Figure hip hop underground bien connue pour ses collaborations avec de la Soul et Prince Paul, MF Doom (alias Metalfinger pour l'occasion) a décidé de s'accorder quelques moments de détente... Et quoi de plus relaxant qu'une petite série de mixings légers et pépères? Partagé entre deux cd's d'environ une heure, "Special Herbs, the box set vol 0-9" propose ainsi un total de 72 plages hip hop instrumentales courtes et chaloupées, idéales pour servir de fond sonore à une petite soirée délétère entre amis... On ne criera pas au génie à l'écoute de ces petites ambiances quelquefois old-school ; mais l'ensemble tient la route et se révèle circonstanciellement fort convaincant. Pour votre info sachez qu'un cd bonus est inclus dans le joli package. Celui-ci recèle une série d'instrumentaux de KMD, l'ex-groupe de MF Doom au sein duquel militait son défunt frère, le regretté DJ Subroc...
Absynthetic propose, pour la deuxième fois, une compilation consacrée à des groupes français du Nord qui jouissent d’une popularité régionale ou nationale (on y retrouve notamment Jérôme Attal). Seize pistes pour un prix réduit (5€), c’est plutôt une bonne affaire pour les mélomanes curieux de découvrir ce que la France peut produire en dehors des daubes marquetées par TF1 et consorts. Et si ces « Eclectiques » ne sont peut-être pas destinés à toutes les oreilles, ils prouvent qu’il existe encore une créativité musicale dans l’Hexagone. Outre les premiers titres assez rock, la tendance générale est fortement metal (Svald et ses cris gutturaux, Wombat glissant d’un couplet jazz/funk à un refrain métallique) et électro (Cpoupa, Naos…). Costa Gravos clôt la compilation par les six minutes de folie d’« Eeny meeny miny moe », cocktail indéfinissable de genres destiné à former une sorte de mini-opéra délirant.
Après avoir édité sa compilation « Les Eclectiques Vol.2 », Absynthetic continue à promouvoir ses poulains. Mais pour la circonstance, par le biais d’un support visuel. Le rapport qualité prix demeure tout aussi intéressant : sept groupes, quatorze titres, pour 6€. Ici la tendance est nettement metal/rock. L’électronique est totalement absente. Au programme, Oxees, Svald, Cloon, Demo, Wombat, Ex-Kafka et Lopsided. Deux titres par groupe !
Ce DVD recoupe très bien « Les éclectiques » sans faire double emploi et prend même tout son sens chez un groupe tel que Svald. Celui-ci définit sa musique comme un ‘rock théâtral’ et ses prestations scéniques sont effectivement de véritables spectacles à part entière ; l’image est partie intégrante de l´oeuvre. Cloon étale également sa furie metalleuse avec un grand sens de l’humour (NDR : comment pourrait-il en être autrement lorsqu’on intitule une compo « Star Alcoolémie » ?) Côté technique, le mixing sonore est irréprochable. La présentation est sobre. Pas de bonus, mais la musique parle d’elle-même !
Ce DVD constitue un excellent complément à la version audio.
L’immaculée perfection folk, entre traditionalisme païen et modernité marketing. Espers surfe sur la vague ‘new weird folk’, et ses complaintes boisées sonnent comme un retour aux sources : après le déluge, la fin du monde, le 11 septembre, chacun désire revenir aux plaisirs des choses simples. A l’instar de Pentangle, de l’Incredible String Band et de Fairport Convention, les six bardes d’Espers (Philadelphie) chipotent au violon, à la harpe, aux clochettes, à la flûte (de Pan ?), au synthé, à la guitare, aux percus, au doumbek, au dholak (etc.), en espérant raviver la flamme (la flemme ?) d’une musique ancestrale, parce que sans âges. Au milieu de cet amas fumant de prog-folk composté, les diamants sont éternels : ils garnissent la couronne d’un roi ou d’une reine, sans doute morts en plein tourment médiéval. De quoi parlent ces chansons à la psyché mélancolique ? De cyclopes, de dieux et de veuves éplorées, bref de légendes acculées qui s’avèrent le miroir de nos hantises profondes. Et quand les riffs de Weeks fendent l’atmosphère de ses crachins sanguins, mieux vaut prier le Saint-Sulpice pour le salut de notre âme. On a le temps de voir venir (sept minutes par titre, en moyenne), mais restons sur nos gardes : un coup de barbe peut rendre aveugle n’importe quel blaireau qui croit encore que Devendra Banhart a inventé l’eau chaude.
