De Lemon Jelly à Pan American, de plus en plus d’artistes offrent en bonus de leurs disques, des DVDs d’illustration : on peut ainsi regarder la musique ou écouter des films, l’ambition revendiquée étant de créer chez l’auditeur/spectateur cette sensation de synesthésie qui se doit de le plonger dans un état de transe proche de l’épilepsie. Evidemment, la plupart du temps, c’est peine perdue. Que l’artiste vidéo Bob Jaroc et les deux Plaid aient collaboré de manière étroite, les images de l’un inspirant la musique des autres (et vice et versa), c’est une chose. Qu’ils pensent avoir ainsi atteint le choc audiovisuel tant espéré, c’en est une autre. D’autant que la bande sonore évoque ici l’électronica des années 90, bref un pot-pourri peu convaincant de ce qu’Autechre, The Black Dog (forcément…) et Orbital faisaient il y a belle lurette. « I Citizen The Loathsome » rappelle ainsi le « The Box » des frères Hartnoll, et « The Launching of Big Face » les débuts ambient de Sean Booth et de Rob Brown. Ailleurs on parle acid (« Super Positions »), électro-polka (« The Return of Super Barrio ») et bleeps ‘warpiens’ qui sentent le réchauffé. L’image en plus ne change rien à la donne : chez Plaid tout est affaire de nostalgie, qui rime avec ennui.
Du lourd ! Présenté en avant-première dans la compile « Soma 200 » sortie au début de cet été, The Separatists est le nouveau projet mené par Percy X. Comptant également dans ses rangs Marco Bernardi (Octogen) et John Hospital (Dirty Hospital), The Separatists livrent cette fois un premier essai taillé sur mesure pour les tympans des clubbers. S’il ne dégage absolument rien de transcendant sur une platine de salon, c’est que cet opus s’adresse essentiellement aux DJs. « Akilak » renferme en effet 11 titres techno minimaliste dont certains, en dehors de leur élément, peuvent très rapidement provoquer des maux de crâne (« Audiomer », « Bug Rider »). A contrario, d’autres morceaux tels que le trippant « No Love Lost » ou un « Exit Smiling » à la Nathan Fake, agissent sur l’ensemble telle une décharge hormonale invitant aux danses les plus sensuelles. A l’heure où les clubs rouvrent leurs portes, The Separatists devrait donc, malgré quelques accrocs, faire un massacre de plus sur les dancefloors.
Duo atypique issu de Los Angeles, Chace Infinite et Dj Khalil viennent de concocter un solide album sur le label de Dj Muggs (Cypress Hill). Le propos sans concessions de Self Scientific se distingue par un travail musical de très haut niveau. En outre, il n’hésite pas à briser les clichés en vigueur dans le hip hop pratiqué sur la côte ouest des Etats Unis. Le disque est partagé entre productions très électro et plutôt down tempo (« Balance », « When I Die », « 2 step »), gros beats bien gras teintés de soul rappelant EPMD (les phénoménaux « Change » et « King Kong ») et autres titres au cours desquels les boucles de disques soul défilent deux fois plus vite que la vitesse normale (« Tears », « Live n Breathe », le génial « What You Need »). Nettoyées de ses clichés, les rimes de Chace Infinite (au flow très proche de Jay Z) font le reste. Que le propos soit politique ou se focalise simplement sur la vie de tous les jours. Synthèse réussie entre titres hédonistes et propos plus graves pour un disque (trop) discret mais d’excellente facture.
Originaires de Dortmund, les Allemands de Speedway 69 viennent de commettre leur deuxième opus en 10 ans. Responsables d’un rock énergique lorgnant vers le punk dans sa version la plus métal, les quatre membres du combo ont aussi pondu une quantité appréciable d'Eps et de vinyles en tous genres. Une discographie pléthorique qui force le respect mais pose également la question de la qualité de toute cette production... Soyons honnête, "Spam Dance" n'est certainement pas l'album du mois. Trop classiques, trop peu inspirées, bourrées de clichés, les compos de cette plaque libèrent quand même une bonne dose d’énergie. Boostés par la rage et proches, en certains points, de Marylin Manson ou même d'Alice in Chains, des titres comme "Lankshop" ou "Velvet Lounge" font ainsi leur petit effet. Est-ce suffisant pour sauver tout l'album? C'est une bonne question, merci de l'avoir posée...!!!
