, le Révérend drivait déjà son groupe : les Chain Smokin' Alter Boys. D’excellente facture, "Live at Blues on Grand" précédait "Big bee". Ce nouvel opus a été enregistré dans les studios El Rancho de Milwaukee. Pour la circonstance Raven est soutenu par P.T Pederson à la basse, Spencer Podash au drums et Benny Rickun à l'harmonica. Cet autre soliste est également un protégé du remarquable souffleur Jim Liban. Un concitoyen du Révérend, aussi. Ce dernier apprécie tout particulièrement la collaboration des harmonicistes talentueux. Il a ainsi bénéficié, en son temps, du concours de Cadillac Pete, puis de Madison Slim (NDR : un ami de longue date de Raven, mais surtout l’ex harmoniciste de Jimmy Rogers). Depuis, Rickun a repris le rôle avec beaucoup de talent. Hormis deux fragments (NDR : signés respectivement par Jim Liban et Benny Rickun - un instrumental !) Raven a composé toutes les plages. Et pour notre plus grand plaisir, son blues est toujours aussi imprégné de Chicago Blues urbain…
L'album s’ouvre par "My life". Un blues imprimé sur un tempo vif qui s’inspire du riff notoire d'Elmore James, mais sans slide. Dès le départ Rickun tire la couverture de son côté. Son solo est spectaculaire. Il libère tout ce qu’il a dans les poumons. Les cordes du Révérend le suivent à la trace. "Big bee" est manifestement contaminé par le célèbre "I'm a king bee" de Slim Harpo (NDR : un de ses maîtres). La guitare en profite pour prendre un billet de sortie. Aventureuse et nerveuse elle reste cependant bien dans le tempo. "Once the woman start talkin'" épouse un rythme plus syncopé. Une nouvelle fois proche de celui d’un Slim Harpo. Une occasion rêvée pour Benny de s'éclater. "Someday when I'm dead and gone" rappelle "Tee na nee na nu". Une compo qui baigne dans l'ambiance suffocante des swamps louisianais. La section rythmique est bien mise en évidence. Rickun se déchaîne. Quel panache ! Ce jeune musicien vit réellement son blues. Signé Jim Liban, "You ain't no friend of mine" opère un retour vers le South Side blues, cher à Muddy Waters. Un slow blues classique, simple, mais efficace. La voix de Raven n'est pas exceptionnelle, mais le message passe bien. Le tempo s'affole et la machine rythmique se met à swinguer tout au long de "Two times fine". La bande à Raven exécute un west coast jump blues de qualité. Les deux solistes sont soumis à rude épreuve. "Bad little girls" poursuit dans le même style. Benny est passé sur l'instrument chromatique. Autre compo signée Jim Liban, le solide "I don't want to know" permet à Rickun d’afficher toute l’étendue de son talent. "Here comes my baby" et "I wanna love you" replongent au cœur des swamps. Raven et ses musiciens trempent dans leur milieu naturel. L’instrumental "Benny's bounce" est issu de la plume de Rickun. Une parfaite synthèse du savoir-faire de cet homme, à l’harmonica! Raven sort enfin de sa réserve lors du tonique "Don't get on the wrong side of my baby". Il y accorde manifestement sa meilleure partie aux cordes. Très affirmé, autoritaire même, rien ne semble plus pouvoir l'arrêter. De bonne facture, cet opus s’achève par "She's movin' on". Le band y montre un concentré de ce qu’il fait de mieux : du rythme, de l’énergie, de la passion ; et puis les interventions survoltées de l'harmoniciste et du guitariste. Et pour que votre info soit complète, sachez que Jimmy Schwarz et Paul Stilin des Blues Disciples assurent brillamment la production de cet elpee.
Tiens, on est de retour dans les années 90? Vous me direz, après le revival 80's actuel il faudra bien que les maisons de disque imaginent autre chose à se mettre dans l’oreille... Dès cet instant, elles composeront peut être le numéro de ce sacré Chuck D (à la production cette fois-ci) qui pourra une fois de plus se frotter les mains... Avec "7th Octave" il leur aura en effet concocté un bon petit revival métal-rap façon 1992. Mais oui, vous savez, cette époque où RATM, attiré par l'odeur des rots métalloïdes de Faith No More, commençait à poindre le bout de son nez... Une époque aussi où les teenagers se rendaient en masse au cinéma pour voir un "Judgment Night" dont la bande son annonçait des collaborations entre Biohazard et Onyx, Helmet et House of Pain, ou encore Sonic Youth et Cypress Hill... Une fois présenté en grande pompe par les Inrocks comme la nouvelle ‘Révolution musicale de l'année’, "The Seventh Degree" se vendra par brouettes entières à de jeunes gamins de 15 ans ou des trentenaires nostalgiques qui se presseront dans les festivals d'été pour applaudir la nouvelle sensation de l’'Underground’. Quoi? "The 7th Octave" n'a pas la pêche de RATM (quelle production horrible, mon dieu), ni la folie ou l'inventivité des Beastie Boys? Bof, de toutes façons Interpol n'a jamais remplacé Joy Division et Maximo Pärk ne concurrencera jamais les Smiths, alors... Allez, rendez-vous en 2020 pour un revival 2000...