« Slow Children Playing » réunit des travaux opérés entre 1993 et 1998 par le groupe de Cincinnati alors que la majeure partie des musiciens fréquentait encore l’école. Une excellente manière de découvrir la préhistoire de Five Deez, formation dont on se rappelle surtout la très sympathique prestation scénique accordé aux « Nachten », en 2004. Nonobstant leur jeune âge, le boulot exécuté par les gaillards à l’époque était d’un excellent niveau. Ils s’inspirent vraiment beaucoup (trop ?) du collectif Native Tongues : le flow des mc’s renvoie à De La Soul, les boucles jazzy rappellent A Tribe Called Quest. Sauf qu’ici tout est un peu plus brumeux, sombre et intellectuel. A l’instar de « Cerebral Attax », fragment qui ouvre l’elpee. Le hip hop évolue constamment et ce disque en est la plus belle illustration. Réservé aux fans.
Pour faire patienter les fans du sauvage « Cowboys coffee n’burned Knives », le plus puissant trio belge actuel nous balance « The Codeïne Session », un maxi cinq titres concocté aux States en compagnie d’une pléiade d’invités (Chris Goss, Brant Björk…). Enrichie de deux clips exclusifs réalisés par Marco Laguna, la pièce est limitée à 1000 copies numérotées. Lors de l’album paru en 2004, le ‘géant vert’ puisait son inspiration dans les racines les plus profondes du rock, avec l’arrogance du punk et la puissance sonique du hard rock des seventies. Proche à la fois des Stooges, d’AC/DC, de Marvin Gaye et de Black Sabbath, la musique du combo était diantrement puissante et ralliait les amateurs de stoner comme les plus furieux des punks ! Osons espérer que ce maxi CD n’est qu’une parenthèse dans la carrière de Hulk, car si l’originalité et l’innovation sont bien au rendez-vous, la sauvagerie spontanée des premières années a totalement disparu. Moins métallique, plus orientée pop/alternatif - hormis le très bon « Keep Talking » - les nouvelles compos nous font craindre le pire ! Enregistré cet été, un nouvel album devrait voir le jour… cet hiver. S’il est du même calibre, Hulk perdra ses aficionados de la première heure pour séduire un public plus hétéroclite. Affaire à suivre…
L’heure du troisième album des Hidden Cameras a sonné. Face à la débauche d’énergie dégagée par cette chorale lesbienne, enfermée depuis deux ans dans une chapelle désertée de tous ses Saints, un constat historique s’impose. Il sera sans doute accepté de tous. En 2003, le collectif canadien publie « The Smell of Our Own », son premier album. A l’écoute de cette pop multicolore, le cœur palpite, les corps s’élèvent. Ceux qui sont tombés sur ce disque ne s’en sont pas encore relevés. L’année suivante, une deuxième livraison (« Mississauga Goddam ») séduit les oreilles vierges du choc provoqué par le premier album. L’orchestration et les chansons des Hidden Cameras se découvrent telle une évidence. Et, dans les mémoires, la première rencontre avec l’univers du groupe demeure impérissable. Que ceux qui sont passés à côté des deux albums précédents se procurent « Awoo », nouvel album de ces gays lurons. Le coup de foudre est garanti.
Oui, chaque année, c’est comme ça : on attend un arrivage festif en provenance de Toronto, capitale de l’Ontario. Jamais déçu. Toujours convaincu. Et les treize nouvelles compos des Hidden Cameras ne dérogent pas à la règle : des cordes, des harmonies raffinées et une avalanche de mélodies entraînantes. Comment ne pas succomber ? Les hits s’accumulent : « Lollipop », « Heji » ou l’éponyme « Awoo ». Derrière le micro, la voix de Joel Gibb s’affole sur des orchestrations soignées, déjantées. Les Hidden Cameras évoquent une nuit de luxure entre Michael Stipe (R.E.M.) et Brian Wilson (The Beach Boys). Le premier pour le chant, le second pour les arrangements. Décidément, ces deux-là jouiraient d’une place de choix sous la couette de notre chorale arc-en-ciel. « Awoo » ! Approbation générale.