Ty Tabor ne chôme pas : depuis 2000, il s’est fendu d’un album annuel avec ou sans son trio King’s X. Et moins d’un an après la sortie de « Ogre Tones », il ose une quatrième escapade en solo : « Rock Garden ».
Enregistré entre mars 2005 et juin 2006, cet opus recèle onze compositions où Tabor semble avoir traversé la mauvaise passe qui l’avait conduit au mélancolique « Safety » (son précédent album sans les King’s X). « Ride » ouvre l’elpee sur les chapeaux de roues ; mais on peine un peu à retrouver, par la suite, des morceaux du même calibre. Gorgé de grosses guitares ou écumé de solos inventifs, l’ensemble est enrichi par de superbes harmonies vocales (une de ses spécialités). Pourtant, malgré le superbe travail opéré sur des titres comme « I Know What I’m Missing » ou « Take It Back », on aurait souhaité quelques morceaux aussi enlevés que la plage d’ouverture. Histoire de maintenir l’intérêt manifesté par tout amateur de beau travail guitaristique. En prime, on a cependant droit à un ghost track de Ty et ses potes tapant un petit blues acoustique dans le jardin… en compagnie du chien !
Quelques mois après sa sortie, le « Five Years » de John Vanderslice débarque sur notre platine pour le plus grand plaisir de nos petites oreilles. Celui qu’on a récemment pu voir en première partie de la tournée européenne de Josh Rouse nous livre ici une collection efficace et intemporelle de ses meilleurs titres enregistrés entre 2000 et 2005. Une introduction idéale au charme à la fois austère et cathartique des mélodies de l’homme (« My Old Flame », « Time Travel Is Lonely »). Si certains morceaux évoquent Spoon ou encore The Flaming Lips (« Keep The Dream Alive », « Up Above The Sea »), le côté délirant en moins, ils sont surtout caractérisés par une plume particulièrement aigre-douce (« Bill Gates Must Die », « Exodus Damage »). « Five Years » constitue donc un excellent cours de rattrapage pour tous ceux qui auraient manqué les cinq premières leçons de vie de John Vanderslice.
On découvrait Van Hunt il y a deux ans lors de la sortie d’un premier disque pétulant, mix élégiaque de soul, de funk, de pop et de r’n’b dans la lignée des grands crus de Prince et de D’Angelo. Produit par Bill Bottrell (Michael Jackson, Madonna, Sheryl Crow,…), le deuxième album de Van Hunt grossit le trait pour plaire au plus grand nombre. Tel un bonbon qui fond lentement dans la bouche, « On The Jungle Floor » réunit donc 16 titres qui font la part belle aux mélodies sucrées, à consommer fissa. « If I Take You Home » ouvre le bal, et déjà toutes les filles se pressent sur la piste de danse. Ne reste plus qu’à les cueillir, ouvertes, sur le groovy « Hot Stage Lights », en feignant de miauler comme un chat en chaleur (la voix, falsetto). Un « Girl, I wanna be your superman » dans l’oreille (« Daredevil, Baby »), et le tour est joué : elles se pâment, glissent sur les cordes, lovent leur bassin dans le creux de notre ventre offert. ‘Ride, Ride, Ride !!!’, crie-t-on en tirant une grosse langue comme Lenny Kravitz (le riff), avant de calmer nos ardeurs sur « Suspicion », « No Sense of Crime » (une cover des Stooges !) et le très « smooth » « Priest or Police ». « On The Jungle Floor » réveille en nous, mâles ou femelles, les démons de minuit : entre chien et loup, mieux vaut ne pas choisir et rugir de plaisir. C’est la jungle, baby, alors assure ton derrière : la nuit ne fait que commencer.