Difficile de coller une étiquette à Amplifier. A la fois heavy et post rock, le trio établi à Manchester est annoncé comme le meilleur des combos british de ces cinq dernières années ! Connaissant l’objectivité des journalistes anglais quand il est question de redorer le blason de la ‘Grande Dame’ (NDR : elle n’est plus la référence absolue en matière de rock depuis des lustres, il faut le reconnaître), nous avons préféré écouter cet « Insider » deux fois plutôt qu’une avant de vous livrer nos commentaires.
Amplifier a fait mouche lors de ses apparitions durant l’été dernier au festival de Roskilde, ou encore au très metal Download Fest ainsi qu’à notre Pukkelpop national. Rien d’étonnant ! Les compos d’« Insider », après une deuxième écoute attentive, s’infiltrent dans votre mémoire pour ne plus en sortir. Entre douleur et jouissance, la musique d’Amplifier est lourde comme une chape de plomb, mais sait aussi se faire aérienne, vicieuse, incisive, voire psyché dans son développement et ses atmosphères. Les comparaisons avec Tool sont inévitables, tant le combo s’inscrit dans une démarche similaire, mais nous soulignerons également des liens incontestables avec l’immense mais méconnu combo british Oceansize. Menée de façon très énergique, la section rythmique laisse également une place prépondérante au groove, tandis que le guitariste-leader Sel Balamir use sans modération de pédales aux effets les plus variés, saturation en tête.
La production est particulièrement soignée. Lorsqu’on connaît les compétences des producteurs Steve Lyon (The Cure) et Chris Sheldon (Foo Fighters), on comprend mieux pourquoi cet opus a une pêche d’enfer. Amplifier séduira les fans de Black Sabbath comme ceux de Sonic Youth. Vivement recommandé !
Prononcez Alexis On Fire et non pas Alex is On Fire ! Le groupe qui tire son nom du site Internet d’une stripteaseuse contorsionniste est originaire de l’Ontario. Formé en 2001 il accouche d’un premier album un an plus tard, et se forge déjà une solide réputation dans le milieu post hard core. Sa musique se caractérise par une association de hurlements rauques alternant à un chant doux et harmonieux, le tout couché sur des mélodies de guitares complexes. En 2004 il parcourt l’Europe en compagnie de Rise Against et promotionne l’album « Watch Out » qui récolte des critiques élogieuses.
« Crisis » est sans doute l’œuvre la plus aboutie du combo canadien. Les sons post hard core se marient désormais à des mélodies néo metal, voire à la limite du death dans les titres les plus violents. Dans la lignée d’un Thrice, le combo apprécie les sonorités torturées et aime répandre son énergie avec une férocité teintée de grâce. Bien loin de Motorhead, d’Alice Cooper, de Danko Jones ou de Paradise Lost, Alexisonfire - nonobstant son assimilation au metal - ne s’adresse pas aux headbangers, mais ravira les amateurs de System of a Down ou même de Dillinger Escape Plan. Pas vraiment notre tasse de thé, mais un album méritant qu’on y prête une oreille attentive.
On n’attendait pas de sitôt le troisième opus du groupe né de la fusion entre les musiciens de Rage Against The Machine et Chris Cornell, chanteur de Soundgarden. Moins d’un an après la sortie du décevant « Out of Exile », Audioslave a voulu remettre les pendules à l’heure. Certains médias n’hésitent pas à définir « Revelations » comme un croisement entre Earth Wind and Fire et Led Zeppelin. Rien que ça ! Si le combo de Page et Plant a toujours été une influence pour Cornell n’ co, le côté funk est nettement moins perceptible sur les 12 titres de la galette dont le son atypique évolue à des lieues du paysage musical actuel. Si vous espérez rencontrer de gros riffs heavy et un Cornell qui hurle comme à l’apogée de Soundgarden, passez votre chemin. Au début des années 90, la vague funk metal envahissait les charts. La démarche d’Audioslave évoque cette période. Les plus anciens se souviendront de Dan Reed Network, de Living Colour ou même de Faith No More à l’écoute de «Broken City », de « On and the same » et de l’excellent « Somedays ». Le groupe ne s’autorise aucune ballade, les refrains sont efficaces et parfois agrémentés de chœurs, et les petits gimmicks de Chris au chant se posent sur des orchestrations finement ciselées.
Plus conventionnelle, la seconde partie du disque s’avère moins inspirée et donne l’impression que le combo manque de souffle. Mais « A Jewel of the Summertime » redresse la barre et permet à l’ex Soundgarden d’explorer un registre de chant qu’on ne lui connaissait pas. Loin d’être l’album de la décennie, « Revelations » est un disque qui a du charme, une certaine classe et communique de très bonnes vibrations.
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