Le deuxième elpee de ce duo anglais semble inviter l’auditeur à l’exploration des grands fonds marins. Les lignes profondes de basse, les synthétiseurs rêveurs et les rythmiques électroniques ‘bruissantes’ alimentent des mélodies dilatées qui ne dépareraient pas dans un documentaire dont les héros, ressemblant à des créatures biscornues, hanteraient les profondeurs de l’océan. A l’instar d’une peinture pointilliste, l’accumulation de minuscules tonalités finit par créer de petites cathédrales sonores. Cette musique ouatée, atmosphérique, s’entend plus qu’elle ne s’écoute, même si le soin porté à la mise en forme de ce disque devrait ravir les amateurs de textures complexes... Désolé, mais le commandant Cousteau vient d’arriver. Le temps d’enfiler une combinaison de plongée et nous sommes partis !
J’avoue ne pas avoir été fort tendre lors de la critique du premier album de cette formation anglaise. Faut dire que bourré de bonnes compos, le disque était gâché par une production poussive. Ce « Road Rail River » semble avoir tiré des leçons du passé : du pop rock classique mais classieux, sous la haute influence de Sir Paul Mc Cartney. Qui dit Macca dit mélodie et c’est l’intérêt premier de cette galette, dont une bonne moitié est constituée de chansons susceptibles de traîner dans les limbes du cerveau, bien après les avoir écoutées (NDR : les aériens « Who can shout loudest » et « Everyone talked about us »). A contrario du précédent opus, les arrangements et autres incursions électroniques sont parfaitement intégrés à la musique et jamais hors propos. Nonobstant quelques baisses de régime et des emprunts un peu trop flagrants (le couplet de « The Inevitable » est pompé sur « Riders on the Storm » des Doors), ce disque devrait plaire aux amateurs de pop soucieux de panser les plaies d’un spleen persistant.
Chronique d’un sentimentalisme retrouvé. Les eighties décidemment bien ancrées dans leurs têtes, les Junior Boys viennent d’enfanter un parfait successeur à « Last Exit » (2004). Douce vague de nostalgie, « So This Is Goodbye » esquisse les contours d’un romantisme perdu, d’une sensibilité masculine qui, début 90, a commencé à se fondre dans le décor au profit d’un machisme de bon aloi. Dans le monde de Junior Boys, les hommes affichent leur côté fleur bleue et ne se cachent plus pour pleurer. Qui plus est, dignement. Ils n’hésitent pas à se lancer dans les déclarations amoureuses les plus émouvantes (« Like A Child », « First Time ») ou rompre en poésie, effaçant ainsi toute trace d’amertume (« So This Is Goodbye »). Porté par de superbes mélodies indietroniques, le second essai de Junior Boys esquisse les traits d’un Depeche Mode minimaliste, préservé des contraintes commerciales (« When No One Cares » et surtout « Count Souvenirs »). Bien qu’il n’atteigne pas la quasi-perfection de « Last Exit » (en cause, l’absence de compos dignes de « Bellona » ou « Under The Sun »), le duo délivre une galette d’indietronica tout simplement exquise. Un peu de douceur dans ce monde de brutes…
Quelque chose est rebutant dans ce « Death Or Jail ». Serait-ce la faute d’I Scream Record, responsable d’avoir étiqueté ce groupe dans la catégorie punk rock, alors que le contenu du disque ne reflète pas particulièrement ce style ? Possible ! Quoiqu’il en soit, quelque chose empêche d’accrocher à cette musique. Mark Lind possède une voix efficace et un vrai talent de songwriter ; mais cet album émarge davantage à la pop peuplée de guitares saturées qu’au punk rock. Peut-être parce que la batterie manque un peu de puissance… Ou que l’ensemble manque d’un je-ne-sais-quoi indéfinissable… D’un grain de folie ou d’agressivité aussi.