En déballant cette galette, une réflexion vous traverse immédiatement l’esprit : depuis l’automne 2001, de nombreux artistes crient bien haut leur opposition au gouvernement Bush. Depuis l’engagement sincère à l’opportunisme démago. Surprise, à l’ouverture du livret, une petite note du guitariste TJ Welch remercie ‘les forces armées U.S’ devant la photo d’un panneau affichant un inventaire des pertes américaines en Irak… Introduit par un extrait du film « Patton » (la fameuse citation ‘le but de la guerre n’est pas de mourir pour son pays mais de faire en sorte que le salaud d’en face meure pour le sien !’), le titre « Can’t Wait » est ainsi dédié à un fan en uniforme parti pour le Moyen-Orient ! Humour décalé ? On peut se le demander en écoutant un morceau comme « United » (We Won’t Surrender/We Were Born To Fight/They Make The Wrong/And We Create The Right) ? Ce genre de prise de position est plutôt rare chez un groupe de punk-hardcore ! On ne peut pas brûler les artistes pour leurs opinions (remember le boycott des malheureuses Dixie Chicks après leurs déclarations à l’encontre du Résident des USA), les Welch Boys ont au moins l’honnêteté d’assumer les leurs.
Quoiqu’il en soit, la musique de ce combo bostonien se défend très bien et ne manque pas d’arguments massues : du punk brut de décoffrage se situant dans la droite ligne de Black Flag, avec vocaux gutturaux, tempos speedés et petits solos rock & roll. Energique et efficace. Le groupe déménage et ça, c’est une considération purement objective !
Avant sa mort, Muddy Waters avait déclaré que John Long était le meilleur jeune artiste de country blues encore en vie. Considéré par les spécialistes comme un véritable trésor national, John est né à St Louis, dans le Missouri. En 1950. Très jeune, il écoutait déjà les 78 tours de jazz et R&B de sa mère ou se postait devant sa radio pour écouter les programmes consacrés à la musique noire. Au début des années 60, il milite au sein d’un groupe de rock’n’roll et de R&B, en compagnie de son frère : les Mystics. Mais il séjourne régulièrement à St Louis où il côtoie de vieux bluesmen comme Big Joe Williams et Doc Terry. A l’aube des seventies, il atterrit à Chicago où il fréquente assidûment Homesick James Williamson. Ce dernier lui enseigne pas mal de ficelles. Il existe très peu de témoignages enregistrés de John Long. Ce qui explique pourquoi il est demeuré si longtemps méconnu. Il aura fallu qu'une de ses démos tombe dans les mains d'Al Blake, le chanteur/harmoniciste du Hollywood Fats Band et des Hollywood Blue Flames, pour le sortir de l’anonymat. Mis au parfum, Randy Chortkoff, boss de Delta Groove (NDR : dynamique label blues de Los Angeles), lui offre enfin l’opportunité de graver un album éponyme. Sous le charme, Chortkoff a le sentiment que cette découverte est semblable à celle d'Alan Lomax, lorsqu'il a invité Muddy Waters à entrer en studio, pour la toute première fois. John Long semble sorti tout droit des années glorieuses d'avant-guerre. Un bluesman pur et dur qui évolue sur le même terrain que Tampa Red, Scrapper Blackwell ou Peetie Wheatstraw. L'elpee a été concocté en une journée. A Burbank, en Californie. Long a composé la plupart des compos du disque. Il a cependant reçu le concours de son frère Claude pour quatre plages. A l’écriture. John chante, joue de la guitare et de l'harmonica. Fred Kaplan (NDR : un acolyte de longue date d'Al Blake) le soutient au piano pour trois morceaux.
Entièrement respectueux du blues ancestral, John chante "Hokum town" d’une voix vivace. Il la met cependant au service de la composition. Expert dans le traitement des cordes, ses attaques sont sans fioritures. Il les place pourtant au coeur de la tradition musicale. Et on ne peut alors s’empêcher de penser aux créateurs depuis longtemps disparus tels que Charlie Patton, Son House ou Willie Brown. "Pressure cooker ('bout to blow)" est imprimé sur un tempo bien marqué. John y ajoute l'harmonica ; mais il évolue ici dans un registre rythmique bien plus proche d’un Jimmy Reed. Fred Kaplan le rejoint au piano pour "Hell cat". Long manifeste une authenticité stupéfiante lors de léger blues alliant guitare et piano. Imaginez-vous soixante ans plus tôt à l’écoute de Leroy Carr et Scrapper Blackwell, Big Bill Broonzy ou encore de Big Maceo Merryweather, un peu plus tard. Authentique, il l’est tout autant sur "Blues and boogie woogie". Ce chanteur/guitariste se met dans la peau des artistes delta blues les plus significatifs. Et je pense tout particulièrement à Robert Johnson. Voire à Tommy Johnson. D’ailleurs cette compo aurait fait un malheur si elle avait été interprétée par le Canned Heat de Bob Hite et Alan Wilson! "Foot stompin' daddy" est de la même trempe. Et signé par son frangin, "Greyhound diver" joue les prolongations. Nuance : la présence d’un bottleneck ; et puis la voix est bien plus mâle que celle du légendaire Johnson! "Stranglevine" constitue un des meilleurs moments de l’elpee. Kaplan s’y réserve le piano. Long gratte en soufflant dans son harmo posé sur le rack. Nous ne sommes alors plus très loin d’un classique du blues comme "It hurts me too". A moins que ce ne soit de Big Bill Broonzy. A cause de la sobriété et de la facilité manifestées dans l’interprétation. Déconcertant ! Il remet le couvert lors du séduisant "Mean ole rootin' ground sloth". Un fragment bouleversant d'authenticité et de sincérité! John cumule guitare, harmonica et percussions sur le boogie instrumental "Johnnie's jump". Secondé par une guitare aux accords jazzyfiants, Long chante d’un timbre intimiste et chaleureux "Healin' touch". On ressent très fort sa présence. A un tel point que parfois, on a l’impression qu’il est assis près de vous. Impressionnant! Lost & found" s’achève par deux versions différentes de "Leavin' St Louis". Tout d’abord en solo : John, son chant volontaire, ses cordes, l'harmonica fragile et acéré comme un Jimmy Reed au sommet de son art. Assurément, Jon vit son blues. A un tel point que son inspiration, sa créativité, se fondent dans son art. Trop peu d’artistes contemporains manifestent une telle passion. Ce n’est donc pas une surprise lorsqu’il adapte ce thème, flanqué de Fred Kaplan aux ivoires. Difficile alors de ne pas penser au grand Otis Spann et aux belles années qu’il nous a gratifiées. On comprend mieux pourquoi, Jon impressionna en son temps une légende comme Muddy Waters! Cet homme attachant vient de commettre un album tout bonnement remarquable.
Originaire du Wisconsin, RJ est âgé de 46 ans. Il a fait ses armes sur les scènes de Minneapolis et St Paul dans le Minnesota ; surtout après avoir assisté à un concert de Muddy Waters. Musicien professionnel depuis 1978, il a accompagné le regretté chanteur Percy Strother. En 1980, il rencontre Mojo Buford, un ancien musicien de Muddy Waters. RJ commet son premier album en 1992. "Ready to go" sur Blue Loon. Le guitariste Teddy Morgan et Percy Strother y participent. Il embraie par "Gonna rock tonight" en 94 et entame alors une tournée en Europe où il est signé par le label allemand Crosscut. Il commet successivement "Rough & tough", un opus immortalisé ‘live’ sur le Vieux Coninent et "Cool disposition" ; tous deux en 1996. "West wind blowin" paraît en 99, "Meet me on the Coast" en 2001 et "In the house", flanqué du Down Home Super Trio en 2004. Il a également enregistré pour le label californien Mountain Top Productions dans la série "Blues Harmonica Meltdown", en compagnie notamment de Mark Hummel.