La country souffre du même syndrome que le rap : le courant est plombé de clichés véhiculés par une poignée de machines à tubes stéréotypées, finalement peu représentatifs du genre. Le regretté Johnny Cash avait bien prouvé à travers ses « American Recordings » que cette musique restait tout a fait moderne ; reprendre U2 et Nine Inch Nails, il fallait le faire ! Mais pour certains, country reste synonyme de ‘musique de cow-boys à paillettes’ ; sans doute les mêmes qui ont un jour prétendu que le blues était une musique de motards alcooliques…
Allison Moorer laisse les clichés loin derrière et son style s’avère suffisamment inventif pour susciter l’intérêt. Catalogué Alternative Country, il évolue ainsi à mille lieues du mainstream. Bien produit par son époux Steve Earle (lui-même songwriter de renom), « Getting Somewhere » ne craint pas de s’éloigner des sentiers balisés de la country ‘classique’. A l’instar de « How She Does It » et ses accords aux parfums de folk zeppeliniens, l’aérien « Getting Somewhere » ou encore « Faireweather », hanté par un solo étrange. Le très beau brin de voix de la dame finit de convaincre. Un album agréable.
Annie a deux héros : son père et John Peel, le mythique animateur de BBC Radio 1. Son papa participa à parfaire son éducation, feu John Peel à lui ouvrir les yeux. Comme son modèle, Annie Mac est aujourd’hui DJette sur BBC Radio 1. A la demande du label Sunday Best, notre souriante boosteuse de disques a accepté de se plier au jeu des compilations « A to Z ». A l’heure où les meilleures compilations sont faites maison, Sunday Best relance l’intérêt de la chose au gré d’un concept original, simple et dansant. Un ou une artiste reçoit une carte blanche, légitimée par une seule et unique contrainte : les 26 morceaux de la compilation respecteront scrupuleusement un ordre d’apparition alphabétique. Que la fête commence !
La Soul Jazzy de Roy Ayers doit sa pôle position à la première lettre du nom de famille de son géniteur. « Everybody Loves The Sunshine », chante-t-il. On ne peut plus vrai. Plus loin dans l’alphabet, la lettre f nous offre une version électronique du « Hounds of Love » des Futurheads. Les mains en l’air, on perd nos repères. G, h, i, j, k, l. Parez à danser ? Goldfrapp, Hot Chip, l’excellent « I Gotta Thang » de Cass & Mangan, Justice vs Simian, The Knife (« Heartbeats ») et Jamie Lidell (« Multiply ») s’enchaînent. Dans des versions originales ou remixées, ces titres nous invitent à bouger, chanter. Danser encore. Après cette débauche d’énergie, on dit M. Comme Metric. Leur « Monster Hospital », passé à la moulinette des bougres de MSTRKRFT, fait l’effet d’une bombe. N, o, p, q, r. Nos semelles sont lacérées. Pieds nus, on continue de fouler le dance-floor : Nu Shooz (faudrait y penser justement !), Orbital (« Belfast »), Phoenix (« Lost & Found »), Q-Tip et Röyksopp (« What Else Is There ? »). L’abécédaire d’Annie Mac s’achève fort logiquement sur le « ZZ » de Cut Copy. Epuisé, on tombe sur le plancher, obnubilé par cet abécédé foutrement bien compilé.
Le rêve s’achève à mesure que le jour efface la nuit. Le rêve s’achève, cédant sa place aux désillusions. Ceux de quatre jeunes qui, jusqu’ici, n’avaient jamais été confrontés à la froide réalité. Mais le jour a effacé la nuit et leurs yeux se sont ouverts. Rien n’est plus comme ils l’imaginaient. L’idéalisme juvénile n’a plus lieu d’être. Constat que le quartette a décidé d’immortaliser de sa plume. En découle « Dark Light Daybreak », le disque de la maturité. S’ouvrant sur un « Let The Sirens Rest » éloquent, le troisième essai de Now It’s Overhead s’inscrit dans le plus pur style Saddle Creek. Le quatuor a d’ailleurs convié Maria Taylor à se joindre à lui sur plusieurs titres. Emmenés par les vocalises d’Andy LeMaster, proches de celles d’un certain Conor Oberst (décidément…), les nouveaux morceaux de Now It’s Overhead sont enveloppés d’un voile d’agitation, peu présent lors des précédent travaux de la formation. Si « Estranged » ou « Believe What They Decide » soulignent des instants de vies où les choses ne se déroulent pas comme prévu, où rien ne va plus, les marquants « Walls », « Night Vision » et autres « Let Up » parviennent également à les rendre un peu plus supportables. Un équilibre qui fait de « Dark Light Daybreak » une thérapie efficace pour (presque) pas un rond…
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