Pour ce nouvel elpee, il a reçu le concours de son ami français, Frank Goldwasser, de musiciens du groupe de Charlie Musselwhite, du guitariste norvégien Chris "Kid" Andersen, du batteur June Core, du pianiste Sid Morris ainsi que du bassiste Marcus Carino (ex-Fabulous Thunderbirds). L'album a été enregistré en prise directe au sein des studios Wally Sound. A Oakland en Californie. Signé Mr Bo, "The train " est une ouverture de choc très jump. La section rythmique assure le tempo. L'harmonica de RJ est doublé par le honky sax de Barry Shulman. Ce dernier hurle pour prendre l’ascendant, mais RJ veille au grain! Les musiciens maintiennent un tempo très vif mais dans un style très différent, proche du Chicago Southside, pour attaquer la cover du "20% alcohol" de J.B Hutto. Le piano barrelhouse de Sid Morris soutient l’ensemble en arrière-plan, pendant que Goldwasser sort le grand jeu de manière très agressive. "Mojo lounge" est du pur Mischo. Il amorce ses interventions, l’esprit hanté par Big Walter Horton. Les poumons dilatés, il souffle dans son harmo qui gémit, se plaint, hurle au loup. Un solo étincelant, saturé de ‘wailing’ harp, qui force vraiment l'admiration. Percutant, "The switch" est un petit joyau. Probablement l’exercice instrumental le plus impressionnant de l'album. La partie rythmique est assurée par June et Marcus. La puissance et la cohésion des guitares démoniaques impressionnent. Le piano de Morris virevolte. L'harmonica s'envole dans les aigus lorsque soudainement, une autre râpe fait son apparition dans le décor sonore. Probablement celle de Kid Andersen. La sortie très atmosphérique, libre de toute contrainte, sort des canons habituels du blues. Superbe! "Telephone drive" relate un fait divers dramatique. L’histoire d’un accident grave causé par l’utilisation abusive d’un mobile dans un véhicule. Musicalement, la transposition est réussie. Les guitares et le piano sont parfaitement complémentaires. June Core entretient le groove. L'harmonica de Mr Mischo fait le reste. Du bien bel ouvrage! Autre instrumental ravageur, "The pull" évolue au sein d’un univers proche des thèmes abordés naguère par Freddie King ; mais en plus riche encore. Le piano est insatiable. Le sax de Shulman soutient une nouvelle fois l'harmo. Classique, le "Bluebird blues" de John Lee "Sonny Boy" Williamson permet aux musiciens de faire un break. Le tempo se complait dans l’indolence. C’est le moment d’éteindre les lumières… Mais la frénésie refait rapidement surface lors d’une seconde cover de JB Hutto : "Please help". Goldwasser saisit l’occasion pour faire glisser son bottleneck le long de ses six cordes. Elles semblent même souffrir le martyre. Une agitation intense envahit le "Hippie's playground" de Jimmy Dawkins. Les musiciens sont très nerveux. Les deux guitares sont incapables de se contenir et dominent finalement cette plage. Frank opère une sortie très sèche alors que Chris fait vibrer ses cordes comme un Otis Rush des grands jours. La cohésion et la puissance conjuguées par June et Marcus sont impressionnantes. Et ils le démontrent une nouvelle fois lors d’un autre instrumental intitulé "The waddle". L’énergie dispensée par les ivoires de Sid est destinée à sublimer le jeu du maître RJ. Bref interlude, "RJ come and get it" est emprunté à la mélodie de "My Babe". RJ est uniquement soutenu par les baguettes de June et le sax de Shulman. La fin de parcours s’avère cependant moins intéressante ; mais globalement ce "He came to play" constitue certainement l'un des meilleurs albums de R.J Mischo.
Feu Ali Ibrahim Touré est né 1939. Au Mali. Le long du fleuve Niger. Dans le village de Kanau, très exactement. Il avait reçu le surnom de "Farka" (NDR : traduction ‘âne’, symbole de la force et de la résistance physique), car il était le premier des dix enfants de la famille à avoir vécu jusque l'âge adulte. Très jeune, il s'installe à Niafounké, une bourgade sise à 200 km au sud de Tombouctou. Il en deviendra le maire. Ali s'est éteint en mars dernier. Il était atteint d’un cancer des os. Ali n'a pas fréquenté l'école. Il est devenu chauffeur de taxi, mais s’intéressait surtout à la musique. Il jouait de la guitare et plusieurs instruments traditionnels, tels le ngoni, le luth à 4 cordes, le njarka, le violon populaire ou encore le gurkel, petite guitare à une corde. Le Mali fête son indépendance en 1960 et Touré devient musicien professionnel. A la fin des années 60, il découvre la musique noire américaine et bien entendu le blues. Il est séduit par John Lee Hooker. En 1976, il commet son premier album "Farka". En 1987, il tourne en Europe et se produit à Wembley devant 18.000 personnes. Il se rend ensuite aux Etats-Unis et au Japon. Il signe chez World Circuit et grave un album éponyme. Puis "The river" en 1990 et "The source" en 91, flanqué de Taj Mahal. Il devient l'une des vedettes majeures de la World Music. Paru en 1993, et concocté en compagnie de Ry Cooder, "Talking Timbuktu" remporte un très gros succès. Réunissant des enregistrements antérieurs, "Radio Mali" est édité en 1996. Mais un an plus tard, il se retire chez lui, à Niafounké, pour se consacrer à l'agriculture. Il n'abandonne cependant pas définitivement la musique, puisqu'il aligne encore "Niafunke" en 99 et "In the heart of the moon" en 2005, avec le joueur de kora Toumani Diabaté. Pour cet elpee, un Grammy Award leur sera attribué ! En 2004, le réalisateur Martin Scorcese filme Ali dans un documentaire intitulé "Du Mali au Mississippi".
"Savane" constitue donc son album posthume. L’étiquette ‘le roi des chanteurs du blues du désert’ y a été apposée. Sur la pochette, Ali est assis sur un ‘rocking chair’. Sous les rayons d'un soleil que l'on devine brûlant, sa pose est nonchalante. Si la musique est qualifiée de ‘blues du désert’, c'est dans le sens le plus large du terme qu'il faut le comprendre. Balayé par le sable du désert malien, mais hydraté par le fleuve Niger, cette musique africaine est imprimée immuablement sur une rythmique hypnotique et entretenue par les cordes des ngonis, des njarkas et autres percussions. Des motifs répétitifs sur lesquels viennent se greffer l'harmonica de l'Anglais Little George Sueref (ex- Big Joe Louis & the Blues Kings) et le saxophone de Pee Wee Ellis (ex-James Brown Band). Ces deux musiciens opèrent le trait d'union entre le folklore malien et le blues tout au long du puissant titre d’ouverture "Ewly". Touré le chante d’une voix chaude qui ressemble étrangement à celle de John Lee Hooker. "Yer bounda fara" nous plonge davantage dans la culture indigène. Farka rejoint les voix des chœurs masculins. Tout comme sur "Sopa". La guitare adopte une ligne répétitive pour "Beto". Elle est suivie par le saxophone d'Ellis. Mais pour la circonstance, des voix féminines répondent au maître du désert. Enfin, d’une grande pureté, le titre maître met les cordes à l'honneur. Le rythme épouse imperceptiblement celui du reggae. Il provoque une certaine transe. Ali y improvise des mots dans la langue de Molière. "Penda yoro" rapproche davantage Touré du blues, en traçant, d'une certaine manière, un axe Niger Mississippi. Les deux grands fleuves entonnent des chants tribaux soutenus, par les inévitables percus. Sueref, le ngoni démoniaque de Ledi Coumbe, verse des larmes. Les cordes fiévreuses d’Ali entrent en éruption. Une nouvelle fois, "Machengoidi" nous entraîne dans un monde imaginaire fouetté par le blues des sables. Le motif rythmique y véhicule des chants plaintifs. Face à un ngoni dont la tonalité est empruntée à la basse, les poumons de George Sueref libèrent les notes d’un harmonica empreintes d’une grande tristesse. Cette conjugaison de sonorités opérées tout au long de "Ledi Coumbe" apporte du relief à cette plage à la richesse insoupçonnée. "Savane" poursuit son périple à travers les diversités des sons et des rythmes ainsi que des constantes imposées par l'ensemble. En finale, "Njarou" enfile de petites perles sur des cordes, des perles subtilement nacrées de jazz africain… Excellent!
Quelques semaines plus tôt, les Black Keys rendaient hommage à Junior Kimbrough par le prisme d’un mini-album intitulé « Chulahoma ». Le flingue bariolé illustrant la pochette laissait entrevoir une œuvre sans concession. Le blues – base de production du duo d’Akron – du maître s’électrocutait alors aux riffs poisseux de ses élèves : Dan Auerbach (chant, guitare) et Patrick Carney (batterie). Après cette dédicace distordue, les Black Keys goûtent aux effets de « Magic Potion ». Sur ce nouvel album, le rock tente de subordonner le blues. Mais ce dernier riposte. Il sursaute, vibre. Et jamais ne se laisse dompter. L’antidote concocté par Carney et Auerbach constitue un nouveau tour de force : confrontation instable campée entre rock’n’roll et blues, douleur et sueur. La guitare et la batterie célèbrent ici une symbiose de tous les instants. Le timbre de Dan Auerbach évoque celui d’un vieux bluesman, éreinté par la vie, accablé par les brûlures du soleil mais fier de son pacte conclu avec le diable. A l’heure du quatrième album, les Black Keys affichent leur personnalité. Entière, vouée aux souvenirs de l’esclavagisme noir américain et aux riffs burnés d’une meute de teenagers restés trop longtemps cloîtrés dans leur garage. Remède moderne aux divers égarements sonores, « Magic Potion » est une fiole de jouvence essentielle pour ce bon vieux rock’n’roll. Sans crainte, les novices peuvent absorber « Just A Little Heat » et « Goodbye Babylon ». Métamorphosés, ils marcheront dans le droit chemin. L’effet est immédiat, garanti. Pas rétrogrades, mais fidèles aux principes fondateurs du mode binaire, les Black Keys demeurent nos druides favoris. Buvons à cette « Magic Potion ». Buvons !
Une Barbara méditerranéenne ? Une Nico hexagonale ? En écoutant Barbara Carlotti chanter, on songe à ces deux icônes de la chanson. Ces références mortelles entendues, on ne peut s’empêcher d’évoquer Françoise Hardy. L’ombre de l’égérie pop des sixties plane indiscutablement sur « Les Lys Brisés ». Ce premier album dévoile une artiste élégante. Entre pop romantique et chansons littéraires, la chanteuse pose sa voix. Ouvertement, sans ambages. Sensuels, les mots évoquent des histoires d’amours insensées, des rêves retardés. Les chansons de Barbara Carlotti sont intemporelles, soigneusement conservées dans un écrin de douceur. Plus personne ne chante de cette façon. Voilà la clef du chant de Barbara Carlotti. Ce côté suranné, un peu désuet, résonne sur notre platine comme le plus bel écho d’un passé fantasmé. Tellement vraies, ses paroles nous font rêver : ‘le malheur sur la Côte d’Azur. C’est que jamais rien ne dure’ (« Cannes »). Dandys décadents, démesures et autres curiosités participent aux bris de ces Lys. Et c’est un délice.
« Ca balance [pas mal] à Liège » est une initiative comme on voudrait en voir plus souvent. Né en 2002, ce projet, soutenu par Liège Province Culture et l’ALPEM, est destiné à aider les artistes débutants tant au niveau de la création, qu´au niveau de la diffusion, de la production et de l’édition discographique. Cette troisième compilation de « Ca balance [pas mal] à Liège » nous présente douze artistes issus d’univers musicaux très divers. Se côtoient donc sur ce cd pop, rock, folk, électro, variété française et musique arabo-andalouse. Rien à jeter sur cette compilation, les différents artistes nous proposant, chacun dans leur style, des morceaux de qualité et de charme. Mentions spéciales à Lydie Claire qui nous enchante par son « N´importe quoi » et à Blue Velvet et son excellent « Are you ready ? ». Espérons donc un avenir qui balance pour ces douze talents en devenir !
Au menu : Alcatraz (pop rock), Ananke (jazz), Blue Velvet (pop rock), Charlotte Renoy (chanson française), Crowded (pop rock), Dubicki-Tripodi Quintet (jazz), Gabrielle Ghray, Géraldine Cozier & the Swallows (jazz), Indoo (pop rock), Lydie Claire (chanson française), Moon Fish (électro pop) et Ourouk (world music).
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